Esta dissertação objetiva analisar a representação do negro no Brasil no século XIX a partir de retratos produzidos pelos estúdios fotográficos de Alberto Henschel (1827-1882), entre 1866 e 1882. Alemão radicado no Brasil, em 1866, este empresário bem sucedido do campo da fotografia chegou a ser agraciado com o título de fotógrafo da Casa Imperial, tendo produzido um grande número de retratos de negros no formato carte-de-visite. A investigação parte da hipótese de que essas imagens materializam certos estereótipos, característicos da representação da alteridade, além de fazerem uso das convenções pictóricas contemporâneas e, até mesmo, anteriores à própria invenção da fotografia. Para essa análise foram utilizados os conceitos de identidade e diferença, bem como de representação e autorrepresentação. Por intermédio do cotejamento das fotos de brancos com as fotos de negros, produzidas por Henschel, foi possível comprovar que a produção das últimas visava a atender a uma demanda por imagens tipificadoras, adequadas ao colecionismo de caráter etno-antropológico. Tratava-se de uma prática de viés imperialista que teve lugar na Europa. Além da análise das fotografias, propriamente ditas, esta dissertação problematiza a natureza dos arquivos que guardam a produção fotográfica de Alberto Henschel, os critérios que nortearam sua formação e aquilo que, de fato, eles nos permitem conhecer a respeito do fotógrafo, sua obra e sua época. / This dissertation aims to analyse the representation of black people in Brazil during the XXth century based on portraits produced by Alberto Henschel (1827-1882)s photographic studios between 1866 and 1882. This successful German photography businessman settled in Brazil since 1866 was awarded the title of Photographer of the Royal House having produced a large number of portraits of black people in carte-de-visite format. This study starts from the assumption that these images embody certain stereotypes characteristic of the representation of otherness, as well as making use of pictorial conventions both contemporary and previous to the invention of photography itself. The concepts of identity and difference were used for this analysis, as well as those of representation and selfrepresentation. Through mutual comparison of photographs of white and black people produced by Henschel, it could be verified that the production of the latter sought to meet a demand for typifying images adequate for ethno-anthropological collecting (collectionism). This was a practice with a imperial bias which took place Europe. Besides analyses of photographs, this dissertation also raises a discussion on the nature of the files storing Alberto Henschels photographic production, the criteria which guided their formation, and what they actually allow us to know about the photographer, his work and his time.

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-04-12T12:27:47Z No. of bitstreams: 4 Tese - Rafaella Sudário Ribeiro - 2016 (1).pdf: 17412284 bytes, checksum: 41a68cd4e79ac9c0f067dcf1757c6531 (MD5) Tese - Rafaella Sudário Ribeiro - 2016 (2).pdf: 17438630 bytes, checksum: 554293b957a28d3f2eb48a01c986e9e7 (MD5) Tese - Rafaella Sudário Ribeiro - 2016 (3).pdf: 10895691 bytes, checksum: 2b30de8de0a70ef2f830cdd49c0657a4 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-04-12T12:30:18Z (GMT) No. of bitstreams: 4 Tese - Rafaella Sudário Ribeiro - 2016 (1).pdf: 17412284 bytes, checksum: 41a68cd4e79ac9c0f067dcf1757c6531 (MD5) Tese - Rafaella Sudário Ribeiro - 2016 (2).pdf: 17438630 bytes, checksum: 554293b957a28d3f2eb48a01c986e9e7 (MD5) Tese - Rafaella Sudário Ribeiro - 2016 (3).pdf: 10895691 bytes, checksum: 2b30de8de0a70ef2f830cdd49c0657a4 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-12T12:30:18Z (GMT). No. of bitstreams: 4 Tese - Rafaella Sudário Ribeiro - 2016 (1).pdf: 17412284 bytes, checksum: 41a68cd4e79ac9c0f067dcf1757c6531 (MD5) Tese - Rafaella Sudário Ribeiro - 2016 (2).pdf: 17438630 bytes, checksum: 554293b957a28d3f2eb48a01c986e9e7 (MD5) Tese - Rafaella Sudário Ribeiro - 2016 (3).pdf: 10895691 bytes, checksum: 2b30de8de0a70ef2f830cdd49c0657a4 