La figure de la femme violente est une figure controversée, qui est le plus souvent présentée dans des contextes d’horreur. Les jeux vidéo d’horreur présentent des personnages féminins violents, mais dont la violence est rarement agentique. Le plus souvent, la violence de ces personnages se voit niée, parce qu’elle remet en question les normes genrées de la violence et de l’identité. Dans le contexte de la masculinité hégémonique, cette impossibilité d’expression violente limite les représentations à l’écran, et son impact social est non-négligeable. Ce mémoire revisite l’acte violent comme acte potentiellement subversif. Le contexte de l’horreur vidéoludique a-t-il donc cette capacité à promouvoir ou restreindre la violence et à permettre le déploiement d’une violence dite « agentique »? Et la violence vidéoludique peut-elle être réinterprétée comme outil de résistance? / This thesis explores the controversial figure of the violent woman, particularly in horror video games. Horror video games often feature female characters who exhibit violence, but their agency is often denied. This denial of agency is attributed to the fact that violence challenges societal norms surrounding gender. This study examines how the representation of violence in video games, particularly in the context of hegemonic masculinity, can have a significant social impact. This thesis considers whether the horror genre in video games can promote or restrict violence and if it allows for the depiction of "agentic" violence. Additionally, this study investigates the possibility of reinterpreting video game violence as a form of resistance. By exploring these questions, this thesis aims to shed light on the potential subversive nature of female violent acts in video games.

Avec la dramaturgie colombienne des trente dernières années, nous nous trouvons devant deux itinéraires qui semblent s'entrecroiser, ou mieux, se superposer : le réel, qui correspond au contexte socio-politique colombien et le fictionnel, qui nous permet d'entrevoir un paysage de fiction singulier se dessiner à travers certaines pièces contemporaines colombiennes. Cet entrecroisement entre le réel et le fictionnel nous amène à la figure récurrente de l'enfermement. Nous assistons à la représentation d'un monde où les prisons n'ont plus de barreaux, où l'enfermement est présent au quotidien. Sur scène les personnages sont clôturés leurs espaces physiques et métaphoriques, intérieurs ou extérieurs, qui leurs interdisent toute possibilité d'issue et de conciliation entre les forces opposées qui maintiennent leurs conflits. L'enfermement conduit donc les personnages au sentiment tragique, à la perte du monde et de soi, c'est-à-dire que le tragique perd dans ces pièces le sens transcendant de l'humain. D'où les questions initiales dont nous sommes partis : comment l'enfermement dans un espace dramatique contemporain nous permet-il de retrouver le tragique ? Et où va ce tragique, aujourd'hui, quand la tragédie n'existe plus ? Cette forme actuelle du tragique ne pourrait-elle pas être une nouvelle façon de retrouver l'essence de la tragédie et le " sens de l'humain " ? Ce sont ces interrogations qui donnent leurs lignes directrices à notre recherche.

Ce mémoire s‘intéresse à la spatialité du jeu vidéo et à l‘adaptation vidéoludique de lieux réels. Il se concentre sur un lieu précis, le métro, et sur sa représentation dans le genre de l‘horreur. Cette recherche comprend trois niveaux d‘adaptation du lieu et de création spatiale, soit l‘adaptation systémique, l‘adaptation sociohistorique et finalement l‘adaptation technologique. À partir d‘exemples de jeux comparés aux réalités concrètes du métro, ces trois niveaux d‘adaptation sont analysés afin d‘explorer à la fois les impacts du lieu virtuel sur l‘expérience de jeu et les influences externes qui guident la conception vidéoludique. / This master thesis studies video games‘ spatiality and the ludic adaptation of real locations. It focuses on one specific location, the subway, and on its representation in the horror genre. The research is structured by three levels of adaptation : systemic, sociohistorical and technological. Based on examples of games compared with the reality of the subway, those three levels of adaptation enable at once an exploration of the impact of the virtual location on the gaming experience and of the external influences on the game design.

