Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-22T16:22:45Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_IdentidadesSubmersasAnalise.pdf: 3931566 bytes, checksum: ea88b28050b75aaa50462671e1e32cb7 (MD5) / Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-22T16:35:59Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_IdentidadesSubmersasAnalise.pdf: 3931566 bytes, checksum: ea88b28050b75aaa50462671e1e32cb7 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-22T16:35:59Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_IdentidadesSubmersasAnalise.pdf: 3931566 bytes, checksum: ea88b28050b75aaa50462671e1e32cb7 (MD5) Previous issue date: 2013-06-17 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este trabalho aborda a condição do feminino no cotidiano prisional, por meio do confronto entre retrato fotográfico e relato oral, produzidos com as mulheres internas do Centro de Reeducação Feminino – CRF, único presidio feminino do Estado do Pará, localizado em Ananindeua, região Metropolitana de Belém. Provocando a percepção da autoimagem fotográfica - que é negada pela ausência de espelhos no cárcere – e utilizando o relato oral e memórias das internas como fonte para análise semiótica dos retratos fotográficos, procura reconhecer as implicações e reflexões identitárias e de gênero que surgem no processo. / This work research about the women’s condition in their prisoner quotidian, using photographic portraits and oral relate made with the interne women of Centro de Reeducação Feminino – CRF, the only female prison of Pará state, placed on Ananindeua, metropolitan area of Belém city. Inciting the perception of self-image on the interns – that is denied by the absence of mirrors – and using their oral relates and memories as a source for semiotics analyses of photographic portraits, recognizing the identity and gender reflections and its inferences that appears in the process.

This research aims to inquire of the study of genre of portraiture and the possibilities that has in order to explain general features of the History of Art. In that sense we have analyzed a group of portraits that belong to the official collection of Art of Region of Murcia, most of the works are shown for the first time in a scientific study while others were hidden for years as they are used as decoration for offices and public buildings. Our study has divided the portraits into different typologies, which we think is the most useful way to make an approach to portraiture, as the typology is the basic element that defines the features of compositions in the portraits. The eleven typologies that have arisen after our research are: state portraiture, bourgeois portraiture, civic portraiture, feminine portraiture, children portraiture, self-portrait, group portraiture, funerary portraiture, photographic portraiture and the iconotheques. The typology could be considered as a opened concept, as we can observe different typologies depending on the author, so it’s important to say that this eleven typologies are the reflection of the artistic, social and cultural context during the last centuries in the Region of Murcia. We’d like to note as well, that some of this categories and subcategories coincide to other national and international typologies, but some others, like civic portraiture or iconotheques, reflect an historic, social, and cultural context specific from the Region of Murcia. We have also proposed a didactic method to teach History of Art through the genre of portraiture. Our suggestion actually contains three different approaches to study History of Art using the portraits previously analyzed. The first way we suggest is the biographic approach, that tries to show general characteristics of History of Art from the study of a single author, being the portraiture the basis of the explanation. The second itinerary is based on a formal comparison of art-works, seeing the different styles of general History of Art that we could appreciate on portraiture. The third, and last, approach through portraiture consist of a historic tour using works of art to compare different social contexts, as art is always a reflection of the society in which is created.

