Le dialogue entre les écritures poétiques et chorégraphiques permet de questionner les fondements de la création artistique et d’observer le parcours qui s’effectue entre le sujet et le monde qui l’embrasse. Ces deux types d’écriture impliquent un mouvement de déplacement de la relation quotidienne au monde. Le regard poétique se focalise sur un périmètre du paysage, aussi bien spatial que conceptuel, et amène une pluralité de lectures. Dans la danse, la transformation de la sensation ordinaire du mouvement en geste chargé d’intention, permet de véhiculer lesignifié et d’ouvrir une voie interprétative. Dans son oeuvre, l’écrivain-poète Andrés Neuman interroge de façon formelle et thématique la notion de frontière et la simultanéité des temporalités et des espaces, en dialogue avec la danseainsi que la poétique du haïku, comprises comme écritures instantanées qui ne laissent comme trace de son émission que le souvenir immatériel de son image. / The dialogue between poetic and choreographic writings offers the possibility of a reflexion about the fundament of the artistic creation and allows observing the existing distance between the subject and the world that embraces him. Both kinds of writing imply movement, as an image of a displacement of the usual connection to the world. The poetic sight focuses on a landscape’s perimeter, in a spatial as well as in a conceptual level, and generates a plurality of readings andinterpretations. In the field of dance, the transformation of a usual sensation to a gesture filled with intentions, conveys the signified and opens an interpretative line. In his literary work, the writer and poet Andrés Neuman questions, in a formal as well as in a thematic level, the notion of frontier and the simultaneity of temporalities and spaces. This opens a dialogue with dance expression and the poetic of the haiku, both considered as an instantaneouswriting that only lets the immaterial memory of their image, as a trace of their emission.

Quand nous admirons une œuvre d’art nous ne pensons pas forcément au parcours personnel de l’artiste ni à tous les moyens matériels dont il a eu besoin pour la production de son œuvre. Cependant une création artistique est toujours le résultat de l’association de ces deux éléments : de ce que l’artiste est comme personne et de tous les réseaux de production et de distribution de son travail. A travers l’exemple de Josef Nadj, cette thèse cherche à expliquer un chemin de création artistique. Comment Josef Nadj s’est construit et quel était le contexte historique qui a marqué le pays dans lequel il est né et conditionné son œuvre. Quelle est son esthétique et de quelle manière il organise son processus créatif. Finalement, quelles sont les circonstances de son arrivée en France et de son implantation dans les réseaux culturels français qui soutiennent le financement et la distribution de son œuvre. Son histoire est d’autant plus intéressante qu’elle englobe le parcours d’un artiste immigrant qui a obtenu la reconnaissance professionnelle d’abord dans son pays d’adoption, la France. / When we admire an artwork we do not necessarily consider the personal background of the artist and the material means that were required for the production of the artwork. However, every artistic creation is a result of fusion of these two conditions: who the artist is as a person and all the different networks of production and distribution of his work. This thesis is trying to explain, using the example of Josef Nadj’s career, how one’s artistic path can look. What was the historical context of the Josef Nadj’s native country during his life—and even before his birth— and how these circumstances influenced his growing up and later his artistic choices. What do his aesthetics look like and how does he create his pieces. Finally, which circumstances brought him to France and how did he join French cultural networks which later financed and distributed his work. The story of his background and professional career is even more interesting because it sheds light on an artist-immigrant who obtained his professional recognition in his adopted country—France.

