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Alexander Archipenko (1909-1914) : une oeuvre au carrefour des expériences de la sculpture moderne / Alexander Archipenko (1909-1914) : works at the crossroads of the Modern Sculpture experiences / L’opera di Archipenko : un artista nel contesto della scultura contemporanea, 1909-1914Cicali, Ilaria 12 July 2013 (has links)
Dès son arrivée à Paris en 1909, jusqu’au déclanchement de la guerre en 1914, Alexander Archipenko réalise environs cinquante sculptures, qu’il présente lors des salons des Indépendants et d’Automne, à l’occasion des manifestations cubistes, ainsi que dans deux expositions personnelles organisées en Allemagne, à Hagen et Berlin. Son nom apparaît souvent dans les comptes-rendus des salons publiés dans la presse de l’époque. Indiqué à la fois comme ‘sculpteur cubiste’ ou ‘novateur élégant’ (à savoir, à l’esprit décoratif), il participe avec son travail à ce croisement de chemins qui caractérise, au début du XXe siècle, le développement de la sculpture moderne. Cependant seulement une partie de cette production majeure est aujourd’hui connue, plusieurs œuvres ayant été dispersées ou retravaillées au cours du temps. Le but de la thèse a été celui de reconstituer ce corpus dans son état d’origine ainsi que son parcours d’exposition, afin de replacer l’œuvre d’Archipenko à l’intérieur de la scène artistique parisienne de l’avant-guerre pour la faire dialoguer avec celle de ses collègues, peintres et sculpteurs. Cela a été possible par le biais d’une analyse formelle pointue et d’un travail croisé sur la presse et les catalogues d’exposition de l’époque, et grâce au dépouillement de plusieurs fonds d’archives. Parmi lesquels, celui de la revue « Der Sturm » (Staatsbibliothek, Berlin), ainsi que les archives de la Archipenko Foundation (Bearsville, NY), et les Archives of American Art (Smithsonian Institution, Washington, D.C.). Il en sort le portrait d’un artiste qui, avec sa recherche, a pleinement embrassé l’esprit de découverte propre à son temps. / Between his arrival in Paris in 1909, and the outbreak of World War I in 1914, Alexander Archipenko created nearly fifty sculptures, which he presented at the Salon des Indépendants, the Salon d’Automne, numerous cubist exhibitions, as well as two personal exhibitions organized in Germany (Hagen and Berlin). His name appeared often in the reviews of the Salons that were published in the press. Considered as both a ‘cubist sculptor’ and a ‘novateur élégant’ (in the decorative sense), Archipenko actively participated in both of these artistic currents, which together led to the development of modern sculpture. Despite his importance, only part of his artistic production from this period is generally known today, many of the works were lost or re-worked at a later date. The aim of this thesis is to reconstitute his corpus of work in its original state, as well as document his participation in expositions, in order to place Archipenko’s artwork within the Parisian antebellum artistic scene, and in doing so, create a context in which his work may be compared to that of other sculptors, colleagues, and painters of the epoch. This work is based upon an attentive formal analysis of these works, and thorough review of the exhibition catalogue of the period. And also, by the analysis of different archives, among which the “Der Strum” archives (Staatsbibliothek of Berlin), the Archipenko Foundation’s ones (Bearsville, NY) and those of American Art (Smithsonian Institution, Washington, D.C.). From this research emerges the portrait of an artist who fully embraced the spirit of discovery of his times.
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Zwischen Avantgarde und Kommerz die Kompositionen Ennio Morricones /Hausmann, Christiane. January 2008 (has links)
Thesis (doctoral) - Technische Universität, Berlin. / Includes bibliographical references and index.
