La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Aujourd’hui, le nom du « père de l’opérette », Florimond Ronger, dit Hervé (1825-1892), se résume bien souvent à une note de bas de page dans les volumes d’histoire de la musique. S’il est vrai, pour emprunter la formule de Jules Lemaître, que l’opérette est le seul genre dramatique qu’ait produit la seconde moitié du XIXe siècle, on peut s’interroger sur les raisons de l’oubli dans lequel est tombé un compositeur qui, de son vivant, remporta pourtant des succès comparables à ceux de son plus célèbre rival, Jacques Offenbach (1819-1880). Cette thèse a pour objectif d’évaluer l’apport d’Hervé à la naissance et au développement du genre de l’opérette de 1848 à 1870. Pour ce faire, ce travail survole dans un premier temps la vie et la carrière d’Hervé pour observer la nature de sa participation au développement du genre et l'impact de sa biographie sur cette trajectoire ; dans un deuxième temps, nous étudions son approche du comique telle qu’elle se manifeste dans le livret et la musique de ses œuvres. Le premier des quatre chapitres qui composent cette thèse dresse un bilan des données biographiques qu’on peut extraire des trois livres qui ont été consacrés au moins en partie à Hervé (Schneider 1924, Ghesquière et Cariven-Galharret 1992 et Rouchouse 1994). Le chapitre 2 montre le nouvel éclairage que jette sur la carrière du compositeur le dépouillement d’archives, et aborde entre autres le sujet délicat et fortement occulté jusqu’à maintenant du procès et de la condamnation du compositeur pour détournement de mineur. Le chapitre 3 propose un inventaire des ressorts du comique employés dans les opérettes de Hervé entre 1848 et 1870 et plus spécifiquement dans L’œil crevé (1867), première œuvre ambitieuse en trois actes où se cristallisent l’ensemble des procédés comiques du compositeur. Le chapitre 4 observe l’application de ces procédés dans Le petit Faust (1869), une parodie du Faust (1859) de Gounod, qui s’est avéré le plus grand succès d’Hervé et constitue probablement son chef-d’œuvre. / Today, the name of “the father of operetta”, Florimond Ronger, who worked under the moniker Hervé (1825-1892), is generally relegated to a footnote in the annals of music history. Yet, if Jules Lemaître's contention that operetta is the only dramatic genre produced by the second half of the nineteenth century is indeed true, one may well ponder how its leading exponent, a composer whose works attained a level of success during his lifetime comparable to that of his most famous rival, Jacques Offenbach (1819-1880), could fall into obscurity. The purpose of this dissertation is to evaluate the contribution of Hervé to the birth and development of operetta from 1848 to 1870. To do this, this work shall first survey Hervé's life and career to examine the nature of his participation in the development of the genre and the impact of his biography on its trajectory. Next, we shall study his approach toward the comic as it manifests in both the libretti and music of his works. Chapter 1 of the four which comprise this dissertation provides an overview of the biographical data which can be extracted from the three books devoted at least in part to Hervé (Schneider, 1924; Ghesquière and Cariven-Galharret, 1992; and Rouchouse, 1994). Chapter 2 is a distillation of the information gleaned from an examination of the archives which sheds new light on the career of the composer. Among other topics, the delicate and heretofore highly obscure subject of Hervé's trial and conviction for enticement of a minor will be explored. Chapter 3 consists of a general inventory of the comic devices used in the operettas of Hervé between 1848 and 1870 and more specifically a detailed analysis of those found in L’œil crevé (1867), his first ambitious work in three acts wherein is found the synthesis and crystallization of all the composer’s comic devices. Chapter 4 examines the implementation of these same techniques in Le petit Faust (1869), a parody of Gounod’s Faust (1859), which proved to be Hervé's greatest success and probably his masterpiece.