La thèse s’attache à rendre compte des processus de construction d’une référence en danse contemporaine à l'école élémentaire. Elle s’appuie sur l’observation de trois cycles d'enseignement au cycle 3 (CE2/CM1/CM2) conduits par des enseignantes aux parcours de formation contrastés. Recherche in situ, l’étude s'inscrit dans une perspective comparatiste. Elle prend appui sur la théorie de l'action conjointe en didactique (Sensevy et Mercier, 2007 ; Schubauer-Leoni et Leutenegger, 2008) et sur la théorie anthropologique du didactique (Chevallard, 1999, 2007) afin de mettre en évidence les liens entre phénomènes de co-construction des savoirs en classe et épistémologie pratique des professeurs observés. Elle mobilise par ailleurs la théorie du mouvement dansé de Laban (1947/2003, 1949/2007) qui offre un cadre conceptuel d’'analyse du savoir danser permettant de caractériser cette épistémologie pratique. Le recours à une méthode dite «clinique/expérimentale» (Leutenegger, 2009) a permis de créer les conditions de la comparaison inter cas, tout en rendant possible des observations de l'ordinaire de l’enseignement dispensé. La confrontation des trois cas met en évidence l'incidence des rapports aux savoirs des professeurs sur la co-construction de la référence en classe. Les principaux résultats attestent d'une forte incidence des rapports au savoir sur les praxéologies didactiques et disciplinaires mobilisées par les trois enseignantes. La mise en évidence des effets de cette épistémologie professionnelle sur le savoir mis à l’étude permet en conclusion d’interroger le champ de la formation. / This thesis attempts to report processes of construction of a contemporary dance reference at primary school. This research is based on observation three teachers having contrasted training in dance : observation during three teaching units in the 3rd, 4th and 5th years (French education system). A comparative perspective is chosen to conduct research – in situ data collection -, through two theories, the Joint Action Theory in didactics (Sensevy and Mercier, 2007 ; Schubauer-Leoni and Leutenegger, 2008) and the Anthropological Theory of Didactics (Chevallard, 1999, 2007). This theorectical position brings into light relations between knowledge coconstrution phenomena during the class and practical epistemology of these teachers. Moreover, the Dance Movement Theory of Laban (1947/2003, 1949/2007) is mobilized, offering an effective framework to analyse «Dance Knowledge» and to define this specific practical epistemology. The choice of the so-called «clinical/experimental» method (Leutenegger, 2009) abled to create conditions of a cross-case comparison and makes possible observations of Ordinary teaching process. The confrontation of these three cases brings into light incidence of «teachers' relations to knowledge» on co-construction of the dance reference in class. The main results give also evidence of a strong incidence of «teachers' relations to knowledge» on the didactic and disciplinary epistemologies differently mobilized by teachers. This thesis reveals effects of this professional epistemology on particular «Dance Knowledge» and allows to extensively question the field of teachers' training.

La thèse de doctorat-ci présente est consacrée à la recherche sur l’esthétique de la danse contemporaine de ces vingt dernières années en Europe. Après une introduction méthodologique et historique, nous présentons dans la partie principale les quatre paradigmes du corps dansant : politique, critique, poétique et virtuel, ce qui nous permet de distinguer des courants esthétiques présents dans la danse européenne à partir de1990. Cette date n’indique aucun événement en particulier, mais elle renvoie plutôt à deux faits majeurs : un historique – la fin du communisme en Europe qui a permis le développement spectaculaire de la danse contemporaine ; et un autre– esthétique – l’arrivée de la danse conceptuelle en France. Tout en citant plus que cent cinquante spectacles vus lors des nombreux festivals et théâtres européens, nous analysons par le biais de ces quatre paradigmes du corps dansant, la proximité esthétique des artistes venant à la fois de l’Europe de l’Ouest et des pays postcommunistes. Ceci nous a permis de constater qu’il n’est point possible de distinguer des différences purement esthétiques entre la danse est-européenne et occidentale, surtout à cause de la nature nomade de la création chorégraphique. Notre conclusion est donc la suivante, qu’à moment présent la danse tend à une esthétique pluridisciplinaire sinon hybride qui dépasse facilement les frontières nationales grâce à des systèmes d’éducation et créations très marqués par l’esprit nomade. Ainsi, des particularités nationales consistent surtout sur des conditions spécifiques du développement de la danse et de la production, ce qui fait l’objet d’un commentaire dans un texte attaché en annexe. / The present work is dedicated to the research on European contemporary dance aesthetics after 1990. Following short methodological and historical introduction, we present four paradigms of dancing body: political, critic, poetic and virtual, we distinguish the main aesthetics waves present in the dance in Europe within last twenty years. 1990 is not linked to any particular event but evokes two majors facts: one is historic - the end of communism in Europe, which allowed next a brilliant development of contemporary dance, the second fact is the apparition of the conceptual dance in France in nineties. By approaching the work of over eighty choreographers and hundred fifty performances seen on festivals and in the theatres all over the Europe, we are analysing via corps dansant the aesthetics proximity of the West- and Eastern choreographers. This analysis allowed us to make a statement, that there is no such a possibility to distinguish the differences on a pure aesthetical level between eastern and western European choreographers, namely because of the nomadic character of contemporary choreography. Our conclusion consist on fact, that the contemporary dance tend to a pluridisciplinary, hybrid aesthetics, and thanks to that the national frontiers are not an obstacle, especially because of the educational and creation systems marked by nomadic spirit. In consequences, the national particularities consist on specific conditions of dance development and dance production, which is an object of an analysis in annex.

