Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-28T13:27:26Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO VERSÃO FINAL.pdf: 4279010 bytes, checksum: 9e298cb6046d5914da891aa18f5fc2ae (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-08-28T13:36:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO VERSÃO FINAL.pdf: 4279010 bytes, checksum: 9e298cb6046d5914da891aa18f5fc2ae (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-28T13:36:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO VERSÃO FINAL.pdf: 4279010 bytes, checksum: 9e298cb6046d5914da891aa18f5fc2ae (MD5) / Esta pesquisa tem como objeto a reflexão sobre a improvisação como procedimento criativo no espetáculo teatral Dias de Folia. O interesse em observar e construir reflexões sobre este espetáculo, que tem os atores como co-criadores, impulsionou a análise do percurso da criação, identificando as escolhas feitas para chegar à produção da obra artística. A escolha da Teoria da Formatividade, a partir dos estudos do filósofo italiano Luigi Pareyson (1997), como ponto de mirada, se dá pelo fato de que esta teoria analisa a obra de arte como a tentativa de dar forma a uma ideia, como uma invenção que se realiza enquanto é criada, e é no por-fazer que se dão as leis desse fazer. O olhar sobre o processo criativo permitiu refazer o percurso, identificando as leis que nortearam esta criação, algo que se pode ver com clareza depois que a obra é dada como pronta. Por tratar-se de um espetáculo teatral que tem como via criativa a improvisação, e que não parte de um texto dramático, mas do movimento dos corpos e sua relação com o espaço e com a musicalidade das cenas propostas, Dias de Folia constitui uma obra artística que tem em seu processo criativo um foco de interesse e uma amostra de algo que, contemporaneamente, é recorrente no teatro brasileiro: o atorcriador (também chamado de ator-compositor) e o seu trabalho realizado dia a dia, em sala de ensaio. Neste ambiente de discussão da arte como produção, onde o ator é agente dessa produção, e não apensas um intérprete das indicações de um texto dramático ou das idéias de um diretor, encontrei o pensamento de outros filósofos e artistas que vieram somar, trazendo suas contribuições na elaboração de um olhar sobre o processo criativo em artes, além de refletir, especificamente, sobre a improvisação neste contexto. Foram eles: Fayga Ostrower (1977), Suzanne Langer (2006), Edith Derdyk (2001), Matteo Bonfitto (2006 e 2009), Jean-Pierre Ryngaert (2009), Jacques Lecoq (2010), Yoshi Oida (2007), Keith Johnstone (1990), Sonia Machado de Azevedo (2009), Viola Spolin (2005), Renato Ferracini (2003), Dario Fo (2004), Josette Féral (1995) e Ariane Mnoukchine (2009). A Crítica Genética, a partir da obra Gesto Inacabado, Processo de Criação Artística (SALLES, Cecília Almeida, 2004), ofereceu um instrumental metodológico, no que tange a análise do processo criativo e as operações inerentes a ele. Nesta pesquisa, o espetáculo foi analisado do ponto de vista da atriz-pesquisadora, que também é atriz-criadora desta obra, na tentativa de identificar as leis (chamadas aqui de elementos fundamentais) que nortearam a criação, debruçando-se atentamente à improvisação como método de criação. / This research has as its object the creative process of theatrical spectacle Dias de Folia, held in Salvador, Bahia, in 2010. The interest in observing and reflecting on this composition, which has the actors as co-creators, boosts the analysis of the creation course, identifying the choices made to reach the final result of the work. The choice of the Theory of Formativeness, from studies of the Italian philosopher Luigi Pareyson (1997), as a point of gaze, is given by the fact that it analyzes the work of art as an attempt of shaping an idea, like an invention that is realized while being made, and is in the "being done" that you find the laws of doing. The look on the creative process allows for redoing the route identifying the laws that coordinated and underpinned this creation, something that can be seen more clearly after the work is given as done. Since it is a play which has improvisation as means of creation, and which does not start from a text but from the movements of the bodies and their relationship with the space and the musicality of the proposed scenes, Dias de Folia becomes an artistic work which has in its creative process a focus of interest and a sample of something that is recurrent in