This research proposes a reflection and analysis on issues related to the hybridization procedures of contemporary art, with the thread, my artistic process. Develop a visual output based on digital photography on hybrid identities in self-portraits and portraits. This study involves the examination of the artistic device of procedures resulting from crosses of photography and painting in the use of digital technologies, through processes of Photomontage. The procedures cover the treatment of remains of digital photographs 3x4cm coupled with other appropriate images and copyright. The thrust of the analysis are impregnation and displacement of original images, with other senses. It s about a Poiétic study involving the analysis of the personal work based on the operations of fragmentation and (un)mounting digital and conceptual research and that seeks a theoretical context in relation to production in contemporary art. The text provides a built in search parameters and academics whose artistic proposition follows the path of other studies that also dealt with the artists to investigate or address the issue of identity in art and in real life. / Esta pesquisa propõe uma reflexão e análise sobre questões relativas à hibridação nos procedimentos da arte contemporânea, tendo como fio condutor, o meu processo artístico. Desenvolvo uma produção visual, com base na fotografia digital, sobre identidades híbridas em retratos e autoretratos. O presente estudo envolve a análise do dispositivo artístico decorrentes de cruzamentos de procedimentos da fotografia e da pintura no uso de tecnologias digitais, através de processos de Fotomontagem. Os procedimentos abarcam o tratamento digital de restos de fotografias 3x4cm acopladas com outras imagens apropriadas e autorais. O fio condutor das análises são as impregnações e deslocamentos das imagens iniciais, com outros sentidos. Trata-se de um estudo Poiético que envolve a análise do processo de trabalho pessoal com base nas operações de fragmentação e (des)montagem digitais e pela investigação conceitual e teórica que busca uma contextualização em relação à produções na arte contemporânea. O texto apresenta uma pesquisa construida dentro de parâmetros artísticos e acadêmicos cuja proposição segue o caminho de outras pesquisas de artistas que também trataram ou tratam de investigar a questão da identidade na arte e na vida real.

Made available in DSpace on 2016-06-02T20:28:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DissESP.pdf: 548814 bytes, checksum: 8cbb8820d445001b090bfd696177d474 (MD5) Previous issue date: 2005-08-31 / Universidade Federal de Sao Carlos / The purpose of this work is to present a generalized version of the classic Ljusternik-Schnirelmann theorem given by H. Steinlein [16] by using the con- cept of genus (c.f. [20]) of a Hausdor® space M with a mapping f : M ¡! M which generates a free Zp-action over M and to estimate the value of the genus of Lk;p, a special space used to construct an upper bound for the genus of (M; f). / O objetivo desse trabalho é apresentar uma versão generalizada do teorema clássico de Ljusternik-Schnirelmann devida a H. Steinlein [16], usando o con-ceito de genus (c.f. [20]) de um espaço de Hausdor® M com uma função f : M ¡! M que gera uma Zp-espaço livre em M, bem como estimar o valor do genus de Lk;p, um espaço especial usado para majorar o genus de (M; f).

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:02:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000396049-Texto+Completo-0.pdf: 1507615 bytes, checksum: 90538d9e53448a131809dc5bfe521ac6 (MD5) Previous issue date: 2006 / In this thesis, Erico Verissimo’s procedures adopted in fiction and History interlacement in the second part of O tempo e o vento (The time and the wind) are studied. The repreentation of the man and also the context of Rio Grande do Sul – and by extension of Brazil – in the initial decades of the twentieth century are evidenced. In this context interests us the intersection of voices, the one of the narrator and the one of the characters. Besides intertwining personal conflicts of several origins, narrative perspectives are revealed which possibilitate to identify political and ideological values of the society in which the characters act. From a survey about the critical fortune of O retrato (The picture) by one hand the constituent elements of enunciation (fr. énonciation) and utterance (fr. enoncé) of a narrative are analized. On the other hand, one tries to identify how the fictional aspects reflect on the historical events. Erico Verissimo’s narrative procedures in O retrato, besides revealing the author’s novel mastery, show also his critical vision as a citizen on his time. / Estudam–se, nesta tese, os procedimentos adotados por Erico Verissimo no entrelaçamento da ficção com a História, na segunda parte de O tempo e o vento. Focaliza-se não só a representação do homem, como também a do contexto do Rio Grande do Sul — e por extensão do Brasil — nas décadas iniciais do século XX. Nesse conjunto, interessa o entrecruzamento de vozes, a do narrador e a das personagens. Além de interligar conflitos pessoais de origem diversa, abrem-se, por seu intermédio, perspectivas narrativas que possibilitam identificar valores político-ideológicos norteadores da sociedade em que se inserem as personagens. A partir de um levantamento realizado da fortuna crítica de O Retrato, analisam-se, por um lado, os elementos constitutivos do enunciado e da enunciação do romance. Por outro, demonstra-se como os aspectos ficcionais absorvem os eventos históricos. Os procedimentos narrativos de Erico Verissimo em O Retrato, além de revelarem o domínio que o Autor possui sobre a técnica do romance, evidenciam também sua visão crítica como cidadão de seu tempo.