Aucune figure, au XXe siècle et aujourd'hui, n'est comparable au zombie. Sa prolifération et sa réitération en font un cas d'étude exceptionnel. Or, une figure est inséparable des discours qui la voient naître. Il existe un subtil et profond arrimage entre la production d'une figure, son interprétation et l'économie de sens qui la voit naître. Ma modeste ambition, dans ce mémoire, s'insère dans une réflexion à caractère épistémologique où les enjeux narratifs et les notions critiques encadrant le phénomène zombie seront interrogés. De même, afin de faire émerger cette économie de sens, les modalités de sens de la métaphore doivent être cernées. Ce mémoire est donc une série de prolégomènes nécessaires à l'intelligence d'un important problème contemporain : l'interprétation d'une figure telle que le zombie. Le premier chapitre est une synthèse des manifestations de la figure et de sa compréhension. Les années 60 opèrent une importante transformation dans le corpus filmique zombie (et d'horreur) qui s'incarne dans Night of the Living Dead, de George Romero. Le second chapitre s'intéresse aux enjeux narratifs et aux notions critiques qui encadrent le phénomène zombie. La distinction entre thématique et esthétisme s'incarne alors dans la séparation stricte entre forme et contenu et se fait sentir dans les interprétations offertes du phénomène de l'horreur et dont les études sur le zombie sont tributaires. Cela fait, je rappellerai la vision de Todorov et d'Ingarden sur la représentation afin de cerner les enjeux véritables d'une interprétation. En définitive, la question sera de savoir si le zombie peut être pris à la lettre. Le troisième chapitre sera le moment d'interroger la métaphore afin qu'émergent les modalités de sens qui lui sont inhérentes. Ce chapitre se divisera en deux parties qui reprennent les moments essentiels de la métaphore : sa production et sa lecture. Pour ce faire, je parcourrai la tradition théorique sur la métaphore afin de saisir la portée de l'affirmation poétique qui établit un rapport métaphorique entre les zombies et les humains. Quelle est la signification de cette affirmation qui assume et guide la mise en récit d'une figure (le zombie), et qui assume et guide une lecture métaphorique de l'être humain? En guise de conclusion, je réfléchirai sur les modalités de la lecture en vue d'une interprétation de la figure du zombie. En ce sens, j'explorerai cette inséparabilité entre la manière, c'est-à-dire la métaphore, et son contenu, c'est-à-dire ses interprétations. / No figure, in the Twentieth Century, and today, is comparable to the zombie. Its proliferation and reiteration make it an exceptional case study. Yet a figure is inseparable from the discourses that give birth to it. There is a profound and subtle correlation between the figure’s productions and interpretation, as well as the economy of meaning generating it. My modest ambition, in this thesis, is anchored in an epistemological reflection in which the narrative stakes and the critical notions framing the zombie phenomenon will be examined. For that economy of sense to emerge, the metaphor’s modalities of meaning must be grasped. Thus, this thesis takes the form of a series of prolegomena necessary for understanding an important contemporary problem: the interpretation of a figure such as that of the zombie. The first chapter presents a synthesis of the figure’s manifestations. The 60s bring an important transformation in the zombie (and horror) corpus that is conveyed in George Romero’s Night of the Living Dead. The second chapter focuses on narrative issues and critical notions framing the zombie phenomenon. The strict separation between form and content shapes the horror discourse and many of its interpretations from which Zombie Studies emerge. Subsequently, I revisit Todorov’s and Ingarden’s thought about representation in order to grasp the fundamental issues of interpretation. Ultimately, the question concerns knowing whether the zombie can be taken à la lettre. The third chapter examines metaphor’s inherent modalities of meaning. This chapter is divided into two sections that represent the essential aspects of metaphor: production and reading. In this connection, I refer to the theoretical tradition on metaphor so as to discern the nature of the poetic affirmation that, through metaphor, links zombies and humans. What does this affirmation signify, as it takes up and guides both the zombie figure’s narrative and the metaphorical reading of the human being? In conclusion, I reflect on the modalities of reading underlying interpretations of the zombie figure. In this sense, I will explore the inextricable link between the mode - that is, the metaphor - and its content or, rather, interpretations.