L’oeuvre de William Klein est reconnue pour ses stratégies formelles innovatrices et avant-gardistes qui attireront l'attention des artistes et des professionnels de sa génération non sans provoquer au passage quelques scandales ni sans subir les contrecoups de la censure. La trentaine de courts, moyens et longs métrages réalisés par Klein, forme un corpus hétérogène qui affiche à première vue des incohérences sociologiques, politiques, économiques et culturelles potentiellement discutables. Dans ces conditions, la position critique de Klein paraît ambiguë, inconséquente voire, contradictoire, parce que les films diffèrent également par leur thème, leur cible, leur mode de production et leur genre. Nous croyons cependant que l’engagement politique de Klein est le fil d'Ariane qui unit son oeuvre cinématographique et dissipe toute idée de rupture que ses contemporains pourraient lui reprocher. Au cours de cette période cruciale qui s'étend de 1965 et 1970, alors que le libéralisme en tant qu’idéologie officielle du système capitaliste cherche à vaincre le communisme pour s'imposer à l'échelle mondiale, Klein pose son regard sur les célébrités en tant que figures médiatiques et identitaires comme autant de moyens des pouvoirs politiques, économiques et religieux. À l'ère de la guerre froide, de la guerre du Vietnam et des combats pour la décolonisation, il prend le parti des mouvements de droits civils et de libération et se range du côté des révolutionnaires qui les défendent. Il brosse notamment le portrait de personnalités associées à la contre-culture américaine; il remet en question les modèles qui s'étaient jusque- là imposés dans la culture de masse et les idéologies dont ils étaient investis et va jusqu'à critiquer le concept même de célébrité. En procédant notamment à une démystification des moyens de la représentation de l'American Dream et de l’American way of life, William Klein s'en prend aux faux-semblants issus de ces industries (du divertissement) et de ce champ (politique) qui mettent en place des systèmes de production et d’exploitation de la célébrité en tant que symbole, destinée à orienter les goûts esthétique, les comportements commerciaux et/ou les opinions politiques des individus. Il dénonce ainsi les injustices raciales, les inégalités sociales, les abus de pouvoir et8les débordements des gouvernements attribuables à l’impérialisme occidental qui est à l'époque sous l'influence des États-Unis. Le corpus qui nous permettra de développer notre argumentation comprend quatre films, soit deux films de fiction et deux films documentaires. Qui êtes-vous, Polly Maggoo? (1966) et Mister Freedom (1968) sont les deux films de fiction que nous avons qualifiés de « parodies satiriques ». En ces termes, le film Polly Maggoo parodie les contes de fées pour faire la satire de l’industrie de la mode, tandis que le film Mister Freedom parodie les super-héros de bande dessinée et autres justiciers des films hollywoodiens, pour faire la satire de la politique étrangère américaine. Les documentaires politiquement engagés sont à notre avis expressionnistes, comme le propose le critique américain Jonathan Rosenbaum. Muhammad Ali, The Greatest (1964-1974) ; Eldridge Cleaver Black Panther (1970) mettent en scène ceux que William Klein appelle les « Super Noirs américains » et par des moyens réflexifs, ils démontrent de l’inter-subjectivité entre le cinéaste et ses sujets. / The films of William Klein are still little known. His filmography includes thirty titles which appear at first sight heterogeneous, while their sociological, political, economic, and cultural discrepancies seem questionable. As such, and because the themes of his films themes,targets, production modes and genres are constantly moving, Klein’s critical position seem ambiguous, inconsistent if not contradictory. Yet, we believe that the political commitment of William Klein is at the core of all of his films and dissipates all discrepancies.Between 1965 and 1970, while liberalism as the official ideology of the capitalist system is fighting against communism to expand its power around the world, Klein is looking at celebrities as vectors of the political, the economical and the religious powers. While the Cold War, the Vietnam War and the anti-colonial armed struggles are shaking the world, he associates with the counter-culture and youth culture and questions the role models advertised in the mass media, and the ideologies they represent. Portraying the modes of representation that