Cette étude entend proposer une histoire des élèves de la danse de l'Académie de musique au XIXe siècle (1783-1913). À travers l’étude des étapes de la mise en place institutionnelle de cette école émerge l'identité des élèves de la danse comme apprentis danseurs. Au-delà d'une histoire administrative, ce sont bien les conditions socioéconomiques de l’enfance au travail que révèle ce travail de thèse. Des questions économiques relatives à leur formation aux pratiques culturelles de la danse, les élèves de l'Académie de musique sont au coeur de la vie urbaine et théâtrale parisienne du XIXe siècle. Enfin, l’examen de la circulation des danseurs et des pédagogies à l'échelle européenne a permis d’identifier les mécanismes d’un discours de domination culturelle, construit et revendiqué par l'Académie de musique, à l’échelle du monde occidental. / This study aims at introducing a story of the Music Academy ballet students in the 19th century (1783-1913). The ballet students’ identities and their positions as apprentices come to light through the different steps of the institutional setting-up of that Academy. This thesis goes beyond administrative history and unveils the genuine socioeconomic conditions of children at work. For many reasons going from economic issues concerning their training to ballet cultural practises, the Music Academy students are at the heart of urban and theatrical life of XIXth century Paris. Eventually, an analysis of the ballet dancers ‘ freedom of movement and of the different teaching methods in Europe allows to pinpoint the mechanisms of a cultural domination speech, built by the music Academy and claimed to come from it too, throughout the Western world .

Ce mémoire s’intéresse aux scènes de danse de trois films du réalisateur hongrois Béla Tarr afin d’en dégager une esthétique du temps. L’analyse des films sera précédée d’une recherche sur la philosophie du temps, centrée autour de l’œuvre Temps et récit de Paul Ricœur, dans laquelle le temps humain est décrit comme un temps raconté. Retraçant sa pensée, nous définirons l’éternité telle qu’exprimée chez Augustin, indissociable d’une expérience spirituelle. Nous examinerons ensuite différents enjeux de l’histoire de la danse au cinéma touchant au récit, à l’attraction et à la spiritualité. Ces recherches préliminaires permettront d’articuler notre analyse entre philosophie et esthétique, et de décrire une temporalité à la fois exprimée intellectuellement par les films et vécue par le spectateur ou la spectatrice. La danse, en construisant un temps de l’immanence qui s’oppose au régime narratif, invite à la contemplation et ouvre sur une expérience ayant des affinités avec la conception augustinienne de l’éternité. / This master’s thesis focuses on the dance scenes from three films by the Hungarian director Béla Tarr, in order to flesh out an aesthetic of time. The films’ analysis will be preceded by a research on the philosophy of time, centered around Paul Ricœur’s work Time and Narrative, in which the human time is described as a narrated time. Tracing his thought, we will define the notion of eternity as conceived by Augustine that is inseparable from a spiritual experience. We will then examine different issues of the history of dance in cinema concerning narrative, attraction and spirituality. This preliminary research will let us articulate our analysis between philosophy and aesthetic in order to describe a temporality expressed both intellectually in the films and lived by the viewer. Dance, while constructing a time of immanence that opposes the narrative regime, invites contemplation and opens an experience that is compatible with the Augustinian conception of eternity.