Made available in DSpace on 2014-08-20T13:20:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Annelise_Costa_Montone_Dissertacao.pdf: 5788031 bytes, checksum: 66b72c43d6836c66099879430863bf90 (MD5) Previous issue date: 2011-08-19 / This research aims to analyze a set of electrostatic copies of photographs stored in the Museu Municipal Parque da Baronesa, in Pelotas city, RS. We pay special attention to female portraits, insofar as they dialogue with the narratives of this museal space designed to the period between 1880 and 1950. In the nineties these images were part of two short duration exhibits dealing with fashion and childhood. This municipal museum maintains the type of a historic house museum from the times it belonged to Antunes Maciel family. It holds therefore a strong link with female figures for the sake of three female generations that inhabited the house. The collections are formed by the building itself, personal and decorative objects, furniture, textile, private documents, books and original photographs, which bring representations of private space and uses of local society. We interpreted the material in the scope of cultural history of women, collections, representations, memory and photographs, as well as private documents and academic monographs concerning Antunes Maciel family / Esta pesquisa tem como objetivo analisar um conjunto de reproduções eletrostáticas de fotografias armazenadas no Museu Municipal Parque da Baronesa, em Pelotas, RS. Em especial os retratos femininos, na medida em que dialogam com a narrativa deste espaço museal, concernente ao período de 1880 a 1950. As imagens foram expostas, na década de 1990, em duas exposições de curta duração, que versaram sobre moda e infância. O museu, pertencente ao município de Pelotas, manteve a tipologia de residência, da época em que pertencia à família Antunes Maciel, existindo um forte vínculo à figura feminina, criado pela presença de três gerações de mulheres que habitaram a casa. Seu acervo é formado pelo prédio, por objetos pessoais e decorativos, mobiliário, têxteis, documentação privada, livros e fotografias, que trazem representações do espaço privado e dos costumes da sociedade pelotense, entre o final do século XIX e meados da década de 30 do século XX. A interpretação se deu no âmbito do estudo da história cultural das mulheres, de acervos, representações, memória e fotografias, bem como de documentação privada da família Antunes Maciel, dialogando com outras pesquisas sobre o museu, já desenvolvidas em âmbito de Pós-Graduação

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2018-03-09T12:24:38Z No. of bitstreams: 1 clebersoaresdasilva.pdf: 15153652 bytes, checksum: 8b296d966d1dcf8469b4d847d99ab3a6 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2018-04-09T19:14:20Z (GMT) No. of bitstreams: 1 clebersoaresdasilva.pdf: 15153652 bytes, checksum: 8b296d966d1dcf8469b4d847d99ab3a6 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-09T19:14:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 clebersoaresdasilva.pdf: 15153652 bytes, checksum: 8b296d966d1dcf8469b4d847d99ab3a6 (MD5) Previous issue date: 2017-08-21 / O mineiro Assis Horta foi um dos mais importantes fotógrafos a prestar serviços ao SPHAN, atual IPHAN, na chamada fase heroica da instituição, quando esta foi dirigida por Rodrigo Melo Franco de Andrade e contava em seu quadro de funcionários com grandes intelectuais ligados ao movimento modernista brasileiro. Os registros fotográficos feitos por Horta contribuíram para o tombamento de Diamantina em 1938 e, mais tarde, em 1999, para o reconhecimento da cidade como Patrimônio da Humanidade, pela Unesco. Em paralelo ao trabalho documental, Horta desenvolveu sua carreira bem-sucedida de retratista com grande produção, como comprovam os mais de cinco mil negativos em vidro que compõem seu acervo. Por seu estúdio fotográfico e sob seu olhar, passou toda a sociedade diamantinense entre as décadas de 1930 a 1980, mas foram os retratos de operários, feitos entre os anos 1930 e 1940, que lhe deram maior projeção a partir de 2008. Foi graças à Consolidação das Leis Trabalhistas (CLT), decretada pelo governo de Getúlio Vargas, em 1943, e à obrigação das fotos 3x4 em carteiras de trabalho que muitos operários tiveram contato com a fotografia pela primeira vez. Os retratos de afro-brasileiros e mestiços pobres, seus familiares e amigos feitos no Photo Assis são herdeiros das tradições da fotografia oitocentista e dos carte de visite. Os cerca de 200 registros visuais divulgados em exposições e mostras até o momento só encontram analogia nos retratos de Militão Augusto de Azevedo, produzidos em fins do século XIX na cidade de São Paulo e na obra do também diamantinense Chichico Alkmim, realizada no começo do século XX. Os retratos aqui destacados são a comprovação da empatia entre o