shapes the American Dream and the American Way of Life, William Klein criticises the makes-believes found in the entertainment industry and the political field that aim at shaping our identities, our commercial behaviours and our political opinions. He condemns racism, social inequalities and abuses of power associated with Western imperialism. We propose to analyse two fiction films and two documentaries in the course of our argumentation. Qui êtes-vous, Polly Maggoo? (1966) and Mister Freedom (1968) are what we have called after Daniel Sangsue, satirical parodies. Accordingly, Polly Maggoo parodies fairy tales to satirize the fashion industry, while Mister Freedom parodies the superheros of the comic books to satirize American foreign policies.Based on Jonathan Rosenbaum thesis, we consider Muhammad Ali, The Greatest (1964-1974) and Eldridge Cleaver Black Panther (1970) as expressionist documentaries. The reflexive strategies found in these films is symptomatic of an inter-subjectivity between the filmmakerand his subjects

This thesis closely examines the utilisation of dramatic characters’ comments on matters of literary and theatrical criticism. This phenomenon shaped a trend in European theatre during the first half of the twentieth century, and Egyptian theatre in the second half of the century. My main hypotheses are, firstly, that dramatic characters’ comments on literary and theatrical matters of criticism respond to specific problems that challenge theatre practice. Thus, my reading of literary and theatrical criticism within the dramatic texts studied in my thesis focuses on this criticism’s reformative function to rectify the crisis that faces theatre practice in general, rather than playwrights’ individual motives, such as responding to their critics. Secondly, socio-political, economic, and cultural aspects shape historical circumstances, which influence the current state of the theatre industry. Therefore, although Egyptian plays are noticeably influenced by European metatheatre, Egyptian playwrights utilise these borrowed techniques to highlight specific problems of Egyptian theatre such as the corrupt administration of governmental theatre and censorship. Finally, while Egyptian plays exploit European metatheatrical techniques, Egyptian playwrights claimed their works as a revival of intrinsically anti-illusionist traditional forms of entertainment such as the shadow play and Karagöz. This claim reflected increasing calls for pure Egyptian theatre, as part of the anti-Western jingoistic discourse of the political regime of the 1950s. In order to examine these assumptions, my theoretical approach draws from the fields of metatheatrical studies; literary and performance studies of parody and intertextuality; the history of European and Egyptian theatre; sociological, political and cultural studies; theories of modern criticism, and critical reviews. My contribution to the field of metatheatrical studies is in highlighting the reformative function of literary and theatrical criticism, whether as a discourse or a metatheatrical device, within a group of European plays that belong to different movements of the avant-garde during the first half of the twentieth century. More significantly, my study investigates the same phenomenon in Egyptian plays that, since the 1980s, have gradually been marginalised as fringe theatre and neglected by academic studies.

Les études sur la réception des Liaisons dangereuses de Laclos sont abondantes, mais elles portent le plus souvent sur un petit nombre d’œuvres et très peu examinent l’ensemble des diverses écritures créées sous l’influence de Laclos et de son roman. Circonscrite aux imitations romanesques et dramatiques, ainsi qu’aux adaptations théâtrales et cinématographiques, cette thèse analyse une quarantaine de romans, une vingtaine d’œuvres théâtrales et neufs films, tous inspirés à des degrés divers du roman de Laclos. Cette étude a visé moins à démontrer son statut de chef-d’œuvre qu’à analyser sa valeur et son rayonnement au travers des œuvres considérées, à examiner leur rapport et à en discerner la manière particulière dont elles le perçoivent. L’exemple de Laclos démontre qu’un auteur est tributaire de la tradition littéraire. Il a su parfaitement associer les apports littéraires de son temps et l’héritage de l’époque précédente auquel son roman fait écho par des références et des allusions implicites ou explicites. À son tour, Laclos joue le rôle de référent dans les œuvres postérieures. Son