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-02-07 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Esta tesis doctoral tiene como principal fuente de investigación las fotografías. Eso permite el análisis de las imágenes de los cuerpos de mujeres y también la construcción de la imagen del género femenino en los retratos de familia, así como de sus papeles y funciones sociales delante de los mecanismos de construcción de la diferencia de la sexualidad. Para llevar a cabo esta propuesta de trabajo, se seleccionaron dos colecciones fotográficas: la colección privada de Marilda de Godoy y la colección de dominio público titulada "Colección iconográfica Marilda de Godoy", que se encuentra bajo vigilancia del IPEHBC (Instituto de Investigación Historia de Brasil Central). La colección fotográfica privada de Marilda forma parte de su colección de documentos, que también constituye el material empírico de investigación para el desarrollo de esta tesis. Más allá, este estudio presenta las problematizaciones de los archivos, sus conocimientos y las maneras de archivar y ordenar establecidas por Marilda, con el fin de conformar su colección de documentos y, por lo tanto, preservar la memoria de su vida y de su familia. Se cree que la visualidad de estos retratos corrobora los "regímenes de visualidad" que forman un sistema de "reglas", estableciendo las "formas de ver" y representar visualmente el mundo, guiando las relaciones de género, los roles sociales, las relaciones interpersonales y la familia. En este sentido, la imagen fotográfica es comprendida como un rastro del documento o artefacto resultante de la interacción social que, a su vez, produce sentidos articulados en las narraciones visuales. Este trabajo, por lo tanto, se delinea en la investigación con/en imágenes, en una perspectiva de la crítica visual y de la crítica feminista para analizar las imágenes de los cuerpos y de sus mecanismos de disciplina que aparecen en las imágenes fotográficas. Estos son los instrumentos que impulsan las prácticas sociales en sus patrones de comportamiento, capaces de producir sentido y engendrar a la gente en las redes relacionales. / Este trabalho de doutorado tem como principal fonte de pesquisa as fotografias, permitindo assim a análise das imagens dos corpos de mulheres e também a construção da imagem do gênero feminino nos retratos de família, bem como seus papéis e funções sociais mediante os mecanismos de construção da diferença da sexualidade. Para a realização dessa proposta de trabalho, foram selecionadas duas coleções fotográficas: a coleção privada de Marilda de Godoi e a coleção de domínio público intitulada “Coleção Iconográfica Marilda de Godoi”, sob guarda do IPEHBC (Instituto de Pesquisa História do Brasil Central). A coleção fotográfica particular de Marilda faz parte de seu acervo documental, que também constitui o material empírico de pesquisa para o desenvolvimento desta tese. Além disso, o trabalho apresenta as problematizações dos arquivos, seus saberes, e também as maneiras de arquivar e ordenar que foram estabelecidas por Marilda, a fim de conformar seu acervo documental e, dessa maneira, conservar a memória de sua vida e de sua família. Acredita-se que a visualidade desses retratos corrobora os “regimes de visualidade” que constituem um sistema de “regras”, estabelecendo os “modos de ver” e representar visualmente o mundo, orientando as relações de gênero, os papéis sociais, as relações interpessoais e familiares. Nesse sentido, compreende-se a imagem fotográfica como um vestígio documental ou artefato resultante da interação social que, por sua vez, produz sentidos articulados em narrativas visuais. Este trabalho, portanto, se delineia na pesquisa com/em imagens, numa perspectiva da crítica visual e da crítica feminista para analisar as imagens dos corpos e seus mecanismos de disciplina visualizados nas imagens fotográficas. Trata-se de mecanismos que conduzem as práticas sociais em seus padrões de comportamento capazes de produzir sentido e engendrar pessoas dentro das redes relacionais.