Le Pow-wow de Kanasatake a vu le jour en 1991, après l’évènement marquant de la Crise d’Oka. À la suite de ce conflit, l’objectif initial consistait en une tentative de réconciliation et le maintien d’une bonne entente entre les membres de la communauté autochtone et les non-membres, appelés « allochtones », résidant sur le terrain voisin de leur territoire dans la municipalité d’Oka. L’objectif de la recherche est de savoir en quoi un événement de pow-wow comme celui de Kanesatake et les performances de danse qui y sont présentées peuvent mener à la guérison chez les artistes autochtones qui y participent. Pour y parvenir, je me suis entretenu avec des artistes pratiquant la danse traditionnelle, également participants au Pow-wow de 2018 et 2019, afin de connaître leur cheminement personnel et leurs perceptions en lien avec leur propre spiritualité, ainsi que les facteurs extérieurs et historiques ayant pu influencer leurs pratiques artistiques. Au fil des entrevues, la notion de guérison psychique, physique et collective est ressortie dans plusieurs réponses données par les participants. Nous verrons aussi plus en détail les liens unissant les tenues traditionnelles, les danses et les rythmes musicaux. Nous ferons aussi référence à l’événement de la « Rencontre internationale d’art performance autochtone » (RIAPA) s’inscrivant davantage dans une contemporanéité pour dénoter une certaine continuité entre ces deux événements. / Kanasatake's Pow-wow was born in 1991, following the landmark event of the "Oka Crisis". As a result of this conflict, the initial objective was an attempt at reconciliation and the maintenance of good understanding between members of the Aboriginal community and the non-members, also known as "allochtones" residing on land adjacent to their territory in the municipality of Oka. The purpose of this master thesis is to understand how a pow-wow event like Kanesatake's and the dance performances presented there can be a healing factor for Aboriginal artists. To achieve this, we spoke with traditional dancers, participants in the 2018 and 2019 Pow-wow, to learn about their personal journeys and perceptions of their own spirituality, as well as the external and historical factors that may have influenced their artistic practices. Over the course of the interviews, the notion of psychic, physical and collective healing was reiterated in several responses given by participants. We will also see in more detail the links surrounding traditional outfits, dances and musical rhythms. We will also refer to the “International Meeting of Aboriginal Performance Art” event (RIAPA), which is more in a contemporaneity to indicate a certain continuity between these two events.

Le dialogue du corps et de la mort chez jan Fabre est fondé sur un corpus de textes théâtraux. En ce qui concerne la démarche de mon travail, elle était principalement axée sur trois volets principaux d’abord les héritages et les inspirations artistiques et culturelles ensuite le rituel et le sacrifice dans sa dimension historique philosophique et artistique et enfin la fabrication du spectacle : de la genèse à la représentation scénique. L’objectif de ma thèse est de démontrer la volonté de l’artiste d’affranchir les limites, de violer les codes de la société et de créer un langage artistique authentique inspiré de toute matière possible pour toucher à la vulnérabilité de l’homme contemporain. Pour ce faire Jan Fabre a élaboré une méthode de travail qui fait redécouvrir un corps brut et instinctif, un corps générant une énergie vitale résultant ainsi à des sensations fortes. Dans ce processus de travail j’ai remarqué que pour Fabre la notion de recherche a une place primordiale en se basant sur une évolution conceptuelle, philosophique et historique. Jan Fabre construit ses spectacles de sorte que tous les composants de la représentation s’entremêlent. Une écriture textuelle et visuelle singulière construit une sorte d’état post-mortem dans le sens où la logique est cédée à l’intuition, une écriture qui offre un univers scénique riche d’images et d’allégories. Une composition scénique où l’espace, le temps et le rythme se basent surtout sur la tension et l’élaboration d’une atmosphère rituelle. Finalement le corps et la mort dans son univers font unité et il manifeste un travail récurant entre l’apparition et la disparation. / Jan Fabre's dialogue of body and death is based on a body of theatrical texts. Regarding to the approach of my work, it was mainly focused on three main aspects, first the inheritances and the artistic and cultural inspirations, then the ritual and the sacrifice in its historical philosophical and artistic dimension, and finally the production of the performance: from genesis to scenic representation. The goal of my thesis is to demonstrate the artist's desire to overcome the limits, to violate the codes of society and to create an authentic artistic language inspired by all possible materials to touch the vulnerability of contemporary man. To do this Jan Fabre has developed a method of work that rediscover a body raw and instinctive, a body generating a vital energy and resulting in strong sensations. In this work process I noticed that for Fabre the notion of research has a primordial place based on a conceptual, philosophical and historical evolution. Jan Fabre builds his performances so that all the components of the performance interweave. A singular textual and visual writing constructs a sort of post-mortem state in the sense that logic is ceded to intuition, a writing that offers a scenic universe rich in images and allegories. A scenic composition where space, time and rhythm are based mainly on tension and the development of a ritual atmosphere. After all, the body and death in his universe are united and he manifests a recurring work between the appearance and the disappearance.

