Le sujet de notre thèse concerne les acquisitions par achat et par don réalisées au Musée d’art contemporain de Montréal (MACM) entre 1992 et 2012. Nous documentons l’agrandissement de la collection qui est passée de 3000 œuvres à 7500 au cours de ces deux décennies pour déterminer s’il y a présence de sens motivant les acquisitions (collectionnement) ou si au contraire, il s’agit d’une accumulation d’œuvres. Au cours de la période étudiée, nous constatons les difficultés que le MACM rencontre pour maintenir ce sens en raison de certains facteurs : la décision du gouvernement en 1992 d’acheter au nom du MACM la collection corporative Lavalin (1324 œuvres), les années de restriction financières à partir de 1992 et leurs effets sur le budget d’acquisition du Musées, ainsi que les trois changements de direction. Nous examinons aussi les 31 expositions de la collection mises sur pied par les conservateurs du MACM à partir d’œuvres provenant exclusivement de la collection entre 1992 et 2012. Nous considérons l’exposition comme lieu privilégié pour communiquer le sens que le Musée entend donner à sa collection et à cet effet nous y regardons les œuvres présentées, le parcours, les réitérations d’œuvres. Notre enquête montre qu’après vingt ans de présence au centre-ville, les acquisitions sollicitées par achat ou par don qui rejoignent la collection du MACM sont soutenues par une intention double : la mise en avant des étapes de la modernité artistique au Québec, et la présentation de ce qui se fait dans l’actualité. Le sens motivant les acquisitions est parfois confus notamment en ce qui concerne les œuvres de la collection Lavalin dont seul un faible pourcentage (une centaine) remplit les conditions. Notre étude des 31 expositions de la collection met également en évidence l’existence d’une présentation et d’un parcours suivant la double intention du collectionnement, à savoir : l’arrivée de l’abstraction et le cheminement stylistique de l’art contemporain au Québec ainsi que la monstration de l’actualité artistique. Dans ce domaine également, un nombre restreint d’œuvres provenant de la collection Lavalin sont représentées. Finalement, afin d’ouvrir une fenêtre sur d’autres façons de faire nous faisons quelques petits détours. Nous regardons les propositions apportées par la vaste étude sur l’état des musées québécois Entre mémoire et devenir, aussi appelé le Rapport Corbo (2013) pour répondre aux questions de collectionnement, d’engorgement des réserves et de désactualisation de certains corpus de la collection. Nous examinons aussi comment d’autres institutions vouées à l’art contemporain de par le monde répondent à des questions similaires. / The aim of this thesis is to document and examine 20 years of collecting at the Museum of Contemporary art of Montreal between 1992 and 2012, a period during which the collection went from 3300 works of art to more than 7700. We investigate the development of the collection and its representation via exhibitions organized by the Museum. We seek to report what the acquisitions tell us about the institution, the orientation it is giving its collection and the message it seeks to transmit. Our research based on analysis of facts collected in public documentation examines the composition and functioning of the various decision committees responsible for acquisitions, and the financing of the institution. It details acquisitions made via purchase and gift, looks at the style and date of the works selected. It documents the arguments (justifications) brought forward in order to acquire the work and add it to the collection. It observes the image the Museum wants to convey of its collection through its exhibitions. Our study draws a factual portrait of collection during the mandates of the 3 directors in charge of the Museum over a 20 year period and the idea of the collection they tried to communicate via exhibitions.