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-07-01T17:11:52Z No. of bitstreams: 1 renataoliveiracaetano.pdf: 9878638 bytes, checksum: 5d3996cb53a13c1efa9bba9d4f74f4a5 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-07-13T16:05:18Z (GMT) No. of bitstreams: 1 renataoliveiracaetano.pdf: 9878638 bytes, checksum: 5d3996cb53a13c1efa9bba9d4f74f4a5 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-13T16:05:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 renataoliveiracaetano.pdf: 9878638 bytes, checksum: 5d3996cb53a13c1efa9bba9d4f74f4a5 (MD5) Previous issue date: 2012-03-30 / A proposta de estudo dos dois retratos de Murilo Mendes feitos por Flávio de Carvalho demonstrou-se desde o início uma tarefa bem mais ampla do que a de contar a história de duas obras de arte, simplesmente. O desenho “Cabeça do Poeta Murilo Mendes” e a pintura “Retrato de Murilo Mendes”, ambos de 1951, compõem uma intrincada rede de relações, repleta de amizades e trocas intelectuais, que no final resultaram em vários objetos que podem ser caracterizados em livros, pinturas, desenhos, poemas, cartas e etc. Portanto, verificou-se que a dissertação teria que avançar de uma abordagem de caráter analítico, restrito à observação formal dos retratos, para o rastreamento e confronto de dados que pudessem compor o entorno das obras, ampliando assim suas possibilidades de leitura. Nesse sentido, foi crucial o estabelecimento de alguns pontos importantes, como: conhecer dados biográficos de artista e poeta, colocando em evidência fatos que colaboraram para com a compreensão das obras; compreender o percurso museográfico da pintura e do desenho até chegar aos acervos da qual fazem parte atualmente; refletir sobre os mecanismos da representação, pensando posteriormente a criação de imagem de intelectuais; perceber a importância do gênero retrato para Flávio de Carvalho; observar como Murilo Mendes, em seu exercício de convivência com a arte, construiu uma galeria de leituras de sua imagem feitas por diversos artistas; problematizar a autonomia do desenho perante a pintura, observando-a principalmente até meados do século XX e pontuar a relação estabelecida com o desenho pelo artista em suas obras e pelo poeta em sua coleção. Todas essas frentes de trabalho compõem distintas faces para a análise e compreensão de um importante prisma: as leituras que Flávio de Carvalho fez de Murilo Mendes. / La proposition d’étude des deux portraits de Murilo Mendes réalisés par Flávio de Carvalho s'est averée une tâche beaucoup plus large que celle de raconter l’histoire des deux oeuvres d'art tout simplement. Le dessin “Tête du Poète Murilo Mendes” et la peinture “Portrait de Murilo Mendes”, touts les deux de 1951, forment un réseau complexe de relations pleine d'amitiés et d'échanges intellectuels, qui a finalement abouti à un certain nombre d'objets qui peuvent être présentés dans des livres, des peintures, des dessins, des poèmes, des lettres, etc. Donc, on constate que la thèse aurait dû passer d'une approche analytique, limitée, à l'observation formelle des images et la confrontation des informations qui pourraient recomposer leur environement, élargissant leurs possibilités de lecture. Ainsi il était essentiel d'établir quelques points importants: connaître des détails biographiques de l'artiste et du poète, mettant en évidence des faits pour la compréhension des ses oeuvres; comprendre le chemin muséographique de la peinture et du dessin jusqu'à leur actuelle mise en collection ; réfléchir sur les mécanismes de la représentation pour penser la création de l'image d'intellectuels; se rendre compte de l'importance du portrait en tant que genre pour Flávio de Carvalho ; observer comment Murilo Mendes a construit une galerie de lectures sur lui, des images faites par plusieurs artistes; mettre en doute l'autonomie du dessin face à la peinture , en l'observant jusqu'au milieu du XXe siècle ; et souligner la relation établie avec le dessin de l'artiste dans ses oeuvres et par le poète dans sa collection. Cette approche diversifiée se compose de différents visages pour l'analyse et la compréhension d’une perspective importante: la lecture faite par Flávio de Carvalho de Murilo Mendes.

