Interrogeant les rapports entre l'État et le champ artistique en France entre 1848 et 1920, ce travail de recherche en histoire de l'architecture repose sur le postulat que la trajectoire architecturale du Musée du Luxembourg fut l'un des lieux privilégiés de la construction d'une représentation négative de l'intervention de l'État dans les affaires artistiques. Ce musée, dont les collections sont aujourd'hui atomisées dans différentes institutions parisiennes et provinciales, devint, en 1818, le premier musée d'art contemporain, par la volonté du roi Louis XVIII. Dès l'origine, il fut considéré comme la pépinière du Louvre. Cette relation de symbiose entre les deux institutions, basée sur le principe des vases communicants, servit de référence à l'émergence de nouveaux paradigmes muséaux en Europe et en Amérique du Nord, jusqu'au premier tiers du XXe siècle. La principale mission du Musée du Luxembourg était d'affirmer la supériorité de l'art français face à celui des autres puissances européennes. Si sa représentativité artistique fut pour le moins partielle, son exemplarité architecturale, elle, demeura un idéal jamais atteint. L'analyse de fonds d'archives, de revues de presse et de documents parlementaires, permet de vérifier l'hypothèse de la construction progressive d'un antagonisme, grâce à la mobilisation de différentes catégories d'acteurs appartenant ou non au champ artistique. Cette mobilisation s'effectue collectivement par le biais des journaux, au sein des sociétés artistiques, des sociétés de mécènes, de groupements de citoyens et de fédérations de commerçants, sous la forme de discours, de pétitions, d'enquêtes ou de campagnes de presse, ou bien individuellement, à l'initiative des artistes représentés au musée ou de journalistes influents. Toutefois, la remise en question la plus décisive du rôle de l'État provient des utilisateurs du musée eux-mêmes, souvent impuissants face à la pesanteur des rouages bureaucratiques, à la maigreur des budgets alloués aux musées nationaux, et à l'inadaptation des locaux avec lesquels ils doivent composer. La construction de cette représentation négative se structure autour de moments clés récurrents : vernissage d'un nouvel accrochage des collections, intégration des œuvres d'un legs ou d'une donation, dépôt et discussion d'un rapport sur le budget des Beaux-arts, Expositions universelles, incidents touchant les collections, rumeurs colportées par la presse. Néanmoins, les moments les plus critiques coïncident avec la remise en question de l'existence même du musée, avec la menace de son expulsion, ou avec l'officialisation et la mise en œuvre de projets de relogement, qu'il s'agisse du transfert du musée dans des bâtiments existants, d'extension de ses locaux, ou de leur reconstruction intégrale. Chacun de ces événements contribue à la cristallisation de thèmes et d'enjeux, qui vont polariser l'essentiel des critiques formulées à l'égard de l'action artistique publique. On peut ainsi dégager quatre thèmes récurrents dans les débats : l'absence d'exemplarité architecturale du musée, incompatible avec le rayonnement artistique de la France et de sa capitale ; l'impossibilité de mobiliser les fonds nécessaires à une résolution définitive de la question de l'exemplarité architecturale ; l'impossible consensus sur la question de localisation du musée dans l'hypothèse de son relogement ; le paradoxe entre la construction d'une expertise des conservateurs en matière de programmation architecturale et l'incapacité de l'État à leur donner les moyens de l'appliquer. En aucun cas, cependant, cette critique de l'action (ou de l'inaction) de l'État ne débouche, avant 1920, sur des projets de création de musées concurrents et indépendants ; la mobilisation du champ artistique est tournée vers une forme d'assistance à l'État, dans la résolution de la crise qui touche le Musée du Luxembourg / This dissertation in architectural history argues that the architectural trajectory of the Luxembourg Museum in Paris was one of the main reasons why the French public art policy was considered as unwarranted and illegitimate. The Luxembourg Museum, whose collections are now scattered in various Parisian and provincial institutions, became in 1818 the world's first museum of contemporary art, by the will of King Louis XVIII. From the beginning, its aim was to feed the Louvre with recent and national art. The symbiotic relationship between these two museums, which was based on the