Cette thèse porte un regard sur les musiques improvisées et leur rapport à la scène à travers mon expérience et celle de treize personnalités du milieu des arts avec qui j’ai eu des entretiens privilégiés. L’essence de cette démarche est d’observer comment les créateurs utilisent l’improvisation en situation de concert ou simplement comme méthode de recherche grâce aux outils numériques ou analogiques. Ce panorama me permet de mettre en perspective mon travail de composition et de recherche à une époque où, comme créateur, j’ai bifurqué vers les musiques numériques après de longues années d’écriture et de performance scénique dans le milieu du jazz et des musiques d’improvisation. Au passage se problématise la causalité du geste lors de la performance avec des outils numériques. La thèse retrace tout d’abord un parcours sommaire de la musique improvisée – plus particulièrement celle que l’on appelle la musique actuelle au Québec ou encore lafree improvisation. À travers ce survol seront soulevées quelques questions de nomenclature et d’esthétique afin de mieux cerner les enjeux propres à cette pratique. La réflexion se poursuit avec des entretiens à travers lesquels j’explore la comprovisation, le DJing, les instruments de musique numérique, la danse et la composition. La réflexion culmine autour de cinq de mes œuvres écrites en collaboration avec les milieux de la musique improvisée et de la danse. / This thesis looks at improvised music and its relationship to the stage through my experience and that of thirteen personalities from the arts world with whom I have had privileged interviews. The essence of this approach is to observe how creators use improvisation in concert situations or simply as a research method using digital or analog tools. This panorama allows me to put my composition and research work in perspective at a time when, as a creator, I have turned towards digital music after many years of writing and stage performance in the field of jazz and improvisational music. In passing, the causality of the gesture during performance with digital tools is problematic. The thesis first retraces a brief journey through improvised music - more particularly what is called musique actuelle or free improvisation. Through this overview, a few questions of nomenclature and aesthetics will be raised in order to better understand the issues specific to this music. The reflection continues with interviews through which I explore comprovisation, DJing, digital musical instruments, dance and composition. The reflection culminates around five of my works written in collaboration with the improvised music and dance communities.

This thesis brings to light the women of the Kalbeliya community, a caste of snake charmers from Rajasthan. Since this practice has been deemed illegal in India since 1972, Kalbeliyas have found an alternative by replacing snakes with dancing women. Increasingly popular in Rajasthan, this practice called Kalbeliya dance or cobra dance, involves the presence of women dressed as cobras on stage, performing gestures directly inspired from the dangerous reptile. On stage, they are generally accompanied by professional musicians from various Muslim communities of the region. Since the creation of this dance, fewer and fewer men participate to their family’s economy. In fact, it is their dancing wives who become the sole provider of the household. This situation is at the very least unusual considering that Kalbeliya women – as are most women from the region of Rajasthan – practice purdah, a strict form of segregation of living spaces. This segregation is characterized by the dividing of the spaces allocated to women. It is usually expressed by an interdiction prohibiting women from leaving their home alone and without a veil as well as being prohibited from holding any form of remunerated employment. Consequently, the access to the public sphere is generally the jurisdiction of men, thus limiting the emergence of women in the cultural and economical spheres of the community. The objective of this thesis is therefore to demonstrate how the cobra dance participates in transforming the gender dynamics of the Kalbeliyas. Starting from the assumption that the purdah somehow forms the cornerstone of feminine ideals in the region of Rajasthan, this thesis will demonstrate that the dance infringes on several codes of conduct on many levels, as well as on the expectations of men and women and so, it contributes to transforming the gender dynamics within the community. A sub-objective of this thesis will be the discussion of concrete gains that women may obtain through dance. These gains can be observed especially in the capabilities, agencies and the living standards of these dancing women. This thesis is based on two field trips in India: a preliminary field trip (2013/2014) and another that occurred in 2017/2018, adding up to more than one year of research in Rajasthan. Established on participatory action research and collaborative anthropology, the methods recommended to obtain data are mainly participant observation as well as the gathering of semi-structured interviews, life stories