Cette thèse porte sur le Salon de la Jeune Sculpture, de 1949, date de sa création, à 1978, date de la mort de Denys Chevalier, son président fondateur. Elle a pour objet l’analyse de trente éditions annuelles du Salon, qui ont eu lieu dans les parcs et jardins parisiens, accueillant les œuvres de près de mille-cinq-cent exposants. Elle interroge dans une première partie le parcours de Denys Chevalier, critique d’art, ainsi que les ambitions du Salon : rendre visible la sculpture, encourager sa rencontre avec le public, et exposer un panorama des diverses tendances esthétiques du temps. Alors que la figuration domine les quinze premières années, examinées dans une seconde partie, l’entrée progressive de la sculpture abstraite entraîne le départ d’une partie des sculpteurs figuratifs en 1964. Ainsi, la troisième partie porte sur la période 1965-1978. Le Salon de la Jeune Sculpture quitte alors les jardins du musée Rodin, et réoriente ses choix esthétiques en même temps qu’il investit de nouveaux espaces de plein air. À travers l’histoire du Salon de la Jeune Sculpture et de son fondateur Denys Chevalier, cette thèse interroge la situation institutionnelle et esthétique de la sculpture dans le second XXe siècle, à une époque où le champ sculptural subit de profondes mutations liées à sa définition, et pose la question de son autonomie. / This Ph. D. dissertation focuses on the Salon de la Jeune Sculpture from its creation in 1949 to the death of Denys Chevalier, its founding member, in 1978. This dissertation seeks to analyze thirty annual Salons which took place in parisian parks and gardens where artworks by nearly one thousand five hundred exhibitors were displayed. The first chapter explores the career of the art critic Denys Chevalier, the ambitions of the Salon – how to display the sculptures, how to assist the audience in their discovery of the sculptures – and the aesthetic trends of the time. While figurative art prevailed over the first fifteen years at the Salon (second chapter), the gradual entry of abstract sculpture causes most of the figurative sculptors to leave in 1964. Thus the third chapter covers the period from 1965 to 1978. The Salon de la Jeune Sculpture then leaves the gardens of the Rodin Museum, redirects its aesthetic choices and adjusts to new outdoor spaces. Through the history of the Salon de la Jeune Sculpture and its founder Denys Chevalier, this dissertation investigates the aesthetic and institutional situation of sculpture in the second half of the twentieth century, at a time when the sculptural field undergoes profound transformations related to its definition and raises the question of its autonomy.

En France, la bande dessinée est exposée dans des musées et des bibliothèques, ses dessins originaux sont vendus dans des galeries dédiées et par de prestigieuses maisons de ventes, mais est-elle pour autant réellement légitimée en tant qu'art au sein de ces champs ? Qui a initié et participe aujourd'hui à ce processus, et selon quelles stratégies ? Cette thèse s'attache à répondre à ces questions en mobilisant les concepts de champs et de légitimité développés par Pierre Bourdieu mais aussi par des emprunts théoriques et méthodologiques à différents sociologues de l'art comme Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, ou Alain Quemin. En venant questionner les trois pôles que sont les artistes, les institutions et le marché, nous établissons un corpus d'évènements et de dessinateurs valorisés par ceux-ci, mais aussi des producteurs de ces évènements. En étudiant leurs déclarations et en allant à leur rencontre lors d'entretiens, nous analysons leurs motivations. Nous parvenons finalement à établir la relativité de la légitimation de la bande dessinée, tant en qualité qu'en nombre d'individus concernés. Malgré la mise en valeur d'un phénomène générationnel dans l'évolution du statut de la bande dessinée et de sa reconnaissance, nous concluons que l'acquisition d'une semi-légitimité (pour reprendre le mot de Jean-Louis Fabiani) du neuvième art est davantage d'un état de fait que d'un processus dynamique en cours d'évolution. / In France, museums and libraries exhibit comics, galleries devoted to them sell their original drawings and renowed art auction houses do too, but does it mean thereby that comics are truly legitimated as art within these fields ? Who initiated the process and today who keeps participating in it, and in doing so, according to which strategies ? This thesis seeks to answer these questions by gathering together the concepts of fields and legitimacy developed by Pierre Bourdieu but also by borrowing theories and methodologies from art socioloists such as Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, or Alain Quemin. By questioning the three poles formed by the artists, the institutions and the art market, we have established a corpus of events, of strip cartoonists highlighted by these events and of the producers of these same events. By studying their declarations and by meeting them to interview them, we have analysed their motivations. We have finally come to establish the relativity of the legitimation of comics both for their quality and the number of the individuals concerned. Despite the fact that a generational phenomenon has been given prominence in the evolution of the status and the recognition of comics, we can conclude that the acquisition of a semi-legitimacy (to employ Jean-Louis Fabiani’s own word) by the ninth art is more of a fact than a dynamic process in development.

