Le sort qui touche tous les architectes qui ont vécu et travaillé dans l’ombre de Jules Hardouin-Mansart semble ne devoir cesser qu’avec les monographies qui leur sont peu à peu consacrées. C’est le premier objectif de cette thèse. Pierre Bullet est en effet l’un de ces oubliés dont le rôle est difficilement saisissable à première vue. Il témoigne pourtant, par ses réalisations, par ses activités, et à travers son Architecture pratique, d’une évolution tant dans la manière de voir et de faire l’architecture, que dans les habitudes constructives. Cette étude s’attache à définir et à expliquer cette évolution, tout en mesurant la place qu’a pu y tenir Bullet. Elle s’organise en trois axes. L’œuvre bâti est étudié d’abord, puis les modes et particularités du processus d’invention de l’architecte sont exposés à travers l’étude des nombreux dessins conservés au Musée national de Stockholm. L’ouvrage majeur de Bullet, l’Architecture pratique, est ensuite analysé en tant qu’objet d’abord, puis comme témoin de la normalisation à l’oeuvre dans l’architecture à la fin du XVIIe siècle. Cette synthèse est complétée par plusieurs outils et documents : un volume d’annexes contenant les transcriptions d’écrits inédits de Pierre Bullet ; un catalogue des œuvres ; un catalogue des dessins rassemblant l’ensemble des feuilles conservées au Musée national de Stockholm attribuées à Bullet ; une édition critique et cumulative de l’Architecture pratique. / The fortune of every architect who lived and worked in Jules Hardouin-Mansart’s shadow seems to be reversed only by the gradual rise of monographs devoted to them. Here is the prior aim of this essay. Pierre Bullet appears to be one of those oversights whose role seems hard to capture. However, through his constructive work, other activities and his Architecture pratique does he testifies to an evolution in the ways of both seeing and doing architecture, as in the constructive habits. This study is directed at defining and explaining this evolution while seizing Bullet’s place in it. It splits in three parts. First we review the constructed work, then outline the categories and specifications of the inventing process by the study of the many drawings preserved at the National Museum of Stockholm. At last Bullet’s major writing, the Architecture pratique, is explored both as itself and as a testament of the normalization process in progress at the end of 17th century. This essay is complemented by several tools and documents: one volume of appendix containing transcripts of unpublished writings of Bullet; a catalogue of works; a catalogue of drawings gathering all papers attributed to Bullet kept at the National Museum of Stockholm; a cumulative and critical edition of the Architecture pratique.

L'art contemporain, de dé-définition en dé-définition, a évolué dans certains de ses développements, principalement sous la forme conceptuelle, vers une utilisation toujours plus prononcée du langage verbal, reléguant les préoccupations plastiques au second plan. L'architecture, art qui semble s'incarner fondamentalement dans la matérialité, connaît des évolutions analogues. Des architectes se positionnent sur le terrain du concept, faisant du discours l'outil principal de leur recherche. Partant de l'idée que pensée plastique et pensée verbale fonctionnent selon des modalités distinctes, nous avons étudié l'oeuvre, autant écrite que bâtie, d'architectes contemporains dont l'utilisation du texte est prépondérante dans la création. Nous avons distingué trois formes de discours - la forme poétique - qui fait du discours une oeuvre, la forme théorique - convoquant des concepts philosophiques, et la forme mathématique, qui ambitionne la création d'un méta-langage au service de la conception - et nous avons tenté de comprendre leur rôle respectifs dans la projétation. / Contemporary art, through « de-definitions », has evolved in some of its developments, mainly in the conceptual form, into an ever more pronounced use of verbal language, relegating the plastic concerns to the background. Architecture, which seems to be embodied fundamentally through materiality, experiences similar trends. Some architects are positioned on the field of concepts, making speech the primary tool of their research. Based on the idea that plastic thinking and verbal thinking operate under separate arrangements, we studied the work, written and built, of contemporary architects for whom the use of text is prominent in creation. We have identified three forms of discourse, the poetic form - which makes speech a work of art, the theoretical form - convening philosophical concepts, and the mathematical form, which aims at creating a meta-language serving the design - and we tried to understand their respective parts in the project planning.