contemporary Brazilian theater: the actor-creator (also referred to as actor-composer) and their their work done day by day in the rehearsal room. In this environment of discussion of art as production, where the actor is an agent of this production, and not just an interpreter of the indications of a dramatic text or the ideas of a director, I found the thought of other philosophers and artists who were added, bringing their contributions in developing a glimpse into the creative process in art, in addition to thinking, specifically, about the improvisation in this context. They were: Fayga Ostrower (1977), Suzanne Langer (2006), Edith Derdyk (2001), Matteo Bonfitto (2006 e 2009), Jean-Pierre Ryngaert (2009), Jacques Lecoq (2010), Yoshi Oida (2007), Keith Johnstone (1990), Sonia Machado de Azevedo (2009), Viola Spolin (2005), Renato Ferracini (2003), Dario Fo (2004), Josette Féral (1995) and Ariane Mnoukchine (2009). The Genetic Criticism, from the work Gesto inacabado, processo de criação artística (SALLES, Cecília Almeida, 2004), comes to offer methodological tools when it comes to the analysis of the creative process and operations inherent to it. In this research the performance is analyzed from the perspective of the researcher, who is also an actress-creator of the work, in an attempt to identify the laws that guided the creation, and will focus more closely on the most remarkable of them: improvisation as means of creation.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-28T13:52:17Z No. of bitstreams: 1 Luciana Lucena - Palvara-Imagem.pdf: 3566404 bytes, checksum: d9409629f32b810076e5f25dc8622d11 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-03T19:19:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Luciana Lucena - Palvara-Imagem.pdf: 3566404 bytes, checksum: d9409629f32b810076e5f25dc8622d11 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-03T19:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciana Lucena - Palvara-Imagem.pdf: 3566404 bytes, checksum: d9409629f32b810076e5f25dc8622d11 (MD5) / Trata-se de pesquisa qualitativa prático-teórica, cujo objetivo central foi desenvolver estratégias com a palavra-imagem e a quebra da palavra no trabalho criativo do ator, no âmbito das sensações e da oralidade, como Princípios e fonte inesgotável de pesquisa e ação. Como autores principais se apresenta o diálogo com a “fenomenologia da imaginação” de Bachelard, sua reflexão sobre o imaginário da poesia como lugar do pensamento poético; da sociologia de Maffesoli, com suas considerações de que o imaginário é um dos eixos fundantes na interpretação dos fenômenos da sociedade atual, e para interpretar e propor as dinâmicas com os atores o corpus metodológico advindo do pensamento da Professora Sonia Rangel para os Processos Criativos com suas noções de “Princípios” e “Procedimentos”, em diálogo no trajeto com autores, tais como: Deleuze, Dufrenne, Barba, Grotowski, entre outros. Nesta confluência, foram utilizados textos selecionados de Valère Novarina, percebidos a partir dos Princípios da palavra-imagem e da quebra da palavra, ambos extraídos da leitura de textos de Antonin Artaud, norteando a escolha de imagens poéticas que, por sua vez, justificaram a proposta prática desta pesquisa junto à preparação de atores. Esta prática, cujos procedimentos metodológicos configuram-se nos laboratórios cênicos, deu-se mediante a seleção e síntese de dinâmicas e exercícios que foram realizados, ao longo dos últimos dois anos, na iniciação da pesquisadora como preparadora de atores. Assim, do objeto geral da pesquisa, que foi pensar a preparação do ator a partir da oralidade, amparada no imaginário poético dos autores-referencias, como desdobramento final, apresenta-se o projeto de oficina livre “A palavra-imagem na preparação do ator” como síntese prático-teórica deste trabalho, acompanhada de reflexões sobre o processo criativo, com uma atuação tanto na leitura dos textos poéticos como também no treinamento, levando em conta as ideias da “linguagem teatral total” de Artaud e da “quebra da palavra” de Novarina. / Il s'agit d'une recherche qualitative pratique-théorique, dont l'objectif central a été le développement de de stratégies avec des mots-images et la rupture des mots dans le travail créatif de l'acteur, dans le domaine des sensations et d'oralité comme principes et sources inépuisable de recherche et d'action. Comme auteurs principaux, on présent le dialogue avec la phénoménologie