Aux vers 102 et 109 du premier livre de DRN, Lucrèce, poète épicurien, condamne les Vates (poète, prophète) qui, par leurs paroles, inspireraient une peur de la mort liée à des supplices d’après-vie. Pour un épicurien, l’âme cesse d’exister lors de la mort, d’où la condamnation exprimée dans les vers de Lucrèce. On a pensé que Lucrèce utilisait tout simplement le terme de façon péjorative en référence générique à des prophètes latins. Sous Auguste, le mot signifiera poète, tandis que des auteurs comme Virgile se désigneront eux-mêmes par ce terme. Ce travail cherche à donner une réponse à la question: qui sont les vates dont Lucrèce parle? Nous proposons d’identifier les vates de Lucrèce comme étant Orphée et Musée. Ces poètes étaient très connus dans l’antiquité, en particulier par leur association aux rituels mystiques. Ces cultes étaient pour leur part essentiellement eschatologiques. En ce sens, ils véhiculaient une croyance en l’immortalité de l’âme, et des menaces de punition ou de mauvais sort dans le cas où les rituels initiatiques n’étaient pas accomplis. Parmi ces rituels, on peut compter les fameux mystères d’Éleusis. Par leur forte association avec ces cultes, Orphée et Musée se présentent comme les poètes eschatologiques les plus importants du monde antique. Épicure et son système, qui enseignaient que l’âme était mortelle, étaient donc certainement en conflit avec l’ensemble des croyances associées aux rituels mystiques et à leur pratique. Qui plus est, une étude de la piété épicurienne révélera qu’Épicure encouragea la participation aux cultes traditionnels dont les mystères, tout en rejetant les raisons traditionnelles de ces rituels (bienfaits des dieux, eschatologie de l’âme, etc.) Ainsi, Épicure ne put manquer de critiquer les croyances associées aux initiations, ainsi que les deux poètes qui en étaient inséparables. C’est cette critique que nous retrouvons dans le poème de Lucrèce. / In lines102 and 109 of his first book, Lucretius uses the term vates of unnamed persons that preached eternal punishment of the soul. Lucretius (and Epicurus) reject the reality of these punishments, holding them a cause of needless trouble for the mind. Most translators understand the word vates to mean «prophet». But given such a translation, it is hard to identify clearly who the vates could be, especially if we seek the answer in the Roman world. This paper seeks a satisfactory answer to the question "Who are Lucretius’ vates?" The author proposes to identify those Lucretius had in mind when he wrote the lines as Orpheus and Musaeus. These two mythical poets were well known in antiquity, especially through their association with mystic rites and initiations. These rites, it turns out, were fundamentally eschatological. As such, they promoted belief in the immortality of the soul, and of eternal punishments if the rituals were not accomplished. Such rites included the famous Mysteries of Eleusis. Through their association with them, Orpheus and Musaeus are the most important eschatological poets of the ancient world. Because Epicurus asserted that the soul was mortal, there certainly existed a tension between the complex of beliefs associated with mystic rites and the Epicurean system. In addition, a study of Epicurean piety reveals that Epicurus encouraged participation in traditional cults, among them the mysteries, although the Epicurean had to reject the traditional justification of the cults (eschatology, good deeds from the gods, etc.). Consequently, Epicurus must have developed a critique of the beliefs associated with initiations, and certainly a critique of the two well-known poets that were inseparable from these rites. This critique is the one we find in Lucretius’ poem.

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Cette thèse consiste à explorer l’usage de la réalité augmenté sonore pour la visite de musées. Notre objectif est de proposer un audioguide permettant d’immerger le visiteur dans une scène sonore constituée de sons ambiants et de commentaires associés aux objets exposés, et de minimiser ses efforts pour découvrir ces objets et interagir avec cet environnement sonore. La première contribution de cette thèse concerne la mise en place d’une preuve de concept de SARIM (Sound Augmented Reality Interface for visiting Museum). Cette preuvede concept a été développée en utilisant des capteurs de position et d’orientation filaire et non filaire. La deuxième contribution concerne la modélisation de la visite augmentée par la dimension sonore. Après une étude des modèles existants, l’objectif est de concevoir un modèle comprenant une représentation du visiteur,du paysage sonore et de la navigation et offrant une grande flexibilité pour créer l’environnement sonore. Ce modèle a comme finalité de faciliter la conception de différents types de scénarios de visite sur la base de la notion de zone d’audibilité. La troisième contribution de cette thèse est le travail d’évaluation mené dans un environnement réel qu’est le musée des arts et métiers de Paris, et qui a permis de confirmer l’utilisabilité, ainsi que l’apport didactique et ludique que procure la réalité augmentée sonore en général et le système SARIM en particulier pour prolonger et enrichir la visite de musées. / The goal of this thesis is to explore the use of sound to enhance the museum visit. We aim to provide anaudioguide to immerse the visitor in a soundstage consisting of ambient sounds and comments associated withthe exhibits, and minimize its efforts to discover these objects and interact with the sound environment. Thefirst contribution of this thesis is the implementation of a proof of concept of SARIM (Sound AugmentedReality Interface for visiting Museum). This proof of concept was developed using position sensors andguidance wired and wirelessly. The second contribution concerns the modeling of the augmented visit by thesound dimension. After a review of existing models, the objective is to design a model that includes arepresentation of the visitor, the soundscape and navigation, offering the flexibility to create the soundenvironment. This model has the purpose of facilitating the design of different types of scenarios based on theconcept of audibility area. The Third contribution of this thesis is the evaluation conducted in a realenvironment what the Museum of Arts and Crafts in Paris, which confirmed the usability, as well as providingeducational and ludic impact of the audio augmented reality in general and the SARIM in particular to extendand enrich the museum visits.