talentoso fotógrafo e sua nova clientela, parcela da população brasileira que, segundo a historiografia, foi tradicionalmente explorada comercialmente em fotografias de cunho pitoresco ou exótico e depois relegada ao esquecimento. Nas belas imagens feitas por Assis Horta analisadas nessa pesquisa, percebe-se que o jogo fotográfico se completa de maneira eficaz e o fotografado, não mais um objeto de cena, se mostra dignamente sujeito do próprio retrato... enfim um cidadão. / Assis Horta, one of the most important photographers of Minas Gerais worked for SPHAN, current IPHAN, in the so-called heroic phase of the institution, when it was directed by Rodrigo Melo Franco de Andrade and had as part of its staff great intellectuals linked to the Brazilian modernist movement. Horta‘s photographic records contributed for the listing of Diamantina in 1938 and later, in 1999, for the recognition of the city as Unesco World Cultural Heritage Site. Together with the documentary work, Horta developed his successful career as a portraitist with great production as evidenced by more than five thousand negative glass plates that are part of his collection. In his photographic studio and under his attentive observation, the whole society of Diamantina passed between the 1930s and the 1980s, but it was the portraits of workers, made between the 1930s and the 1940s, that gave him greater projection since 2008. It was thanks to the Consolidation Of Labor Laws (CLT), decreed by Getulio Vargas' government in 1943, and the obligation of 3x4 photos in work documents that many workers had contact with photographs for the first time ever. The portraits of poor Afro-Brazilians, their relatives and friends made at Photo Assis are heirs to the traditions of the nineteenth-century photography and of the carte de visite. The approximately 200 visual records published in exhibitions and cultural fairs so far are only analogous to the portraits of Militão Augusto de Azevedo, produced at the end of the 19th century in the city of São Paulo and in the work of Chichico Alkmim, also from the city of Diamantina, held at the beginning of the XX century. The photographs highlighted here are a proof of the empathy between the talented photographer and his new clients, a part of the Brazilian population that, according to historiography, was traditionally commercially exploited in picturesque or exotic photographs and then forgotten. In the beautiful images made by Assis Horta that are analyzed in this research we can notice that the photographic game is completed in an effective way and the ones photographed, are no longer an object of scene. They are worthily subjects of their own portrait ... ultimately, citizens.

Fundação de Amparo a Pesquisa no Estado do Rio Grande do Sul / The presented dissertation reflects upon artistc proposals wich confronted the artist with his practice, making him think about it over two different perspectives: the practice of the "street artist" and the "artist IN the street". It's about thinking the artistic practice related to the work "Portraits $1" (Retratos $1), made in the public context of the city streets, making portrait-drawings with a sfereographic pen on paper and duplicated-portrait with carbon paper on paper.The street is where the portrait-drawing takes place and is exchanged for R$1,00 (UM Real) while the duplicated-portrait created with the carbon paper is archived by the artist. This artistic project brings up "Key" questions to think about art today: where is the artists place, the production of art and the public? The research focuses on the artistic production wich takes place with the contact of the public, when acting like a street artist, the work blurs the value codes and legitimation towards what is produced, to both art context and street context. / A presente dissertação reflete sobre as propostas artísticas que confrontaram o artista com a sua prática, fazendo-o pensar como essa se dá sob os diferentes enfoques: a prática do artista DE rua e a prática do artista NA rua. Trata-se de pensar a prática artística a partir do trabalho Retratos $1 , realizada no contexto público das ruas da cidade, produzindo retratos desenhos com caneta esferográfica sobre papel e retratos-duplicata de papel carbono sobre papel. A rua é o lugar onde o retrato-desenho é trocado com o transeunte retratado por R$ 1,00 (Um Real) enquanto o retrato-duplicata gerado com o papel carbono é arquivado pelo artista. Este projeto de artista ressalta questões chaves para se pensar a arte hoje: qual o lugar do artista, da produção da arte e do público? A pesquisa foca na produção artística que se dá no contato direto com o público, quando atuando como um artista de rua, o trabalho borra os códigos de valor e legitimação para o que é produzido, tanto no contexto da arte, quanto no contexto das ruas.