Déployant une esthétique tournée vers la claire lisibilité des images garantissant leur performativité narrative, la ligne claire s’est naturellement constituée comme un style graphique idéel pour la bande dessinée. Mais en bâtissant un univers orienté vers la neutralisation de l’empreinte plastique de l’auteur, elle restreint singulièrement les ressources expressives de la représentation. À l’orée des années 70, de nombreux auteurs américains et français participent à redéfinir de façon radicale les canons du neuvième art et explorent le potentiel figural de l’image et du récit : l’icône et la linéarité narrative se trouvent alors perturbées par de multiples expérimentations. Elles sont placées en déséquilibre et accède à travers cette instabilité à une richesse insoupçonnée. La bande dessinée découvre l’équivoque et s’accorde à l’incertitude d’une pratique expérimentale et non plus normée. Tourmentée, l’image atteint à une puissance poétique qui étend le champ d’expression du neuvième art. Nous souhaitons observer les conditions d’émergence de ces auteurs et de production de ces œuvres qui entrent en dissidence avec l’esthétique « classique », afin d’analyser les procédés stylistiques employés pour détourner la bande dessinée des conventions de la ligne claire. Nous verrons ainsi que les diverses stratégies que nous avons relevées conduisent, selon les degrés d’intensité développés par les auteurs, à une conversion des images et des récits qui les amènent progressivement à s’éloigner de la limpidité figurative et narrative pour aller vers une confusion figurale de plus en plus affirmée. / The Clear Line naturally constituted itself as an ideal graphic style for the comic strip by deploying an aesthetic turned towards the clear legibility of the images, guarantying their narrative performativity. By building a graphic universe oriented towards the neutralization of the author's plastic imprint, it strangely restricts the expressive resources of the representation. At the dawn of the 1970s, many American and French authors tried to radically redefine the canons of the ninth art and explore the figural potential of the image and narrative: the icon and the narrative linearity are then disturbed by multiple experiments. They are placed in imbalance and access through this instability to an unsuspected wealth. Comics discover this ambiguity and the uncertainty of an experimental practice no longer normed. Tormented, the image reaches a poetic power that extends the field of expression of the ninth art.We wish to observe the conditions of emergence of these dissenting authors and works parting with the "classical" aesthetic, and analyze the stylistic processes used to divert the comics from the conventions of the Clear Line. The various strategies we have identified, to the levels of intensity developed by the authors, lead to a conversion of images and narratives, gradually moving away from figurative and narrative limpidity towards a growingly assertive figural confusion.

Entre 1780 et 1830, la conception du paysage évolue radicalement. Au tournant des XVIIIème et XIXème siècles, Rome accueille une fraternité d’artistes qui construisent un nouveau regard sur l’architecture et la nature, qui se place aux origines du paysage moderne. Les itinéraires artistiques de quatre paysagistes français, Jérôme-René Demoulin (1758-1799), Jacques Moulinier (1757-1828), François Liger (1757-?) et Antoine-Laurent Castellan (1772-1838) appartenant à cette même génération, constituent le sujet de notre étude. Entretenant tous un lien avec la ville de Montpellier, ces hommes, exerçant la profession de « dessinateurs voyageurs », empruntent des grands itinéraires à travers une Europe en guerre. Engagés au sein de missions scientifiques ou de voyages pittoresques, ces artistes réalisent une moisson de dessins depuis Madrid jusqu’à Constantinople. Cette étude se donne comme objectif premier de (re)constituer le parcours et la production de chacun des artistes afin de nous approcher de leur personnalité artistique. Le musée Fabre de Montpellier conserve, disséminée dans ses collections, une grande partie de ces dessins de voyage. Ainsi, un travail considérable de réattribution fut nécessaire afin d’élaborer quatre catalogues rigoureux et inédits relatifs à chaque artiste (450 dessins au total). Dans un second temps, l’analyse de ces corpus retrouvés et augmentés, donne à voir la place de chacun dans les tendances artistiques contemporaines. Ne formant ni un groupe, ni un échantillon d’étude, ces quatre hommes représentent en fait, par leur parcours et leur production, un fragment des pratiques contemporaines du paysage, depuis les vues pittoresques de Jacques Moulinier, héritières du XVIIIème siècle, jusqu’à l’intuition d’Antoine-Laurent Castellan, qui réalise des études dans la forêt de Fontainebleau dès 1819, préfigurant alors lesdéveloppements futurs du genre du paysage. / Between 1780 and 1830 the conception of landscape, changed radically. At the turn of XVIIIth and XIXth centuries a brotherhood of artists were in Rome who had a new concept of the relationship between architecture and nature. The aesthetic journeys undertaken by these four Frenchmen of the same generation, Jérôme-René Demoulin (1758-1799), Jacques Moulinier (1757-1828), François Liger (1757-?) and Antoine-Laurent Castellan (1772-1838) are the subject of this study. Whilst following their profession as artists, travellers and making long journey across Europe in time of war, they maintained their link with the city of Montpellier. Involved at the heart of scientific investigations or making journeys in pursuit of the picturesque, these men made a harvest of designs from Madrid to Constantinople. The object of this study is firstly torediscover the individual journeys and drawings of each one and to come close to their individual aesthetic. The musee Fabre at Montpellier holds a large proportion of the drawings made during their travels within its collections. Thus in order to complete a definitive catalogue for each of these artists, 4 new catalogues from a total of 450 designs, a great deal of exacting research was necessary. Secondly to analyse each body of work to discover the place each one held in contemporary artistic trends more exacting study was required. These men form neither a group or a sample study. By their works and travels they represent a fragment of the landscape work of their time. Inheritors of their ideas in the XIXth century from the picturesque views of Jacques Moulinier, to the intuition of Antoine-Laurent Castellan, who made his studies in the forest of Fontainebleau from 1819, prefigure the future concepts of landscape.

