Le cinéma mettant en scène des anglais d'origines indienne ou pakistanaise, se déroulant sur le territoire britannique et traitant de relations avec les habitants qu'ils soient anglais dits de souche, anglais issus de l'immigration ou de familles métissées est appelé British-Asian cinema. Quelle image moderne de la britannicité les films British-Asians propagent-ils? L'identité anglaise n'est pas liée à la couleur de la peau ou aux origines ethniques mais au sentiment d'être anglais et de partager une culture commune. Beaucoup de personnes issues de l'immigration se disent aujourd'hui anglaises comme cela a pu être expliqué dans le très surprenant documentaire "100% English". Ces diverses représentations transparaissent dans les médias et de façon claire et accessible dans les films. Le cinéma agit comme un moyen de propager dans le monde entier une image de la britannicité. C'est dans ce contexte de redéfinition identitaire britannique que le gouvernement de Tony Blair a misé sur le cinéma britannique et son développement dans toute sa diversité. Nous pouvons nous interroger sur ce qu'est cette représentation britannique, mais aussi anglaise, vu sous cet angle particulier du mélange culturel au cinéma. L'intégration, réussie ou non, les mariages forcés, la religion, les stéréotypes culturels britanniques et Asians sont autant d'obstacles à franchir pour affirmer une identité britannique. Certains anglais ne savent plus qui ils sont réellement, on en vient à faire des tests ADN pour évaluer son niveau d'anglicité et toute légitimité à être anglais. Il est étonnant d'observer qu'à l'inverse, ces nouveaux britanniques issus de parents indiens ou pakistanais, affichent souvent une identité britannique et anglaise claire, peut être même exacerbée et mieux définie. / Cinema staging English people of Indian or Pakistani origins, taking place in Britain, is called "British-Asian cinema". What is the modern image of Britishness that British-Asian films convey? In this respect, English identity is not linked to the color of the skin or to ethnic origins but to a common culture. Various representations appear in media and in a clear ans approachable manner in films. The cinema acts as a means to spread an image of Britishness worldwide. It is in this context of British self-defining or redefing that the government of Tony Blair gave support to the British cinema and its development in all its diversity. Analysing British representation through the lens of cinema seems quite interesting. Whether it is represented as successful integration or forced mariages, religious fanaticism, the Asian cultural stereotypes are obstacles to overcome to assert a British identity. Moreover, some English people do not know who they are, indeed they ended up making DNA tests to assess their level of Englishness and any legitimacy to be English, as it is explained in the TV documentary "100% English". It is striking to notice that on the opposite, these new British people of Indian or Pakistani parents, often show a clear British and English identity, which can sometimes be exacerbated and very accurately defined.

La prolifération des versions multiples dans le cinéma en Espagne de 1955 à 1967 résulted’une situation complexe, qui trouve son origine dans les conditions de production et dedistribution, dans une législation qui ne cesse d’évoluer pour mieux contrôler le domaine, et aussidans l’émergence de voix discordantes au sein de la création.Le premier facteur déterminant est la mise en place de structures administratives decontrôle, dont la censure se révèle l’instrument le plus direct, mais qui ne doit pas faire oublier laportée des autres mécanismes d’autorisation et de protection économique : il s’agit d’imposer aucinéma les cadres de l’idéologie du régime franquiste et de l’Église. Il ne faut cependant pas sousestimerl’importance de l’industrie dans cette pratique systématique : les formes de production,de distribution, de diffusion, l’émergence de nouveaux courants et les difficultés techniques jouentelles aussi un rôle essentiel.Après une analyse générale de ces facteurs étroitement liés entre eux, un éventail de neufétudes de cas dresse un portrait de la pluralité filmique dans une Espagne qui traverse unepériode d’espoir et de velléités d’ouverture. À travers l’approfondissement de la genèsecompliquée de films représentatifs des principaux genres et courants ainsi que des différentesétapes qui jalonnent l’histoire du cinéma espagnol de 1955 à 1967, il apparaît quel’interdépendance de l’État et de l’industrie constitue le terrain propice à l’existence systématiquede variantes voulues ou imposées. / The proliferation of multiple versions in cinema in Spain from 1955 to 1967 is due to a complexsituation originating from the conditions of production and distribution, a legislation that constantlyevolved in order to control the sector more efficiently and the emergence of dissenting voices amongcreators themselves.The first decisive factor is the setting up of administrative organs of control, among whichcensorship proves to be the most straightforward instrument, although other significant mechanismssuch as licensing or protectionism are equally important: their aim is to impose upon cinema theideology of the Franco regime and Catholic Church. However, the role of the industry in this systematicpractice should not be underestimated: a significant part is played by the forms of production,distribution and diffusion, the emergence of new trends and also technical difficulties.After a general analysis of these closely interconnected factors, a sample of nine case studiesprovides a portrait of film plurality in Spain as it is undergoing a period of hope and timid opening.Through an in‐depth study of the complicated creation of films representative of the main genres andcurrents as well as the different stages in the history of Spanish cinema from 1955 to 1967, it appearsthat the interdependency of the State and the industry is the breeding ground for a systematic use ofmultiple versions, whether deliberate or imposed.