principle of communicating vessels, was a paradigm for new museums in Europe and North America, until the first third of the twentieth century. Although the main mission of the Luxembourg Museum was to assert the superiority of French art face to that of other European nations, it was long criticized not only because it did not reflect the diversity of artistic trends, but also because the conditions under which its collections were stored and exhibited were unworthy of Paris' attractiveness and influence. Through the analysis of primary sources, press reviews and parliamentary papers, we wanted to test the hypothesis that the mobilization of different categories of stakeholders within and outside the artistic field led to an increasing distrust of public art policy. Leading artists represented in the museum, influential journalists from daily and art newspapers, art and patrons societies, citizens and merchant associations, promoted mobilization against through speeches, petitions, surveys or media campaigns. Even the museum professionals themselves were powerless against complicated bureaucratic procedures, shoestring budgets for national museums, and unsuitable storage and exhibition spaces, and ended up questioning the role of the French state in art policy. The negative image of the role of the French state was shaped at key moments and recurring events: the re-hanging of the collection, the display of a new gift or bequest, discussions about the annual budget of the ministry of Fine-Arts, World Fairs, preventive conservation matters, and rumors. However, the most critical moments coincided with the questioning of the very existence of the museum, with the threat of its uprooting, or the formalization and implementation of resettlement, extension or reconstruction schemes. Each of these events crystallized themes and issues that polarized most of the criticisms aired at the public art policy. We identified four major topics in this debate: the shameful absence of a purpose-built museum of contemporary art in Paris; the Governement's inability to raise funds to finally resolve the architectural issue; the lack of consensus on the future museum's location issue; the contradiction between the recognition of the curators' skills in architectural design and the inability of their administration to give them the opportunity to apply them. The main paradox is that although the public art policy was more and more considered as inaccurate and illegitimate, most of the artistic field helped the Government to resolve the ‘Luxembourg issue' and build a monument worthy of the nation

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2006-2007 / Les études menées par Bourdieu et Darbel (1969) ont maintes fois été critiquées, mais il demeure que les statistiques démontrent encore aujourd'hui que les personnes qui fréquentent les arts sont scolarisées et fortunées et possèdent un capital culturel élevé. Ce mémoire vise à déterminer pourquoi certaines classes de personnes ne fréquentent pas la culture classique et les musées d'art en particulier. Nous avons analysé les valeurs qui peuvent pousser des individus à visiter un musée d'art et les contraintes qui peuvent les en empêcher. Nous avons également voulu comprendre la perception que les visiteurs et non-visiteurs ont du musée d'art, de sa fréquentation et de la démocratisation de la culture. Les réponses à un questionnaire rempli par 905 répondants ont permis de procéder à l'étude quantitative de leurs valeurs et de leurs contraintes. Des groupes de discussion ont permis de procéder à une étude qualitative des perceptions. / The studies undertaken by Bourdieu and Darbel (1969) were criticized many times, but it remains that the statistics of frequentation still show that the people who attend arts are educated and fortunate and have a high cultural capital. This thesis aims at understanding why certain classes of people do not attend culture activities and art museums in particular. We analyzed the values that can push individuals to visit an art museum and the constraints that can prevent them from doing so. We also wanted to understand the perception the visitors and non-visitors have of the art museum, its frequentation and the democratization of culture. The completion of a questionnaire by 905 respondents allowed us to study values and constraints in a quantitative perspective. Focus Groups, under a qualitative prospect, made it possible to study perceptions.

