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Orientador: Luiza Helena da Silva Christov / Resumo: O objetivo da presente pesquisa é explicitar o quanto a ilustração colabora para a formação visual dos pequenos leitores e descobrir o valor estético da linguagem imagem no livro infantil. O tema é relevante tanto para a arte como também para a educação. Alguns questionamentos em minha pesquisa: Qual a relação que as crianças têm com a ilustração? Como determinada imagem pode sensibilizar o olhar infantil? A ilustração pode ampliar os horizontes da percepção? O quanto esta linguagem ajuda o leitor a fruir e conhecer as linguagens visuais? Após o levantamento bibliográfico especializado, elenco como alguns autores visualizam a ilustração e qual a sua importância ao longo do tempo, situando-se historicamente e culturalmente, no Brasil e no mundo. Descrevo como ela aparece nos livros ilustrados, e o diálogo que tem como o texto verbal. A partir do discurso desses autores, procuro embasar hipótese de que a ilustração desempenha um papel importante no aprendizado e na formação de fruidores da linguagem visual. Rui de Oliveira e Donis A. Dondis defendem a idéia de educar e sensibilizar o olhar das crianças, e por isso são usados como referência teórica. Com base no conceito de Vygostky sobre criatividade, justifico a relevância dessa pesquisa e formulo uma possível abordagem teórica para investigar a relação que ocorre na leitura das ilustração pela criança e seu aprendizado e a facilidade para ler/ entender outras imagens da sua realidade. Para entender as ilustrações, é preciso observar suas especificidades. Em aspectos formais destaco como é desenvolvida, suas pricipais características e técnicas usadas. Como fundamento temos Arnheim, Luis Camargo e Faria, que dão amplos conceitos para a análise e compreensão de aspectos formais de imagens e da ilustração, especificamente. Na sequência, busco a visão de pessoas que de alguma maneira estão ligadas às ilustrações do livro de literatura infantil. / Abstract: The focus of the research is to turn clear how importat the ilustration is to collaborate with the formation of the small readers and the image language aesthetic value in the child book. The topic is relevant to the art as well as it is to education. Some questions in my research: What relationship do children have to such illustration? How persuasive an image is to catch the eyes of a child? Is the illustration able to broaden the horizons of their perception? How much does this language can help the reader to enjoy and know the visul language? After a apecialized bibliographical survey, the cast of some authors visualized the illustration as well as its importance through years placing it, historically and culturally in Brazil and allover the world. I describe how it's shown in the ilustrated books, and the dialogue it has with the verbal texts. From the speech of these authors, I intend to establish my hypothesis that the illustration develops an important role in the learning and formation of the possessors of the visual language. Rui de Oliveira and Doins sustain the idea of educating and turning sensible the eyes of the children, and because of this, they are known as theoretical references. On base of Vygostky's conception about creativity, I focus the relevance of this research and formulate a possible theoretical approch to investigate the relation which happens among the reading ofthe illustration by the children and their learning and the facility to read and understand other images of their reality. To understand the illustration, it is necessary to observe specificity. In formal aspects, I highlight their main characteristics and the use of technical role models. We have Arnhhein, Luis Camargo and Faria which give wide specifically conceptions to the analysis and comprehension of formal aspects of the image and illustration. / Mestre

Notre travail se penche sur les circonstances et les conséquences de l’insertion de l’image dans un ensemble textuel sur l’écriture. Quels sont les enjeux et les implications d’une telle démarche lorsqu’elle est menée sciemment par l’écrivain ? Dans la littérature contemporaine européenne, A.S Byatt et Peter Handke sont de ceux qui manient la plume comme le pinceau et travaillent le langage comme une matière plastique, la figure même de l’artiste travaille l’univers fictionnel en profondeur, nourrissant et transformant l’écriture au fil d’un apprentissage tout entier centré sur le regard. La matière littérature s’interroge, loin d’une démarche plus traditionnelle qui traite l’image plastique comme une simple source d’inspiration à la façon de Tracy Chevalier.Certaines oeuvres inclassables, comme Henri Matisse, Roman de Louis Aragon ou Cantique de Matisse de Michel Butor choisissent l’entre-genre pour toucher à une possible harmonie littérature-peinture. La musique s’en mêle parfois, passant outre les frontières entre les arts. Que se passe-t-il quand l’écrivain peut, à juste titre, être appelé "plasticien" ? Bien qu’il se situe dans une approche intersémiotique littérature-arts plastiques, ce travail de recherche n’entend pas analyser l’inscription de la peinture dans le texte sur le mode de la transposition ou de l’illustration, il ne s’agit pas non plus de discerner les modalités picturales contenues dans l’appareil textuel et d’en dégager les effets ni d’assimiler stricto sensu la technique d’un