roman est sans doute l’une des rares œuvres littéraires dont la réception riche et de longue date permet d’appréhender l’évolution selon l’époque et selon le genre. Les auteurs s’inspirent de son roman et leurs œuvres constituent un espace d’interprétation et de recréation alors que Laclos leur doit la reconnaissance de son œuvre. Le deuxième volume comprend entre autres la liste des représentations des Liaisons dangereuses et de Quartett de Heiner Müller et les extraits des critiques journalistiques, la transcription du film de Charles Brabant et la traduction du film coréen Scandale. / Studies on the reception of Laclos’ novel “Dangerous Liaisons” are numerous but they mostly focus on a small number of works and very few have a look at all the writings created under the influence of Laclos and his novel. Limited to romantic and dramatic imitations as well as to film and theatrical adaptations, this thesis analyses around forty novels, twenty plays and nine films all more or less inspired by Laclos’ novel. The first aim of this study is not to demonstrate its masterpiece status but to analyze its value and its influence through those adaptations, to examine their connections and to discern the peculiar way they comprehend it. The example of Laclos demonstrates that an author depends on the literary tradition. He was able to perfectly combine the contributions of his days and the legacy of the previous times to which his novel echoes through references and explicit or implicit allusions. In his turn, Laclos plays the role of referent in the works that came after him. His novel is probably one of the very few literary works the rich and long-time reception of which allows comprehending the evolution according to the time and the genre. Authors draw their inspiration from his novel and their works constitute an area of interpretation and new creation while Laclos owes them the recognition of his work. The second volume includes, among other things, the list of the performances of the Liaisons Dangereuses and of Quartett by Heiner Müller as well as excerpts of journalistic critics, the transcription of Charles Brabant’s film and the translation of the South Korean film Untold scandal.

L’enjeu de cette thèse a pour objet deux corpus fondamentaux pour le Moyen Âge français, et plus généralement pour la littérature européenne, soit le Roman de Renart et les fabliaux. Néanmoins, la relation en tant que telle entre les deux reste peu analysée jusqu’à présent. Si les aspects thématiques communs de ces textes ont souvent été perçus par la critique, celle-ci n’a jamais véritablement posé les divergences qui s’opéraient dans ces thèmes, notamment dans la façon dont ils sont employés au sein de deux genres dont l’organisation est très différente. Si l’on peut envisager les deux genres comme relevant du récit comique bref, il faut alors interpréter les dynamiques à l’œuvre, si l’on définit la notion comme mouvements qui concourent à un processus, c'est-à-dire de questionner ce qui fait de ces deux corpus des récits comiques brefs, que ce soit de façon convergente ou divergente. / The purpose of this thesis is to compare the Roman de Renart with the fabliaux, which are often brought closer together by critics, particularly because of their comical nature. While the common themes of these texts have often been described, no study has ever really analyzed the divergences that occurred in these themes, especially in the way they are used in two genres whose organization is very different, since we have a serial narrative on one hand, and stories independent on the other hand. If we want to consider that both of them belong to the same type of story, then we must interpret their narrative dynamics. We can define the notion as movements that contribute to a process, that is to say, to examine their classification as comical short narratives, whether convergent or divergent. In fact, brevity turns out to be a problematic notion, the Roman de Renart and the fabliaux having a different relationship with the question. What unites them is more a narrative tension of the plot created by effects of surprise, reversals, deviations, but especially the dynamics of the intra- and extra-textual echoes