Québec Université Laval, Bibliothèque 2015

Cette recherche vise à explorer les apports du design thinking dans sa capacité à catalyser la création de nouvelles connaissances organisationnelles pour le secteur des musées. Sont ainsi abordées et décrites les dynamiques sociales perceptibles au travers du processus collaboratif de conception mené dans les cellules d'innovation de PRISME afin de révéler la contribution des activités de design dans l'organisation et création de nouvelles connaissances. PRISME, le laboratoire d'innovation en médiation numérique du Musée des beaux-arts de Montréal voit le jour en 2019 avec le soutien du Plan Culturel Numérique du Québec. Sa mission consiste en la création de nouvelles connaissances en médiation muséale avec le numérique afin de stimuler l'innovation dans ce secteur. Pour atteindre ses objectifs, PRISME conduit une série d'activités diverses, parmi lesquelles on compte la création de projets d'innovation numérique menés par des équipes de travail multidisciplinaires, aussi appelées cellules d'innovation. Ces cellules d'innovation mobilisent des acteurs de l'écosystème bâti par le laboratoire, qui compte plus de 300 collaborateurs issus, dans leur majorité, du milieu muséal, du milieu de l'entrepreneuriat technologique et du milieu de la recherche. Au travers de ses deux premières années d'existence, le laboratoire a développé un processus caractéristique de gestion de projets en innovation numérique en s'inspirant de l'approche méthodologique dite design thinking. Ce processus est décrit et analysé dans ce mémoire. La recherche présente dans ce mémoire décrit et analyse cette approche, à travers une étude de cas menée au sein de deux cellules d'innovation du laboratoire PRISME. L'étude de cas repose sur de l'observation participante, de l'observation non participante réalisée lors d'un stage de recherche MITACS d'une durée de 06 mois, complétée par 7 entrevues semi-dirigées. / This research aims to explore the contributions of design thinking in its ability to catalyze creation of new organizational knowledge for the museum sector. The social dynamics perceptible through the collaborative design process carried out in the PRISME innovation cells are addressed and described in order to reveal the contribution of design activities in the creation of new knowledge within it. PRISME, the digital mediation innovation laboratory of the Montreal Museum of Fine Arts was created in 2019 with the support of the Plan Culturel Numérique du Québec. Its mission is to create new knowledge regarding practices of museum mediation with digital technologies in order to stimulate innovation in this sector. To achieve its objectives, PRISME conducts cultiple activities, including the creation of digital innovation projects led by multidisciplinary teams, also known at its innovation cells. These innovation cells mobilize stakeholders from an ecosystem built by the laboratory which has more than 300 potential contributors, the majority of whom come from museums, technological entrepreneurship and as well as from the research community. Throughout its first two years of existence, the laboratory has developed a unique approach for the managing digital innovation projects, drawing inspiration from the methodological approach known as design thinking. The process applied by PRISME is described and analyzed in this research through a case study carried out within two innovation cells. The case study is based on participant observation, non-participant observation carried out during a 06-month MITACS research internship, supplemented by 7 semi-structured interviews.

Dès le début du XIXe siècle, le Séminaire de Québec avait entrepris de se constituer une collection de monnaies qui devait servir de complément à l'enseignement livresque des humanités. En 1865, le leg du musée numismatique de Charles P. Frémont, spécialisé dans les monnaies des empereurs romains, donna naissance à la collection de monnaies antiques du Séminaire de Québec. Et, durant un peu plus d'un siècle, son développement fut lié à l'évolution de cette institution. Le Musée du Séminaire de Québec, devenu une corporation privée en 1983, possède aujourd'hui une collection de 314 pièces antiques, en majorité d'époque gréco-romaine, formée à partir de dons et de legs. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013

Ce mémoire porte sur les facteurs institutionnels qui ont contribué à l’entrée des femmes artistes dans la collection du Musée d’art contemporain de Montréal, dont le pourcentage d’œuvres d’artistes-femmes, vis-à-vis des œuvres d’artistes-hommes, apparaît élevé en comparaison de ceux des collections d’arts modernes ou contemporains des musées nord-américains et d’Europe de l’Ouest. Selon le calcul effectué en 2016 par la conservatrice responsable de la collection, Marie-Ève Beaupré, la part d’œuvres de femmes artistes conservées au MAC à cette date serait de 33 %. La production de graphiques donnant à voir l’évolution de la quantité d’acquisitions par catégorie de genre s’est fondée sur une reprise des stratégies visuelles et militantes déployées par les Guerrilla Girls dès le milieu des années 1980. Ces visualisations ont été produites en collaboration avec Lena Krause, responsable du laboratoire l’Ouvroir d’histoire de l’art et de muséologie numériques de l’Université de Montréal. Le premier chapitre