Depuis le début du nouveau millénaire, le cinéma s’est vu envahi par une pratique qui n’avait jamais atteint une telle ampleur : le remake. Lorsque comparée à son film source, la nouvelle version est à tout coup semblable, mais différente à la fois; ont-ils plus de points en commun qu’ils en ont avec les films de leurs époques respectives? En utilisant cette vague de remakes des années 2000, la présente étude propose une analyse comparative afin de démontrer l’évolution de la représentation du mal et de la violence retrouvée dans les remakes d’horreur de type slashers. En guise de première partie, ce mémoire débute avec l’élaboration de la fonction du genre ainsi que celle du remake. Puis, un second chapitre est dédié à la constitution des premiers cycles des slashers afin de comprendre le cheminement du sous-genre. L’étude se conclut par la comparaison de ces informations avec les résultats de l’analyse des remakes de slashers. / Since the new millennium’s arrival, cinema has been invaded by a practice that never before reached this scale: the remake. When compared to its source, the remake is similar, but different at the same time. Are there more common aspects between them by comparison with films of there respective period? By using this wave of remakes, this study suggest a comparative analysis to demonstrate the evolution of the representation of the evil and the violence through horror remakes, slasher films to be more precise. The first part of this thesis dissects the genre functions as well as the remake functions. Then a second chapter is dedicated to the constitution of the first slasher circle in order to notice the progression of the subgenre. This study concludes by the comparison of these informations with the result of the present analysis of the slasher films.

L’appellation « genre frénétique », créée par Charles Nodier en 1821, fait aujourd’hui partie intégrante du vocabulaire des études sur le romantisme. Le genre qu’elle désigne donne cependant lieu à des définitions divergentes, tant au niveau des auteurs qui l’exemplifient qu’au niveau des caractéristiques qui le décrivent. Cette thèse retrace l’histoire du genre frénétique tel qu’il a été défini par la critique, de 1821 à 2010, à partir d’une étude des emplois de l’appellation générique dans un corpus de près de 630 textes critiques. Dans les années 1820 et 1830, la notion du frénétique revêt une visée polémique dans le cadre du débat sur le romantisme. Alors que Nodier inventait le genre frénétique pour le distinguer du romantisme, de nombreux critiques assimilent au contraire, totalement ou partiellement, les deux notions, l’appellation permettant de décrire le romantisme dans ses dimensions violente et excessive. Après plusieurs décennies où le genre disparaît des lectures du romantisme, le genre « frénétique » est à nouveau convoqué au début du XXe siècle et connaît un succès croissant, qui a pour corollaire une complexification des définitions. Manifestation d’une révolte métaphysique ou transposition littéraire d’un èthos, le « frénétique », qu’il soit jugé favorablement ou non, permet aussi généralement de rendre compte de la vogue, à l’époque romantique, d’un genre horrifique et outrancier, héritier du roman gothique anglais. Ce dernier genre, formé par les romans de Radcliffe, Lewis et Maturin, constitue cependant un corpus hétérogène déterminant deux lignées génériques qui méritent d’être distinguées, le roman noir et le frénétique. / The name of the “Frénétique” genre was created by Charles Nodier in 1821 and is now an integral part of the vocabulary of Romanticism studies. The genre it designates, however, has experienced diverging definitions, both with regards to the authors associated with this genre and the characteristics that describe it. The present thesis traces the history of the genre known as “Frénétique” as defined by critiques from 1821 to 2010, based on a study of the uses of the genre name in a corpus of close to 630 critiques. In the 1820s and 1830s, the notion of “Frénétique” was used in debates on Romanticism with a polemical purpose. While Nodier invented the “Frénétique” genre so as to distinguish it from Romanticism, numerous critics instead assimilated the two notions in part or in whole —using the “Frénétique” appellation to describe the most violent and excessive dimensions of Romanticism. After disappearing from Romanticism readings for several decades, the “Frénétique” genre emerged again in the early 20th century, when its rising success lead to an increasing complexity of its definitions. The “Frénétique” genre can be the manifestation of a metaphysical revolt, the literary transposition of an èthos, or is generally used to describe the Romantic-era craze for a horrific and excessive genre that inherited its key characteristics from the Gothic Novel. The latter, constituted by the novels of Radcliffe, Lewis and Maturin, spurred two genres that should be distinguished: the French Gothic Novel and the “Frénétique” genre.