Orientador: Orna Messer Levin / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-22T16:26:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Toffoli_Tania_M.pdf: 4489343 bytes, checksum: 7ed0bd40c4c0b187ed4497cc828dfc8c (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: O objetivo deste trabalho é comparar o contexto de publicação do único romance de Oscar Wilde, \O Retrato de Dorian Gray", na Inglaterra e no Brasil. A obra aparece pela primeira vez no Reino Unido e EUA em 1890 na Lippincott's. É editada em livro em 1891. A tradução do texto para o português, feita por João do Rio, circula no Brasil em folhetim no jornal A Noite, em 1911. A publicação em livro é feita pela Garnier, em 1923, após a morte do tradutor. A partir dessas informações, se faz relevante considerar alguns tipos de leituras que são possibilitadas nos dois casos. Para compreende-las, analisei dois aspectos ligados á estrutura do romance: o uso do narrador, pelo viés da narratologia de Genette, e a presença de descrições / Abstract: The purpose of this study is to compare the context of publication of the only novel by Oscar Wilde, \The Picture of Dorian Gray", in England and in Brazil. The work appears for the first time in UK and US in 1890 at Lippincott's. It is edited as a book in 1891. The translation of the text in Portuguese, by Joao do Rio, circulates in Brazil as feuilleton at the newspaper A Noite, in 1911. The publication as book is made by Garnier, in 1923, after the death of the translator. From this information, it is relevant to consider some types of readings enabled by these two cases. To understand them, I've analyzed two aspects concerning the structure of the novel: the use of the narrator, by bias of narratology of Genette, and the presence of descriptions / Mestrado / Historia e Historiografia Literaria / Mestra em Teoria e História Literária

Uma parada - Antonio Manuel - Entre os artistas contemporâneos no Brasil nos anos 60 e 70, acreditamos que Antonio Manuel foi o que guardou um profundo mistério na sua produção. Mesmo ao ser censurado, trilhou sua trajetória e, aos poucos, ocupou um espaço suficiente para causar uma inversão da representação e encontrar um caminho errático que o fizesse, dinamicamente, atuar. Pela tomada do corpo, como gesto de liberdade, expandiu sua arte. Sua atitude de pensamento se transformou em fotografia. Quando falamos em \"uma parada\", queremos enfatizar a importância da pose pausada no auto-retrato do artista, para justificar a tese de que Antonio Manuel também expandiu a arte contemporânea pela fotografia. Essa ampliação doa to criativo se deu graças à presença constante das imagens fotográficas do corpo nos seus trabalhos, que, inquietos, iniciaram esse percurso, de modo a podermos afirmar que, hoje, a fotografia tem importante significado no conjunto de suas séries. Para corrigir a realidade imposta tão violentamente pela ditadura militar, timidamente, Antonio Manuel abandonou o desenho sobre jornais para se apropriar das fotografias da imprensa, como também transgredir, corajosamente, a gramática dos veículos de comunicação de massa. Interessa-nos apontar para a importância dessa atitude e, para isso, desenvolvemos algumas possibilidades de compreensão. Consideramos as estratégias propostas pelos críticos Mário Pedrosa e Frederico de Morais e, ainda, os diversos teóricos que estudamos para tornar o debate da época, sobre as estratégias da arte contemporânea no Brasil dos anos 60 e 70, plausível. A arte fotográfica de Antonio Manuel, particularmente as imagens fotográficas do corpo, tiveram uma incrível ressonância na crítica de arte nacional e internacional. Porém, não vem sendo exibida como uma das poucas manifestações visuais que soube estar em sintonia com as diferentes tendências da arte fotográfica das últimas duas décadas. Para confirmar sua importância conceitual, delimitamos sua produção entre os anos de 1967 e 1977. A estrutura dos capítulos não segue à risca uma ordem cronológica, mas principalmente, a relação do ato criativo com o conjunto das séries. Destacamos as análises dos auto-retratos e dos retratos, bem como dos filmes do artista, em que a arte da desaparição de Jean Baudrillard sustenta a noção de \"parada\" fotográfica. Uma Parada tem ênfase no retrato, nos objetos inquietantes e nas imagens perturbadoras, que gestaram a relação do artista com o mundo durante um período de crise da arte. Porém, a crise do sujeito em Antonio Manuel é desafiadora, porque subverteu os modelos e desarticulou as referências, por enfrentar o processo de trabalho com luta e criatividade. Da sua liberdade, o espectador-participador se torna cúmplice. / A paused pose - Antonio Manuel - Among the Brazilian contemporary artists of the 60s and 70s we believe that Antonio Manuel has been the one who has kept a profound mystery in his production. Even when he was banned, he managed to make his way and, little by little, take enough place to cause an inversion of representation, finding an erratic path that made him act dynamically. By taking the body as a gesture of freedom, he has expanded art. His way of thinking has turned into photography. When we say a pause, we want to emphasize the importance of the paused pose in the artists self portrait so as to justify the thesis that Antonio Manuel has also expanded contemporary art through photography. This enlargement of the creative act was due to the constant presence of photographic body images in his works, which, in a restless way, started this journey, enabling our statement that, today, photography has a meaning in the complex oh his series. In order to correct the reality so violently imposed by the military dictatorship, Antonio Manuel abandoned drawing over newspapers timidly to appropriated in pointing out the importance of this attitude and, for that purpose, we have developed some possibilities of comprehension. We have considered the strategies suggested by critics Mario Pedrosa and Frederico de Morais, as well as many other theorists we have studied, so as to make plausible the debate on the strategies of Brazilian contemporary art in the 60s and 70s at that time. The photography art of Antonio Manuel, particularly his photographic body images, has had an incredible resonance among the national and international art critic. However, it has not been exhibited as one of the few visual manifestations which knew how to be tuned with the different tendencies of photographic art in the last couple of decades. In order to confirm his conceptual importance, we have delimited his production between the years of 1967 and 1977. The structure of the chapters does not necessarily follow a chronological order, but rather the relationship between the creative act and the complex of series. We have highlighted the analysis oh his self portraits and portraits, as well as the film, where the art of disappearance by Jean Baudrillard supports the concept of photographic pause. A Paused Pose emphasizes the portrait, the disturbing objects and the alarming images which conceived the relationship between the artist and the world during a period of art crisis. However, the crisis of the subject in Antonio Manuel is challenging, for it has subverted the models and disarticulated the references by facing the work process with struggle and creativity. The spectator participant becomes an accomplice of this freedom.