vise alors à expliciter l’intégration de ce mémoire au champ d’études d’histoire de l’art féministes d’après lesquelles les données statistiques représentent les points de départ d’analyses des modalités et des processus de reconnaissance institutionnelle des artistes (White 1965, Nochlin 1971, Arbour 2000, Dumont 2008, Zemans et Wallace 2013, Christensen 2016, Dymond 2019, Greenwald 2021). La majorité des pics d’acquisition d’œuvres d’artistes-femmes au MAC, repérés au deuxième chapitre, correspond à des stratégies d’attraction de donations, de même qu’à des acquisitions multiples et massives d’œuvres provenant de collections de marchand.e.s d’art et d’entreprises. Au troisième chapitre, nos repérages sont intégrés à des analyses transversales dans lesquelles plusieurs secteurs de l’institution sont mis en relation. Nous analysons en particulier l’impact de directeur.rice.s et de conservateur.rice.s sur la mise en place d’orientations favorables à l’amélioration de la représentation des femmes artistes dans la programmation ainsi que dans la collection. Finalement, la prévalence de médiums au sein du corpus d’œuvres d’artistes-femmes conservées s’avère refléter la valorisation, au musée, de mouvements qui ont émergé sur le devant de la scène artistique québécoise et auxquels a participé un certain nombre de femmes. / This thesis examines the institutional factors that have contributed to the Musée d’art contemporain de Montréal’s acquisition of works of art by women artists. In this collection, the percentage of works of arts by women artists, related to works of arts by men artists, appears high in comparison with those of modern or contemporary art collections in North American and Western European museums. According to a calculation made in 2016 by Marie-Ève Beaupré, the curator in charge of the collection, the proportion of works by women artists held by the Musée d'art contemporain de Montréal at that time would be 33%. The production of graphs showing the evolution of the number of acquisitions by gender category was founded on the visual and activist strategies deployed by the Guerrilla Girls since the mid-1980s. These data visualizations were produced in collaboration with Lena Krause, head of laboratory l’Ouvroir d'histoire de l'art et de muséologie numériques at Université de Montréal. The first chapter then aims to situate this thesis into the field of feminist art history studies, according to which statistical data represent the starting point for analyses on the modalities and processes of artists' institutional recognition (White 1965, Nochlin 1971, Arbour 2000, Dumont 2008, Zemans and Wallace 2013, Christensen 2016, Dymond 2019, Greenwald 2021). In the second chapter, most of the identified peaks in the acquisition of works by women artists correspond to strategies for attracting donations, as well as to multiple and massive acquisitions of works from corporate and art dealers’ collections. In the third chapter, our findings are integrated into cross-cutting analyses that link several sectors of the institution. In particular, the impact of female directors and curators on the implementation of strategies conducive to improving the representation of women artists in programming and within the collection. Finally, the prevalence of some mediums within the corpus of works by women artists in the museum's collection reflects the museum's emphasis on movements that emerged at the forefront of Québec’s art scene in which a large number of women took part.

Dans ce travail, il s’agira tout d’abord de concevoir un musée du Mouvement des Travailleurs Ruraux Sans Terre au Brésil. La lutte des sans terre est l’un des phénomènes sociaux et politiques les plus importants de notre histoire. Le Mouvement des Sans Terres (MST), pilier de la mobilisation populaire au Brésil, est la plus importante référence dans la lutte contre l’inégalité sociale et le néolibéralisme dans la mesure où celui-ci conduit à un approfondissement du processus de concentration de richesse, inhérent au système capitaliste, et des inégalités socio-économiques. Dans un premier temps, nous analyserons la conception de ce musée, ses caractéristiques, ses objectifs, son importance pour le développement social, économique et politique du Brésil et les possibilités de sa création dans ce pays. Nous verrons que le Musée du MST que nous concevons est un nouveau type de musée, que nous avons défini comme un Musée de Lutte, avec une nouvelle muséologie que nous dénommions de Muséologie de la Contemporanéité. Celle-ci suggère la nécessité d’adéquation ou d’actualisation des objectifs des musées sociaux, issus du mouvement de la Nouvelle Muséologie des années 1970-80, prenant en compte les problèmes et les aspirations collectives de notre temps. Nous essaierons de comprendre pourquoi les musées de la Nouvelle Muséologie sont devenus inefficaces du point du vu de leurs objectifs initiaux et comment la Muséologie de la Contemporanéité peut les aider à sortir de l’inertie et à les faire jouer de manière plus effective leur rôle de levier social et politique. Enfin, nous espérons, avec la conception du Musée de Lutte et de sa Muséologie de la Contemporanéité, ouvrir des nouvelles perspectives pour le développement de la muséologie sociale, dans laquelle il s’inscrit. Une muséologie politiquement engagée, au service de la construction d’un