O fotógrafo alemão August Sander (1876-1964) foi autor de uma das mais apreciadas obras fotográficas do século passado, Homens do século XX (HHSX), um projeto de fotografia documental de grande envergadura, iniciado na década de 1920, composto basicamente por retratos, por sua vez organizados segundo o critério de classificação de tipos da sociedade elaborado pelo próprio fotógrafo. Alguns dos retratos são descritos neste trabalho pormenorizadamente a fim de encontrar nas suas propriedades visíveis indicações referentes aos esquemas de percepção que Sander empregava em sua visão de mundo. As análises dessas imagens são confrontadas com os critérios de classificação por ele adotados e articuladas a um manancial de informações relacionado ao ambiente fotográfico da época, ao contexto sócio-político da Alemanha e à biografia do fotógrafo. Este procedimento levou à hipótese central da pesquisa: mais do que representações de tipos sociais, como de fato acreditava Sander, HSXX é antes um conjunto de estereótipos no sentido de seus retratos serem realidades construídas que correspondem a um modo de percepção social. Enquanto à percepção do real, a maioria dos retratos corresponde a estereótipos pré-concebidos socialmente. O presente estudo parte do princípio de que Homens do século XX é a narração da interpretação de Sander sobre aquele período histórico da Alemanha. Deste ponto de vista, a análise empreendida não interpreta somente a obra, mas também interpreta a interpretação circunstanciada daquele que a concebeu. Não se trata, portanto, de um estudo sobre os fatos narrados, mas sim sobre a forma como Sander os narrou, sua percepção do mundo inscrita na interpretação que ele faz do real circunstanciada por diversos fatos sociais. / The German photographer August Sander (1876-1964) was the author of one of the most appreciated photographic work from last century, Man in the Twentieth Century, a vast documental photography project, started in the 1920s, basically composed by portraits, organized by the author according to societys kinds of occupations. Some of the portraits are described here in detail in order to find in its visible proprieties, indications related to the aspects of perception which Sander used in his view of the world. The analysis of those images are confronted with the classification criteria adopted by him and articulated with several pieces of information related to the photographic environment from that time, to the German social political context and to the photographers biography. This procedure took us to the researchs central hypothesis: more than representations of social types, as Sander believed, Man in the Twentieth Century is a whole of stereotypes in the sense that his portraits are constructed realities that correspond to a kind of social perception. As for the perception of the real, most of the portraits correspond to the stereotypes that are socially understood. The current study essentially states that Man in the Twentieth Century is the narration of Sanders interpretation about that German historic period. From this point of view, the analysis done not only interprets the art work, but also interprets the circumstanced interpretation from the one who idealized it. Therefore, it is not a study about the narrated facts, but about the way Sander narrated them, his perception of the world enrolled in the interpretation that he does about the real, circumstanced by several social facts.

