L’étude que nous avons menée sur la représentation des xenia dans la Tunisie romaine, s’inscrit dans le cadre général du rapport de l’architecture domestique avec l’affirmation du statut social de l’élite africaine. La construction de la domus était, sans doute, un projet stratégique qui exigeait des notables une réflexion sérieuse sur la meilleure façon d’exalter les signes extérieurs de leur richesse, de leur bon goût et, en définitive, de leur appartenance à l’idéal de vie romain dans lequel l’hospitalité, exprimée par le décor de xenia, occupe une place de choix. Les mosaïques à xenia dans la Tunisie romaine sont les plus nombreuses à l’échelle de l’Empire. elles représentent trois particularités, la première concerne la composition des pavements : les motifs de xenia sont représentés isolés et, dans la plupart des cas, associés à d’autres thèmes décoratifs ; la deuxième se rapporte à la répartition de ces mosaïques dans l’espace domestique, couvrant toutes les composantes de la domus et non pas seulement les pièces réservées aux hôtes ; la troisième, enfin, touche à la sémantique des xenia qui traduit certains aspects de l’histoire mentale de l’élite Afro-romaine. / The mosaics of xenia in the Roman area of Tunisia are the most numerous at the scale of the Empire. They present three particularities, the first one concerns the compositions of the ornamental tiling: the xenia motifs are represented isolated and, in most cases, associated with other decorative themes; the second one relates to the distribution of those mosaics in the household space covering all components of the domus and not just the rooms reserved for the hosts; finally the third one touches the semantic of the xenia which does not refer itself only about hospitality.

Fils du peintre François Sevin, Pierre Paul Sevin naît sous le règne de Louis XIV pour travailler aux fastes de son apogée. Après un voyage en Italie entre 1666 et 1671, il s’installe à Paris jusqu’en 1689, puis à Lyon et Tournon jusqu’à sa mort. Maître de la composition allégorique, il œuvre seul et aux côtés du père Ménestrier (de la Société de Jésus) à l’élaboration de madrigaux, d’almanachs, d’illustrations de thèses et de décors éphémères et pérennes, toujours dans une énergie créatrice fulgurante, comme son trait envolé et hâtif. Sa rigoureuse adaptation à la pensée de Ménestrier a longtemps stigmatisé son art dans une querelle de goût opposant leur démesure à l’esprit « classique » de Jean 1er Berain, dessinateur de la Chambre et du Cabinet du roi. Pourtant, des recherches récentes font penser à une féconde concurrence plutôt qu’à une vaine rivalité des deux artistes. Clarifier la biographie de Sevin se révèle une étape nécessaire pour mieux comprendre les rapports entre jésuites et artistes au XVIIe siècle et en mesurer les répercussions sur la façon de considérer les arts graphiques en tant qu’images « communicantes ». / Son of painter François Sevin, Pierre Paul Sevin was born under the reign of Louis XIV to work during the splendor of the king’s apogee. After traveling to Italy between 1666 and 1671, he moved to Paris until 1689, then to Lyons and finally Tournon where he died. Master of the allegorical composition, he either worked alone, or with father Ménestrier (from the Society of Jesus), on the development of madrigals, almanacs, thesis illustrations, and transient and perennial backdrops. He always worked with a dazzling creative energy, clearly demonstrated in his soaring and hasty strokes. His rigorous adaptation of Ménestrier’s style stigmatized his art for a long time over a dispute in taste between excessiveness and the “classical” spirit of Jean I Berain, “dessinateur de la Chambre et du Cabinet du roi”. However, recent research leads to believe that there was a fruitful competition between the two artists rather than a vain rivalry. It is necessary to clarify Sevin’s biography to better understand the relationships between Jesuits and artists during the 17th century, and to measure the repercussions regarding the consideration of graphic arts as “communicating” images.