de l'imagination de Bachelard, sa réflexion sur l'imaginaire de la poésie comme lieu de la pensée poétique ; la sociologie de Maffesoli, avec ses considérations de que l'imaginaire est l'un des axes qui fusionnent dans l'interprétation des phénomènes de la société actuelle, et pour interpréter et proposer, à les dynamiques avec les acteurs, le corpus méthodologique venu de la pensée de la Professeure Sonia Rangel pour les Processus Créatifs avec ses notions de "Principes" et "Procédures", en dialogue pendant le chemin avec des auteurs comme : Deleuze, Dufrenne, Barba, Grotowski, parmi d'autres. Dans cette confluence, on a utilisé des textes sélectionnés de Valère Novarina, perçus a partir des Principes de mots-images et la rupture de mots, le deux extraits de la lecture de textes d'Antonin Artaud, en guidant la choix d'images qui, à leur tour, ont justifié la proposition pratique de cette recherche par rapport à la préparation des acteurs. Cette pratique, dont les procédures méthodologiques se sont configurés dans les laboratoires scéniques, s'est produit par la sélection et synthèse de dynamiques et exercices qui ont été réalisés, pendant les deux dernières années, dans l'initiation de la chercheuse comme préparatrice d'acteurs, donc, de l'objet général de la recherche qui a été la compréhension de la préparation d'auteurs a partir de l'oralité, basée sur l'imaginaire poétique d'auteurs-références, comme résultat final on présent le projet d'atelier libre "Le mot-images dans la préparation de l'acteur", en synthèse pratique-théorique de ce travail, suivi de réflexion sur le processus créatif comme une performance dans la lecture des textes poétiques aussi bien que dans l'entraînement, en considérant les idées du "langage théâtral total" d'Artaud et de la "rupture des mots" de Novarina.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-04T20:07:14Z No. of bitstreams: 1 Daniel Becker VERSÃO FINAL TESE.pdf: 14444779 bytes, checksum: aec57962a8e0d991d800c5f7842e8144 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-11T13:17:48Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Daniel Becker VERSÃO FINAL TESE.pdf: 14444779 bytes, checksum: aec57962a8e0d991d800c5f7842e8144 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-11T13:17:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Daniel Becker VERSÃO FINAL TESE.pdf: 14444779 bytes, checksum: aec57962a8e0d991d800c5f7842e8144 (MD5) / Esta tese visa estudar a aplicação do Método Pilates como parte da formação corporal do ator, conforme os princípios da educação somática. O objetivo é despertar a Prontidão Cênica através do trabalho somático continuado, integrando técnica e criatividade, expandindo a autonomia em relação à formação somática e, consequentemente, à criação artística. Prontidão Cênica é aqui entendida como parte da intimidade poético-somática mobilizada para a construção de cenas, de personagens, de emoções. A prontidão está ligada à percepção do ator em relação ao seu corpo, biografia, localização no espaço, noção de equilíbrio e capacidade de transpor diferentes emoções, intenções, ritmos e impulsos para o movimento. Pretende também estimular uma perspectiva de disciplina, trabalho continuado e aquecimento corporal para cena; e ampliar o repertório pessoal a fim de evitar a cristalização e automatização dos movimento. Considera que realizar um exercício não significa apenas execução mecânica, mas movimentar-se a partir da lente da criação artística. Como metodologia de suporte para se alcançar esta auto-disciplina, o repertório do Método Pilates foi aplicado de modo a despertar o desenvolvimento de imagens aliadas ao movimento para que o ator possa ampliar sua capacidade expressiva para a cena. A prática continuada pode igualmente proporcionar o desenvolvimento da coordenação motora e rítmica, através da apreensão dos princípios do Método Pilates no corpo. É proposta uma reflexão sobre este trabalho poético-somático na cena, como habilitação específica para o desenvolvimento da expressividade na diversidade exigida pela função. Ao longo da pesquisa, foram identificadas semelhanças entre os princípios fundamentais do Método Pilates para com os do Método Feldenkrais e os do Sistema Laban/Bartenieff. Isto posto, é possível argumentar que o Método Pilates pode ser aplicado segundo os princípios da educação somática, pois é perfeitamente compatível e intercambiável com estas duas outras metodologias de preparação somática. Os conceitos