Notre étude comporte deux axes principaux : premièrement, une réflexion sur la signification de la notion de vérité pour les auteurs médiévaux des textes de notre corpus, historiens des XIIIe et XIVe siècles et romanciers du XVe, et sur la perception de cette signification par la critique actuelle; deuxièmement, une étude des rapports qu'entretiennent ces différentes œuvres, qui présentent une symétrie particulière du fait de la reprise de motifs caractéristiques de chacune des chroniques par chacun des romans. Ces deux axes sont mêlés et doivent s'éclairer mutuellement. Nous commençons par une approche sémantique de la notion dans les œuvres, par un repérage des problématiques concernées par notre sujet (littérature et réalité, distinction entre histoire et fiction au moyen âge, particularités du contexte culturel), et par une discussion des interprétations de la critique au sujet de la véridicité des œuvres. Nous recherchons ensuite dans la structure narrative de chacune des œuvres un rapport avec une conception commune de la notion de vérité, ce qui n'implique pas une même intentionnalité. Au contraire, ayant mis en évidence une référence commune à une certaine apparence de vérité, nous tâchons de mesurer la part de fictionnalisation et de parodie que ces œuvres comportent, à des degrés divers. Nous proposons ainsi une lecture des chroniques littéraire plutôt qu'historienne, et une conception de la reprise des chroniques par les romans comme parodie du discours historique. / Our study follows two main lines: first, a reflection on the understanding of the concept of truth by the medieval authors of the texts of our corpus, historians of the 13th and 14th centuries and novelists of the 15th century, and on how contemporary critics perceive this understanding; second, a study of the relations between these different texts which show a particular parallelism since some characteristic features of each chronicle are taken up in each novel. The two lines constantly cross and must throw light on each other. We begin with a semantic approach to the concept of truth in the texts, and then with a look into the issues related to the theme (litterature and reality, distinction between history and fiction in the Middlle Ages, particularities of the cultural context), and a discussion of critical interpretations of the veridicality of the texts. Then, in the narrative structure of each text of the corpus, we look for a relation with a common conception of the notion of truth, wich doesn't imply they have the same intentionality. On the contrary, after pointing out a common reference to a certain appearance of truth, we try to determine the levels of fictionalisation and parody in the different texts. So, we present a literary, rather than historical, reading of the chronicles, and a conception of the reuse of the chronicles by the novels as a parody of the historical discourse.

The target of the thesis Relation between Textual Devices and Popularity of Media Text on the Example of Radio Series "Tlučhořovi" is to reveal if there exist any connection between significant textual devices used in the series and its popularity and success. As methods there are used semiotic analysis of sample of the series episodes and "respondent interview" with the listeners. In the first there is focus mainly on particular textual devices and in the second on what respondents consider to be reasons why they do listen to the series. Significant textual devices are one of the central themes of cultural studies and this work sets itself a task to deduce from findings conclusion which would be generalizable to relation between media texts and their audiences universally.

1 Abstract In my diploma thesis I deal with the concept of the Jára Cimrman Theater. Using description and explanation, I examine the influence of mystification, fictional worlds, intertextuality, and special effects of the theater comicality up on its success and unwavering popularity among the audience. For this purpose, I work with audiovisual recordings and the book release of all theater plays by the Jára Cimrman Theater. In terms of theoretical research, I use bibliographic resources, among which are texts, articles, studies and publications by Lubomír Doležel, Umberto Eco and other authors whose works are relevant to the topic of my diploma thesis. In the diploma thesis I present an interpretation of theoretical knowledge, opinions, comments and reflections related to the chosen topic. The topic is a subject of broad professional discourse and is theoretically so complex that this diploma thesis cannot contain all the issues and contexts that apply to it. In this regard, I have tried to outline at least some of them and on their basis to elaborate the theme of this diploma thesis.