La présente étude propose une analyse des intersections entre les luttes sociales et les films d’horreur issus de la dernière décennie. En premier lieu, elle se penche sur l’émergence des mouvements Black Lives Matter et #MeToo au sein du paysage sociohistorique des années 2010 en présentant des événements précurseurs comme les émeutes de Los Angeles en 1992 et l’élection présidentielle de Donald Trump en 2017 avant de décortiquer les politiques spécifiques aux mouvements. Ensuite, l’étude se penche sur la signifiance des sous-genres de l’horreur cinématographique – notamment les films d’entailles, de viol-revanche et d’horreur Noire – dans le contexte des études culturelles en s’attardant plus particulièrement aux écrits de Carol J. Clover, Kevin Wynter et Robin R. Means Coleman. L’essai revisite finalement les contextes sociohistoriques et la théorie culturelle dans l’analyse des neuf longs-métrages constituant le corpus d’œuvres, soit Get Out (Jordan Peele, 2017), Revenge (Coralie Fargeat, 2017), Cam (Daniel Goldhaber, 2018), The Perfection (Richard Shepard, 2019), His House (Remi Weekes, 2020), Bad Hair (Justin Simien, 2020), Candyman (Nia DaCosta, 2021), Scream (Matt Bettinelli-Olpin et Tyler Gillett, 2022) et Master (Mariama Diallo, 2022), afin de faire ressortir l’influence que les politiques de Black Lives Matter et #MeToo ont eu sur le traitement esthético-narratif des rapports de « race », des agressions sexuelles et de la justice sociale. / This study analyzes the intersections between social struggles and the horror films of the last decade. First, it examines the emergence of the Black Lives Matter and #MeToo movements within the socio-historical landscape of the 2010s, presenting precursor events such as the 1992 Los Angeles riot and Donald Trump's 2017 presidential election before unpacking the movements' specific politics. Next, the study examines the significance of the horror subgenres – most notably the slasher, rape-revenge and Black horror films – in the context of cultural studies, focusing in particular on the writings of Carol J. Clover, Kevin Wynter and Robin R. Means Coleman. The essay then revisits elements of the socio-historical contexts and the cultural study writings in the analysis of the nine feature films making up the corpus, namely Get Out (Jordan Peele, 2017), Revenge (Coralie Fargeat, 2017), Cam (Daniel Goldhaber, 2018), The Perfection (Richard Shepard, 2019), His House (Remi Weekes, 2020), Bad Hair (Justin Simien, 2020), Candyman (Nia DaCosta, 2021), Scream (Matt Bettinelli-Olpin and Tyler Gillett, 2022) and Master (Mariama Diallo, 2022), in order to highlight the influence that the politics of Black Lives Matter and #MeToo have had on the aesthetic and narrative treatment of "race" relations, sexual violence and social justice.