chaves trabalhados nesta tese foram: gesto, soma, ação física e técnica corporal. Para dar conta desta abordagem utilizei, entre outros, o seguintes autores: Ítalo Calvino, Konstantin Stanislawski, Jerzy Grotowski, Jean-Loup Rivière, Marcel Mauss, Yvan Joly, Sylvie Fortin, Christine Greiner. / This thesis aims to study the application of Pilates Method as part of the actor’s body training according to the principles of somatic education. The objective is to waken scenic promptitude through continuous somatic work, integrating technique and creativity, expanding the autonomy in relation to somatic training and consequently to artistic creation. Scenic Promptitude is here understood as part of the somatic-poetic intimacy used to build scenes, characters and emotions. Promptitude is connected to the actor’s perception in relation to his own body, biography, location in space, notion of balance and ability to transfer different emotions, intentions, rhythms and impulses to the movement. It also intends to stimulate a perspective of discipline, continuous work and body warm-up to the scene; develop personal repertoire so to avoid automatic movement and crystallization. It considers that doing an exercise does not only mean a mechanic action, but moving from an artistic creative point of view. As a support methodology to achieve this self-discipline, Pilates Method repertoire was applied to stimulate the development of images together with movement so that the actor can amplify his/her capacity of expression to the scene. Continuous practice can equally promote development of both rhythmic and motor coordination through apprehension of Pilates Method principles in the body. It is proposed a reflection on this poetic-somatic work in the scene, so that the actor can widen his/her ability to express in the diversity demanded by his/her function. During research similarities were identified among Pilates, Feldenkrais and Laban/Bartenieff Methods fundamental principles. Based on that, it is possible to say that Pilates Method can be applied according to the principles of somatic education as it is perfectly compatible and interchangeable with both somatic preparation methodologies. The key concepts worked in this thesis were: gesture, soma, physical action and body technique. In order to deal with this approach, I used, among others, the following authors: Ítalo Calvino, Konstantin Stanislawski, Jerzy Grotowski, Jean-Loup Rivière, Marcel Mauss, Yvan Joly, Sylvie Fortin, Christine Greiner.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-17T18:37:00Z No. of bitstreams: 1 Tese Meran Vargens.pdf: 4609396 bytes, checksum: 0e15ef97e9e947abb76ae195d4a14b43 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-17T20:42:31Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese Meran Vargens.pdf: 4609396 bytes, checksum: 0e15ef97e9e947abb76ae195d4a14b43 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-17T20:42:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese Meran Vargens.pdf: 4609396 bytes, checksum: 0e15ef97e9e947abb76ae195d4a14b43 (MD5) / O sujeito desta pesquisa é o ator e o objeto de estudos é a Expressão Vocal do ator associada ao treinamento técnico e artístico deste componente da linguagem cênica na sua formação profissional. Trata-se de uma pesquisa-ação simultaneamente teórica e prática, desenvolvida com um grupo de trabalho cooperativo composto de doze atores e seis artistas e técnicos. Nela estruturam-se princípios básicos que regem a construção de uma proposta metodológica cujo objetivo é abrir caminhos que conduzam, facilitem e instrumentalizem o ator no alcance da Verdade Vocal na construção da personagem diante de qualquer necessidade artística e estética da obra. A pesquisa deu origem a 3 espetáculos teatrais com construção de dramaturgia original em processo colaborativo compondo o que foi chamado de “Uma Trilogia Baiana: Cidade Real – Cidade Fantástica – Cidade Expressa”. Esta Trilogia estabelece a relação entre teoria e prática da expressão vocal para a formação do ator aplicada a um processo de criação. / The actor is the subject of this research and the object of these studies is an actor’s Vocal Expression associated with the technical and artistic training of this theatrical language component in his professional development. It relates to a research action which is simultaneously theoretical and practical, developed with a cooperative working group comprising twelve actors