Esta tese tem por objetivo analisar três filmes do cineasta brasileiro Glauber Rocha realizados no exterior: O leão de sete cabeças (Congo/Itália/França, 1970), Cabeças cortadas (Espanha, 1970) e História do Brasil (Cuba/Itália, 1972-74, co-dirigido por Marcos Medeiros). Parte-se do entendimento que a produção de significados da obra cinematográfica (as escolhas estéticas e a manipulação da linguagem) expressa as determinações e as influências do processo histórico (das relações sociais e econômicas, da produção da cultura e da experiência pessoal do cineasta). A atuação internacional de Glauber Rocha, entre 1969 e 1974, foi delineada pela realização destes filmes, a publicação de artigos e entrevistas em periódicos europeus e latino-americanos e, finalmente, a participação em festivais, encontros e congressos de cinema. Estas formas de ação consolidaram as idéias e os anseios do cineasta, bem como explicitaram as fronteiras e os impasses as suas expectativas. Acreditamos que os filmes analisados constituem o núcleo dinamizador de um projeto formulado por Glauber Rocha de integração política e estética das cinematografias dos países pobres dos três continentes (América Latina, África e Ásia). O cineasta denominou este projeto de Cinema Tricontinental, inspirado no internacionalismo revolucionário de Che Guevara. Nossa tese pretende demonstrar que o Cinema Tricontinental fez convergir um programa político de unidade do Terceiro Mundo, uma criação estética pautada na incorporação da religiosidade popular e uma perspectiva de revolução social - simultaneamente, utópica e redentora. / Cette thèse a pour but d\'analyser trois films que le cinéaste brésilien Glauber Rocha a réalisés à l\'étranger: O leão de sete cabeças (Congo/Italie/France, 1970), Cabeças cortadas (Espagne, 1970) et História do Brasil (Cuba/Italie, 1972-74, co-réalisation de Marcos Medeiros). Nous partons de l\'idée selon laquelle la production des significations de l\'oeuvre cinématographique (les choix esthétiques et la manipulation du langage) exprime les déterminations et les influences du processus historique (des rapports sociaux et économiques, de la production de la culture et de l\'expérience personnelle du cinéaste). La présence internationale de Glauber Rocha, entre 1969 et 1974, a été circonscrite par la réalisation de ces films, la publication d\'articles et d\'interviews dans des périodiques européens et latino-américains et, finalement, la participation aux festivals, aux rencontres et aux congrès de cinéma. Ces formes d\'action ont consolidé les idées et les aspirations du cinéaste, de même qu\'elles ont fini par expliciter les frontières et les impasses de ses expectatives. Nous sommes en mesure de croire que les films analysés constituent le noyau dynamique d\'un projet formulé par Glauber Rocha: celui qui est tourné vers l\'intégration politique et esthétique des cinématographies situées dans des pays pauvres (en Amérique Latine, en Afrique, en Asie). Le cinéaste a nommé ce projet de Cinéma Tricontinental, inspiré de l\' internacionalisme de Che Guevara. Notre thèse prétend démontrer que le Cinéma Tricontinental établit la convergence d\'um programme politique de l\'unité du Tiers Monde, d\'une création esthétique marquée par l\'incorporation de la réligiosité populaire et d\'une perspective de révolution sociale - simultanément utopique et rédemptrice.