A dissertação examina, a partir de um enfoque multidisciplinar que contempla aspectos estéticos, históricos e antropológicos, as imagens de negros de ganho realizadas por Christiano Jr. em cerca de 1865 no Rio de Janeiro. O objetivo é sublinhar seu caráter contraditório quando colocadas em perspectiva de longa duração. Mesmo sem romper com os padrões estéticos da época, as fotografias de Christiano Jr. introduzem elementos que representam uma diferenciação, uma vez que subvertem certos elementos estruturais da imagem do negro, temáticos e compositivos, quebrando o código de silêncio, ocultamento e disfarce que marca a relação da sociedade brasileira com o tema da escravidão. O trabalho desdobra-se em três movimentos. O primeiro capítulo apresenta uma análise detalhada do trabalho de Christiano Jr., ressaltando sua trajetória e o sistema de consumo e circulação em que suas fotografias se inserem. O segundo caracteriza os padrões tradicionais de representação da figura do negro e das camadas populares estabelecendo relações entre esses gêneros consolidados e as fotografias de Christiano Jr. O último capítulo sublinha uma espécie de fissura no rígido código de representação iconográfica do escravo e propõe que o trabalho do fotógrafo açoriano seja lido não mais como um documento neutro sobre os usos e costumes da época ou apenas como reiteração de um olhar preconceituoso, mas como registro de uma relação complexa entre o fotógrafo e seus modelos, como um elemento constitutivo - e, portanto, carregado de sentidos, mesmo que paradoxais - daquela sociedade que se via às voltas com a crise aguda do regime escravagista. / The aim of this work is to examine, from a multidisciplinary approach (aesthetic, historical and anthropological), images of black slaves and black wage earners made by the Azorean photographer Christiano Jr. in mid of the 1860\'s in Rio de Janeiro. The purpose is to emphasize their contradictory character when placed in a long-term perspective. Even without breaking with the aesthetic standards of the period, the pictures of Christiano Jr. introduce elements that represent a differentiation as they subvert certain thematic and compositional structural aspects of images of black labors, thus breaking the code of silence, concealment and disguise that characterizes the relationship between the Brazilian society and the system of slavery. The work develops in three movements. The first chapter presents a detailed analysis of the work of Christiano Jr. highlighting his career and the system of consumption and circulation of his images. The second features the traditional patterns of representation of the figure of the black working classes relating them with the pictures of Christiano Jr. The last chapter stresses a kind of fissure in the strict code of the iconographic representation of the slaves and proposes that the work of the azorean photographer be read not as a neutral document about the uses and customs of the time or only as a reiteration of a biased look, but as a record of a complex relationship between the photographer and his models as a constituent component - therefore charged with meaning - of a society that was itself grappling in an acute crisis of the slavery regime.