and six artists and technicians. The basic principles that govern the construction of a methodological proposal are structured in this, with the objective of opening up pathways that lead, facilitate and prepare an actor in reaching Vocal Truth when constructing a character and faced with any artistic and aesthetic necessities of the play. This research was the source for three plays, with construction of an original dramaturgy using a collaborative process in order to write “A Bahian Trilogy: Real City – Fantastic City – Express City”. This trilogy establishes the relationship between the theory and practice of vocal expression for an actor’s development, applied to a creation process.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-20T20:17:28Z No. of bitstreams: 1 Tese final digital.pdf: 6119749 bytes, checksum: 6adb97008ad207c5060fd15d2cc3dc55 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-25T12:47:57Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese final digital.pdf: 6119749 bytes, checksum: 6adb97008ad207c5060fd15d2cc3dc55 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-25T12:47:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese final digital.pdf: 6119749 bytes, checksum: 6adb97008ad207c5060fd15d2cc3dc55 (MD5) / Trata-se de uma pesquisa prático-teórica que aborda a encenação em espaços não convencionais para teatro, cuja pesquisa de campo incluiu a realização de um espetáculo, Orixás Center emCena, nas ruas de Salvador. Por meio deste, através da metodologia para processos criativos da cena, faz-se o diálogo com autores, tais como: Kevin Lynch, Javier Maderuelo e Néstor García Canclini para tratar de questões relativas às cidades na atualidade; Patrice Pavis, Eugenio Barba, André Carreira e Amilcar Borges, entre outros, são referências para o campo da encenação contemporânea e ainda Luigi Pareyson, Michel Maffesoli, Cecila Salles e Sonia Rangel para os processos de criação. O percurso deste projeto poético apresentado como tese foi dividido em três grandes partes: Instauração Estética Orixás Center, Espaço Público e Encenação, e Orixás Center emCena; cada uma destas abrange uma reflexão diferente a respeito deste fazer cênico, oferecendo um olhar mais amplo a respeito da proposta desempenhada pela autora desta tese também como encenadora. / This thesis is a teorical-practical research about the staging in non-conventional spaces for theater, which field research included the performing of Orixás Center emCena, a spectacle on the streets of Salvador, Bahia. Through this thesis, using the methodology for scene creative processes, we dialog with autors, such as: Kevin Lynch, Javier Maderuelo and Néstor García Canclini talking about the actual urban issues; Patrice Pavis, Eugenio Barba, André Carreira and Amilcar Borges are references in the field of contemporany staging, also Luigi Pareyson, Michel Maffesoli, Cecila Salles and Sonia Rangel talking about the creative processes. The path of this poetical project presented as a thesis was divided in three majors parts: Establishment Aesthetics Orixás Center, Public Space and Stating, and Orixás Center emCena; which one of these parts embraces a different reflection about making the scene, offering a wider view about performances in Non-Conventional Places for Theater.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-09-19Bitstream added on 2014-06-13T19:48:46Z : No. of bitstreams: 1 macari_mc_me_ia.pdf: 499714 bytes, checksum: c82e094059ab1877163b6c0fb3d79de4 (MD5) / Esta pesquisa teve como principal objetivo estudar procedimentos pedagógicos de treinamento corporal de atores. Para isso, o processo artístico e pedagógico da diretora, atriz e professora da Escola de Arte Dramática EAD-USP, Cristiane Paoli Quito, serviu de guia e condutor desta pesquisa. Os sujeitos observados foram os alunos do terceiro ano da Escola de Arte Dramática, Turma 59/EAD-USP. O período estudado foi de agosto a dezembro de 2009. Foram observados e analisados os procedimentos pedagógicos de construção da dramaturgia corporal, utilizadas por essa diretora na montagem da peça teatral O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, adaptada ao teatro pelo dramaturgo e professor da Escola de Arte Dramática (USP), Rogério Toscano, com a colaboração de todo o elenco de atores/estudantes da turma 59/EAD-USP. A montagem da peça, O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, fez parte da aula de Estudos e Práticas de Montagem e foi