Robbe-Grillet, Lynch, Godard, Bergman, Suzuki, Satoshi Kon... Un certain cinéma s'illustre par son (inquiétante) étrangeté, effet d'une « dislocation » qui est celle de l'histoire dont le cours linéaire rassurant (destin de l'individu, Histoire des hommes, etc.) se voit perverti par une force organisatrice beaucoup plus libre, mouvante, plastique, fonctionnant par association, condensation, déplacement, glissement, métamorphose, etc.<br />Dans cette thèse, en parallèle à l'écriture d'un scénario de long métrage intitulé Le Cinquième Fantasme, nous analysons quelles sont les spécificités d'un tel « récit plastique » : nous désignons par cette expression une forme narrative proliférante (rhizomorphique) s'arrachant à la linéarité temporelle classique – le fil de l'histoire – pour se déployer dans un espace à plusieurs dimensions, un espace plastique, dans lequel le spectateur peut voyager à sa guise selon ses propres désirs, ses propres fantasmes, un espace au cœur duquel il taille sa propre temporalité, où il trace sa propre voie, où il écrit sa ou ses propre(s) histoire(s).<br />Pour rendre compte d'un tel « récit plastique », nous avons choisi de remonter très en amont de son écriture afin d'en révéler les mécanismes intimes. Cette thèse commence donc par une réflexion sur le fantasme comme modèle imaginaire en tant qu'il relève essentiellement des « processus primaires » : nous analysons les spécificités formelles de ce « psychodrame », en puisant pour cela dans le discours psychanalytique, afin de les réinvestir dans une possible écriture cinématographique. <br />Notre réflexion se situe au croisement de différents champs disciplinaires, notamment ceux de l'esthétique, de la théorie du cinéma et de la psychanalyse.

Devant la nécessité de penser la subjectivité féminine différemment, la présente étude explore un corpus de théories féministes provenant de divers courants de pensée, ainsi qu'un corpus de films réalisés par des femmes au Québec, pour y relever des représentations alternatives de la subjectivité féminine et étudier leur potentiel subversif. Puisqu'il semble profitable de valoriser les échanges entre les théoriciens et les artistes, notre étude propose une lecture croisée de ces deux corpus pour vérifier si certaines idées se recoupent, se complètent ou s'opposent. Dans cette recherche, nous examinons plus précisément comment la revalorisation du couple mère-fille, des déesses femmes et de la subjectivité féminine, effectuée par la théorie de Luce Irigaray et par le film La turbulence des fluides de Manon Briand, compense en partie les oublis, les censures et les méprises de la psychanalyse freudienne, des religions occidentales et des cultures patriarcales. Nous observons aussi comment la figure de la lesbienne, développée dans la théorie de Monique Wittig et dans le film Rebelles de Léa Pool, remet en question l'hétérosexualité, révèle le caractère artificiel des catégories de sexe et libère la sexualité féminine de ses attaches hétérosexuelles. Il s'agit aussi de voir comment la figure du travesti/transsexuel, mise de l'avant par Judith Butler et par le film Le sexe des étoiles de Paule Baillargeon, démontre la facticité des catégories « homme » et « femme », illustre le caractère « performatif » du genre et expose la rigidité des normes d'intelligibilité de nos sociétés. Nous expliquons enfin comment le sujet nomade, développé dans la théorie de Rosi Braidotti et dans le film Borderline de Lyne Charlebois, ébranle le mode de pensée dualiste, la métaphysique de la substance et le logocentrisme cartésien. À la lumière de cette exploration, il apparaît clairement que ces figures ne comportent pas en soi un pouvoir subversif; ce sont plutôt les procédés accompagnant la mise en scène de ces figures qui déterminent si celles-ci détiennent ou non le potentiel de perturber l'ordre établi. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Cinéma, Représentation, Femme, Subjectivité, Subversion.