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Paris-Prague. Transferts en photographie, 1918-1939 / Paris-Prague. Transfers in photography, 1918-1939Parkmann, Fedora 25 November 2017 (has links)
Cette thèse se propose d’étudier les transferts entre France et Pays tchèques dans le domaine de la photographie de l’entre-deux-guerres. Fondée sur une approche matérielle des circulations de personnes, d’images et de concepts, elle vise à définir la scène photographique tchèque en fonction de son rapport à la France et de ses métissages. L’enquête a porté sur les flux photographiques – reproductions photomécaniques et catalogues d’exposition – et les activités des médiateurs et photographes à l’intersection entre les deux pays. Elle a montré, d’une part, que les Pays tchèques furent non seulement un lieu de passage d’apports français, particulièrement marquants au regard des impulsions allemandes et russes, mais aussi un centre d’exportation d’une production photographique locale. Elle a révélé, d’autre part, les hybridations auxquelles a donné lieu l’accueil de la scène photographique française. Le courant surréaliste tchèque en fut l’exemple le marquant : dépassant le simple geste d’adhésion, cette production originale s’est à son tour exportée, à la faveur d’un processus de circulation et de transformation réciproques caractéristique du phénomène de transfert. Les séjours et expériences photographiques des Tchèques en France et leur contribution à l’ « école de Paris de la photographie » complètent ce panorama des interactions entre les deux pays. Le prisme des transferts culturels adopté dans notre étude a agi comme un révélateur d’acteurs, d’images et de concepts ignorés jusque-là des histoires nationales de la photographie. Il a également montré comment la réceptivité des photographes tchèques vis-à-vis de la France a pu, en retour, favoriser l’émergence du modernisme photographique dans leur pays. / This dissertation sets forth to explicate the transfers that occurred in photography between France and the Czech Lands during the interwar period. Rooted in a material approach towards the various circulations of individuals, images and concepts, this study considers the Czech photographic scene in light of its specific relation to France and analyzes the resulting hybridizations. The research focuses on photographic vectors such as photomechanical reproductions, exhibition catalogues and the activities of mediators and photographers working between the two countries. It illuminates a network of relations between French, German and Russian impulses and describes also the export of a local photographic production. The Czech surrealist current is a prominent hybridization that resulted from the strong reception of the French photographic scene. It was exported again as an original Czech production, and as such exemplifies the process of mutual circulation and transformation that describes the concept of transfer. An expansive study of Czech journeys to France, their photographic experience of the country and their subsequent contribution to the “Paris school of photography” complete this overview of the interactions and transfers between both countries.By situating Czech photography within the discourse of cultural transfers, this dissertation reveals actors, images, concepts and developments that until now have been critically absent from national photography histories. It also demonstrates how the receptivity of Czech photographers to France in return favored the emergence of photographic modernism in their country.
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Transgression et littérarité : l’oeuvre de Pierre Guyotat et son influence sur les milieux artistiques et littéraires / Transgression and literarity : the work of Pierre Guyotat and its influence over the artistic and literary circlesSarrat, Yoann 16 March 2017 (has links)
Cette thèse propose des réflexions autour de l’œuvre de Pierre Guyotat et des réactions qu’elle provoque ou a provoquées chez d’autres artistes, notamment en lien avec son actualité et ses récentes activités de 2013 à 2016. Nous utilisons deux questions théoriques qui, mobilisant différents champs d’étude, permettent d’établir et d’étudier les possibilités multiples propres à cette œuvre et qu’elle suscite : la transgression et la littérarité. D’abord, ce travail analyse le décloisonnement opéré par l’artiste – réfutant la dénomination réductrice d’écrivain – des mots et des topoï de la littérature, à travers ce qu’il nomme ses « figures », notion qui a une histoire tout à fait particulière dans l’analyse textuelle comme dans son travail et sa pensée. Ensuite, nous explorons les divers corpus – recueils, expositions, Enfer de la