and lifelines. Through an intersectional analysis of gender roles, this research will show that these cobra women embody a liminal role in which they must both infringe and respect the gender norms in effect in the region. Hence, the cobra dance allows the infringement of many codes of conduct associated with women in northern India. This thesis will demonstrate that these infringements are involved in normalizing certain changes in the gender dynamics. Following the completion of this study, it will be possible to see the advantages and inconveniences of the dancing in the daily lives of the women who practice cobra dancing. If in certain cases the dance can create more vulnerability to the dancers, we will see that it also offers considerable and multiple opportunities of agency. However, it will be shown that these gains are not without risks and that they remain fragile; they may be easily revoked, perhaps disappear due to different factors that will be clarified in this study. This thesis will thus bring to light the strategies of negotiation that these women use through their role as dancers to carry out their personal projects, their family duties and even, improve their living standards. / Cette thèse porte sur les femmes de la communauté Kalbeliya, une caste de charmeurs de cobras du Rajasthan. Cette pratique étant désormais illégale en Inde depuis 1972, les Kalbeliya ont contourné cette réalité juridique en remplaçant le serpent par une femme danseuse. De plus en plus populaire au Rajasthan, cette pratique nommée danse Kalbeliya ou danse cobra implique la présence de femmes sur scène parées en cobra et exécutant une gestuelle directement inspirée du dangereux reptile. Lors des concerts, elles sont désormais généralement accompagnées de musiciens professionnels issus de différentes communautés musulmanes de la région. Depuis l’avènement de la danse, de moins en moins d’hommes participent à l’économie de leur famille. En effet, ce sont plutôt leurs femmes danseuses qui deviennent les uniques pourvoyeuses du foyer. Cette situation est pour le moins inusitée considérant que les femmes Kalbeliya — comme la majorité des femmes de la région du Rajasthan — pratiquent la purdah, une forme stricte de ségrégation des espaces de vie. Cette ségrégation est caractérisée par une division des espaces accordés aux femmes et s’exprime habituellement par une interdiction de sortir de la maison seule et non voilée ainsi que par l’impossibilité d’avoir un emploi rémunéré. De ce fait, l’accès à la sphère publique est généralement l’apanage des hommes, limitant ainsi l’émergence des femmes dans les sphères culturelles et économiques de la communauté. Cette thèse aura donc pour objectif de démontrer comment la danse cobra participe à transformer les dynamiques de genre chez les Kalbeliya. En prenant comme prémisse que la purdah constitue en quelque sorte le socle de la construction des idéaux de la féminité dans la région du Rajasthan, cette thèse démontrera que la danse transgresse à plusieurs égards de nombreux codes de conduites et d’attentes associés aux hommes et aux femmes et donc, qu’elle contribue à transformer les dynamiques de genre à l’intérieur de la communauté. Cette thèse aura aussi comme sous-objectif de discuter des gains concrets que les femmes peuvent obtenir à travers la danse. Ces gains peuvent s’observer plus particulièrement chez ces femmes danseuses à travers leurs capabilités, agentivités ainsi que dans leurs conditions de vie. Cette thèse est basée sur deux terrains en Inde : un préliminaire (2013/14) et un autre qui a eu lieu en 2017/18, totalisant en tout plus d’un an de recherche au Rajasthan. Ancrées dans la recherche-action participative et l’anthropologie collaborative, les méthodes préconisées à l’obtention des données sont principalement l’observation participante ainsi que la collecte d’entretiens semi-dirigés, de récits et de lignes de vie. À travers une analyse intersectionnelle des rôles de genre, cette recherche démontrera que ces femmes cobra habitent un rôle liminaire dans lequel elles doivent à la fois transgresser et respecter les normes de genre en vigueur dans la région. De ce fait, la danse cobra permet la transgression de nombreux codes de conduite associés aux femmes en Inde du Nord. Cette thèse démontrera que ces transgressions participent à normaliser certains changements dans les dynamiques de genre. Au terme de cette étude, il sera possible de voir les avantages et les inconvénients de la danse dans le quotidien de ces femmes qui pratiquent la danse cobra. Si dans certains cas, elle vulnérabilise davantage les danseuses, on verra qu’elle offre aussi de considérables et de multiples possibilités d’agentivité. Toutefois, il sera démonté que ces gains ne se font pas sans risques et qu’ils demeurent fragiles ; ils peuvent leur être facilement révoqués, voire disparaître en raison de différents facteurs qui seront explicités dans cette étude. Cette thèse mettra donc en évidence les stratégies de négociation que ces femmes utilisent à travers le rôle de danseuse pour réaliser leurs projets personnels, leurs devoirs familiaux et même, améliorer leurs conditions de vie.