[ES] La presente tesis doctoral se desarrolla, de modo autoetnográfico, como aportación de resultados de una investigación artística propia pretendiendo generar conocimiento a través de una objetivación de lo subjetivo. En ella abordamos el tema de lo ridículo en la escultura, entendida en el sentido expandido del término. Partiendo de una contextualización conceptual e histórica previa, procederemos a deconstruir recursos y estrategias, siempre enfocadas en torno al concepto de lo ridículo, de nuestra propia trayectoria artística. Desarrollaremos de este modo, con especial atención, el concepto de hipertrofia como complejo recurso expresivo de exageración selectiva, tanto a nivel formal como conceptual y perceptivo. La hipertrofia como modo de expresar pero también de percibir y procesar la realidad, para una mayor intensidad comunicativa, tanto en la expresión de lo ridículo como en cualquier otro ámbito. La presente tesis doctoral recoge los resultados de veinticinco años de investigación artística propia en el campo de la escultura y la instalación. Aborda el tema de lo ridículo en la escultura, tema central en nuestra investigación, entendida en el sentido expandido del término y más concretamente la descripción de recursos, tanto formales como conceptuales, para su representación. Comenzamos el trabajo, dividido en dos partes, realizando una semblanza de lo ridículo como lenguaje. Relacionamos el término con otros que le son afines, como humor, desafío o absurdo e introducimos la hipertrofia, concepto que más tarde desarrollamos más extensamente, como medio para su consecución. Desarrollamos después lo ridículo desde la forma en su representación mediante la aplicación en parámetros formales tales como la escala, el material o la proporción, de la referida hipertrofia. Pasamos luego a realizar una breve panorámica histórica, focalizada en la representación de lo ridículo a lo largo de distintas épocas, aportando ejemplos a modo de contextualización temporal de nuestro trabajo, hasta llegar a la actualidad, de la cual realizamos una selección de obras y autores que, de un modo u otro, pueden ser entendidos como influencia o, al menos, como coincidencia en nuestros montajes. Una vez desarrollado el contexto pasamos, ya en la segunda parte, a referirnos ya directamente a nuestro trabajo y a su carácter como expresión de lo ridículo, mencionando las figuras retóricas y otros recursos comunicativos que usamos en la obra propia. Definimos, llegados a este punto, la hipertrofia como aportación central de nuestra investigación, del modo ya mencionado como recurso expresivo, pero también como modo de percepción selectiva para la creación, entre otros, en el ámbito de lo ridículo. Planteamos pues la hipertrofia como un recurso creativo extenso, más bien un modo de relacionarse con la realidad y proyectarse sobre ella en una fructífera interacción. Desarrollamos finalmente, a modo de ejemplo, la hipertrofia a través de sus múltiples aplicaciones como concepto fundamental que vertebra nuestra obra de búsqueda de lo ridículo desde enfoques diversos. / [CAT] La present tesi doctoral es desenvolupa, de manera autoetnográfica, com a aportació de resultats d'una investigació artística pròpia pretenent generar coneixement a través d'una objectivació del que és subjectiu. Hi abordem el tema del ridícul en l'escultura, entesa en el sentit expandit de el terme. Partint d'una contextualització conceptual i històrica prèvia, procedirem a deconstruir recursos i estratègies, sempre enfocades al voltant de el concepte del ridícul, de la nostra pròpia trajectòria artística. Desenvoluparem d'aquesta manera, amb especial atenció, el concepte d'hipertròfia com complex recurs expressiu d'exageració selectiva, tant a nivell formal com conceptual i perceptiu. La hipertròfia com a manera d'expressar però també de percebre i processar la realitat, per a una major intensitat comunicativa, tant en l'expressió del ridícul com en qualsevol altre àmbit. La present tesi doctoral recull els resultats de vint i cinc anys d'investigació artística pròpia en el camp de l'escultura i la instal·lació. Aborda el tema del ridícul en l'escultura, tema central en la nostra investigació, entesa en el sentit expandit del terme i més concretament la descripció de recursos, tant formals com conceptuals, per a la seva representació. Comencem el treball, dividit en dues parts, fent una semblança del ridícul com a llenguatge. Relacionem el terme amb altres que li són afins, com humor, desafiament o absurd i introduïm la hipertròfia, concepte que més tard desenvolupem més extensament, com a mitjà per a la seva consecució. Desenvolupem després el ridícul des de la forma en la seva representació mitjançant l'aplicació en paràmetres formals com ara l'escala, el material o la proporció, de la referida hipertròfia. Passem després a fer una breu panoràmica històrica, focalitzada en la representació del ridícul al llarg de diferents èpoques, aportant exemples a mode de contextualització temporal del nostre treball, fins arribar a l'actualitat, de la qual vam realitzar una selecció d'obres i autors que, d'una manera o altra, poden ser entesos com a influència o, al menys, com coincidència en els nostres muntatges. Un cop