Bibliothèque Nationale – dans lesquels s’inscrit cette œuvre et les dialogues qu’elle entretient avec d’autres travaux, artistes et mouvements d’avant-garde (actionnisme viennois, art corporel, butô). Nous proposons une analyse d’une période charnière, transgressive, où la fiction entre par effraction dans la réalité de l’auteur qui se trouve décharné et physiologiquement attaqué jusqu’au coma avant de « renaître » sur scène. C’est l’épreuve, multiple et polysémique, de l’œuvre, incarnée dans la fiction par Samora Mâchel, figure dont le texte est encore inédit aujourd’hui. La scène constitue l’un des lieux d’exploration du second temps de cette réflexion où nous mettons en évidence de quelles façons la matière écrite guyotatienne en épouse les contours et rencontre d’autres artistes singuliers, considérant ainsi qu’une œuvre originale, créatrice et transgressive est une œuvre qui rend les autres artistes créateurs et originaux à leur tour. Cette seconde partie de la réflexion permettant de joindre la théorie à la pratique en étudiant des spectacles vivants, de la genèse aux représentations et en en interrogeant les acteurs. / This thesis proposes reflections on the work of Pierre Guyotat and responses it generates or has generated, especially through his actuality and his recent activities from 2013 to 2016. We use two theoretical issues which, by mobilizing various study fields, make it possible to establish and study the multiple possibilities specific to this work and which it raises: transgression and literarity. Firstly, this work analyzes the decompartmentalisation performed by the artist – who refuses the reductive denomination of “writer” – of words and literature topoï, through what he call his “figures”, notion which has a specific story in textual analysis as well as in his work and way of thinking. Afterward, we explore the various corpus of documents – collections, exhibitions, the Inferno of National Library of France – which contains his work and possible dialogues with other avant-garde works, artists and movements (Viennese Actionnism, body art, butô). We propose an analysis of a pivotal and transgressive period when the fiction breaks into the author’s reality who find himself emaciated and physiologically attacked up to a state of coma before being “reborn” on stage. This is the challenge, multiple and polysemous, of this work, embodied in fiction by Samora Mâchel, a figure whose text remains still unpublished. The stage is one of the places to be explored in this secondary phase of reflection where we highlight in what ways the writing material of Pierre Guyotat will follow the outlines and meet other singular artists, considering that an original work, creative and transgressive, makes other artists original creators in turn. This second part of the reflection allows the junction between theory and practice by studying performing arts, from genesis to representation, and by questioning the artists
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Le "fonds populaire" dans la prose d'imagination de Guillaume Apollinaire / The inherent elements of folk culture in Guillaume Apollinaire’s fictional proseMorita, Ikuko 27 March 2014 (has links)
Mon travail consiste à étudier des éléments du “ fonds populaire ” dans l’œuvre théâtrale et dans les textes de fiction en prose d’Apollinaire ; à restituer leur contexte temporel et géographique. Je considère la façon dont il les utilise et enfin je tente d’élucider la façon dont s’élabore la signification multiple de ces éléments. Qu’il s’agisse des mots, qu’il s’agisse des mœurs, chaque élément du fonds populaire est chargé d’un double, voire d’un triple sens imprévu et qui se fonde sur un système de signes collectif et personnel. Chaque œuvre du poète crée un univers nouveau avec ses lois propres et avec l’implication particulière d’éléments du fonds populaire. Mon étude montre combien Apollinaire fait appel à ce fonds populaire sur le plan non seulement de la matière, mais aussi de la structure. / This work is the study of the inherent elements of folk culture in Apollinaire's theatrical works and fictional prose, placing their context in time and geographical location. I examine the way he uses these elements and I try to clarify the ways in which their multiple meanings can be developped. Whether concerning words or way of life, each element from folk culture is loaded with an unexpected double or even triple meaning based on a system of collective and personal signs. Each of the poet's works creates a new universe with its own laws and particular emphasis on elements fron folk culture. My study shows the extent to which Apollinaire draws on this popular culture not only in subject matter but also in structure.