La machine hollywoodienne se distingue par son emprise sur la consommation internationale de cinéma. Notamment, la récurrence des figures présentées dans le cinéma issu des grands studios de production influencerait non seulement les attentes du public relativement à la forme (durée, structure scénaristique, effets spéciaux), mais aussi la perception de l'histoire, des valeurs, de « l'Amérique » et du trépas. Une de ces figures tient dans les représentations de la mort du héros dans le finale hollywoodien, à laquelle cette recherche se consacre, et ce, à travers la récurrence des figures et leur portée idéologique. C'est sur cette question principale que s'adosse la structuration conceptuelle du mémoire qui est traduite en cadre d'interprétation. Celui-ci s'inspire des concepts de l'École de Francfort sur l'industrie culturelle, des travaux sur l'idéologie du cinéma américain d'Anne-Marie Bidaud, et d'un certain nombre d'auteurs sur les aspects du mythe (Joseph Campbell) et de la représentation de la mort (Louis-Vincent Thomas, Edgar Morin). Nous avons constitué un corpus de 12 films issus de la production hollywoodienne (300, Avatar, Easy Rider, Gladiator, lnglourious Basterds, Pearl Harbor, Public Enemies, Saving Private Ryan, Scarface (1932), Scarface (1983), Titanic, Troy). Ces films, choisis pour leur succès à l'échelle internationale et/ou leurs caractéristiques particulières en regard de la production des grands studios, s'avèrent pertinents pour une analyse s'effectuant sous l'angle des représentations de la mort du héros, particulièrement éloquentes de l'idéologie inscrite dans le finale. On sait que Hollywood produit des films en fonction de marchés donnés, que les productions sont formatées selon des genres précis déclinant leurs propres codes (historique, gangster, drame, péplum, action, fantastique, guerre) et que les finales hollywoodiens, surtout ceux des blockbusters, sont reconnus pour recourir au happy end. Ce schéma récurrent, manifeste dans l'analyse film à film du corpus, est exploré dans la dynamique « mythidéologique » à l'œuvre, mettant en relief des ressorts idéologiques précis, qui traversent les procédés de représentation de la mort et ce qu'en tirent les vivants. Il nous est apparu évident en conclusion qu'en esthétisant la mort, Hollywood renforce une certaine vision de la vie humaine. Peu importe les détours scénaristiques, les films et les héros, les grands studios nous ramènent à une impitoyable finalité : le monde dans lequel nous vivons doit être préservé tel qu'il est. Ceux qui sauront donner leur vie à la reconduction de ce projet de société seront récompensés et les autres, sanctionnés et privés de la rétribution symbolique réservée aux héros. En fait, il ressort nettement que dans les films à l'étude, il n'y a pas de sacrifice du héros sans que la mise en scène le compense par des dispositifs pour évoquer la survivance symbolique du sacrifié, illustrer son immortalité ou justifier son amortalité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Cinéma, Happy end, Mort, Mythe, Rêve américain

Dans mon mémoire de thèse, j'ai présenté l'histoire du cinéma documentaire polonais vu dans le contexte de l'histoire de la Pologne. La période sur laquelle j'ai travaillé, était celle des années 1955-1969. Mon doctorat est construit en trois parties, et une préface. Cette dernière présente la période de reconstruction de la cinématographie polonaise qui a presque été totalement détruite pendant la guerre. Elle décrit également l'influence de l'Etat sur toutes les branches industrielles. J'ai présenté les premiers films tournés après la guerre, et les premiers courants qui sont nés à cette période. J'ai parlé du réalisme socialiste et de ses conséquences. La première partie de mon travail est consacré à la Série Noire. Dans le premier chapitre, je décris la société polonaise des années 1950. Je présente les événements sociaux et politiques dont les manifestations d'Octobre 1956 ont été une conséquence directe. Je parle également de la situation cinématographique de cette époque. Le deuxième chapitre est consacré presque entièrement aux années universitaires des futurs créateurs de la Série Noire. Je décris et analyse les films de ce courant dans le troisième chapitre, j’ai consacré la seconde partie de mon travail à présenter des films documentaires et les courants artistiques nés en même temps que la Série Noire ou tout juste après elle. La période décrite couvre les années 1956-1960. Dans cette partie, je présente aussi « une brève histoire» de la diffusion du court-métrage en Pologne dans les années 1944-1969. Dans la troisième et dernière partie de mon travail, je parle des films, des courants artistiques et des phénomènes les plus importants dans le film documentaire polonais des années 1960 et j'indique les caractéristiques de la situation politique de cette période. J’attire l'attention sur les événements ayant eu une influence directe sur le développement du documentaire polonais: la création