Le sujet de cette thèse est le mur comme élément du “décor’’, tel que l’âge classique l’entend. Pour les architectes et les théoriciens du XVIe et du XVIIe siècle, le mur contribue à la beauté de l’édifice. Différentes techniques de finition permettent de l’embellir : appareils en pierre de taille dressés et ravalés, bossages, briques polychromes, enduits qui unifient et enluminent les parements. Qu’il soit nu ou orné le mur n’est jamais neutre. Les architectes disposent sur le mur des motifs qui "enrichissent" les ordonnances, mais les surfaces décoratives qui qualifient les intervalles entre les principaux éléments du décor, ouvertures ou éléments de l’ordre, et les encadrements, qui montrent le mur comme un tableau, structurent les ordonnances, avec ou sans ordres. Ces ornements qui jouent un rôle aussi important sur le plan symbolique que syntaxique ont ainsi leur place dans le système classique des ornements dans lequel les ordres tiennent le premier rôle. Les ornements du mur peuvent prendre les caractères de l’ordre mais ont aussi leur propre rhétorique ; d’une part ils ont les qualités du mur même, d’autre part ils n’ont pas la même origine : les premiers ornements classiques imitent les inscriptions des monuments funéraires ou honorifiques de l’Antiquité. Une des particularités de la façade française est l’insistance sur les lignes verticales de la travée de fenêtres qui est en soi une composition ornementale. Les architectes coordonnent deux systèmes opposés : l’horizontalité qu’impose la superposition des ordres et la verticalité de la travée de fenêtres. Ils utilisent alors deux moyens : le renforcement des moulurations horizontales et l’ornement du mur. Cette thèse confirme certaines observations sur la façade française : l’effet a-tectonique des ornements, même si ceux-ci structurent la composition. Au principe classique de l’unité de l’organisme architectural dans lequel rien de peut être ajouté ou retranché, les architectes français apportent leur réponse : tous les éléments sont des ornements ainsi que le mur lui-même, qui se montre ou se voile de légers ornements. / The subject of this thesis is the wall as element of the "decor", such as the classic age understands it. For the architects and the theorists of the XVIth and of the XVIIth century, the wall contributes to the beauty of the building. Various techniques of finish allow to embellish it: dressed stone, perfectly raised, bossages, bricks, coat which unify and illuminate facings. Naked or decorated, the wall is never neutral. The architects put on the wall motives which "enrich" the composition, but the ornamental surfaces which qualify the intervals between the main elements of the decor, openings or elements of the order, and the frames which show the wall as a picture structure the composition, with or without orders. These ornaments which play a role as important on the symbolic plan as on syntactic one have their place in the classic system of the ornaments in which the orders hold the leading part. The ornaments of the wall can take the characters of the order but also have their own rhetoric; on one hand they have the qualities of the wall, on the other hand they don’t have the same origin: the first classic ornaments imitate the inscriptions of funeral or honorary monuments of the Antiquity. One of the peculiarities of the French facades is the insistence on the vertical lines of the bay of windows which is in itself a decorative composition. The architects coordinate two opposite systems: the horizontality which imposes the superimposition of the orders and the verticality of the bay of windows. They use then two means: the intensification of the horizontal moulding and the ornament of the wall. This thesis confirms certain observations on the French facade: the a-tectonic effect of the ornaments, even if this they structure the composition. To the classic principle of unity of the architectural body in which nothing can be added or substracted, the French architects bring their answer: all the elements are ornaments as well as the wall itself, which shows or hides with light ornaments.