peintre à celle d’un écrivain. / Our work focuses on the circumstances and the consequences of the insertion of imagery in thetextual body on writing. What are the issues and the implications of such an approach when it is conducted knowingly by the writer? In contemporary European literature, A. S. Byatt and Peter Handke are of those who handle the quill like a brush and work language as a plastic substance;their attitude is that of the artist who works the fictional universe in depth, nourishing and transforming script-writing through an acquisition centred entirely on watching. Literature as substance questions itself in a way which is far from a rather traditional approach which treats the plastic image as a simple source of inspiration, as is exemplified by the work of Tracy Chevalier.Certain non-classable works, like Henri Matisse, Roman by Louis Aragon or Cantique de Matisse by Michel Butor choose the mixed-genre to touch a possible literature-painting harmony. Musicmingles at times passing across boundaries among the arts. What happens when the writer can becalled, appropriately, “plastic arts technician”? Though indeed situated in an intersemiotic literature-plastic arts approach, this research does not intend to analyze how painting is inserted inthe text by way of transposition or illustration. Moreover, it is not concerned with discerning the pictorial modalities contained in the textual apparatus and dissimulating the effects or assimilating stricto sensu the technique of a painter to that of a writer.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007Bitstream added on 2014-06-13T20:49:08Z : No. of bitstreams: 1 nannini_pbr_me_ia.pdf: 1239879 bytes, checksum: ff0c0d1972a04a0b1c212184513eceb1 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / O objetivo da presente pesquisa é explicitar o quanto a ilustração colabora para a formação visual dos pequenos leitores e descobrir o valor estético da linguagem imagem no livro infantil. O tema é relevante tanto para a arte como também para a educação. Alguns questionamentos em minha pesquisa: Qual a relação que as crianças têm com a ilustração? Como determinada imagem pode sensibilizar o olhar infantil? A ilustração pode ampliar os horizontes da percepção? O quanto esta linguagem ajuda o leitor a fruir e conhecer as linguagens visuais? Após o levantamento bibliográfico especializado, elenco como alguns autores visualizam a ilustração e qual a sua importância ao longo do tempo, situando-se historicamente e culturalmente, no Brasil e no mundo. Descrevo como ela aparece nos livros ilustrados, e o diálogo que tem como o texto verbal. A partir do discurso desses autores, procuro embasar hipótese de que a ilustração desempenha um papel importante no aprendizado e na formação de fruidores da linguagem visual. Rui de Oliveira e Donis A. Dondis defendem a idéia de educar e sensibilizar o olhar das crianças, e por isso são usados como referência teórica. Com base no conceito de Vygostky sobre criatividade, justifico a relevância dessa pesquisa e formulo uma possível abordagem teórica para investigar a relação que ocorre na leitura das ilustração pela criança e seu aprendizado e a facilidade para ler/ entender outras imagens da sua realidade. Para entender as ilustrações, é preciso observar suas especificidades. Em aspectos formais destaco como é desenvolvida, suas pricipais características e técnicas usadas. Como fundamento temos Arnheim, Luis Camargo e Faria, que dão amplos conceitos para a análise e compreensão de aspectos formais de imagens e da ilustração, especificamente. Na sequência, busco a visão de pessoas que de alguma maneira estão ligadas às ilustrações do livro de literatura infantil. / The focus of the research is to turn clear how importat the ilustration is to collaborate with the formation of the small readers and the image language aesthetic value in the child book. The topic is relevant to the art as well as it is to education. Some questions in my research: What relationship do children have to such illustration? How persuasive an image is to catch the eyes of a child? Is the illustration able to broaden the horizons of their perception? How much does this language can help the reader to enjoy and know the visul language? After a apecialized bibliographical survey, the cast of some authors visualized the illustration as well as its importance through years placing it, historically and culturally in Brazil and allover the world. I describe how it's shown in the ilustrated books, and the dialogue it has with the verbal texts. From the speech of these authors, I intend to establish my hypothesis that the illustration develops an important role in the learning and formation of the possessors of the visual language. Rui de Oliveira and Doins sustain the idea of educating and turning sensible the eyes of the children, and because of this, they are known as theoretical references. On base of Vygostky's conception about creativity, I focus the relevance of this research and formulate a possible theoretical approch to investigate the relation which happens among the reading ofthe illustration by the children and their learning and the facility to read and understand other images of their reality. To understand the illustration, it is necessary to observe specificity. In formal aspects, I highlight their main characteristics and the use of technical role models. We have Arnhhein, Luis Camargo and Faria which give wide specifically conceptions to the analysis and comprehension of formal aspects of the image and illustration.