dirigida por Cristiane Paoli Quito. Mesmo tendo observado e analisado a montagem teatral como um todo, concentrei-me em um foco principal: descrever e analisar o processo pedagógico de construção da dramaturgia corporal na montagem da peça O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá de modo a compreender como Cristiane Paoli Quito trabalha, pedagogicamente, a construção da dramaturgia corporal com alunos/atores na criação de um espetáculo. Sendo assim, o trabalho pedagógico de construção das ações físicas com os atores da turma 59 EAD/USP teve maior importância nesta pesquisa, se comparada a outros elementos que envolvem uma montagem teatral (texto, direção, luz, cenário, música, figurino etc.). O trabalho da coreógrafa e bailarina Tarina Quelho também foi analisado, uma vez em que essa fez a parte da preparação corporal dos alunos/atores, através da técnica do BMC... / The main aim of this study is to understand pedagogical procedures of the bodily training of actors. For this, the artistic and pedagogical process of Cristiane Paoli Quito director, actress and teacher at the School of Dramatic Art EAD-USP served as a guide. The third year students of the School of Dramatic Art, Group 59 EAD-USP were the subjects observed. The study took place between August and December 2009. The procedures utilised by this director while putting together the play The Swallow and the Tom Cat : A Love Story were observed and analysed. This literary work by Jorge Amado was adapted to the stage by Rogerio Toscano, teacher and dramatist at the School of Dramatic Art EAD-USP, with the collaboration of the whole cast of actors / students of Group 59. The putting together of the play The Swallow and the Tom Cat: A Love Story was part of a class called Estudos e Praticas de Montagem (Studies and Practices of plays) and was directed by Cristiane Paoli Quito. Even having observed the putting together of the whole play, the study main focus is: describe and analyse the pedagogic construction of the physical dramatisation of the play. This study can be summed up with one main question: how is it that Cristiane Paoli Quito work, pedagogically with the construction of the physical drama with students/actors in the creation of the play? In this way the pedagogical work of the construction of the physical actions of the actors of Group 59 EAD/USP was the most important thing in the study, if compared to the other elements which are involved in putting together a play (text, lights, scenery, music and costumes). The work of the choreographer and ballerina Tarina Quelho was also analysed, as she prepared the students/actors using a technique called BMC (mind body centring). Rogerio Toscano took part as a dramatist, helping Group 59 in reinterpretation of Jorge Amado's original text. He is also extensively quoted in this dissertation

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-08-11Bitstream added on 2014-06-13T20:49:01Z : No. of bitstreams: 1 carvalho_mb_me_ia.pdf: 3042861 bytes, checksum: 672f91b0f04453a3d15bca43d3826f67 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / A matéria de que trata essa dissertação é a pedagogia teatral desenvolvida por Myrian Muniz, que consiste em uma prática que lança um olhar muito particular sobre o trabalho do ator e é resultado de um amálgama composto por experiências de formação, vivências importantes e influências decisivas. Tendo formado várias gerações de artistas, ela ocupa, sem dúvida alguma, posição de destaque no cenário de ensino do teatro no Brasil. Myrian acreditava que a atividade teatral possibilitava um intercâmbio de conhecimentos, criando assim um espaço para olhar e ser olhado, tocar e ser tocado, influenciar e ser influenciado: base fundamental sobre a qual desenvolveu sua atuação como pedagoga do teatro. Este trabalho resgata os processos pedagógicos utilizados por Myrian Muniz e identifica uma linha de trabalho dentro do ensino do teatro que está apoiada no autoconhecimento, na reflexão crítica do trabalho do ator e no estabelecimento de uma relação harmoniosa entre indivíduos interessados em desenvolver uma prática teatral / The subject of this thesis is the theatrical pedagogy developed by Myrian Muniz based on a practice that sets a very unique look over the acting work, resulting in an amalgam made of important lifelong and upbringing experiences and decisive influences. Being responsible for the formation of many generations of artists, she has, without questioning, a distinctive place in the Brazilian theatrical education. Myrian believed that theatrical work allowed an exchange of knowledge, opening a space to see and be seen, to touch and be touched, to inspire and be inspired: the stone bedding over which she evolved her work as a theatrical educationalist. This work proposes a recovery of the educational procedures applied by Myrian and identifies a work method for the theatrical teaching, based on self knowledge, critical thought of acting and in establishing a suitable relation between people that search developing theatrical experiences