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La dimension mélodique dans la musique instrumentale après 1945 : résistances, ruptures et résurgencesKippelen, Étienne 21 November 2012 (has links)
Qu'est-ce que la mélodie ? Si cette question délicate a animé de nombreux débats esthétiques du XVIIe siècle au début du XXe siècle, peu de spécialistes se sont aujourd'hui risqués à une étude de la mélodie, appliquée au répertoire contemporain. Parfois considérée comme illégitime, voire archaïque après 1945, la mélodie n'a pourtant que provisoirement disparu de l'espace musical et non sans laisser quelques scories riches de sens. Ce travail tente justement d'éclairer les enjeux et les différentes mutations de la mélodie, synthétisées à travers trois directions poursuivies par les compositeurs : premièrement, les résistances, illustrant la promotion d'un mélos généreux et prépondérant, qu'il soit ou non marqué par le néoclassicisme ; deuxièmement, les ruptures, nourries par le pointillisme sériel, puis par la dissolution du degré dans la masse sonore et par la recherche d'une fusion entre harmonie et timbre, d'où la mélodie ne subsiste que par bribes éparses ; troisièmement, les résurgences, caractérisées après 1960 par un dépassement de la modernité radicale et de ses prescriptions anti-mélodiques, allant parfois jusqu'à la citation ou recherchant une forme de communication nouvelle, pouvant être en lien avec l'expression du sacré. / What is melody? Despite the fact that this subtle question was largely debated upon from 17th to early 20th century from an aesthetic viewpoint, few specialists nowadays dare to study melody in contemporary repertoire. Sometimes regarded as illegitimate or even archaic after 1945, melody has only temporarily vanished from the musical scene, leaving some meaningful residues. This study aims at highlighting what is at stake in the diverse mutations of melody along three directions followed by composers : firstly, resistances exemplifying the promotion of a generous melos, whether it be marked by neoclassicism or not ; secondly, breaks nourished by punctual music, and then by the dissolution of degree in the sound mass and by the quest for a fusion between harmony and timbre, from which melody only survives through scattered fragments ; thirdly, resurgences characterized, after 1960, by an overcoming of radical modernity and its anti-melodic prescriptions, and sometimes taking the form of a quotation or looking for a new way of communication, which can be related to the expression of the sacred.
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La poésie, clef de la critique de Jean Paulhan / Poetry, the key to Jean Paulhan’s criticismBarthélemy, Clarisse 09 September 2016 (has links)
Jean Paulhan a consacré son œuvre à la recherche des lois de l’expression et à la mise au point d’une méthode critique qui en tienne compte. Cette quête s’enracine dans l’étude et l’expérience poétiques : elle commence avec les Hain-teny, poésies populaires malgaches, trouve sa formule critique dans Clef de la poésie et s’achève dans Le Don des langues, tandis que dans Les Fleurs de Tarbes sont posés les termes d’un renouvellement de la critique. Quel rapport à la poésie Jean Paulhan entretenait-il pour en faire le lieu de sa maturation critique ? C’est à cette question que tente de répondre cette thèse, en étudiant la place et la fonction de la poésie dans la vie et dans l’œuvre de Jean Paulhan. Une première partie présente une approche chronologique et sociologique du lien qu’entretient Jean Paulhan à la poésie, à travers ses découvertes propres, la formation complexe de ses réseaux de relations et son positionnement au sein du champ de la littérature, enfin son action en faveur de la poésie en tant que lecteur et éditeur. Une seconde partie analyse les enjeux de la poésie, à l’intérieur de l’œuvre de Jean Paulhan, dans la définition d’une méthode critique et la découverte de soi en sujet critique. Il s’agit ainsi de montrer comment, en cherchant la « clef de la poésie », Jean Paulhan trouve dans la poésie la clef de la critique et comment cette intimité intellectuelle entre l’expérience poétique et la méthode critique irradie non seulement au sein d’une majeure partie de la communauté poétique, mais aussi au sein de toute son œuvre et jusqu’à sa personnalité d’écrivain. / Jean Paulhan devoted his work to the research of the laws of expression and to the development of a criticism method, which would take them into account. That quest takes root in his studying and experiencing of poetry: it starts with the Hain-teny, poésies populaires malgaches, achieves its critical formula in Clef de la poésie and ends up with Le Don des langues, while the basis of the renewal of criticism is set down in Les Fleurs de Tarbes. What kind of a relationship with poetry did Jean Paulhan maintain that would stand for the starting point of his own idea of criticism? In order to answer this question, this dissertation sets out to define the place and role of poetry in Jean Paulhan’s life and work. In its first part, the dissertation shows a chronological and sociological study of the link between Jean Paulhan and poetry, through his own finds, through the building of a complex network and his positioning in the literary field, lastly through his action for poetry as a reader and as a publisher. In its second part, the dissertation analyses how poetry is at stake, throughout Jean Paulhan’s work, in the invention of a criticism method, and in the discovery of his own self as a critique. This study means to show how Jean Paulhan, by looking for “the key to poetry”, finally finds in poetry the key to criticism, and how such an intellectual intimacy between the experiencing of poetry and the criticism method spreads through a large part of the poet community and enlightens both his whole work and his personality as a writer.