Made available in DSpace on 2015-04-14T13:39:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 396049.pdf: 1507615 bytes, checksum: 90538d9e53448a131809dc5bfe521ac6 (MD5) Previous issue date: 2006-12-21 / Estudam se, nesta tese, os procedimentos adotados por Erico Verissimo no entrela?amento da fic??o com a Hist?ria, na segunda parte de O tempo e o vento. Focaliza-se n?o s? a representa??o do homem, como tamb?m a do contexto do Rio Grande do Sul e por extens?o do Brasil nas d?cadas iniciais do s?culo XX. Nesse conjunto, interessa o entrecruzamento de vozes, a do narrador e a das personagens. Al?m de interligar conflitos pessoais de origem diversa, abrem-se, por seu interm?dio, perspectivas narrativas que possibilitam identificar valores pol?tico-ideol?gicos norteadores da sociedade em que se inserem as personagens. A partir de um levantamento realizado da fortuna cr?tica de O Retrato, analisam-se, por um lado, os elementos constitutivos do enunciado e da enuncia??o do romance. Por outro, demonstra-se como os aspectos ficcionais absorvem os eventos hist?ricos. Os procedimentos narrativos de Erico Verissimo em O Retrato, al?m de revelarem o dom?nio que o Autor possui sobre a t?cnica do romance, evidenciam tamb?m sua vis?o cr?tica como cidad?o de seu tempo.

Made available in DSpace on 2016-04-28T18:23:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Claudia L Passalacqua.pdf: 542023 bytes, checksum: d12f5515154be2bd94e524c3bbaa52b3 (MD5) Previous issue date: 2007-05-04 / This paper investigates a writing tool, namely Self-Portrait, whose aim is to collect data on an individual´s psychic expression. It comprises a 35 question questionnaire, made up of open-ended directed and self directed questions. The order of the answers is random, and some questions may be answered many times while others may never be answered. This writing tool was used in a group of psychologically disturbed women, who had been referred to a state health center in the outskirts of São Paulo city. Most women belong to the low and low-middle classes, with very few years of schooling, but, in general, with working experience, in the 30-60 age bracket. They were referred to the state health center by psychiatrists and psychologists, due to chief complaints such as depression, stress, etc. The group was coordinated by the research-psychologist and by an occupational therapist. Initially, the treatment aimed to engage the group in manual tasks and provide them with some space in which they could air their problems. On presenting the questionnaire to the women, the research-psychologist read them the iinstructions, their questions, and explained the procedures as well the terms of agreement. The questionnaire was kept in the health center and apart from the subjects and the therapist, nobody else had access to them. Due to all the conditions of public service assiduity, punctuality, follow-up sessions, among others the use of the self-portrait was not constant in all the sessions and wasn´t equally used by all the women. Since the activities were decided on by the group and took place in the inicial phases of the group´s functioning, it was hard to maintain group cohesion, as some women answered the questionnaires in each session while others took longer to write. These differences were inevitable once all the women shared a common physical space. The self-potrait questions aimed at categorizing those women´s realities: routine, family and professional life, emotional, psychological and existencial aspects and world knowledge. Moreover, the written account of their life experiences served as an oulet for the free expresson of their reality The therapeutical aim of the self-portrait was to investigate the efficiency of writing as a mechanism to surface the underlying phychic information, despite the fact that this written account was produced by women of varying literacy levels. Writing differs from speech in that writing can be crystalized in time, once it can be registered permanently. Besides, writing entails a distinctive connection between conscious and uncounscious contents. It leads the individual into an introspective journey, allowing for the re-enactment of past experiences. By means of this exercise, processes and memories are brought to the consciosness mind and may be modified when experienced again. This study falls into the category of case study, once it focus on aspect´s of a specific woman´s life: someone who, upon joining the group, felt incredbly miserable and was, from the very begining, given special treatment by the research-psychologist. The same rules which applied for the self-portrait within the group were used in private consultations. Semantic networks, formed by words that were repeated along the text, were used for the analysis of the written accounts, following Jung's Model of Typology / Este trabalho investiga um instrumento de escrita, intitulado Auto-Retrato, destinado a coletar dados sobre a expressão psíquica do indivíduo. Trata-se de um questionário de trinta e cinco