Notre thèse retrace l’évolution de l’architecture du jardin et de son décor entre le Haut-Empire et l’Antiquité tardive, dans les maisons de Gaule romaine, en particulier dans les demeures des élites. Elle permet désormais de faciliter les comparaisons entre nord et sud de la Gaule. L’élaboration d’un corpus a permis de répertorier et analyser les formes du jardin. Les plans, colorisés afin de visualiser le jardin au milieu des espaces d’apparat et de circulation et faciliter les comparaisons, permettent de constater dans un premier temps que certains éléments du jardin italique sont repris. Cependant, l’élaboration d’une typologie des formes du jardin indique que cette architecture importée est rapidement adaptée. La Gaule romaine innove par de nouvelles formes architecturales et des créations. Puis, la crise du IIIe siècle marque une importante rupture dans la diffusion de cette forme d’habitat résidentiel. Il reste difficile de dire si le jardin est un espace que l’on abandonne à cause des valeurs païennes qu’il véhicule, dans une spiritualité chrétienne nouvelle. Dans un second temps, l’analyse de l’apparition chronologique des bassins permet d’appréhender l’évolution des formes et des modes au sein d’une province, ainsi que leurs modalités de diffusion. L’élaboration d’une typo-chronologie révèle les formes les plus utilisées et la naissance de modes locales. Nous avons enfin cherché à restituer l’univers et la sensibilité du jardin dans les maisons urbaines de Gaule romaine à travers les choix iconographiques des propriétaires. Malgré une documentation parfois sporadique, des ensembles permettent désormais de reconstituer la scénographie des jardins gallo-romains. / Our thesis relates the evolution of the architecture of the garden and its decoration between Early Empire and Late Antiquity, in Roman Gaul houses, in particular, in high social class residences. It enables easier comparisons in between northern and southern Gaul. The elaboration of a corpus allowed us to list and analyze the forms of the garden. At first, the maps (colorized to visualize the garden among the pleasure and circulation spaces, and to facilitate the comparisons) enable us to notice that certain elements of the italic garden are reused. However, the elaboration of a typology indicates that this imported architecture is quickly adapted. Roman Gaul is breaking new ground with new architectural forms and creations. The 3rd century crisis shows an important break in the spreading of that form of residential habitat. It is still difficult to say if the garden is a space that is being abandoned because of its pagan values, in a new Christian spirituality. Secondly, studying the chronological apparition of basins let us understand the evolution of the forms and modes in each province and how they spread. Thanks to our typo-chronology, we noticed that some forms are more used with local modes. We tried to give a faithful idea of the world and sensibility of the garden in Gallo-Roman urban residences through the iconographical choices of its owners. Despite the sporadic documentation, remnants, while incomplete, enable us to recreate the staging of those Gallo-Roman gardens.

Notre étude porte sur les monuments publics réalisés en Asie Mineure sous les Flaviens (69/96 ap. J.-C.). Nos recherches ont permis de réfléchir sur le rôle des différents intervenants impliqués dans les projets et à mettre en lumière les traces de leur activité. Bien que rares, les sources textuelles, comme les dédicaces, apportent de nombreuses informations sur les évèrgètes et nous offrent parfois certains détails sur les coopérations entre les commanditaires, les épimélètes et l’administration impériale. L’étude détaillée des éléments architectoniques,en révélant des tours de mains, nous a permis d’aborder la question des structures des ateliers micrasiatiques et de proposer, pour certains, leur parcours sur les différents chantiers du dernier quart du 1e s. ap. J.-C. Cette étude s’est associée à celle des techniques de réalisation des blocs, mettant en évidence l’effort conséquent de standardisation mis en place en Asie Mineure, et plus particulièrement à Ephèse sous Domitien. Nous nous sommes également penché sur la question de la réception et de la diffusion des modèles de décor et avons mis en évidence l’influence contrastée de Rome sur les créations flaviennes micrasiatiques, en raison de la présence de traditions culturelles fortes dans cette région. Ainsi, des créations endogènes, certes limitées, montrent que des artisans locaux ont été capables d’innover, bien souvent en reformulant d’anciens modèles hellénistiques.Enfin nos recherches ont conduit à mettre en évidence l’attrait tout particulier des monuments des eaux en Asie Mineure, à travers les nombreuses réalisations balnéaires sous Vespasien en Lycie ou l’élaboration de fontaines monumentales dans la province d’Asie sous Domitien. / Our study handles the question of public buildings built in Asia Minor during the flavian Period (69/96 A.D.).Our researches led us to have a reflection about the different people intervening in the projects and to showsome traces of their activity. Even if they are rare, the textual sources, such as dedications, bring manyinformations about the evergetes, and offer some details on the cooperation between the patrons, the curatorsand the imperial administration. The detailed study of the architectural elements, revealing some productionskills, allowed us to have a reflection about the structure of workshops in Asia Minor and led us to offer, insome case, a view of their course between different buildings sites of the end of the first century A.D. Thisstudy naturally got associated with others handling the question of block construction, showing the importanteffort developed to achieve standardisation in Asia Minor, and more specifically at Ephesus under Domitian.We also studied the reception and spreading of setting models and showed the contrasted influence of Rome onthe flavian creations in Anatolia, because of the presence of strong cultural traditions in this country. Thus,limited endogenous creations show that local craftsmen were able to innovate, often using basis of ancienthellenistics models. Finally our study lead us to enhance the particular attraction for water buildings in AsiaMinor, through the many bathing facilities built under Vespasian in Lycia or the development of monumentalfountains in Asia under Domitian.