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:24:51Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007Bitstream added on 2014-06-13T18:07:01Z : No. of bitstreams: 1 batistin_f_me_ia.pdf: 703071 bytes, checksum: eb570b0b9cea6dd7867ab70f9f27ec06 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Essa dissertação apresenta a reflexão sobre minhas experiências com o ensino e aprendizado em arte permitindo a (re) construção da trajetória como arte educadora e arquiteta que escolheu a profissão de professora de história da arte. Este trabalho concentra-se no efetivo encontro entre a sensibilidade, a intuição e o olhar reflexivo de alunos e professora, por meio das descobertas que ocorrem durante os projetos de ensinar e de aprender já realizados. Busca a construção do conhecimento sustentado na experiência de fruir e poetizar arte e na integração desse cotidiano no interior do ambiente universitário. Propõe uma reflexão entre arte-educação, seu ensino e aprendizado enfatizando o gesto criador, o despontar do olhar sensibilizado para as artes plásticas e a concepção das leituras de obras como processo de compreensão do mundo, desmistificando a obra de arte como objeto inatingível e de poucos. / This dissertation shows a research about experiences and livings on the teaching and learning in art, which focus is the creation of path like education art teacher, of an architect that chose the profession of art teacher. This work has focus on the effective meeting among the sensibility, the intuition and the reflexive glance of students and teacher, through of discoveries that occurred during the projects realized. The works searches the creation of knowledge suppoted by the flow experience and to transform art in poetry and to ingrate this daily through of university environment. However, the work intends a reflection among education art, its teaching and learning put emphasis in the creative action, the emerging sensitive glance to the plastic arts an the conception of readings of works like world understanding process, taking ou the mystic of art work as a distant thing for a select group.

Orientador: Luise Weiss / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-18T07:35:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sans_PaulodeTarsoCheida_D.pdf: 4836600 bytes, checksum: 0e77c3ef110589288a8abe105cf1b0df (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Esta pesquisa em Arte é sobre a realização de uma produção artística que permeia a gravura, o objeto e a instalação. As obras foram criadas a partir da análise da produção do autor, verificando as principais características técnicas e elementos conceituais de suas obras mais recentes. Para embasamento dos processos criativos foram escolhidos quatro artistas contemporâneos brasileiros, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss e Rubem Valentim, que apresentam distintas temáticas que serviram como sintonia para a criação das obras híbridas realizadas pelo autor. As questões teóricas e processuais são estudadas, resultando numa análise reflexiva sobre a poética visual proposta / Abstract: This Art research is about the execution of an artistic production which approaches engraving, object and instalation. The artworks had been created from the analysis of the author's production, verifying the main technical characteristics and conceptual elements from his more recent artworks. As basis for the creative processes were chosen four Brazilian contemporary artists, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss and Rubem Valentim, who presents distinct thematics which had served as linking to the creation of the hybrid artworks carried through by the author. The theoretical and procedural questions are studied, as a result of a reflexive analysis about the poetic's visual proposed / Doutorado / Doutor em Artes

Orientador: Luise Weiss / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T05:31:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Santos_MarcioElias_M.pdf: 5544235 bytes, checksum: bca16f07cc37307732585e9a2164ad20 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: O que originou esta pesquisa talvez tenha sido um certo incômodo, uma situação de desconforto. Situação que não tem outra causa senão a pergunta: é possível pintar? Se é, como? Vejo a pintura como possível por ser um meio expressivo necessário que, como tantos outros, possui problematizações e questionamentos próprios. Depois de tantas sentenças de morte e ondas de ressurgimento, atreladas a circunstâncias históricas, a pintura retornou ao status de médium, de meio para se chegar a algo. Partindo desse princípio, decidi observar como a pintura é feita e como poderia ser feita. O objetivo desta pesquisa é compreender um pouco melhor a pintura, não como fenômeno, mas como experiência, como campo de possibilidades onde se fazem escolhas. Para isso, pretendo utilizar o meu trabalho de pintura a encáustica, analisando o seu desenvolvimento e pontuando as escolhas feitas durante o seu próprio processo prático. As observações e reflexões registradas neste texto estão, de certa forma, submetidas ao trabalho prático, que as precede. Essas observações tentam registrar o processo de criação artística como uma forma de produção do conhecimento, o qual possui um tempo