monde meilleur, de la dignité humaine, de l’égalité et de la justice sociale. / In the present work, we aim, first and foremost, to conceive a museum of the Landless Rural Workers Mouvement (MST) in Brazil. The struggle of the landless is one of the most important social and political phenomena in the history of this country. The Mouvement, mainstay of the popular mobilisation in Brasil, is the main reference in the figth against social inequality and neoliberalism, a force that leads to a strengthening in the concentration of wealth, inherent to the capitalist system, and socioeconomic disparities. First, we analyse the conception of this museum, its feautures, objectives, its importance for the social, economic and political development of Brazil and the feasibility of its implementation. We will see that the MST Museum presents a new kind of museum, one we define as a Struggle Museum, within de contexte of a new museology designated as Museology of Contemporaneity. This new museology highlights the need to adapt or update the objectives of social museums, wich were stablished by the New Museology mouvement of 1970-1980, in order to take into account the problems and collective aspirations of ours time. We will try to understand why the museums of New Museology have become ineffective relative to their original goals and how the Museology of Contemporaneity can provide a way out of a situation of inertia and help them play their role as social and political levers more effectively. Finally, with the conception of the Struggle Museum and its Museologie of Contemporaneity, we hope to open up new perspectives for the development of social museology, wherein it operates ; a politically-engaged museology in service of the creation of a better world, of human dignity, equality and social justice.

Situé au cœur du Hainaut, le musée de Mariemont doit son existence à la volonté de Raoul Warocqué, riche industriel, homme politique et philanthrope qui lègue en 1917 son château et les collections qu’il renferme à l’État belge. Formé ainsi d’un contenant et d’un contenu, le musée de Mariemont incarne bien, du moins jusqu’à l’incendie du château en 1960, ce qu’Anne-Doris Meyer a appelé les « musées de collectionneurs », dont bon nombre d’exemples voient le jour à la charnière des 19e et 20e siècles, en Belgique comme à l’étranger.<p>De l’histoire du musée de Mariemont, on ne retient généralement que le geste qui lui a donné naissance. Aucune étude ne s’était penchée jusqu’ici sur ce qui se passe après le décès de Raoul Warocqué. En comblant cette lacune, cette thèse offre l’opportunité d’examiner comment une collection privée se mue en musée public, comment les pouvoirs publics veillent à concilier le souhait du bienfaiteur et les missions du musée, quelles difficultés ils ont rencontrées dans la gestion de ce patrimoine d’origine privée et quelles solutions ils y ont apportées. <p> / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Ce mémoire interroge les approches, les enjeux et les tendances qui caractérisent le Musée de la civilisation ainsi que le Musée national des beaux-arts du Québec dans l'écosystème touristique de la ville de Québec. Cette recherche a été menée dans le contexte où, avant la pandémie de COVID-19, les villes connaissaient une hausse marquée de leur fréquentation touristique. Effectivement, les prévisions de l'Organisation mondiale du tourisme (OMT) énonçaient que le nombre de voyageurs devait atteindre 1,8 milliard de personnes en 2030, ce qui a entraîné de sérieuses réflexions parmi les acteurs des milieux touristiques. En ce qui concerne le Vieux-Québec, quartier touristique de la ville de Québec reconnu au patrimoine mondial de l'UNESCO, la montée des mobilités internationales est à l'origine de nombreuses préoccupations en ce qui a trait aux répercussions de ce phénomène sur ses capacités d'accueil et sur la qualité des expériences proposées. Considérant que l'identité, la notoriété et l'attractivité touristique du Québec reposent en grande partie sur son riche patrimoine historique ainsi que sur ses institutions muséales, il est pertinent de se pencher sur les postures et orientations de ces dernières lorsqu'elles sont soumises à l'épreuve du (sur) tourisme urbain. Dans le cadre de ce projet, des acteurs des milieux touristique et muséal ont été interrogés à l'aide d'entretiens semi-dirigés. L'étude des rapports annuels et des plans stratégiques produits entre 2008 et 2020 par ces deux musées complète ces démarches méthodologiques. De façon générale, cette recherche met en évidence que ces institutions adoptent explicitement des modalités de mise en valeur relevant de logiques d'attractivité touristique intrinsèques et extrinsèques à leurs missions. Aspirant à la démocratisation de leurs instances et à l'élargissement de leurs fonctions, ces musées embrassent des approches et orientations associées aux tournants communicationnel et récréatif qui caractérisent également les quartiers touristiques. Les deux musées représentent de surcroît des acteurs urbains puisqu'ils s'inscrivent en toute vraisemblance dans les préceptes du marketing territorial contribuant au rayonnement de la ville de Québec. Enfin, proposant une offre touristique considérée à certains égards comme alternative, les musées favorisent l'atténuation de certaines conséquences perçues comme découlant du surtourisme.