Le thème central de la recherche est la place du vide constructif dans la dimension spatiale du décor de cinéma. Il s’agit de mettre en évidence, à travers les racines et le processus de création du décor de cinéma, la notion d’objet espace vide comme source d’informations et comme « troncage narratif » en sus de sa spatialité et de sa dépendance au construit et au visible. En s’appuyant sur la notion de tressage, on observe le jeu du visible et de l’invisible qui devient, pour le décorateur, le jeu du construit, de l’intervalle et du vide. Cette poïétique du décor de cinéma nous fait voyager en aller-retour entre image et espace. L’image de création, l’image iconographique devient matière, ontogénèse à double sens. L’étude des processus de perception des images met en évidence des notions que le créateur d’espace, le décorateur plasticien utilisera dans la modélisation de son espace poétique et la mise en place de sa vraisemblance, émergence de nos jeux d’enfance. Espace de la feinte théâtrale et cinématographique, espace poétique sensible au scopique, véritable installation panoptique du sens dont le processus de perception a été expérimenté par certains artistes du Quattrocento avec la naissance de la perspective puis ensuite par des artistes contemporains. / The central theme of my research is the importance of constructive emptiness in the spatial dimension of the film set. My intent is to highlight, through the roots and processes of the creation of the film set, the notion of empty space object as a source of information and as a “narrative truncation" besides its spatiality and dependence on what is constructed and visible. By relying on the notion of interweaving, one can observe the interactions of what is visible and invisible, which becomes, for the set designer, the interactions of what has been constructed on the set, as well as the intervals and the empty spaces. This poietics of the film set makes us go back and forth between image and space. The creative image, the iconographic image becomes material, a two-way ontogeny. The study of the process of image perception highlights the concepts that the creator of the space, the artistic decorator, will use in the modelling of their poetic space and the establishment of their likelihood, which is the emergence of our childhood games. It is the crafty space of theater and film, the poetic space sensitive to the scopic, a true panoptic installation of meaning whose processes of perception have been experienced by some artists of the Quattrocento with the birth of perspective and now by contemporary artists.