próprio, uma fala própria. O trabalho resultará em uma exposição, uma ocupação física de um espaço, durante um determinado tempo. E, somando-se a isso, o texto indica alguns pontos que julgo importantes na compreensão do seu processo de criação, definindo alguns marcos no desenvolvimento do trabalho, e propõe uma reflexão sobre as escolhas feitas e os sentidos possíveis. / Abstract: What originated this research was maybe a certain disturbance, an uncomfortable situation. Situation that has no other cause but the question: is it possible to paint? If it is, how is it possible? I see painting as a necessary expressive means, and such as other means, it has its own issues and questionings. After a few death sentences and rebirths, attached to historical circumstances, painting has returned to the medium status, a means to get to something. Starting from this principle, I decided to observe how the painting is made and how it can be made. The objective of this research is to comprehend painting better. To comprehend it not as a phenomenon, but as an experience, as a field of possibilities where choices are made. To show that, I intent to use my encaustic painting work, analyzing its development and pointing out the choices made during its own practical process. The observations and reflections registered in this text are in a certain way submitted to the practical work, which precedes them. These observations try to register the process of artistic creation as a way of producing knowledge, which has its own timing, its own language. The work will turn into an exhibition, a physical occupation of a space, during certain time. And adding to that, the text indicates some points that I consider important to the understanding of its creation process, defining some steps in the development of the work, and proposes a reflection on the choices made and its possible senses. / Mestrado / Mestre em Artes

Este trabalho é resultado de pesquisa de campo realizada com a artista plástica Flávia Ribeiro, abrangendo um período extenso de produção de sua obra. O objetivo é fazer uma leitura psicanalítica de sua poética, tecendo um fio condutor para a compreensão de trabalhos executados no decorrer de 10 anos, com materiais diferentes, dimensões extremamente variadas e linguagens plásticas que vão da pintura, desenho, gravura à escultura. Segue metodologia que utiliza entrevistas livres gravadas no ateliê da artista, cujo material transcrito é abordado à maneira da atenção flutuante da escuta psicanalítica; uma leitura flutuante que recorta a associação livre da artista em unidades temáticas. Assim, o trabalho de pesquisa concentra-se em duas frentes: o discurso do artista e o contato com a obra, a partir da psicanálise implicada, que trabalha as manifestações singulares da obra com seu leitor e insere o inconsciente do observador no campo observado como instrumento de pesquisa, tal como se dá no campo transferencial psicanalítico. Ora, é fato que a crítica contemporânea de arte, diferentemente da moderna, que supõe o crítico como legitimador da obra e mediador desta com o público, centra seu interesse na legibilidade das obras e a participação das situações propostas pelos artistas. Exige de seu crítico, portanto, o pensar sobre sua experiência. Deste modo, como não se trata da produção de conhecimento a partir de uma hipótese a priori e sim de uma reflexão efetuada a partir das questões suscitadas no decorrer do processo e em convívio com a artista, este trabalho inscreve-se na seara crítica. E, uma vez que se trata de uma leitura que organiza sua poética em recortes que a ele conferem novos sentidos, desenvolve-se como uma estratégia curatorial do universo poético de Flávia Ribeiro. / This paper is the result of field research conducted on plastic artist Flávia Ribeiro and encompasses an extensive period of her career. The aim is to apply a psychoanalytic reading to her poetic, drawing a connective thread through it and thus understanding her production spanning a period of ten years, including different subjects and a broad variety of dimensions and plastic expressions, ranging from painting, drawing and engraving to sculpture. The methodology makes use of open interviews conducted in the artists studio. This material, when transcribed, is approached with the same free floating attention as utilized in psychoanalysis an open ear that divides the artists free association into separate subjects. Concentrating on two fronts: the artists discourse and contact with her work, it is sustained within implied psychoanalysis which, as can be seen in the field of transference, processes the unique manifestations of the works with their reader and inserts the observers unconscious into the observed field as a research tool. Indeed, it is a fact that contemporary reviews of art focus their interest on the legibility of the works and participation in situations proposed by artists. Critics are therefore required to think about their experience and not focus on legitimizing the work or mediating it with the public. As this paper deals with reflections on issues arising during time spent with the artist, rather than with the production of knowledge based on an a priori hypothesis, it can be considered as a review and, as it is a reading that organizes its poetic in snippets which confer new meanings, the paper evolves as a curatorial strategy for Flávia Ribeiros poetic universe.