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-08-14Bitstream added on 2014-06-13T19:07:55Z : No. of bitstreams: 1 trevisan_mca_me_ia.pdf: 885979 bytes, checksum: 66089eeec0f88c3c04ec404289460eb7 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / Esta pesquisa apresenta um caminho de encenar um texto teatral a partir da ação dramática de cada cena, utilizando a análise de texto e a movimentação corporal do ator como estímulos de criação, articulando, ao longo do percurso, esses dois elementos. Desenvolvemos esse trabalho fundamentados pelos estudos de Constantin Stanislávski e Rudolf Laban. Em um primeiro momento, aprofundamos nosso conhecimento sobre os dois autores e recortamos dos seus sistemas o que era pertinente a nossa proposta, isto é, os elementos que poderiam influenciar no tratamento da ação dramática. Em um segundo momento, aplicamos esses conteúdos na encenação do texto teatral O Provedor, de Marcos Benedito de Oliveira. No caminho que percorremos do texto a sua representação, confirmamos a hipótese formulada: a análise de texto segundo Stanislávski pode identificar e resumir as ações dramáticas de cada cena; por sua vez, o movimento corporal do ator preparado por meio do Sistema Laban pode executar essas ações expressivamente, estabelecendo-se, a partir do momento em que começamos a levantar o espetáculo, um diálogo dinâmico e constante entre esses dois elementos. Os resumos das ações dramáticas constituíram-se nas nossas células matrizes de criação, e a encenação foi construída e elaborada a partir deles... / This research presents a way of acting a theatrical text starting from the dramatic action in each scene, using the text analysis and the actor’s body movement as creation incentive, joining, along the movement, these two elements together. We developed this job based on Constantin Stanislávski and Rudolf Laban’s studies. In the first moment, we went deeper into our knowledge about these two authors and we took from their systems what was pertinent to our proposal, that is to say, the elements that could have influence in the treatment of the dramatic action. In the second moment, we applied these contents in the staging of the theatrical text O Provedor, of Marcos Benedito de Oliveira. From the text to the performance, we confirmed the formulated hypothesis: the text analysis according to Stanislávski can identify and summarize the dramatic actions of each scene; on the other hand, the actor’s body movement prepared by the Laban’s System can accomplish these actions meaningfully, establishing, since we started to build the show, a constant and dynamic dialog between these two elements. The summaries of the dramatic actions were formed in our creation mother cells, and the staging was built and elaborated from them. In this way, we highligt the relation between the stage score generated by the study of the text and the body movement, one supplementing and transforming the other... (Complete abstract click electronic access below)

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 andreia.pdf: 4803513 bytes, checksum: e3cd2d73e343eac9ccc7834033bf97d7 (MD5) Previous issue date: 2010-09-16 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This work is a theoretical and practical reflection of pedagogic actions for an actors to notice, understand and to compose rhythms in scenic work. Firstly, to understand the rhythm s structure, it analyses the concept of rhythm s concept in theater and in music, starting from researchers like Mário de Andrade, Bruno Kiefer, Sérgio Magnani, Murray Schafer, Stanislavski and Meyerhold. After that, it discusses the concept of listening presented and discussed by western musicians like John Cage, Pierre Schaeffer, Dalcroze and by the American director Anne Bogart. The concept of listening is used to think and to practice na extensive