Uma parada - Antonio Manuel - Entre os artistas contemporâneos no Brasil nos anos 60 e 70, acreditamos que Antonio Manuel foi o que guardou um profundo mistério na sua produção. Mesmo ao ser censurado, trilhou sua trajetória e, aos poucos, ocupou um espaço suficiente para causar uma inversão da representação e encontrar um caminho errático que o fizesse, dinamicamente, atuar. Pela tomada do corpo, como gesto de liberdade, expandiu sua arte. Sua atitude de pensamento se transformou em fotografia. Quando falamos em \"uma parada\", queremos enfatizar a importância da pose pausada no auto-retrato do artista, para justificar a tese de que Antonio Manuel também expandiu a arte contemporânea pela fotografia. Essa ampliação doa to criativo se deu graças à presença constante das imagens fotográficas do corpo nos seus trabalhos, que, inquietos, iniciaram esse percurso, de modo a podermos afirmar que, hoje, a fotografia tem importante significado no conjunto de suas séries. Para corrigir a realidade imposta tão violentamente pela ditadura militar, timidamente, Antonio Manuel abandonou o desenho sobre jornais para se apropriar das fotografias da imprensa, como também transgredir, corajosamente, a gramática dos veículos de comunicação de massa. Interessa-nos apontar para a importância dessa atitude e, para isso, desenvolvemos algumas possibilidades de compreensão. Consideramos as estratégias propostas pelos críticos Mário Pedrosa e Frederico de Morais e, ainda, os diversos teóricos que estudamos para tornar o debate da época, sobre as estratégias da arte contemporânea no Brasil dos anos 60 e 70, plausível. A arte fotográfica de Antonio Manuel, particularmente as imagens fotográficas do corpo, tiveram uma incrível ressonância na crítica de arte nacional e internacional. Porém, não vem sendo exibida como uma das poucas manifestações visuais que soube estar em sintonia com as diferentes tendências da arte fotográfica das últimas duas décadas. Para confirmar sua importância conceitual, delimitamos sua produção entre os anos de 1967 e 1977. A estrutura dos capítulos não segue à risca uma ordem cronológica, mas principalmente, a relação do ato criativo com o conjunto das séries. Destacamos as análises dos auto-retratos e dos retratos, bem como dos filmes do artista, em que a arte da desaparição de Jean Baudrillard sustenta a noção de \"parada\" fotográfica. Uma Parada tem ênfase no retrato, nos objetos inquietantes e nas imagens perturbadoras, que gestaram a relação do artista com o mundo durante um período de crise da arte. Porém, a crise do sujeito em Antonio Manuel é desafiadora, porque subverteu os modelos e desarticulou as referências, por enfrentar o processo de trabalho com luta e criatividade. Da sua liberdade, o espectador-participador se torna cúmplice. / A paused pose - Antonio Manuel - Among the Brazilian contemporary artists of the 60s and 70s we believe that Antonio Manuel has been the one who has kept a profound mystery in his production. Even when he was banned, he managed to make his way and, little by little, take enough place to cause an inversion of representation, finding an erratic path that made him act dynamically. By taking the body as a gesture of freedom, he has expanded art. His way of thinking has turned into photography. When we say a pause, we want to emphasize the importance of the paused pose in the artists self portrait so as to justify the thesis that Antonio Manuel has also expanded contemporary art through photography. This enlargement of the creative act was due to the constant presence of photographic body images in his works, which, in a restless way, started this journey, enabling our statement that, today, photography has a meaning in the complex oh his series. In order to correct the reality so violently imposed by the military dictatorship, Antonio Manuel abandoned drawing over newspapers timidly to appropriated in pointing out the importance of this attitude and, for that purpose, we have developed some possibilities of comprehension. We have considered the strategies suggested by critics Mario Pedrosa and Frederico de Morais, as well as many other theorists we have studied, so as to make plausible the debate on the strategies of Brazilian contemporary art in the 60s and 70s at that time. The photography art of Antonio Manuel, particularly his photographic body images, has had an incredible resonance among the national and international art critic. However, it has not been exhibited as one of the few visual manifestations which knew how to be tuned with the different tendencies of photographic art in the last couple of decades. In order to confirm his conceptual importance, we have delimited his production between the years of 1967 and 1977. The structure of the chapters does not necessarily follow a chronological order, but rather the relationship between the creative act and the complex of series. We have highlighted the analysis oh his self portraits and portraits, as well as the film, where the art of disappearance by Jean Baudrillard supports the concept of photographic pause. A Paused Pose emphasizes the portrait, the disturbing objects and the alarming images which conceived the relationship between the artist and the world during a period of art crisis. However, the crisis of the subject in Antonio Manuel is challenging, for it has subverted the models and disarticulated the references by facing the work process with struggle and creativity. The spectator participant becomes an accomplice of this freedom.