Ces dernières années, la littérature latino-américaine a connu un accroissement de la production et de la publication de femmes écrivains qui explorent des genres tels que l'horreur ou le fantastique pour aborder les questions sociales qui les intéressent. Parmi ces thèmes figure la violence fondée sur le genre. Cette violence est le résultat de comportements normalisés soutenus par les structures patriarcales des sociétés latino-américaines, que ce soit dans le système gouvernemental ou scolaire, au travail ou dans la sphère familiale. Le présent travail de mémoire vise à réfléchir à la manière dont certaines auteures latino-américaines contemporaines abordent la violence fondée sur le genre à travers des récits courts dans les genres de l'horreur et du fantastique. Des histoires tirées des livres de cinq écrivaines seront analysées : Las cosas que perdimos en el fuego (2016) de Mariana Enríquez (Argentine), Las voladoras (2020) de Mónica Ojeda (Équateur), Sacrificios Humanos (2021) de María Fernanda Ampuero (Équateur), Despojos (2022) de Lola Ancira (Mexique) et Perras de reserva (2022) de Dahlia de la Cerda (Mexique). L'analyse examine en particulier la relation entre le genre et la forme littéraires, d'une part, et l'intrigue et le sujet des textes, d'autre part. Les histoires sont considérées à la fois comme des produits esthétiques et des produits sociaux qui remettent en question les pratiques sociopolitiques qui maintiennent l'inégalité des femmes en Amérique latine. / Latin American women´s writing has recently experienced an interest in the representation of social issues under the aesthetics of the fantastic or of terror. Among these social themes is gender violence. Such violence is the result of normalized behaviors supported by patriarchal structures in Latin American societies, whether in the government or school systems, at work or within the family nucleus. This thesis focuses on the representation of gender violence in horror and fantastic short-stories written by contemporary Latin American women. It analyses five volumes of short-stories: Las cosas que perdimos en el fuego (2016) by Mariana Enríquez (Argentina), Las voladoras (2020) by Mónica Ojeda (Ecuador), Sacrificios Humanos (2021) by María Fernanda Ampuero (Ecuador), Despojos (2022) by Lola Ancira (Mexico) y Perras de reserva (2022) de Dahlia de la Cerda (Mexico). The analysis focuses on the relationship between formal aspects and the plot and themes in the stories. Thus, they are considered aestetical and social products that cuestion sociopolitical practices that mantain gender inequality in Latinamerica. / La literatura en América Latina ha experimentado en años recientes un auge en la producción y publicación de autoras que exploran géneros como el horror o lo fantástico para abordar los temas sociales que les interesan. Entre estos temas se encuentra la violencia de género. Dicha violencia es el resultado de conductas normalizadas apoyadas por estructuras patriarcales en las sociedades latinoamericanas, tanto en el gobierno o los sistemas escolares, como en el ámbito de trabajo o en el núcleo familiar. El presente trabajo analiza la representación de la violencia de género en relatos fantásticos y de horror escritos por escritoras latinoamericanas contemporáneas. El corpus de análisis está compuesto de cinco volúmenes de relatos: Las cosas que perdimos en el fuego (2016) de Mariana Enríquez (Argentina), Las voladoras (2020) de Mónica Ojeda (Ecuador), Sacrificios Humanos (2021) de María Fernanda Ampuero (Ecuador), Despojos (2022) de Lola Ancira (México) y Perras de reserva (2022) de Dahlia de la Cerda (México). El análisis considera en particular la relación del género literario y de la forma con la trama y la temática de los textos. Los relatos se entienden en su doble vertiente de productos estéticos y de productos sociales que cuestionan prácticas sociopolíticas que mantienen la desigualdad de las mujeres en Latinoamérica.

Cette étude porte sur un type de cinéma italien appelé giallo. Ayant connu une forte popularité au tournant des années 1970 auprès d’un public dit vernaculaire, ces thrillers horrifiques sont encore aujourd’hui réputés pour leurs scènes de meurtre sanglantes et spectaculaires mettant à l’honneur un assassin ganté. Ce mémoire se propose de faire le point sur ces séquences de meurtre et surtout d’expliquer la façon particulière avec laquelle elles sont mises en scène. Pour bien y parvenir, nous en fournissons tout au long des exemples et les soumettons à une analyse détaillée. Notre approche analytique se veut essentiellement formaliste. Il s’agit de déconstruire ces scènes violentes afin d’en révéler certains des rouages. Dans un premier temps, nous rappelons quelques notions fondamentales du cinéma gore et nous penchons sur la problématique que pose invariablement la représentation de la mort au grand écran. Ceci nous permet ensuite d’observer plus amplement comment les réalisateurs du giallo traitent ces scènes d’homicide sur un mode excessif et poétique. Enfin, le rapport érotique à la violence entretenu dans ces scènes est considéré. Cela nous donne notamment l’occasion de nous intéresser à la figure du mannequin (vivant et non vivant) et de voir de quelles manières les cinéastes peuvent par son entremise transmettre un sentiment d’inquiétante étrangeté. / This study aims to explore giallo, a specific type of Italian cinema. Very popular with a vernacular audience at the turn of the 1970s, these horrific thrillers remain notorious for their bloody and spectacular murder scenes showcasing a gloved killer. With this thesis, we seek to review these murder sequences with a focus on explaining the particular way in which they are staged, shot and edited. To fully achieve this, we provide examples from these scenes and submit them to a detailed analysis. Our analytical approach is essentially formalist. We wish to deconstruct these violent scenes and reveal some of their inner workings. At first, we recall some basic notions of gore cinema and look at the problems that the depiction of death on the silver screen invariably raises. This allows us to see how giallo filmmakers treat these murder scenes in an excessive and poetic mode. Lastly, the erotic aspect of violence presented in these scenes is considered. This gives us the opportunity to focus on the figure of the model/mannequin (living and non-living) and see how filmmakers can use it to transmit an uncanny feeling.

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