questões, abertas, dirigidas ou semi-dirigidas, no qual a ordem das respostas é livre, assim como o fato de que algumas questões podem vir a ser respondidas inúmeras vezes e outras, nunca serem respondidas. O instrumento foi utilizado num grupo de mulheres, encaminhadas, pela saúde mental, a um posto de saúde da periferia de São Paulo. As mulheres pertenciam a classes sócio-econômico-culturais baixa e média baixa, em sua maior parte, com poucos anos de escolaridade, mas, no, geral, com experiência de trabalho, na faixa etária de 30 a 60 anos. Chegaram ao posto de saúde via encaminhamentos de psiquiatras e psicólogos, com queixas de depressão, estresse, entre outras. O grupo era coordenado pela psicóloga-pesquisadora e por uma terapeuta ocupacional. Inicialmente, seu objetivo era realizar atividades manuais e paralelamente a elas criar um espaço para a fala e escuta das mulheres entre si e pelas terapeutas. Ao apresentar o questionário às mulheres, a psicóloga-pesquisadora leu a elas suas instruções, suas questões, explicou-lhes as formas de utilização, juntamente com o Termo de Consentimento Livre e Esclarecido.O questionário era mantido no posto de saúde e apenas cada mulher e as terapeutas tinham acesso a ele. Devido a todas as condições que envolvem um atendimento público - assiduidade, pontualidade, continuidade do atendimento, entre outras - o emprego do Auto-Retrato não ocorreu de modo constante em todas as sessões e nem foi igualmente usado por todas as mulheres. Como as atividades eram decididas pelo grupo e no início de seu funcionamento, foi difícil manter a unidade do grupo, com algumas mulheres respondendo-o em todas as sessões, até por se tratar de um espaço físico comum. As questões do Auto-Retrato tinham como objetivo caracterizar a realidade dessas mulheres: vivências cotidianas, vida familiar e profissional, aspectos emocionais, psicológicos e existenciais, conhecimento de mundo e visava ser um continente para a expressão dessa realidade por meio da escrita. .. O emprego do Auto-Retrato teve como objetivo psicoterapêutico investigar a eficácia da escrita para a manifestação de conteúdos psíquicos subjacentes, não importando a variável de a escrita ser realizada por mulheres com diferentes graus de letramento. A escrita tem natureza diferente da fala, fixando-se no tempo, sendo registrada de uma forma permanente, e evocando um compromisso diferente com conteúdos conscientes e inconscientes. Inicia um processo de interiorização no indivíduo, possibilitando uma volta aos conteúdos veiculados. Por meio de seu exercício, processos e memórias são trazidos à consciência e modificados quando revividos. Este trabalho se constituirá em um estudo de caso, na medida em que focará o Auto-Retrato de uma mulher em específico, quem, por ter chegado ao grupo sentindo-se especialmente mal, foi, desde o início, atendida paralelamente de modo individual pela psicóloga-pesquisadora. As mesmas regras estabelecidas para o uso do Auto-Retrato no grupo, foram usadas para sua aplicação na terapia individual. Para a análise do texto escrito do Auto-Retrato os modelos teóricos empregados foram as redes semânticas, formadas pelas palavras que se repetiam no texto escrito, e o referencial teórico de Jung, principalmente, no que se refere aos tipos psicológicos por ele propostos

Dado um sistema diferencial no plano, muito se questiona sobre o comportamento de suas soluções. Nas vizinhanças dos pontos singulares existem ferramentas que nos indicam o tipo e a estabilidade estrutural de cada um deles; são as chamadas formas normais. No entanto, o interesse vai mais além do conhecimento local das soluções em cada singularidade. Nesse trabalho apresentamos algumas ferramentas clássicas da teoria qualitativa das equações diferenciais ordinárias empregadas na investigação global dos campos de vetores polinomiais planares e as empregamos na investigação de duas famílias paramétricas de campos quadráticos encontradas no estudo dos campos com hipérboles invariantes. Dentre as ferramentas estudadas destacamos a classificação local das soluções em pontos singulares elementares e semi-elementares e a técnica de compactificação de Poincaré. / Given a planar differential system, many questions are raised about the behavior of their solutions. In the neighborhood of singular points there exist many tools which indicate their type and their structural stability; they are known as normal forms. However, the interest goes beyond the local behavior in the neighborhood of each singularity. In this dissertation we present some classical tools from the qualitative theory of ordinary differential equations which are usually applied to the global investigation of planar polinomial vector fields and we apply them to the investigation of two parametric families of quadratic fields from the study of the vector fields with invariant hyperbolas. Among the studied tools we highlight the local classification of the solutions around elementary and semi-elementary singular points and the technique known as Poincarés compactification.