Titre de l'écran-titre (visionné le 31 juillet 2023) / On reconnait que l'expression discursive et syntaxique posent des défis importants chez les enfants concerné[e]s par une perte auditive et on admet largement la nécessité d'intervenir de façon soutenue et précoce auprès de ces enfants. Or, le développement du dessin chez ces enfants semble, quant à lui, suivre le développement typique d'autres enfants tout-venant. Notre recherche s'intéresse à l'exploration du médium du dessin afin de soutenir l'expression verbale des enfants vivant avec une perte d'audition. Le présent mémoire prend la forme d'une étude de cas longitudinale auprès de trois jeunes filles d'âge préscolaire concernées par une perte auditive. Ces enfants furent rencontrées lors d'un premier entretien individuel en 2018 à l'âge de 5 ans, puis d'un second entretien individuel en 2019. Lors des deux entretiens, les enfants réalisaient un dessin narratif, c'est-à-dire qu'elles créaient un dessin pour une histoire qu'elles racontaient, afin d'élaborer un grand livre d'histoires. Cette modalité d'intervention a été conceptualisée et expérimentée dans une approche développementale. À partir du contexte pédagogique explicité, le dessin et les énoncés des enfants ont été recueillis dans le but de comprendre comment se développent la narration et le dessin chez l'enfant d'âge préscolaire concerné[e] par une perte auditive, en contexte de dessin narratif. Ainsi, les objectifs spécifiques de la recherche consistaient à : décrire la structuration des dessins et en tracer l'évolution, décrire la structuration du discours narratif et en tracer l'évolution, puis décrire la structure syntaxique et en tracer l'évolution. C'est pourquoi le développement du dessin et le développement langagier, sous l'angle discursif et syntaxique, ont été analysés, et ce, pour chacune des enfants rencontrées. Les résultats obtenus montrent que, pour les trois enfants rencontrées lors de ces études de cas, le développement du dessin et le développement du langage ont progressé en complémentarité. L'expérimentation du dessin narratif et l'analyse des résultats obtenus après l'utilisation de ce dispositif confirment son utilité à des fins d'intervention pédagogique et à des fins d'observation de différentes manifestations des capacités créatives, artistiques et langagières des enfants. / It is acknowledged that discursive and syntactic expression give significant challenges for children living with hearing loss, and there is widespread recognition of the need for sustained and early intervention with these children. However, the development of drawing in children living with hearing loss seems to follow the typical development of hearing children. Our research is therefore interested in exploring the medium of drawing in order to support the verbal expression of children concerned by hearing loss. This master's thesis presents three longitudinal case studies of preschool girls with hearing loss. These children were met during a first one-on-one interview in 2018 at the age of 5, then during a second one-on-one interview in 2019. In both interviews, the children created a narrative drawing, which means that they created a drawing for a story and they told the story of that drawing, in order to create a great storybook. This intervention has been conceptualized and experimented in a developmental approach. From this pedagogical context, the children's drawings and statements were collected to get a better understanding of how narration and drawing develop in the preschool child living with hearing loss, in the context of narrative drawing. Thus, the specific objectives of the research were to: describe the structuring of drawings and trace its evolution, describe the structuring of narrative discourse and trace its evolution then describe the syntactic structure and trace its evolution. This is why the development of drawing and language development, from the discursive and syntactic point of view, were analyzed for each of the children. The results obtained show that, for the three children encountered in the case study, the development of drawing and the development of language have progressed in complementarity. The experimentation of the narrative drawing and the analysis of the results obtained after the use of this context confirms its usefulness for the purposes of pedagogical intervention and for the observation of different manifestations of children's creative, artistic and linguistic abilities.