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Le sujet à l'épreuve de la modernité : image, mythe et politique dans le roman d'avant-garde espagnol (1926-1934). / The individual subject facing modernity : image, myth and politics in the spanish avant-garde novel (1926-1934)Coste, Grégory 12 May 2017 (has links)
Le roman d’avant-garde espagnol a longtemps souffert d’un discrédit tenace en raison du préjugé de « déshumanisation » auquel il était systématiquement associé. Ce travail de thèse entend démontrer que, loin de donner congé à l’homme, le roman d’avant-garde est hanté par l’expression, la représentation et la mise en écriture du sujet, entendu comme une réalité à la fois romanesque ou actantielle, métaphysique ou existentielle, morale ou politique, dans ses rapports avec le monde qui l’entoure. Afin de rendre compte, au plus près des textes, de l’expression romanesque de l’avant-garde nous avons souhaité combiner une approche thématique ordonnée autour d’une problématique englobante, celle de l’expression du sujet aux prises avec la modernité, avec une perspective diachronique qui tienne compte des modulations et des variations dans le temps et selon les auteurs. Les deux premières parties réévaluent ainsi l’image et le mythe, longtemps incriminés comme facteurs de déréalisation et de déshumanisation, pour mettre à jour un processus de subjectivisation du monde par l’image et d’humanisation du mythe par sa réécriture féconde. « Sujet regardant » dans l’image, puis « sujet regardé » dans le mythe, l’homme est enfin envisagé comme « sujet agissant », engagé dans l’Histoire, dans une troisième partie qui s’attache à rendre compte des dernières évolutions historiques de l’avant-garde, lorsque celle-ci prend le tournant de la réhumanisation, dès l’orée des années 30. / The Spanish Avant-Garde Novel has long suffered from an ongoing disrepute because of the dehumanizing prejudice to which it was systematically associated. This work intends to show that far from being neglectful of man, the avant-garde novel is haunted by the expression, representation and writing of the individual subject, considered here as a plural reality - both novelistic and actantial, metaphysical and existential, moral and political – interconnected with the world. To reflect the novelistic expression of the Avant-Garde, with close textual reading, I have decided to combine a thematic approach, dealing with the individual subject facing modernity, with a diachronic perspective that takes account of modulations and variations in time and of the authors’ individual perspectives. The first two parts reassess Image and Myth, long implicated as factors of derealization and dehumanization, to reveal a process of subjectivization of the world through images and humanization of myths by their fertile rewriting. First considered as an « examining subject » through the displaying of images, then as an « examined subject » through myths, man is finally thought as an « acting subject » in the third part of this work which endeavours to report on and assess the last historical developments of the Avant-Garde, at the turning point of rehumanization in the early 1930s.
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Limites et frontières dans les romans écossais de Walter Scott / Limits and Borders in Walter Scott’s Scottish NovelsSabiron, Céline 10 December 2011 (has links)
Cette monographie invite à une étude de la pensée de la frontière chez Walter Scott (1771-1832) à partir d’une analyse textuelle détaillée de ses romans écossais — dont l’intrigue se déroule en Écosse, près des Borders ou de la faille frontalière des Highlands, principalement aux XVIIe et XVIIIe siècles autour de l’Union des deux royaumes anglais et écossais. Elle découvre un ensemble d’interactions entre les concepts de limite et de frontière en s’appuyant sur une stratégie particulière, élaborée par l’auteur, fervent opposant à tout manichéisme. Ce dernier fixe les frontières envisagées comme des limites, des bornes immuables et infranchissables, pour ensuite les déconstruire, c’est-à-dire les traverser, les déplacer et les brouiller avant de les dissoudre dans le but d’atteindre un état d’entre-deux parfait où les contraires s’unissent harmonieusement. Cette thèse permet de dégager une voie du milieu scottienne faisant de Scott un écrivain d’avant-garde pour son époque, et qui reste très novateur aujourd’hui encore, car il annonce bien des préoccupations postmodernes. / This monograph is dedicated to the question of limits and borders in Walter Scott (1771-1832)’s Scottish novels — thus called because the stories are set in the Borders or near the Highland line mostly in the 17th and 18th centuries at the time of the Union between the two kingdoms of England and Scotland. A very detailed analysis of the texts of the novels helps us to discover a series of interactions between the two concepts of limit and border which are grounded in a particular strategy developed by the author — a fervent opponent to Manichaeism. He sets boundaries, seen as fixed and impassable limits, and then deconstructs them, i.e. has them be crossed, moved, blurred before dissolving them in order to reach a perfect in-between state where all opposites mingle harmoniously. This thesis enables us to define a Scottian middle way, which makes Scott an avant-garde writer in his own time, and still nowadays since he paves the way for many a postmodern concern.