Neste trabalho descrevemos a personalidade de estudantes de artes, primeiro anistas da Fundação Armando Álvares Penteado, utilizando o Psicodiagnóstico de Rorschach (P.R.) nos seus aspectos quantitativos assim como faremos a análise qualitativa das respostas da amostra à prancha VII. Estaremos observando as respostas aos aspectos femininos mobilizados pela prancha. Destacaremos também a medida da elaboração estética através do fator Z estético, sugerindo ao leitor que faça uma leitura intereativa do Quadro I. Devido à perda natural de parte da amostra, apenas 50% dos sujeitos foram entrevistados sete anos após a aplicação do Rorschach, quando pudemos verificar o bom desempenho que esses alunos tiveram no decorrer do curso (a maioria das médias escolares acima de 7), assim como a realização profissional obtida por eles: todos estavam satisfatoriamente empregados na área de artes plásticas. O presente estudo nos permitiu delinear um conjunto de fatores que predispõe ao sucesso profissional: responder com adequação aos aspectos femininos, maternos e sociais; bom nível de objetividade, criatividade, responsividade afetivo-emocional, capacidade de reflexão, capacidade de elaboração e produtividade e interesses bem desenvolvidos em relação às artes e seres humanos; além de fatores externos aos sujeitos, como cursar uma faculdade de bom padrão e pertencer a um ambiente sociofamiliar que incentive o estudo. O P.R. mostrou-se sensível na investigação dos processos criativos e no estudo da personalidade das pessoas que se encaminham às artes. Da comparação desses alunos com alunos de psicologia da mesma época, selecionados mediante os mesmos critérios, sob supervisão do mesmo profissional, observamos que os de artes são mais criativos, têm mais interesse por artes, arquitetura, construções, por seres humanos; além disso, têm boa capacidade de reflexão. Os de psicologia, por sua vez, têm mais sensibilidade ao contato ) humano e maior consciência de seus próprios conflitos. Isto nos levou a formular a hipótese de que, na formação do arteterapeuta, as duas vertentes deverão ser trabalhadas: o desenvolvimento de ordem estética e a formação clínica. O estudante de artes deverá aprender a perceber e interagir melhor com o ser humano, assim como desenvolver maior sensibilidade e consciência nas relações interpessoais / The object of our study is aesthetic creation from the point of view of students aiming at arts as their Professional field of activity. Our subjects, young women of 17 to 23, in their first year at Fundação Armando Álvares Penteado, belonged to socio-economic middle classes and had undergone medical or psychotherapeutic treatment. Initially 183 were asked to answer a questionnaire. Then, through drawing of lots 21 were selected for a contact interview followed by Rorscharch Psychodiagnosis and re-interviewed 7 years after completion of tests and analysis of academic marks. By the time of the second interview, they were all placed professionally. The P.R. revealed a profile of objectivity, creativity, responsiveness, reflection, elaboration, interest in arts, construction, architecture and human science, with average and above average results.Answers to table VII (1 and 3) denote qualitatively, according to Mucchieli, R. (1968), and McCully, R. (1980), positive responsiveness to feminine, maternal and social communication roles. In comparison with psychology students of similar conditions and time period, we conclude that, whenever the art students direct their interest towards arts therapy, they must develop sensitivity to human relationships and awareness of their conflicts. In this quantitative-longitudinal and quantitative-interpretative study, P.R. proved itself to be an instrument of scientific investigation sensitive to the factors which denote propensity to artistic aptitude, since the marks, interviews, and P.R. results indicate a positive headway towards becoming professionals. From the point of view of practice, our methodology can be used not only for couseling but also for carrier orienting students aiming at arts as their professional field of activity

Proust em imagens é uma reescritura ou uma tradução intersemiótica de fragmentos da obra Em busca do tempo perdido de Marcel Proust e de sua crítica, sob a forma de uma exposição de artes plásticas. Além disso, seu texto consiste em uma busca pessoal, da minha vocação de artista espelhada na do narrador da Recherche e na do próprio autor, Marcel Proust; em um projeto de exposição e em uma reflexão sobre as duas linguagens: literatura e artes plásticas ou texto e imagem. Por fim, acrescento a análise de uma frase do caderno manuscrito 39 do mesmo autor, sob uma ótica da crítica genética e da pintura, o quadro Vista de Delft de Vermeer e seu pedacinho de muro amarelo / Proust in images is a rewrite or intersemiotic translation of fragments of the work In Search of Lost Time by Marcel Proust and his criticism in an exhibition of visual arts. Also, this text consists of a personal quest, my vocation as an artist mirrored in the narrator of the In Search of Lost Time and the authors own Marcel Proust; of a exhibition projects and of a reflection on the two languages : literature and visual arts or text and image. Finally, I add the analysis of a sentence of 39 notebook manuscript by the same author, in a perspective of genetic criticism and painting, the Vermeer painting and his little piece of yellow wall