Ce mémoire de maîtrise propose une réflexion sur les choix et mesures pris en termes de représentation et d'interaction dans les musées ethnographiques à partir d’une étude de cas, le Musée Huron-Wendat à Wendake, au Québec. L'objectif est d'analyser et comprendre ces pratiques muséologiques destinées à exprimer une identité autochtone locale. L’étude souhaite également démontrer comment les publics s’identifient et interagissent avec les discours culturels et politiques spécifiques du musée. Une attention particulière est accordée à l'étude du changement de paradigme muséal d'un espace d'autorité à un lieu inclusif. La mission des professionnels du musée concernant le concept de représentation sera analysée, ainsi que leur travail sur les notions d'accessibilité et de participation avec et pour le public. En se basant sur l'étude de terrain et la littérature scientifique, ce mémoire s'engage à questionner les notions prédominantes d'identité, de continuité et d'unité, dans le contexte de la nouvelle muséologie et du postcolonialisme. / This master thesis is an analysis of the current specific actions on representation and interaction taken in contemporary ethnographic museums. The aim is to highlight museology pathways used to represent local Indigenous culture and to explore how the public is involved with and relates to these specific discourses on heritage. Special attention will be devoted to the study of the shift of museums from authoritative places of education to socially inclusive spaces. The mission of heritage professionals in terms of representation will be analysed, as well as their work on the notions of accessibility and involvement for and with the public. The Huron-Wendat Museum in Wendake, Québec, serves to investigate these museum practices. Drawing from thorough fieldwork and extensive secondary literature, this master thesis will further probe the prevailing notions of identity, continuity and unity of the new museology in a postcolonial context.

Plusieurs publications ont été rédigées dans les dernières années sur l'utilisation des technologies numériques dans les institutions muséales. Leur intégration aux expositions est accompagnée de nombreuses promesses telles que celles d'attirer un public plus jeune, de rendre le contenu plus accessible et ludique, d'impliquer davantage le visiteur, etc. Parmi toutes les études menées dans le domaine muséal, très peu d'auteurs se sont intéressés spécifiquement aux musées militaires. Pourtant, ces musées comportent de nombreuses caractéristiques qui leur sont propres. Ce mémoire propose donc une étude de l'utilisation des technologies numériques, plus précisément des écrans tactiles, par le Musée Royal 22e Régiment pour mettre en valeur son patrimoine militaire matériel et immatériel dans son exposition permanente « Je me souviens ». Plus précisément, le projet de recherche a pour objectif d'identifier quelles étaient les attentes de l'institution lors de l'intégration des écrans à l'exposition permanente et d'évaluer leur efficacité à travers l'analyse de leur consultation par les visiteurs. Le projet vise aussi à cerner les avantages et les désavantages associés à ce type de technologie dans le musée militaire. Pour répondre à la problématique, une étude de terrain a été menée dans le Musée Royal 22e Régiment. Cette étude a recours à plusieurs outils propres à la démarche ethnographique, soit l'observation des visiteurs, la distribution de questionnaires ainsi que la tenue d'entretiens avec les visiteurs et les professionnels. Les résultats indiquent que les écrans tactiles sont bel et bien consultés par la majorité des visiteurs et permettent de mettre davantage en valeur le patrimoine militaire immatériel. Cependant, ce ne sont pas tous les écrans tactiles qui sont consultés. Cette technologie comporte quelques limites telles que la qualité du son et l'absence d'immersion. À partir de ces conclusions, nous croyons que les musées militaires peuvent s'en inspirer pour de futurs projets de médiation intégrant les bornes interactives. / A number of publications have been written in recent years on the use of digital technologies in museums. Their integration into exhibitions is accompanied by many promises, such as attracting a younger audience, making content more accessible and entertaining, getting visitors more involved, and so on. Of all the studies carried out in the museum sector, very few have focused specifically on military museums. However, these museums have many characteristics that are unique to them. Therefore, this thesis proposes a study of the use of digital technologies, more specifically touch screens, by the Royal 22e Régiment Museum to highlight its material and immaterial military heritage in its permanent exhibition "Je me souviens". More specifically, the research project aims to identify the institution's expectations when integrating the screens into the permanent exhibition, and to assess their effectiveness by analyzing how visitors use them. The project also aimed to identify the advantages and disadvantages associated with this type of technology in the military museum. To address this question, a field study was carried out at the Royal 22e Régiment Museum. The study used a number of ethnographic research tools, including visitor observation, surveys and interviews with visitors and professionals. The results show that touch screens are indeed consulted by the majority of visitors and help to enhance the value and experience of immaterial military heritage. However, not all touch screens are consulted. This technology has a number of limitations, such as sound quality and the lack of immersion. Based on these conclusions, we believe that military museums can learn from it for future mediation projects integrating interactive touchscreens.

