Au travers de cette recherche, nous nous sommes attachée à analyser la dimension narrative des scénarii, en nous penchant plus spécifiquement sur le travail de Rafael Azcona (1926-2008), auteur de comédies pour le cinémaet la télévision. Parce qu’il a créé et exploité à l'écran un univers personnel et aisément identifiable pour les spectateurs, ce scénariste est considéré, en Espagne au moins, comme un auteur au sens plein.Notre objectif est comprendre comment un style caractéristique a pu survivre à Rafael Azcona, alors même que son texte se dissolvait peu à peu dans tout le processus de la construction d’une oeuvre audiovisuelle. Ce travail analytique est d’autant plus délicat que nous devons également tenir compte du fait qu'il a collaboré avec des cinéastes aux mondes très personnels comme Marco Ferreri, Carlos Saura ou Luis García Berlanga.La principale difficulté rencontrée face au travail de Rafael Azcona était de savoir quel est le scénario original d'un film. Celui qui a été écrit avant que le tournage ne commence ? Celui qui a été modifié durant le tournage? Celui qui a été publié une fois le film projeté dans les salles ? Celui qui a été apprécié par le public ? Ce qui nous amène à poser, une question fondamentale : le scénario a-t-il des lecteurs ou des spectateurs ? Il est important, en effet, de ne pas oublier le poids des aspects socio-économiques de la filière cinématographique dans l’appréhension du travail scénaristique.Dans la mesure où un scénario, dans son format, sa structure et sa conception, n’attend en général pas un lecteur, mais une caméra pour être filmé, nous avons donc décidé de nous confronter au scénario à partir d’une perspective qui prenne en compte la construction spatiale d'une histoire, c’est-à-dire un élément habituellement attribué aux architectes d'images que doivent être le réalisateur et le monteur. L'importance que l'oeuvre d'Azcona donne aux lieux où se déroule l'histoire, la relation spéciale entre le personnage et l'espace, et la thématique omniprésente de la recherche d'intimité, nous invitent à questionner en profondeur le rôle de l'espace dans laconstruction de ses histoires.À travers ces pages nous cherchons à montrer comment le scénariste Rafael Azcona, qui savait que le scénario n'était pas écrit pour être lu mais pour être vu après dans un écran, s'est préoccupé de décrire et déconstruire minutieusement la caractéristique la plus strictement cinématographique: l'espace, cette réalité dont le cinéma ne peut jamais se détacher. / This study analyses the narrative dimension of screenplays, focusing primarily on the work of Rafael Azcona(1926-2008), comedy writer for cinema and television. Due to the fact that he created and developed on the screen apersonal universe that is easily identifiable by the audience, in Spain at least, this screenwriter is considered to be atrue auteur.Our primary objective is to understand how Rafael Azcona’s characteristic style could survive even when histext dissolved little by little in the entire process of constructing an audio-visual work. The analytic work is madeeven more delicate by the fact that we must take into account his collaboration with filmmakers that had their ownvery personal universes, such as Marco Ferreri, Carlos Saura, or Luis Garcia Berlanga.The main difficulty encountered with regard to Rafael Azcona’s work was finding out which was the originalscreenplay of the film. The one written before the start of filming? The one modified during filming? The onepublished once the film was shown in cinemas? The one liked by the audience? Which brought us to a fundamentalquestion: does the screenplay belong to the readers or to those who watch? It is, in fact, important to remember theweight of socio-economic aspects in the film industry when trying to understand screenwriting.Given that a screenplay, due to its structure and form, doesn't generally wish for a reader, but for a camera, tobe filmed, we have decided to look at the scenario from the point of view of the spatial construction of a story, thatis, an element usually attributed to image architects, such as the director and the editor. The importance given byAzcona’s work to the locations where the story takes place, the special relationship between character and space, andthe ubiquitous theme of the search for intimacy invite us to explore in depth the role played by space in theconstruction of the story.In this study, we try to show how the screenwriter Rafael Azcona, who knew that the screenplay wasn’twritten to be read, but to be seen later on a screen, put great effort into describing and constructing in great detailthe most cinematic of characteristics: space, that reality which cinema can never leave.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU)