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Aux origines du surréalisme (1917-1924). "Un nouveau temps du verbe être" / The Origins of Surrealism (1917-1924). “A New Tense of the Verb 'be'.”De Pieri, Damiano 15 November 2018 (has links)
Cette thèse se propose de reconsidérer la naissance du surréalisme dans la période entre 1917 et la publication du Manifeste du surréalisme en 1924. La première partie se concentre sur les années 1917-1918 et montre comment Aragon, Breton et Soupault ont tissé leurs réseaux pour s'insérer dans le champ littéraire avant de créer la revue Littérature. En même temps le désir et la nécessité de publier pour atteindre la légitimité entrent en conflit avec un esprit de groupe et des exigences différentes révélant une délicate stratégie entre adhésion et subversion. Le prétexte d'un essai sur le lyrisme demandé par Reverdy à Breton est l'occasion de mesurer la distance qui se creuse entre les trois amis et la génération des poètes aînés afin d'apprécier les chemins qu'ils ont emprunté pour renouveler l'écriture de la poésie en allant vers l'horizon plus ambitieux d'une critique du langage. Dans la deuxième partie, qui traite des 1919-1924, est d’abord considéré le rapport entre la poésie et l’espace public à la lumière de l’essor de la presse. Enfin, à partir des revues artistiques et littéraires est esquissée une cartographie des tendances esthétiques et idéologiques d'où émerge le surréalisme. Le corpus est constitué par les revues qui « entourent » Littérature, c'est à dire qui forment le premier cercle autour de cette revue, au sens où elles sont mentionnées dans les rubriques consacrées aux revues et où elles accueillent parfois la signature des poètes du sommaire. Cet échantillon représentatif du champ littéraire permet de montrer le socle commun du surréalisme naissant aux modernistes et aux avant-gardes et, inversement, les lignes de fuite qui les distinguent. Cette étude s’inscrit ainsi à la croisée de la sociologie, de l’histoire et de la poétique. / This dissertation aims to shed new light on the birth of surrealism in the period stretching from 1917 and the publication of Breton’s Manifeste du surréalisme in 1924. The first part of the thesis focuses on 1917 and 1918, highlighting how Aragon, Breton and Soupault built their networks in order to establish a place for themselves in the literary field before they went on to found the journal Littérature. The desire to publish, and the necessity to do so in order to acquire legitimacy, nevertheless conflicts with a strong group spirit as well as diverging demands, which reveal subtle strategies ranging from compliance to subversion. The occasion of an essay on lyricism that Reverdy commissioned Breton to write enables us to measure the distance that had come to separate the three poets from the preceding generation, and to explore the paths they followed as they strived to transform poetic writing and give it a broader horizon: that of being a critique of language itself. In the second part of the dissertation, which deals with the 1919-1924 period, we set out to examine first and foremost the relationship between poetry and public space, taking the rise of the press as a vanishing point. We then look at the landscape of the artistic and literary magazines of the time in order to sketch a map of the aesthetic and ideological orientations from which surrealism emerged. The corpus is formed of the reviews which “revolve” around Littérature, in other words the reviews which are related to it either because they are cited in the sections of the journal dedicated to other contemporary magazines, or because they involved the participation of the poets of the Littérature group themselves. This representative sample of the literary field allows us to reveal the shared foundation of surrealism, the modernists and the avant-gardes, but also the divergences that distinguishes it from them. This study thus places itself at the intersection of literary history, the sociology of literature, and literary criticism.
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