As the artwork’s title suggests, Penelope Umbrico’s "Mirrors (from Home Décor Catalogs and Websites)" (2001-2011), are photographs of mirrors that Umbrico has appropriated from print and web based home décor advertisements like those from Pottery Barn or West Elm. The mirrors in these advertisements reflect the photo shoot constructed for the ad, often showing plants or light filled windows empty of people. To print the "Mirrors," Umbrico first applies a layer of white-out to everything in the advertisement except for the mirror and then scans the home décor catalog. In the case of the web-based portion of the series, she removes the advertising space digitally through photo editing software. Once the mirror has been singled out and made digital, Umbrico then adjusts the perspective of the mirror so that it faces the viewer. Finally, she scales the photograph of the mirror cut from the advertisement to the size and shape of the actual mirror for sale. By enlarging the photograph, she must increase the file size and subsequent print significantly, which distorts the final printed image thereby causing pixelation, otherwise known as “compression artifacts.” Lastly, she mounts these pixelated prints to non-glare Plexiglas both to remove any incidental reflective surface effects and to create a physical object. What hangs on the wall, then, looks like a mirror in its shape, size and beveled frame: the photograph becomes a one-to-one representation of the object it portrays. When looking at a real mirror, often the viewer is aware of either a reflection of the self or a shifting reflection caused by his or her own movement. However, the image that the "Mirror" ‘reflects’ is not the changing reflection of a real mirror. Nor is it a clear, fixed image of the surface of a mirror. Instead the "Mirrors" present a highly abstract, pixelated surface to meet our eyes. The "Mirrors" are physical objects that merge two forms of representation into one: the mirror and the photograph, thus highlighting similarities between them as surfaces that can potentially represent or reflect almost anything. However, in their physical form, they show us only their pixelation, their digitally constructed nature. Penelope Umbrico’s "Mirrors" are photographs of mirrors that become simultaneously photograph and mirror: the image reflected on the mirror’s surface becomes a photograph, thus showing an analogy between the two objects. In their self-reflexive nature, I argue that Umbrico’s "Mirrors" point to their status as digital photographs, therefore signaling a technological shift from analog to digital photography. Umbrico’s "Mirrors," in altering both mirrors and photographs simultaneously refer to the long history of photography in relation to mirrors. The history of photography is seen first through these objects by the reflective surface of the daguerreotype which mirrored the viewer when observing the daguerreotype, and because of the extremely high level of detail in the photographic image, which mirrored the photographic subject. The relation to the history of photography is also seen in the phenomenon of the mirror within a photograph and the idea that the mirror’s reflection shows the realistic way that photographs represent reality. Craig Owens calls this "en abyme," or the miniature reproduction of a text that represents the text as a whole. In the case of the mirror, this is because the mirror within the photograph shows how both mediums display highly naturalistic depictions of reality. I contend that as an object that is representative of the photographic medium itself, the shift from analog to digital photography is in part seen through the use of the mirror that ultimately creates an absent referent as understood through a comparison of Diego Velázquez’s "Las Meninas" (1656). As Foucault suggests that "Las Meninas" signals a shift in representation from the Classical age to the Modern period, I suggest that the "Mirrors" signal the shift in representation from analog to digital. This latter shift spurred debate among photo history scholars related to the ontology of the photographic medium as scholars were anxious that the ease of editing digital images compromised the photograph’s seeming relationship to truth or reality and that it would be impossible to know whether an image had been altered. They were also concerned with the idea that computers could generate images from nothing but code, removing the direct relationship of the photograph to its subject and thereby declaring the “death” of the medium. The "Mirrors" embody the technological phenomenon with visual addition of “compression artifacts,” otherwise known as pixelation, where this representation of digital space appears not directly from our own creation but as a by-product of digital JPEG programming. In this way they are no longer connected to the subject but only to the digital space they represent. As self-reflexive objects, the "Mirrors" show that there has been a technological transformation from the physically made analog photograph to the inherently mutable digital file.