desenvolupat el context passaem, ja a la segona part, a referir-nos ja directament al nostre treball i al seu caràcter com a expressió del ridícul, esmentant les figures retòriques i altres recursos comunicatius que fem servir en l'obra pròpia. Definim, arribats a aquest punt, la hipertròfia com a aportació central de la nostra investigació, de la manera ja esmentat com a recurs expressiu, però també com a mode de percepció selectiva per a la creació, entre d'altres, en l'àmbit del ridícul. Plantegem doncs la hipertròfia com un recurs creatiu extens, més aviat una manera de relacionar-se amb la realitat i projectar-se sobre ella en una fructífera interacció. Desenvolupem finalment, a manera d'exemple, la hipertròfia a través dels seus múltiples aplicacions com a concepte fonamental que vertebra la nostra obra de cerca del ridícul des d'enfocaments diversos. / [EN] This doctoral thesis is developed, in an autoethnographic way, as a contribution of the results of our artistic research, trying to generate knowledge through an objectification of the subjective. In it we address the issue of the ridiculous in sculpture, understood in the expanded sense of the term. Starting from a previous conceptual and historical contextualization, we will proceed to deconstruct resources and strategies, always focused around the concept of the ridiculous, of our own artistic trajectory. In this way, we will develop, with special attention, the concept of hypertrophy as a complex expressive resource of selective exaggeration, both at a formal, conceptual and perceptual level. Hypertrophy as a way of expressing but also of perceiving and processing reality, for greater communicative intensity, both in the expression of the ridiculous and in any other field. This doctoral thesis collects the results of twenty-five years of own artistic research in the field of sculpture and installation. It addresses the issue of the ridiculous in sculpture, a central theme in our research, understood in the expanded sense of the term and more specifically the description of resources, both formal and conceptual, for its representation. We begin the work, divided into two parts, making a semblance of the ridiculous as a language. We relate the term to others that are related to it, such as humor, defiance or absurdity, and we introduce hypertrophy, a concept that we later develop more extensively, as a means of achieving it. Later we develop the ridiculous from the form in its representation through the application in formal parameters such as scale, material or proportion, of the referred hypertrophy. We then proceed to carry out a brief historical overview, focused on the representation of the ridiculous throughout different periods, providing examples as a temporary contextualization of our work, up to the present, from which we make a selection of works and authors that, in one way or another, can be understood as an influence or, at least, as a coincidence in our montages. Once the context has been developed, we proceed, in the second part, to refer directly to our work and its character as an expression of the ridiculous, mentioning the rhetorical figures and other communication resources that we use in our own work. We define, at this point, hypertrophy as the central contribution of our research, in the way already mentioned as an expressive resource, but also as a selective perception mode for creation, among others, in the field of the ridiculous. We therefore propose hypertrophy as an extensive creative resource, rather a way of relating to reality and projecting ourselves onto it in a fruitful interaction. Finally, we develop, as an example, hypertrophy through its multiple applications as a fundamental concept that backs up our work of searching for the ridiculous from different approaches. / Llorens García, A. (2020). La realidad hipertrofiada. Modos de representación de lo ridículo en la escultura y en la obra propia [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/157636 / TESIS

The premise of this study is to investigate homonormative concepts in the works of Edward D. Wood, Jr. Following a contextualisation of the time period he was active in, the thesis interacts with camp as a concealed queer discourse and a political voice. Concepts of crossdressing as challenges to heteronormativity are observed in relation to Woods cinematic canon and persona. Case analyses of Glen or Glenda (1953) and Take It Out in Trade (1970) observe how mentioned methodologies are applicable.    The conclusions relate data exhibiting queer discourses held by Wood. Camp as a signifier of queer representation and counter oppression is identified as a discourse within Wood’s films. Examples given demonstrate how this is obscured within the agency of narrators, dialogue and metaphors. As camp evolves post-Stonewall, an adherence to camp as a parody of heteronormativity is acknowledged in later Wood pieces. Exploring concepts of crossdressing in Wood’s cinema, drag and transvestism can be excluded. Through crossdressing we find a stage for gender performativity as to reunite with the heteronormative challenges of his debut film. This reunion progresses to a compliance with homonormativity in his final feature films.