Les propos tenus dans ce mémoire accompagnent l’exposition L’Antichambre présentée à L’Œil de Poisson du 14 au 30 juin 2013. Ils ont pour point de départ le concret de mes actions sur la matière en peinture et en dessin, leur rapport au corps et à l’expérience. Le texte est divisé en six segments qui abordent ma pratique de la peinture et du dessin en suivant un ordre allant du simple au complexe, du concret à l’abstrait. Ce mémoire témoigne du processus de recherche-création réalisé de septembre 2011 à juin 2013 durant ma maîtrise en arts visuels à l’Université Laval.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / La recherche-création présentée dans ce mémoire est conçue de détours. Le mémoire lui-même est un détour. La rétroactivité motive son actualité. Cheminant de la performance à la photographie, retournant à la photographie par le dessin, en passant par l'organisation d'événements sans cesser de penser et d'écrire la pratique : la problématique disciplinaire, par le biais de ce que j'ai nommé l'hyperdisciplinarité, y est poursuivie. C'est néanmoins notre relation à la philosophie et à l'histoire de l'art qui en émerge. Les deux projets principaux qui sont présentés, L'Immédiat en différé et Deuil, trouvent une résonance auprès des écrits de Derrida. Aussi, sans en être au diapason, ils ne dissonent pas avec le mouvement romantique. Posant les questions de l'art et du langage -à quoi répond celle de l'ironie- c'est finalement les notions de «l'entre» et du temps qui nous emportent. À la différence des temps de la chronologie et de l'immédiateté, Déjà, hélas, enfin. Une fois pour toutes suggèrent ceux de l'éphémère romantique et du posthume.

Dans ce texte destiné à accompagner mon travail d’atelier, j’aborde mon besoin de solitude et son rôle dans ma pratique artistique. Je tenais aussi à expliquer l’importance que je porte à la dimension charnelle de l’art. D’abord, je décris la relation que j’entretiens avec mes médiums de création et mes matériaux, tout en observant les caractéristiques formelles de mon travail de dessin et de peinture. Puis, j’expose comment j’ai canalisé mes gestes instinctifs dans des contextes de création prédéterminés. Ainsi, j’explique que mes démarches picturale et graphique ont pris la forme de corpus qui ont généré des univers stylistiques et narratifs distincts. Durant mes deux années de maîtrise, j’ai réalisé des corpus qui composent trois mondes fictifs différents. En analysant ma façon de procéder, j’ai constaté que même si j’avais une approche figurative, je cherchais constamment à esquiver toute référence qui reproduisait directement le monde réel. J’ai par la suite réfléchi au rôle que l’émotion prenait dans mon travail. J’ai compris que, jusqu’à maintenant, ma démarche artistique cherchait à combler des besoins de contemplation et de rêverie. Finalement, ce texte est une occasion, pour moi, d’exposer la méthode de création qui a dirigé mon travail en atelier, durant mes deux années de maîtrise. Mots clés : solitude, dessin, peinture, corpus, monde, narration

Issu d’une réflexion portant sur l’habitat, les paysages et l’empreinte humaine qui les façonne, mon projet de maîtrise tente d’attirer l’attention sur l’utilisation des espaces urbains et sur le regard porté sur les lieux abandonnés et négligés. Mon attention se porte surtout sur les terrains vagues, les lieux en transition et les nombreux espaces inhospitaliers créés par la mouvance dans l’occupation des territoires. Je m’intéresse au regard qu’on porte sur ces lieux ignorés et mal-perçus qui peuvent évoquer à la fois le passage, l’abandon, la transformation ou la mémoire. Mon travail tente d’établir un rapport entre le paysage représenté et le paysage expérimenté, utilisant la marche pour découvrir et s’approprier le lieu et le dessin et la photo pour s’en approprier les images.

Ce texte porte sur ma pratique en arts visuels et encore plus spécifiquement sur l’évolution de cette dernière au cours des quatre dernières années. Une part importante de ce texte est dédiée au projet intitulé Promenadeque j’ai réalisé en 2018, ainsi qu’aux enjeux suscités par ce dernier. Il s’agit d’un projet numérique et interactif basé sur un moteur de génération procédurale, dont les thèmes s’articulent autour de la répétition et du travail. Ce projet s’inscrit en différence avec ma pratique habituelle du dessin numérique et c’est entre autre cette différence qui m’a semblé ouvrir une opportunité d’analyse. Cela dit, bien que ce projet soit le point d’ancrage de ce texte, j’adopte souvent un point de vue plus général étant donné que ma pratique artistique est en constante évolution et que je ne souhaitais pas me contraindre à trop de spécificité. Ce texte correspond à l’avancée de ma réflexion à un moment précis et je n’ai aucun doute que cette réflexion continuera à évoluer. Ce texte répond essentiellement à trois questions qui décrivent ma relation à l’art: 1) quel est mon intérêt face à l’art? 2) comment s’exprime cet intérêt? 3) quelle est ma posture face à cet intérêt? Ces questions s’inscrivent dans une réflexion personnelle qui guide mes expérimentations artistiques.