Cette thèse se propose d’étudier le style indirect libre dans l’œuvre de Pier Paolo Pasolini à travers un axe de recherche qui peut, schématiquement, se rattacher à deux champs: le champs poétique, concernant l'activité littéraire et cinématographique de l'auteur et le champs théorique, où le problème de la forme esthétique devient l'occasion pour l'étude des principes linguistiques etsémiotiques qui en permettent la réalisation. Ce double parcours s'articule à son tour en quatre phases de développement: la phase de la « régression » théorisée dans les années quarante pour expliquer divers processus relatifs à l’emploi du dialecte en littérature ; celle de la « connexion sentimentale », notion tirée des Cahiers de prison de Antonio Gramsci pour décrire le rapport entre les intellectuels et les classes subalternes ; celle du discours indirect libre en tant que tel, qui se trouve à la base de lapoétique des romans romains des années cinquante, et qui est également présent dans d’autres œuvres élaborées plus tard ; et finalement la phase de la subjective indirecte libre, théorisée dans les années soixante pour décrire le style indirect libre au cinéma.La régression, la connexion sentimentale, le discours indirect libre, la subjective libre indirecte constituent le point de contact entre le parcours poétique et dans le même temps théorique de l'auteur. La régression dans la parole de l’autre, ou, comme au cinéma, dans le regard de l’autre, représente en dernière instance la tentative de l’auteur de traduire sur le plan littéraire et cinématographique la réalité de conflits historiques et existentiels. / This doctoral thesis studies the free indirect style in Pasolini's works through a double path of research. On one hand it takes into account his literary and cinematic production; on the other it studies the linguistic and semiotic principles on which its free indirect style hinges. This double path has been crossed in the light of four notions that Pasolini developed in his theoretical essays along his artisticactivity. The first one is the “regression”, elaborated in the 40s in order to describe the usage of the Friulian dialect of his early poems. The second one is the “sentimental connection”, which Pasolini discovered in Gramsci's Prison Notebooks and he employed to analyse the relationship between intellectuals and subaltern classes. The third one concerns the free indirect discourse used in Pasolini's Roman novels of the 50s and studied from a linguistic and semiotic point of view in some essays. The last one is the free indirect subjective theorised in the 60s to describe the cinematic adaptation of the free indirect style.Regression, sentimental connection, free indirect discourse and free indirect subjective are the most important notions of Pasolini's free indirect style. They show how the author established itslinguistic, political and sentimental relationship with the subalterns that populates his literary works aswell as his movies.

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Dans un large corpus de spectacles, lorsque nous acceptons que le spectateur perçoive l’interculturalité en tant que composante scénique, même si l’interaction et le métissage ne sont pas effectivement présents, nous pouvons affirmer que la notion d’interculturalité mérite une mise au point. La variété de types de processus et de constructions scéniques développées dans les quarante dernières années appelle donc un concept capable d’héberger la notion de Diversité. Ainsi, nous proposons une lecture sémiotique de différents croisements et manifestations scéniques, en leur allouant la perception esthétique de la diversité, tel que l’a proposée Victor Segalen. Notre argument veut démontrer que la théorie de Segalen apporte à la scène contemporaine un nouveau regard en faisant confluer d’une façon plus adéquate les différents types de spectacle considérés comme « interculturels ». Cette théorie englobe des notions anthropologiques, ethnologiques, philosophiques et politiques, et qui circonscrivent l’être humain dans un contexte contemporain global, rendant possible une construction sémiotique particulière. <p>Par là, notre thèse recherche les fondements d’une sémiotique de la diversité sur la scène contemporaine et ses différentes formes de manifestation. Elle aspire à comprendre les spécificités émergées avec elle lorsqu’un mécanisme de construction interculturelle est installé dans les processus de construction et de concrétisation. Dans le but d’identifier les bases et formes d’expression qui construisent l’interculturalité en tant que processus anthropologique, nous allons construire une critique sur leurs origines et formations, à partir de l’analyse de différents spectacles. Nous allons donc établir, au moyen de la sémiotique et de l’anthropologie, les différences entre « influence étrangère », dont de nombreux spectacles reçoivent, et « échange culturel » élaboré par un processus intentionnel d’interaction. Nous étudions les morphologies et les fonctions épistémologiques des contacts culturels présents dans la construction et l’énonciation du discours scénique, en réunissant des notions provenant de l’anthropologie, de l’ethnoscénologie et de la sociologie du spectacle, structurant ainsi le cadre sémiotique de la diversité.