du Festival du Court-métrage à Cracovie en 1961, le développement de la télévision, les changements d'organisation dans le milieu cinématographique et la crise officiellement déclarée dans la presse du cinéma dans le milieu des années 1960. J’introduis également, dans les derniers sous-chapitres, la nouvelle génération de cinéastes de film documentaire. Dans les Annexes, on trouve les interviews que j'ai réalisées avec les gens liés à la cinématographie polonaise de la période traitée dans ma thèse. On y trouve également un texte consacré aux relations polo no- soviétique à travers la réalisation du documentaire 273 jours en dessous de zéro. / My thesis presents the history of Polish documentary cinema seen in the context of Polish history. The period which I worked on was the years 1955-1969. My dissertation is structured in three parts and a preface. The latter shows reconstruction-period cinematography almost completely destroyed during the war. It also describes the influence of the state on every industry. I introduce the first films made after the war and the first movements born in this period. Furthermore, I spoke of socialist realism and its consequences. The first part of my work is dedicated to the Black Series. ln the first chapter, I describe 1950s Polish society; I present the social and political events which consequently give rise to October 1956. Moreover, I talk about the state of cinema of the era. The second chapter is almost entirely devoted to the student Iife of the future Black Series creators. I describe and analyze the films from this movement in the third chapter. I dedicated the second part of my thesis to introducing the documentaries and artistic movements which are either contemporaneous with the Black Series or established just after it; the period described covers the years 1956-1960. ln this section, I also present a "brief history" of short film broadcasts in Poland in the years 1944-1969. ln the third and final part, I talk about the films, artistic trends and the most important phenomena of 1960s Polish documentary film, and I show the characteristics of the political situation of that period. I draw attention to the events that had a direct influence on the development of Polish documentaries: the creation of the Short Film Festival in Krakow in 1961, the development of television, the organizational changes of the film world and the crisis-officially declared by the film press-in the mid-60s. ln the last sub-chapters I also introduce the new generation of documentary filmmakers. The Appendix contains interviews I conducted with people associated with Polish cinema of the period which I speak of in my thesis. There is also a text on the production of the documentary "273 days below zero", illustrating the former state of Polish-Soviet relations.

Cette thèse porte sur la représentation des femmes dans le cinéma roumain en tant que lieu révélateur des enjeux sociaux, économiques et institutionnels qui façonnent le renouvellement de la filière cinématographique roumaine au XXIe siècle. Notre recherche est axée sur l'époque postcommuniste, moment où la production filmique du pays atteint son état le plus critique, avant de connaître une reconnaissance internationale inouïe. Notre analyse s'articule en trois temps, afin de comprendre les ruptures et les permanences sociohistoriques manifestes dans le traitement des personnages féminins à l'écran et dans la participation des femmes à l'industrie. A partir d'une analyse détaillée de la généalogie du « nouveau cinéma roumain », nous nous concentrons sur les figures des femmes dans les productions du cinéma d'auteur et du cinéma commercial du pays. Enfin, nous illustrons les principaux enjeux et contraintes pratiques de l'émergence - et de l'affirmation - de ce nouveau cinéma à travers l'examen des parcours des femmes cinéastes. / This PhD dissertation centers on women's participation and representation in Romanian cinema, as a means of understanding the multiple social, economic and institutional stakes intervening in the renewal of the Romanian film industry in the early 21st century. Our research focuses on the post-communist era, when the Romanian film production falls into its most critical state, before achieving unprecedented international recognition. We articulate our analysis around three chronological moments, aiming to perceive how social and historical ruptures and continuities pervade the treatment of female characters on screen and the women's presence in the film industry. We aim our attention at the New Romanian cinema of the 2000's. By tracing the genealogy of this « new cinema », we concentrate on the shaping of female characters in both auteur and commercial Romanian cinema. We illustrate the primary grounds conducing to the rise and consolidation of this renewed film industry by observing the career paths of Romanian female filmmakers.

Doctorat en sciences psychologiques / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished