La reconnaissance d'émotions est un domaine jeune mais dont la maturité grandissante implique de nouveaux besoins en termes de modélisation et d'intégration dans des modèles existants. Ce travail de thèse expose un modèle conceptuel pour la conception d'applications interactives sensibles aux émotions de l'utilisateur. Notre approche se fonde sur les résultats conceptuels issus de l'interaction multimodale: nous redéfinissons les concepts de modalité et de multimodalité dans le cadre de la reconnaissance passive d'émotions. Nous décrivons ensuite un modèle conceptuel à base de composants logiciels s'appuyant sur cette redéfinition: la branche émotion, facilitant la conception, le développement et le maintien d'applications reconnaissant l'émotion de l'utilisateur. Une application multimodale de reconnaissance d'émotions par la gestuelle a été développée selon le modèle de la branche émotion et intégrée dans un système d'augmentation de spectacle de ballet sensible aux émotions d'un danseur. / Computer-based emotion recognition is a growing field which develops new needs in terms of software modeling and integration of existing models. This thesis describes a conceptual framework for designing emotionally-aware interactive software. Our approach is based upon conceptual results from the field of multimodal interaction: we redefine the concepts of modality and multimodality within the frame of passive emotion recognition. We then describe a component-based conceptual model relying on this redefinition. The emotion branch facilitates the design, development and maintenance of emotionally-aware systems. A multimodal, interactive, gesture-based emotion recognition software based on the emotion branch was developed. This system was integrated within an augmented reality system to augment a ballet dance show according to the dancer's expressed emotions.

Cette recherche vise à mettre en lumière comment, par une chaîne de performances, des individus effectuent une communication culturelle qui permet de tracer de façon dynamique les frontières entre groupes communautaires. La communauté se révèle alors ne pas être une réalité préexistante, s’imposant aux individus passifs, mais une construction performative dont l’identification s’effectue par la participation à la conga. Pour ce faire je mobiliserai une approche générative et processuelle et la notion de performance sera conçue, non pas comme une catégorie phénoménologique étanche mais comme une notion susceptible d’inclure plusieurs modes de participation (spectacle, jeu, théâtralisation, interactions quotidiennes) liés à différents registres d’attention exercés par l’individu dans l’action. Au sein de l’espace global de la ville de Santiago de Cuba, Los Hoyos est un « quartier » souvent cité par des individus comme leur lieu de résidence. La fréquence des contacts, l’importance des services réciproques, la dépendance interindividuelle liée aux risques de dénonciation, mais également l’intensité émotionnelle et le degré d'intimité des échanges, constituent un espace social aux mailles très serrées et habité par un sentiment revendiqué de communauté. La première partie de ce travail, le « Faire Monde », part à la recherche de cette communauté.Dans le chapitre 1 j’ai considéré le groupe Los Hoyos distinct dans le sens où il constitue une catégorie spécifique attribuée et identifiée par ses acteurs. Néanmoins cette catégorie ascriptive ne correspond à aucune zone administrative officielle liée à la planification socialiste. De plus, la circonscription de l’espace n’entre non seulement jamais en correspondance d’un individu à l’autre, mais présente également des variations d’une ampleur considérable. Los Hoyos est représenté (opérations de bornage) et figuré (sketch maps) comme un espace allant de 5 blocs sur 4 à 15 blocs sur 13 et associant d’1 à 7 zones de planification socialiste. Ni les réseaux collaboratifs, ni les liens de parenté, ni les représentations individuelles de l’espace ne permettent de reconstruire l’attachement à un ensemble territorial conçu comme identitaire. L'analyse fait apparaître à l'intérieur de Los Hoyos une pluralité d'ensembles qui sont en conflit de définition et simultanément les informateurs s'accordent pour reconnaître des totalités symboliques qui les unissent. Il ne s'agit pas alors d'endosser l'essentialisme spontané des informateurs qui s’inscrivent dans une communauté présentée comme une entité immuable, traditionnelle etc., mais réussir à rendre ces catégories opératoires pour l'analyse. Je n'ai alors pas envisagé le symbolisme sous l'angle de son contenu, mais pour la forme distinctive du style sur lequel il se construit. Style conçu comme la mise en relation spécifique par laquelle la conga construit une production symbolique dont le contenu est interprété comme particulier à la communauté de Los Hoyos. Cela fait apparaître deux relations cruciales :-Ces totalités se construisent par une mise en relation sous forme de renvois réciproques entre les domaines quartier et conga. La conga de los Hoyos, un ensemble de percussion musical dont le foyer se trouve à l’épicentre des représentations du quartier, constitue un paradigme significatif de l’organisation d’un répertoire symbolique signifiant pour le groupe. Les traits symboliques deviennent des véhicules autoréférentiels pour désigner un système de relations construit lors des performances. Le sentiment d’appartenance à la communauté de Los Hoyos se construit alors par la forme du contrepoint qui conjugue le sentiment unitaire et la variabilité individuelle. - La réalisation de plusieurs cartographies (sketch maps et développement spatiotemporel des performances) mises en relation, révèlent une correspondance directe entre les polarisations des représentations de l’espace communautaire et les parcours de la conga. Si les analyses... / This research aims to highlight how, through a chain of performances, individuals perform a cultural communication which allows to dynamically draw the boundaries between community groups. Community reveals itself not be a pre-existing reality imposing liability on individuals, but a performative construction whose identification is achieved by the participation to the conga. I will mobilize a generative and processual approach, and the notion of performance will be considered, not as an hermetic phenomenological class, but as a notion which may include several modes of participation (shows, games, drama, dramatization, daily interactions) associated with different registers of attention mobilised by the individual in the action.Within the global space of the city of Santiago de Cuba, Los Hoyos is a "neighborhood" often cited by individuals as their place of residence. The frequency of contacts, the importance of reciprocal services, inter-dependence related to the risk of denunciation, but also the emotional intensity and intimacy of trade and interactions create a very tight social space, inhabited by a strong sense of community. The first part of this work, "Faire Monde" goes to the quest of this claimed community.In Chapter 1 I considered the group Los Hoyos distinct in the sense that it is a specific category assigned and identified by its actors. However, this ascriptive category does not match any official administrative area linked to socialist planning. In addition, the division of space not only doesn’t match from one individual to another, but also presents variations of considerable magnitude. Los Hoyos is represented ( operations de bornage ) and figurated (sketch maps) as a space that goes from 5 blocks over 4, to 15 blocks over 13, and associating 1 to 7 areas of socialist planning. Neither collaborative networks nor kinship ties, nor individual representations of space allow reconstructing the attachment claimed as a territorial identity. The analysis reveals inside of Los Hoyos a plurality of settings that are in conflict of definitions and simultaneously informants agreed to recognize symbolic totalities between them. It is not then to endorse the spontaneous essentialism of my informants who represent themselves into a community presented as an unchanging entity, traditional etc., but to succeed in making these categories operational for analysis. I did not consider the symbolism in terms of its content, but for the distinctive shape of the style on which it is built. Style must then be understood as the specific relationship setting on which the conga build a symbolic production which content is interpreted as particular to the community of Los Hoyos. This reveals two crucial relationships:-These totalities are constructed by linking in the form of cross-references the domains” neighbourhood” and “conga”. The Conga of los Hoyos, a group of musical percussion whose house is the epicentre of the representations of the neighbourhood, is a significant paradigm in organizing a symbolic repertory meaningful for the group. Symbolic features become self-referential vehicles to designate a system of relationships built during the performances. Sense of belonging to the community of Los Hoyos is then constructed by the form of the counterpoint which combines the sense of unity and the individual variability. - The realization of several maps (sketch maps and maps of the spatiotemporal development of performances), once juxtaposed, reveals a direct correlation between the polarizations of the representations of the community’s space and the conga’s journeys. If the analyze of networks of sociability, economic activity and representations of space highlighted a valuation of "side by side", it is the conga, then both emblem and vector of the community which seems to allow, by the performance, to be "linked to".Chapter 2 goes in search of the sense of group identity through specific relationships to...

Comment les êtres, humains ou plus-qu’humains, en viennent-ils à partager leurs mouvements ? Qu’est-ce qui exauce, soutient ou empêche la confluence de leurs gestes ? Ces questions sont des questions métaphysiques (question de la comobilité des êtres), anthropologiques (question du vivre-ensemble) ou biologiques (question de la symbiose) : pour y répondre, il est de bonne méthode de lire des philosophes, des anthropologues, des biologistes. Nous avons décidé de les adresser à une pratique chorégraphique : le Contact Improvisation, une forme de danse initiée par le chorégraphe américain Steve Paxton en 1972, et où danseurs et danseuses se sautent les un-es sur les autres, entrent en contact les un-es avec les autres, roulent par terre et tombent dans les airs, considérant que la philosophie avait tout intérêt à reconnaître que danseurs et danseuses non seulement savent bouger ensemble, mais, plus important, savent s’apprendre et penser la manière dont ils bougent ensemble. / How do human and more-than-human beings come to share movements? What supports, hinders or ignites the confluence of their gestures? These questions are metaphysical (how do things coexist?), anthropological (how to live together?), and biological (how do we merge and exist symbiotically?): to answer them, our anthropo-phenomenological “philosophy of gestures” offers a reading of contemporary philosophers, anthropologists and biologists. But next to those field specialists, the investigations also led us to ask our questions to dancers and to a dance practice—Contact Improvisation, a movement form that was initiated by North American choreographer in 1972, where dancers jump at each other, enter in contact, roll on the ground and fall in the air. Our hypothesis was simple: we are in urgent need to renew our understanding of movement and specifically of our ways of moving together (with other, humans or more-than-humans), who better than dancers to lead the inquiry with?

Longtemps figé dans l'immobilité, le portrait peint de la Renaissance va s'animer grâce à une gestuelle qui fit l'objet d'une construction progressive. Très précoce, l'idée du geste: est présente dès 1440 chez Filippo Lippi dans les portraits féminins, à partir de 1450 chez Andrea del Castagno pour une effigie masculine et, en 1470, chez Antonello da Messina pour les mimiques. Mais la norme est au portrait en buste et d'autres freins, imposés par les commanditaires, perdureront jusqu'à la fin du XVIe siècle. En dépit des tentatives dissidentes d'Antonello da Messina, de Léonard de Vinci, ou, plus tard, de Bartolomeo Passerotti, c’est le modèle princier qui va s'imposer.Trois types d'écrits de l'Antiquité se préoccupent de l'apparence du corps et de la civilisation des mœurs : les préceptes éducatifs, souvent intégrés à des thèmes plus vastes, les traités de physiognomonie qui tentent de lire sur le visage les intentions ou la destinée de l'autre, et la rhétorique, qui s'intéresse plus particulièrement à l'ethos, au pathos mais aussi à la gestuelle de l'orateur. Ces textes seront reçus à la Renaissance dans divers domaines qui traitent tous, à un moment ou un autre, du geste. Les traités des éducateurs du Quattrocento, qui jalonnent la mise en œuvre d’une véritable réforme, cèderont la place aux manuels de savoir-vivre du XVIe siècle. A partir de 1455, les maîtres à danser lombards posèrent par écrit les premiers éléments d'une théorie de la danse. Les traités artistiques s'intéressèrent au decorum dans lequel s'inscrit le geste. Au tout début du XVIIe siècle, un certain nombre de conventions furent enregistrées dans des recueils illustrés de chironomie. Loin de considérer le doigt, la main ou les membres comme des détails sémantiques, cette thèse montre que la gestuelle est un signal social à replacer dans son environnement. Elle s’est ouverte sur l’histoire de l’éducation, centrale dans celle du geste, ainsi que sur celle du genre, ou encore de la place de l’enfant et de la parentalité. Une place importante a été consacrée à l’histoire du costume, celui que l’on a choisi pour ces images. Au terme de ce travail, il devient évident que le Moyen Âge n’est pas la seule période à avoir vu se développer une "civilisation du geste". L'analyse des textes, de l’Antiquité comme de la Renaissance, révèle une remarquable continuité dans la conception et les théories relatives à la gestuelle, sous-tendue par l'Institution Oratoire, particulièrement la partie traitant de l'actio. Quintilien eut une réception de longue durée dans les arts de la prédication et, de manière plus subtile, ses qualités d’éducateur et d’observateur de l'enfance ont également favorisé sa transmission dans le cadre pédagogique. Cet auteur enseignait l’utilisation programmée du geste pour appuyer le discours, pointant comme un défaut la négligence dans "la toge, la chaussure et le cheveu". Déjà pour lui, ce soin devait être imperceptible, l’éducation et l’apprêt physique devenant comme une seconde nature, la sprezzatura avant l'heure. Parcourant nos images, la référence à l'actio qui s'est imposée depuis l'Antiquité dans l'éducation, l'expression, la représentation imagée ou théâtrale, rend compte de la précocité de cette civilisation et de sa pérennité dans le temps. Le geste s’impose comme un patrimoine vivant, transmis le plus souvent de manière inconsciente de siècle en siècle, par le biais d’une multitude de canaux et de disciplines, parmi lesquels on compte le portrait, à la fois récepteur et vecteur. / The portrait, long considered as a rigid pictorial genre, became increasingly lively through the progressive introduction of gestural expression. This idea appeared as early as 1440 in Filippo Lippi’s female portraits, in 1450 in Andrea del Castagno’s painting of a man and in 1470, in Antonello da Messina’s mimes. But the standard surrounding is bust-length portraiture and other restrictions on movement, imposed by the commissions, lasted until the 16th century. Despite various dissenting works, such as those of Antonello da Messina, Leonardo Da Vinci, or later, Bartolomeo Passerotti, the Princely model held sway.In Antiquity, three literary categories, each with a different approach, addressed the appearance of the body and civilization of the customs : educational precepts often contained within vaster literary works, physiognomic treatises — which attempt to read from faces an individual’s intentions and destiny — and rhetorical studies which, in particular, concern the ethos and the pathos, but equally the orator’s gestures. During the Renaissance these three disciplines all influenced various domains, which are interested, at one point or another, in the gesture. The Quattocento’s didactic treatises, which paved the way for a true reform, were replaced by manuals of etiquette in the 16th century. From 1455, the Lombard dancing masters wrote the initial elements of a theory of dance. Artistic treatises on painting and sculpture insist on the decorum which included gesture. At the very beginning of the 17th century, a certain number of modern conventions were recorded in illustrated collections of chironomy.Far from considering the finger, the hand or the members as semantic details, this thesis shows that body movement is a social signal to be placed back in its environment. It open on the history of education, central in that of gesture, as well as on that of the genre, or still the place of children and the parenthood. An important place was dedicated to the history of the garment, the one that was chose for these pictures.Through this work, it becomes obvious that the Middle Ages are not the only period to have seen developing a "civilization of the gesture". The analysis of texts, of Antiquity as of Renaissance, reveals a remarkable continuity in the conception and the theories relative to the body movements, underlain by the Oratorical Institution, particularly the part dealing with the actio. Quintilien had a long-term reception in the arts of preaching and, in a more subtle way, his qualities of educator and observer of the childhood also favoured his transmission in the educational frame. This author taught the use scheduled of the gesture to support the speech, considering a defect the carelessness in "the toga, the shoe and the hair". Already for him, this care was to be imperceptible, the education and the body care becoming as a second nature, the sprezzatura before time. Browsing our images, the reference to the actio that got established since Antiquity in education, expression, and both pictorial and theatrical imagery, acknowledges how precocious that civilization was and how perennial it has been.The gesture is asserted as a living heritage, transmitted more or less consciously through time, through a myriad of conduits and disciplines, including the portrait, both as recipient and vector.

Cette thèse cherche à comprendre et à analyser les fondements historiques, sociaux, culturels et genrés d’une méconnaissance et d’une sous-valorisation actuelles des costumiers et des costumières, en accordant un primat à leur parole propre. Traitant des origines théoriques de l’art costumier à partir de l’apparition de l’appellation professionnelle consacrée, la première partie retrace le parcours et les luttes multiples de Pierre-Nicolas Sarrazin, en cherchant à identifier les motifs de l’échec de la valorisation professionnelle entreprise par ce dernier au XVIIIe siècle. La deuxième partie présente, à partir de l’analyse d’un recueil d’entretiens de costumiers d’aujourd’hui, les notions de métiers de service et de rapport de commande, de genre et de « souci de l’autre » comme étant les caractéristiques de cette activité professionnelle, et autant de leviers potentiels d’oppression. Enfin, la troisième partie étudie la carrière de Dominique Fabrègue – spécialiste de la coupe en un morceau – en tant que « fabrique » d’une œuvre dont la portée est esthétique et critique, de manière à défendre l’idée que l’art costumier constitue un art à part entière, qui pour être second dans l’élaboration d’un spectacle, n’est pas pour autant secondaire. / This work aims at analyzing the historical, social, cultural and gender factors responsible for the current undermining of the costume designers and makers profession. The first part consists in a historical research onthe theoretical origins of the Art of Costume starting with the appearance of the professional vocable - Costumier - invented by Pierre-Nicolas Sarrazin, as well as a study of the means this latter used to promote his field of work during the 18th century and how he came to fail. The second part is an interview-collection (2013 to 2016) - based reflection on the order nature of the work, the gender characterization of the workers and « care » as a creative motivation. It demonstrates how these specifics are potential ways to oppress the costume designers and makers and to deny them the appreciation and salary they deserve. The third part is an a esthetic critique of Costume Designer Dominique Fabrègue’s career, and the « Cut in one piece » Artwork she specialized in. This section argues that the discipline of designing costumes is an Art in full, and as it may come second in the process of putting on a play, is not for all that secondary and shouldn’t be considered assuch.

Cette thèse propose une étude sur l’Abhinayadarpaṇa, « le Miroir du Geste », de Nandikeśvara, traité sanskrit médiéval traitant de l’art de l’expression au moyen des gestes. Ce texte est aujourd’hui une référence théorique particulièrement populaire dans la pratique du bharatanāṭyam, la danse « classique » du Tamil-Nadu (Sud-Est de l’Inde), notamment depuis le tournant dit « revivaliste » dans les années 1930. Conjuguant les approches philologique et ethnographique, cette étude propose une analyse des différentes formes et modes d’appropriation de ce texte. L’étude et la traduction du texte sanskrit, l’analyse des phénomènes d’intertextualité avec d’autres traités sanskrits et des différentes « éditions-traductions » anglaises, ainsi que la présentation de l’usage actuel de ce texte par les praticiens de bharatanāṭyam (d’après les données d’un terrain d’un an à Chennai et à Pondichéry, trois séjours de 2013 à 2016) permettront, d’une part, d’appréhender le caractère polymorphe et dynamique de ce traité dont les formes reflètent les pratiques autant qu’elles les normalisent, et, d’autre part, de dégager une pratique du texte, de l’Inde ancienne à l’Inde actuelle, prenant la forme de commentaires discursifs et gestuels. / This study focuses on Nandikeśvara’s Abhinayadarpaṇa, « The Mirror of Gesture », a medieval Sanskrit treatise about the art of gestural expression. Today this text is a very popular theoretical reference in the bharatanāṭyam milieu, the classical dance of Tamil Nadu (South-East India), since the so-called 1930s revivalism. Through philological and ethnographic approaches, this study aims at analysing the various forms and ways of appropriation of this text. The study and translation of the Sanskrit text, the analysis of intertextuality with other Sanskrit treatises and of various English « edition-translations », and the study of the contemporary use of the text by bharatanāṭyam practitioners (using original data from one year of fieldwork in Chennai and Pondicherry, 2013 to 2016) will make it possible, on the one hand, to explore the polymorphic and dynamic aspects of this treatise, whose forms both reflect and normalise practices - and, on the other hand, to distinguish a text-practice, from Ancient India to the present day, which takes the shape of a discursive and gestural commentaries.

À mi-chemin entre un café, un jardin d’agrément, un bal et une scène théâtrale, les cafés-concerts et les music-halls représentent les divertissements les plus importants du XIXe siècle. Espaces spectaculaires qui accueillent des sociabilités hétérogènes et qui combinent une double fonction artistique et festive, l’identité socioculturelle de ces nouveaux loisirs s’est d’abord élaborée par opposition au statut du lieu d’art. Le postulat de la rareté des répertoires et des artistes issus des cafés-concerts et des music-halls dans l’historiographie des arts scéniques, et dans la transmission des savoirs en danse, nous a conduits à enquêter sur les raisons et les enjeux de cette mise à l’écart. « Lieux dangereux et vulgaires », « spectacles immoraux », « artistes insipides », sont les expressions symptomatiques d’une perception négative fondée sur un ensemble idéologique qui concourt à dessiner les contours d’une illégitimité culturelle. Une première étape de la recherche vise à analyser les principes de distinction sociale et de hiérarchisation artistique en œuvre dans le processus de délégitimation des cafés-concerts et des music-halls, en puisant dans les sources produites par les institutions en charge du contrôle des spectacles au XIXe siècle. Catégorisés en tant qu’objets populaires, les arguments déployés par les instances administratives et la police des théâtres révèlent en premier lieu le fondement d’une idéologie de classe, focalisée sur les origines prétendues populaires de ces divertissements. Entre le Second Empire et la Troisième République, l’histoire des cafés-concerts et des music-halls est traversée par un phénomène de féminisation qui bouleverse les pratiques et les représentations associées à ces espaces et participe à resémantiser leurs premières attributions sociales et symboliques. La seconde phase de ce travail s’intéresse aux effets d’un processus qui interagit sur les plans socioculturel, professionnel et symbolique par une présence féminine érotisée et qui tend à bâtir la catégorie du divertissement comme appartenant au genre féminin. Afin d’interroger les échanges entre altérités féminines et corporéités populaires sur les scènes des cafés-concerts et des music-halls durant la seconde moitié du XIXe siècle, la thèse mobilise deux catégories d’artistes féminines — les effeuilleuses et les danseuses de chahut-cancan — réunies autour d’un geste scénique et érotique commun : le déshabillage. L’étude de ce geste ouvre un troisième champ de questionnements sur les rapports entre l’érotique et l’illégitime dans les pratiques professionnelles de femmes qui exercent un métier artistique au sein d’un lieu spectaculaire à la fois déconsidéré et hautement érotisé. À travers les différentes étapes qui jalonnent cette recherche, la réflexion cherche à rendre compte de l’impact du déshabillage érotique sur la sensibilité d’une époque, sur le statut social des femmes, mais également sur les mouvements internes de professionnalisation des artistes de café-concert et de music-hall au XIXe siècle, et plus globalement, sur l’héritage historiographique de ces divertissements. / Halfway between a café, a pleasure garden, a ball and a theatrical stage, café-concert and music hall are the main entertainment places in the 19th century. Spectacular spaces that welcome heterogeneous sociability and combine a dual artistic and festive function, the socio-cultural identity of these new leisure activities was first developed as opposed to the status of the art place. The postulate of the rarity of repertoires and artists from café-concert and music hall in the historiography of performing arts, and in the transmission of knowledge in dance, has led us to investigate the reasons of this exclusion and the issues at stake. "Dangerous and vulgar places", "immoral performances", "insipid artists", are symptomatic expressions of a negative perception based on an ideological set that contributes to drawing the contours of cultural illegitimacy. The first stage of the research consists in analysing the principles of social distinction and artistic hierarchy in the process of delegitimization of café-concert and music hall, based on the sources from the institutions responsible for controlling 19th century performances. Categorized as popular objects, the arguments put forward by the administrative authorities and the theatre police reveal first and foremost the basis of a class ideology, focused on the supposedly popular origins of these entertainments. Between the Second Empire and the Third Republic, the history of café-concert and music hall was marked by a phenomenon of feminization that disrupted the practices and representations associated with these places and helped to redefine their first social and symbolic attributions. The second stage of this work focuses on the effects of a process that interacts socioculturally, professionally and symbolically through an eroticized female presence, and that tends to build the entertainment category as belonging to the female gender. In order to question the exchanges between female otherness and popular corporealities on the stages of café-concert and music hall during the second half of the 19th century, the thesis focuses on two categories of female artists — the effeuilleuse (strippers) and the chahut-cancan dancers — gathered around a common scenic and erotic gesture: undressing.

Le corps est être-au-monde. Le corps est l'être-vivant-de-l'image et, ainsi, le corps est image habitée. L'image-corps donne lieu à l'espace sensible lors de son apparition. L'Être comme Nature, peut-il se rendre visible à travers les images ou dans les gestes ? Y a-t-il une spécificité de certains fragments filmiques ou performatifs de la figure du corps et des formes de la persona ? Si cette spécificité a lieu, par quelles voies de la création esthétique ces images ou ces gestes se créent-ils et de quelles manières en imprègnent-t-ils l'œuvre ? Selon quels dispositifs de partage sensible de l'espace matériel et immatériel établi par l'œuvre le spectateur peut-il vivre l'expérience du surgissement de l'être dans l'image ou dans le geste dont il est témoin ? Cette étude est fondée sur l'expérience de recherche pratique et théorique des œuvres. Le sens de cette recherche est ancré dans l'expérience de la création de la danse performative et du cinéma du corps et, plus largement, du cinéma de danse. La quête d'une théorie du sensible est ici fondée, d'une part, sur l'étude du processus de création transdisciplinaire mettant en jeu le corps et les images / les images et les corps en mouvement, d'autre part, sur l'étude d'images mouvantes donnant lieu à une expérience de la présence du corps considérée comme spécifique à la matière de l'humain. Il s'agit, par cette perspective, dans un processus de création performatif, d'étudier les conditions qui donnent lieu au surgissement de ce que nous qualifions de corps d'images et, dans une œuvre filmique, de saisir et de décrire les modalités de l'apparition de ce que nous définissons comme une image corporelle. En ce qui concerne la recherche pratique, nous avons intégré l'équipe de création de l'installation performative Sketches / Notebook de Meg Stuart et, ainsi, constitué un corpus documentaire que, tout au long de notre recherche théorique, nous avons analysé et comparé avec un corpus complémentaire constitué d'œuvres performatives et, surtout, filmiques (on compte, parmi elles, Die Klage der Kaiserin, de Pina Bausch ou Sátántángo de Béla Tarr). Cette recherche nous a permis d’évoquer de nombreux liens entre diverses perspectives philosophiques et esthétiques et d'approfondir l'élaboration du concept janus bifrons d'image corporelle / de corps d'images en relation à la manifestation de la persona dans un environnement de dispositifs et de symboles que nous proposons de penser comme propre à une esthétique organique. En effet, nous reconnaissons à certains fragments de ces œuvres filmiques ou scéniques la puissance de création de l'espace sensible; une organisation de dispositifs dans l'image ou dans le geste capable de générer une mutation de l'espace de signes et de leur réception. De ce fait, nous comprenons qu'en terme de processus de création, certains fragments performatifs et certaines images semblent témoigner de protocoles d'expérience de créations qui - de manière plus propices que d'autres - permettent de donner lieu, voire de faire surgir, des images du corps comme images de la persona : par la présence particulière et universelle à la fois de l'être humain, signe ana-chronique d'une présence mortelle. / The body is being-in-the-world. The body is the image's-being-alive, and thus, the body is an inhabited-image. The image-body gives place to the sensitive space within its advent. Can the Being, as Nature, be visible through images or gestures ? Is there a specificity in certain filmic or performative fragments about the figure of the body and forms taken by a persona ? If this specificity is proven, through which means of the aesthetic creation can these images or gestures be created and how do they impact the artwork ? What are the devices of material and immaterial sensitive sharing of space, as settled by the artwork, that allow the onlooker to live the experiment of the emergence of being through the image or the gesture which he is witnessing ? This study is based upon the experience of practical and theoretical research on artworks. The meaning of said research is rooted in the experience of creation concerning performative dance, cinema of the body and, in a wider perspective, dance cinema. The quest for a theory of the sensitive, in our work, has its foundations, first in the study of the process involved in transdisciplinary creation involving body and images / images and body in motion ; second, in the study of moving pictures generating an experience of the body's presence, considered as specific to human matters. In light of this point of view, our project, through the process of performative creation, is to study the conditions which give birth to the upsurge of what we call a body of images and, in filmic artwork, to grasp and describe the modalities through which what we define as a corporeal image appear. Concerning practical research, we have taken part in the creative team of Meg Stuart's performative setup, Sketches / Notebook, and thus assembled a set of documents which we have analysed and compared, all along our theoretical research, to a complementary set made of performative and, most of all, filmic artworks (among which are included Pina Bausch's Die Klage der Kaiserin and Béla Tarr's Sátántángo). This research gave us the opportunity to call to mind the numerous links existing between different philosophical and aesthetical points of view, as well as to deepen our construction of the janus bifrons concept of corporeal image / body of images, as related to the expression of the persona in an environment made of setups and symbols which our research designates as specific to an organic aesthetic. In fact, we recognize in specific fragments of these filmic or scenic artworks the creative power of sensitive space ; the arrangement of setups within the image or within the gesture, able to operate a mutation of the space of signs and their reception. Therefore, it is our understanding that, regarding the creation process, some performative fragments and some images appear to participate in protocols in creative experience which, in a more suitable manner than others, lead, or even give birth to images of the body as images of a persona, through the presence, all together individual and universal, of the human being as the anachronistic sign of a mortal presence.

Notre recherche s’insère dans la mouvance des humanités numériques; nous y faisons dialoguer les arts et les sciences de l’information. Depuis quelques décennies, la danse est un sujet d’études et de recherche à part entière. Il devient donc nécessaire de mieux décrire la danse dans les archives, sachant que la description en amont influe grandement sur l’accès en aval. Les méthodes d’extraction automatique de connaissances nous semblent offrir de nouvelles possibilités. L’objectif de notre recherche est de contribuer au développement d’outils de gestion de l’information dans les archives de la danse en comparant un vocabulaire de description de la danse dans les archives et un vocabulaire de représentation de la danse dans la littérature, recueilli grâce à des méthodes d’extraction automatique de connaissances, pour en distinguer une possible complémentarité, particulièrement en ce qui a trait au vocabulaire de l’expérience esthétique. D’abord, nous analysons un vocabulaire de description de la danse dans les archives. Nous décrivons certains outils de description des archives de la danse et nous analysons le thésaurus de descripteurs Collier. Nous constatons que le vocabulaire de description de la danse dans les archives ne semble pas prendre en compte l’expérience esthétique. Ensuite, nous analysons un vocabulaire de représentation de la danse dans la littérature. Un vocabulaire structuré de l’expérience esthétique de la danse moderne est ainsi extrait d’un corpus de textes de l’écrivain français Stéphane Mallarmé et analysé. Puis nous comparons les deux vocabulaires afin d'en distinguer la complémentarité quant à la description de l’expérience esthétique. Nous formulons une première suggestion d’amélioration de certains thésaurus employés dans les archives de la danse : un thésaurus au vocabulaire essentiellement factuel, comme le thésaurus de descripteurs Collier, peut être enrichi de termes à propos de l’expérience esthétique. Le vocabulaire de représentation de la danse dans la littérature est jusqu’à un certain point complémentaire au vocabulaire de description de l’expérience esthétique de la danse dans les archives. Nous menons ainsi une première expérimentation qui justifie en partie la pertinence de certaines méthodes d’extraction de connaissances dans le développement et la maintenance de ressources documentaires pour le domaine des arts d’interprétation tels que la danse. / This research falls within the field of digital humanities; arts and information science engage in dialogue. In the last few decades, dance has become a distinct research subject. Dance description in archives needs to be improved, because the quality of the description impacts access to the documentation. Knowledge extraction seems to offer new opportunities in this regard. The goal of this research is to contribute to the development of information management tools by comparing a vocabulary for describing dance in archives with a vocabulary for representing dance in literature obtained through knowledge extraction. We look for possible complementarity, particularly in regard to the aesthetic experience. First, some tools for describing dance in archives are described, and the Collier Descriptor Thesaurus is analyzed. We observe that this vocabulary for describing dance in archives does not take into account aesthetic experience. Second, a vocabulary for representing dance in literature is analyzed. More specifically, a structured vocabulary of aesthetic experience of modern dance is drawn from a corpus of texts from the French writer Stéphane Mallarmé, and the vocabulary obtained is analyzed. Finally, the two vocabularies are compared to consider their complementarity. We conclude that some vocabularies for describing dance in archives, consisting mainly of factual terms, such as the Collier Descriptor Thesaurus, can be enriched with terms related to aesthetic experience. The vocabulary for representing dance in literature complements to a certain extent the vocabulary for describing dance in archives. Thus this initial experiment supports the relevance of knowledge extraction in information resources maintenance and development for performing arts such as dance. / Diese Arbeit beschäftigt sich mit dem Fachgebiet der Digital Humanities und verbindet dabei Kunst mit informationswissenschaftlichen Methoden. In den letzten Jahrzehnten ist Tanz ein eigenständiges Forschungsgebiet geworden. Da sich die Qualität der Beschreibung direkt auf den Zugang zu Dokumenten im Archiv auswirkt, bedarf die Beschreibung von Tanz in Archiven Verbesserung. Ziel der Forschung ist es zur Entwicklung von Informationsverwaltungs-Tools beizutragen, indem das Vokabular der Beschreibung von Tanz im Archiv mit Vokabular aus der Literatur, extrahiert aus textuellen Datenbanken, verglichen wird. Dabei liegt der Fokus auf der Komplementarität beider Quellen, besonders in Bezug auf die Beschreibung von ästhetischen Erfahrungen. Zunächst werden Tools für die Beschreibung von Tanz in Archiven beschrieben und der Collier Descriptor Thesaurus analysiert. Dabei zeigt sich, dass das Vokabular der Tanz-Beschreibung im Archiv ästhetische Erfahrung generell nicht berücksichtigt. Daraufhin wird das Vokabular der Tanz-Darstellung in der Literatur am Beispiel der Text-Sammlung des franzözischen Dichters Stéphane Mallarmé analysiert. Im Anschluss werden die zwei Wortschätze verglichen, um die Komplementarität beider Quellen zu beschreiben. Die Arbeit kommt zu dem Schluss, dass das Vokabular der Tanz-Beschreibung im Archiv hauptsächlich aus sachbezogenen Begriffen besteht (z.B. der Collier Descriptor Thesaurus), welche um Begriffe zur ästhetischen Erfahrung ergänzt werden können. Die Begriffe für die Tanz-Beschreibung in der Literatur komplementieren bis zu einem gewissen Grad das Vokabular der Tanz-Beschreibung im Archiv. Demzufolge bildet diese Arbeit eine Grundlage für weitere Forschung im Bereich der Wissensextraktion in textuellen Datenbanken im Fachgebiet darstellender Künste wie Tanz.