corporal listening, or listening of whisper", as a way of enlarging the actor's abilities to compose the rhythm. Finally, it presents the practical exercises created for this research, as possibilities of pedagogic actions for the actors to compose rhythms in scene / O presente trabalho é uma reflexão teórica-prática na busca de ações pedagógicas para o ator perceber, entender e compor ritmos em seu trabalho de atuação. Para compreender o conceito de ritmo foram consultados estudiosos da área da música como Mário de Andrade, Bruno Kiefer, Sérgio Magnani e Murray Schafer - a fim de apreender a sua estrutura e do universo teatral, os encenadores Stanislavski e Meyerhold que tratam o ritmo como um elemento fundamental do trabalho do ator. Como uma possibilidade de ação pedagógica para o ator apreender o ritmo, conjetura-se sobre a escuta corporal dilatada ou escuta do sussurro , idealizada como meio de ampliar as habilidades do ator de percepção e composição do ritmo. Para pensar esta escuta dilatada , os autores pesquisados foram os músicos ocidentais John Cage, Pierre Schaeffer, Dalcroze e, a diretora norte americana, Anne Bogart. Além disso, relata-se a reflexão prática e os exercícios praticados na experimentação criada para esta pesquisa, como possibilidades de ações pedagógicas para o ator compor ritmos para a cena

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Heloisa.pdf: 2170174 bytes, checksum: 2bfc288b3275ca9c47744c29021e21c2 (MD5) Previous issue date: 2012-03-16 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research seeks to reflect on the exploitation of personal narratives in the contemporary theatre scene as a possibility to generate confrontation between reality and fiction in the context of staging. The paper has been divided into two parts. The first part was structured from theoretical formulations which ponder on the concept of reality in the context of postmodern society and aims to reflect about the strategies and motivations that gave birth to different forms of exploitation of the real in the contemporary theatre scene and how personal narratives interact in this process. It ponder also on the possible developments that the use of autobiographies on the stage generate in order to cause tension between reality and fiction at the time of the performance event. The second part will present the work of the Argentinian puppeteer Sergio Mercurio, the Colombian group Mapa Teatro and a spectacle born of a partnership between the actress Janaina Leite, the musician Fepa, and the theatre director Luiz Fernando Marques, all Brazilians. The aim of the second part is to the works of these artistes taking into account the assumptions indicated in the first part. I am seeking to understand how these works, which explore the use of autobiographies, generate tension between reality and fiction and what performing strategies they use in their attempts to portray the private field of the personal narratives of the artistes, with questions that also concern the social field / A presente pesquisa busca refletir sobre a exploração de narrativas pessoais na cena teatral contemporânea como possibilidade de gerar confronto entre realidade e ficção no âmbito na encenação. O trabalho está organizado em duas partes: a primeira parte foi estruturada a partir de formulações teóricas que ponderam acerca da concepção do real no contexto da sociedade pós-moderna e visa refletir sobre as estratégias e motivações que fizeram com que despontassem diferentes formas de exploração do real na cena teatral contemporânea e como as narrativas pessoais interagem nesse processo. Pondera, ainda, acerca dos possíveis desdobramentos que o uso de autobiografias em cena geram no intuito de provocar tensão entre realidade e ficção no instante do acontecimento cênico. Na segunda parte serão apresentadas análises de trabalhos do bonequeiro argentino Sergio Mercurio; do grupo colombiano Mapa Teatro e de um espetáculo nascido da parceria entre a atriz Janaina Leite, o músico Fepa e o diretor teatral Luiz Fernando Marques, três brasileiros. O foco da segunda parte é realizar uma análise que leva em consideração os pressupostos assinalados na primeira parte. Busco compreender em que medida estes trabalhos, que exploram o uso de autobiografias, geram tensão entre realidade e ficção e quais estratégias cênicas utilizam no intento de articular o campo privado, pessoal dos artistas, com indagações que concernem ao campo social