À partir de l'analyse critique des écrits des jésuites de la Nouvelle-France, nous tentons de décrire l'évolution des conceptions relatives aux intérieurs de chapelles au cours d'une période donnée et dans un lieu précis (la colonie française au XVIIe siècle). La notion de « décor » a été négligée en histoire et en anthropologie de l'art au profit de « l'image » qui a fait l'objet ces dernières années de plusieurs travaux. Par conséquent, l'introduction analyse la notion de décor: celle-ci s'avère intrinsèque au concept de « sujet » tel qu'il s'est élaboré à la Renaissance. De surcroît, la dialectique issue de l'aristotélisme médiéval entre corps du fidèle et sanctuaire rend possible de définir dans ses grandes lignes les spécificités du catholicisme latin. En s'appuyant sur les Relations des jésuites nous décrivons au chapitre l la mise en place des premiers décors de chapelles de mission jésuite en Amérique du Nord en faisant valoir les enjeux inhérents à la construction de décors religieux destinés à la fois aux pères et à leurs missionnés. Le deuxième chapitre est consacré à l'histoire des divers chantiers décoratifs destinés aux Hurons domiciliés vivant dans la vallée laurentienne. Sont tour à tour étudiés le décor de la chapelle de Notre-Dame de Foy et celui de la chapelle de Lorette non loin de la ville de Québec. Au chapitre III, à partir d'un passage d'un journal de mission jésuite, nous tentons de comprendre la description d'un des autels de la première chapelle de Saint-François-de-Sales à Chaudières en 1683. En effet, celui-ci est sans ambiguïté sur les concessions des jésuites envers la spiritualité et la culture des Abénaquis et son analyse détaillée invite à remonter le fil historique de l'évolution de l'apostolat jésuite au cours du XVIIe. En conclusion, nous revenons sur la notion de « décor » afin d'en révéler les limites épistémologiques et historiques dans le contexte des missions jésuites de la Nouvelle-France à l'époque moderne. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Jésuites, Décors, Nouvelle-France, Mission, Amérindiens du Nord-Est.

La fictionnalisation de l’histoire récente dans le cinéma espagnol de la démocratie est abordée sous l’angle de sa représentation par les directeurs artistiques à qui, au cinéma, incombe la responsabilité de tout l’aspect visuel du film. L’étude de ce métier, peu traitée dans la production scientifique de la recherche cinématographique, nous intéresse dans son évolution depuis les années 30 jusqu’à nos jours. Elle permet de mettre en lumière les mécanismes qui sont à l’œuvre pour représenter l’histoire au cinéma, du franquisme à la démocratie.L’objectif de la thèse est de démontrer l’importance fondamentale de la direction artistique dans le film historique, de dégager les implications idéologiques qu’elle sous-tend et de déceler les caractéristiques esthétiques qui varient selon les époques, les intentionnalités et les styles des concepteurs des décors. / The fictionalization of recent history in the Spanish cinema of democracy is approached in terms of its representation by the art directors who, in cinema, are responsible for all the visual aspects of the film. The study of this issue, little discussed in the scientific production of film studies, interests us in its development since the 30s until the current time. It makes possible to highlight the mechanisms that are at work to represent history in cinema, from Francoism to democracy.The aim of the thesis is to demonstrate the fundamental importance of art direction in the historical film, to identify the ideological implications that underlies and detect the aesthetic characteristics that vary according to eras, styles and intentions of production designers.

L'étude est divisée en trois parties : La première partie est consacrée à un résumé historique de la Maqamat et de ses miniatures ainsi qu'un bref aperçu de l'art du livre arabe et de l'intérêt européen qu'il suscite. La deuxième partie présente les types de maisons trouvées suite aux fouilles archéologiques des sites de l'époque islamique. La troisième partie est consacrée aux différents types de maisons et d'aménagements intérieurs, décrits par les miniatures de Maqamat al Hariri. / The purpose of this work is to study the shape of the houses at the end of the Abbasid period, after five illustrated manuscripts of the Maqamat al-Hariri, historically attributed to the last period of the reign of the Abbasids . The images are in miniatures, containing details of various parts of the house, we have exploited in an attempt to configure and visualize the shape of the house that dates back to this period. The study is divided into three parts. The first part is devoted to a historical summary of the Maqamat and miniatures, as well as a brief overview of the Arabic art of the book, and the European interest.The second part is devoted to types of houses found in the excavations of various Islamic archaeological sites. The third part is devoted to various forms and portions of the house, shown by the miniatures of the Maqamat of al Hariri.