Depuis 1981, les jeunes du primaire et secondaire sont sensibilisés à la danse par des enseignants qui l’offrent au sein du curriculum de la formation générale des jeunes. Les enseignants de la danse en milieu scolaire (EDMS) du Québec, bénéficient d’une formation universitaire à la fois disciplinaire, pédagogique et pratique qui développe leurs compétences tant artistiques que professionnelles. Au sein de cette formation initiale, commence le développement de l’identité professionnelle de l’enseignant (Lessard et Tardif, 2003) qui continue à se développer durant toute la carrière. Toutefois, la construction identitaire de l’EDMS n’a pas fait l’objet d’une étude approfondie car l’enseignement de la danse en milieu scolaire est une profession relativement nouvelle, non-traditionnelle et méconnue. Ainsi, dans le cadre d’une approche sociologique constructiviste, nous nous penchons sur les tensions et stratégies identitaires inhérentes aux trajectoires biographiques et aux représentations professionnelles de praticiens dans le but de mieux connaître qui ils sont. Nous cherchons à comprendre le sens qu’ils donnent, dans leur construction identitaire, à leur parcours de formation, à leur travail, à leurs relations dans le travail, aux savoirs, et aux institutions en élaborant les rapports qu’ils entretiennent avec autrui ainsi que la perception de leurs rôles, statuts et fonctions artistiques et éducatifs. Un cadre conceptuel nous a permis de faire un portrait sociologique des sphères de négociations identitaires inhérentes à la construction de l’identité professionnelle grâce à l’analyse de la double transaction biographique et relationnelle, un concept de Dubar (1991). Les données de cette étude, recueillies auprès de dix-huit EDMS, proviennent d’un questionnaire sociodémographique ainsi que d’un questionnaire et d’entretiens sur leurs représentations professionnelles, leurs héritages et sur les incidents critiques de leurs trajectoires biographiques. L’analyse inductive des données par l’approche de théorisation ancrée, vérifiée par quinze participantes, a permis de dégager six sphères internes et externes de négociations identitaires communes à la construction de l’identité professionnelle d’EDMS : Devenir, Se réaliser, Se projeter, Faire sa place, Rencontrer l’autre et Agir. Ces sphères se présentent comme des espaces d’identification dans lesquelles l’EDMS construit son identité professionnelle en se positionnant par rapport aux identités héritées, acquises, prescrites, réelles et projetées. Cependant, les écarts entre les logiques opposées, les postures complémentaires et les rôles à jouer pour soi et pour autrui dans la pratique peuvent engendrer des tensions identitaires intrasubjectives et intersubjectives que nous avons identifiées. Pour réduire les écarts entre les représentations polaires et pour apaiser les zones d’incertitudes identitaires, l’EDMS mobilise des stratégies temporelles et spatiales. Neuf ont été relevées: conversion, conciliation, différenciation, implication multiple, maintien identitaire, défense, promotion, alternance des rôles et formation continue. Cette étude expose des façons d’EDMS de se définir pour soi et pour autrui qui permettent d’accéder aux référents identitaires des sphères par des exemples concrets issus des verbalisations de participantes sur le terrain. L’interprétation de nos résultats nous conduit à décrire six profils identitaires provisoires. Nos résultats offrent des retombées possibles en formation initiale et continue. / Since 1981, primary and secondary school students have been sensitized to dance education by dance teachers who offer the discipline within the curriculum. The dance teachers in the school environment (DTSE) of Quebec benefit from a university formation which is at once disciplinary, pedagogical and practical and which develops their artistic as well as professional competencies. It is within this initial formation that the development of the professional identity of the teacher begins (Lessard et Tardif, 2003) and continues to develop throughout their entire career. Nevertheless, the identity construction of the DTSE has not been made the subject of a thorough study, since the teaching of dance in the school environment is a relatively new, non-traditional and unfamiliar profession. Thus, within the framework of a sociological constructivist approach, we study the tensions and identity strategies inherent in the biographical trajectories as well as in the professional representations of the DTSE with the aim of knowing better who they are. We seek to understand the meaning which they give, in their identity construction, to their formative path, to their work, to their relations in work, to knowledge, and to institutions by elaborating the relations maintained with others, and their perceptions of their artistic and educational roles, status and functions. A conceptual framework enabled us to make a sociological portrait of the spheres of identity negotiations inherent in the construction of their professional identity thanks to the analysis of the double biographical and relational transaction, a concept of Dubar (1991). The data collected from eighteen DTSE was generated from a socio-demographic questionnaire as well as from a questionnaire and interviews on their professional representations, their backgrounds and on the turning points of their biographical trajectories. The inductive analysis of the data, using the grounded theory approach, was verified by fifteen participants, and reveals six internal and external spheres of identity negotiation common to the identity construction of the DTSE: To become, To achieve, To project oneself, To make one’s place, To encounter the other and To act. These spheres represent identification fields within which the identity construction process of the DTSE develops in relation to the various identities inherited, acquired, prescribed, real, and projected. However the intervals between the opposing logics, the complementary postures and the roles to be played in practice for oneself and for others could provoke intrasubjective and intersubjective identity tensions which we have identified. In order to reduce the intervals between the polar representations and to alleviate the zones of identity uncertainties, the DTSE employs certain temporal and spatial strategies. We have identified nine such strategies: Conversion, conciliation, differentiation, multiple implication, identity preservation, defence, promotion, alternation of roles, and continuing education. This study exposes DTSE manners of defining oneself for oneself and for others which give access to the identity referents of the various spheres by concrete examples resulting from the verbalisations of participants in the field. Our interpretation of the results conducts us to describe six provisional identity profiles. Our results offer possible consequences in initial and continuing formation.