O objeto desta dissertação de Mestrado é composto pela série Auto-Retrato Coletivo de Nardo Germano. Organizada artisticamente como repositório crítico de uma identidade coletiva seu tema central , a série constitui-se de auto-retratos híbridos entre o Indivíduo e o Coletivo, questionando a construção identitária marcada por estigmas sociais. As obras que compõem a série são: 1)Auto-Objeto; 2)Sujeitos; 3)Auto-Retrato por Metro Quadrado; 4)Cabeça Defronte; 5)Auto-Retr_Ato_Coletivo; 6)Especulares #7; 7)Corpo Coletivo; 8)AlterEgo; 9)ANDROMAQUIA on-line; e 10)Doe Seu Rosto/Give Me Your Face. A atual pesquisa artística dá continuidade a Auto-Objeto(1987), uma obra composta por painéis de auto-retratos sem negativo obtidos em cabine Fotomática, e articula-se a partir da digitalização de um conjunto imanente da obra Sujeitos(1987), colagens realizadas com auto-retratos acéfalos, recortes de textos, imagens e manchetes de jornal. Com o objetivo de, nesta fase, estabelecer novos contrapontos ao discurso monológico identitário oficial bem como ao conceito de uma autoridade do artista como autor que controla os sentidos da obra, a criação partiu da hipótese de que o investimento nos graus de abertura à recepção podem promover o dialogismo e polifonia almejados, com a inclusão da alteridade, das expressões e dos pontos de vista dos espectadores na noção de identidade coletiva veiculada nas obras, considerando os conceitos de obra aberta de Umberto Eco bem como de dialogismo e polifonia de Mikhail Bakhtin. A presente dissertação discorre sobre aquelas obras originais como paradigmas internos da criação e sobre as obras produzidas durante esta pesquisa artística, focando nas proposições dialógicas de poéticas abertas, bem como nas estratégias de participação e interatividade então implementadas, realizadas em ambiente real e/ou através dos meios tecnológicos. O texto explicita e reflete sobre as poéticas de abertura envolvidas na recepção, comprovando por fim a hipótese de trabalho. Em suma, no que tange aos resultados sobre o tema proposto, conclui-se que Auto-Retrato Coletivo promove um movimento contínuo de construção e desconstrução identitária possibilitado pela abertura poética aos espectadores que, convertidos em participantes e/ou interatores, cumulativamente renovam, expandem e problematizam a identidade coletiva, inscrevendo-a na dimensão Utópica de Identidades Abertas. / The object of this dissertation of Master\'s degree is composed by Nardo Germano\'s series Collective Self-Portrait. Organized artistically as critical repository of a collective identity its central theme , the series is constituted of hybrid self-portraits between the Individual and the Collectivity, discussing the construction of identities characterized by social stigmata. The works that compose the series are: 1)Auto-Objeto; 2)Sujeitos; 3)Auto- Retrato por Metro Quadrado; 4)Cabeça Defronte; 5)Auto-Retr_Ato_Coletivo; 6)Especulares #7; 7)Corpo Coletivo; 8)AlterEgo; 9)ANDROMAQUIA on-line; e 10)Doe Seu Rosto/Give Me Your Face. The current artistic research gives continuity the Auto-Objeto(1987), an art-work composed by panels of self-portraits without negative obtained at Photomaton Cabin, and organized through a process of scanning an immanent group of the art-work Sujeitos(1987), collages accomplished with acephalous self-portraits, cuttings of texts, images and newspaper headlines. With the objective of, in this phase, to establish new counterpoints to the monologic official speech about identity as well as to the concept of an authority of the artist as author that controls the meanings of the art-work, the creation worked with the hypothesis that the investment in the opening degrees to the reception can promote the necessary dialogism and polyphony, with the inclusion of the spectators\' alterity, expressions and points of view in the notion of collective identity in the art-works, considering the concepts of Umberto Ecos open work and Mikhail Bakhtins dialogism and polyphony. The present dissertation describes those original art-works as internal paradigms of the creation and the art-works produced during this artistic research, focusing in the dialogical propositions of open poetics, as well as in the strategies of participation and interactivity implemented, in real ambience and/or through the technological media. The text explicits and reflects the poetics of opening to the spectator involved in the reception, proving finally the work hypothesis. In short, with respect to the results on the proposed theme, the conclusion is that Collective Self-Portrait promotes a continuous movement of construction and deconstruction of identities, possible by the poetical openness to the spectators who, converted in participants and/or interactors, cumulatively renew, expand and problematize the collective identity, enrolling it in the Utopian dimension of Open Identities.