Par l’analyse de la scénographie de l’exposition Louis-Philippe Hébert (1850-1917), sculpteur national, présentée au Musée du Québec (actuellement Musée national des beaux-arts du Québec) en 2001, ce mémoire vise à démontrer comment la mise en espace des œuvres parvient à créer un discours indépendant de celui contenu dans le catalogue accompagnant la rétrospective. Afin de mettre en relation le contenu scientifique du catalogue et l’expérience du spectateur au musée, la scénographie d’exposition a été utilisée comme cadre théorique. C’est en définissant cette pratique dans ses composantes fondamentales et actuelles qu’il a été possible de revoir le cas à l’étude pour en extraire un discours essentiellement sensoriel.

Ce travail de recherche en muséologie porte sur la présentation de la parfumerie commerciale française dans les musées publics en France que ce soient des musées du parfum ou des musées d’art. En débutant par l’histoire de la présentation des produits commerciaux au musée depuis le milieu du XIXe siècle jusqu’aux expositions de marques de luxe au Costume Institute du Metropolitan Museum of Art dans les années 1980, cette étude se focalise par la suite sur la naissance et le développement de différents projets muséaux publics en lien avec la parfumerie (Château de Chamerolles, Esprit du Parfum à Chartres, Cour des Senteurs de Versailles, Collection Sylvie Guerlain-Traditions Verrières à la ville d’Eu) ainsi que sur l’essor des expositions de marques de luxe, dont de parfumerie, dans les musées publics (Chanel, Dior, Roger & Gallet). Les stratégies des pouvoirs publics, celles des marques de luxe ainsi que les motivations des musées publics qui accueillent les expositions de parfumerie sont analysées à tour de rôle. Une étude à part est dédiée au Musée International de la Parfumerie (1989) à Grasse qui est un musée de référence en France : à son histoire, à sa section contemporaine, à ses partenaires ainsi qu’à ses concurrents comme les parfumeries touristiques Fragonard, Molinard ou Galimard. Le dernier chapitre porte sur la programmation temporaire des grands magasins qui, en privilégiant l’art contemporain et les industries de la mode, développent de véritables équipements culturels à même de concurrencer les musées publics jusqu’à dissoudre progressivement les frontières entre un espace muséal et un espace commercial. / This research in Museum studies focuses on exhibitions of French commercial perfumery in perfume and art museums throughout France. Starting with the history of exhibitions of commercial items in museums from the mid-19th century until luxury brands exhibitions at the Costume Institute of the Metropolitan Museum of Art in the 1980s, the study examines the birth and the development of different museum projects related to the French perfume industry (Château de Chamerolles, Esprit du Parfum in Chartres, Cour des Senteurs of Versailles, Collection Sylvie Guerlain-Traditions Verrières in the town of Eu) as well as the growth of luxury brands’ exhibitions in public museums (Chanel, Dior, Roger & Gallet). Public authorities’ policies, perfume brands’ strategies or motivations of public museums which host such exhibitions are analyzed one by one. The case of the International Museum of Perfumery (1989) in Grasse deserves a study in its own right: I consider the history of the museum, the museum’s section of the 20th century perfumery, the role of corporate sponsorship in enriching museum collections as well as the local competition from private perfume museums set up by Fragonard, Molinard or Galimard brands. The last chapter focuses on French department stores and their fashion exhibitions’ programs capable of competing with public museums’ attractions and leading to the progressive blurring of boundaries between a museum space and a commercial one.