Dès les débuts du christianisme, l’Église s’est servie de l’art. Au Moyen âge, en particulier, la décoration des cathédrales (sculptures, fresques vitraux) avait une valeur esthétique, mais plus encore, une valeur didactique. Moyens matériels pour faire la catéchèse, voire évangéliser, les crèches du Musée de l’Oratoire Saint-Joseph du Mont-Royal s’inscrivent dans cette perspective. Tenant compte de cette mission d’évangélisation qui incombe à l’Église et de l’importance que prend de plus en plus le visuel dans la culture et la société actuelles, nous voulons partir de l’exposition des crèches de Noël à l’Oratoire Saint-Joseph, de l’année 2009, pour découvrir en quoi elle pourrait contribuer à l’évangélisation et à la croissance du christianisme et des chrétiens. En effet, les crèches de Noël sont essentiellement œuvre de foi, – non pas liée à la foi de l’auteur mais plutôt à l’effet que cette oeuvre peut avoir sur celui qui la regarde, – dont la dévotion à la sainte Famille. Ce moyen d’évangélisation dans ce monde en mutation où l’art visuel s’est avéré d’une extrême importance convient bien au contexte de la déchristianisation et peut offrir une complémentarité aux méthodes traditionnelles d’évangélisation basées surtout sur le discours. Ils sont complémentaires, dans le sens où il ne s’agit pas de « cheminer à travers villes et villages, prêchant et annonçant la Bonne Nouvelle du Royaume de Dieu » (Lc 8,1) aux personnes qui n’ont pas encore entendu parler du Christ, mais d’éveiller la curiosité chez les visiteurs non-chrétiens (Evangelii Nuntiandi 53), de stimuler l’intérêt à l’égard de la religion chez les non-pratiquants (EN 56) et, de soutenir et approfondir la foi des fidèles. Mots-clés : Christianisme – Église – transmission – évangélisation – éducation de la foi – musée – crèches – Oratoire Saint-Joseph. / Throughout the ages, the Church has employed the arts. In the middle ages, in particular, the adornments of cathedrals (sculptures, frescoes, stained-glass) were prized not only for their aesthetic appeal but also for their didactic potential—concrete techniques for catechizing and evangelizing. The nativity scenes mounted in the Museum of Saint Joseph's Oratory of Mount Royal can be viewed from this perspective. Taking into consideration this mission of evangelization incumbent on the Church, along side the emphasis on the visual in present-day culture and society, we intend to take as a starting point the exhibit of creches during the Christmas season 2009 at the Oratory to see how they might contribute to the effort at evangelization and to the enrichment of Christianity and Christians. In the final analysis, the nativity scene is essentially a work of faith, (not only as regards the faith of the artist but also the faith-experience of the person who looks at it) under the category of a devotion to the Holy Family. In world of change, where the visual arts are considered crucial, this method of evangelization is well-suited to the context of de-Christianization and may be considered as complementary to the traditional methods of evangelization based on speech. They are complementary not in the sense of “going from town to town, preaching and announcing the Good News of the Kingdom of God” (Luke 8, 1) to those who have never heard of Christ, but in the sense of stimulating the curiosity of non-Christian viewers, rekindling the interest of those who no longer practice, and supporting and deepening the faith of the devoted. Keywords: Christianity – Church – transmission – evangelization – education in the faith – museum – nativity scenes – Saint Joseph’s Oratory.