<p>/<p>Taking into consideration that in a large corpus of performances spectators perceive interculturality as a scenic component, although interaction and hybridisation are not actually present in the production of the play, we can assert that interculturality’s conception merits a review. The variety of scenic processes and constructions developed in the last forty years claim for a concept suitable to accommodate the notion of diversity. Thus, we propose a semiotic reading of different interweaves of cultures and artistic events, combining the aesthetic perception of diversity proposed by Victor Segalen. Our argument intends to show that Segalen’s theory brings to the contemporary scene a new perspective and converges in a manner more relevant, different kinds of performances usually acclaimed as “intercultural”. It provides anthropological, ethnological, philosophic and political notions that circumscribe human being into a contemporary global context, allowing us to set up a specific semiotics. <p>Therefore, our thesis investigates the foundations of a semiotic of diversity in contemporary dramatic scene and its different kinds of manifestation. It seeks to understand the particularities that emerge out of the semiotic of diversity when, in its process of construction and concretization, it establishes an intercultural mechanism. Likewise, we’ll assemble a reflexive critic on its backgrounds and forms, consisting of the analysis of different performances which are the basis and the manners of an intercultural construction as an anthropological process. We want to establish through semiotics and anthropology the difference between "foreign influence", that many of the performances grasp, and "cultural exchange" built up all the way through a deliberate process of interaction. We’ll hunt for morphologies and epistemological functions of cultural contacts that are present in the construction and the enunciation of the performance discourse through the application of concepts drawn from anthropology, ethnoscenology and performance sociology, thus structuring the framework of semiotics diversity. <p> / Doctorat en Information et communication / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

La transgression discursive que constitue le street art peut s’exprimer dans divers espaces. Si les œuvres apparaissent tout d’abord dans la rue, leurs reprises sur les réseaux socionumériques leur octroient de nouvelles spatialité et temporalité ; elles sont alors non seulement inscrites dans la durée, mais également intégrées dans un nouvel « effet de sens ». Passant d’un mur urbain à un mur socionumérique, cet acte subversif engage à la constitution d’une communauté autour d’une thématique ou un centre d’intérêt plus ou moins politisé. L’Egypte voit le street art soudainement apparaître dans ses rues et se répandre comme une traînée de poudre sur les réseaux socionumériques dès le soulèvement insurrectionnel de janvier-février 2011. A partir de ce constat, il s’agit d’étudier la contribution de la médiation socionumérique du street art, prise en charge par des communautés activistes, à un agir des collectifs politiques. Ce travail de thèse a pour principal objectif de vérifier dans quelle mesure ces collectifs s’instituent en un public politique revendiquant la chute d’un régime ainsi que la mise en place d’un pouvoir civil et démocratique. Une approche pragmatiste, associant une « théorie de l’action » deweyienne à une sémiotique peircienne, est mise à l’œuvre afin d’observer les actions d’un public. Celles-ci sont suscitées par des dispositifs médiatiques, dont les auteurs insèrent dans leur discours des images street artivistes, générant des récits mythographiques victimaires et martyrologiques. / The discursive transgression of street art can be expressed in various spaces. In the street for a first appearance, but the coverings on the social networks give new spatiality and temporality to a work, they now inscribe it in duration as well as in a new "effect of meaning". Moving from an urban wall to a sociodigital wall, subversion commits to the constitution of a community around a thematic or a more or less politicized center of interest. Egypt in 2010 sees street art suddenly appearing in its streets and spreading like wildfire on the sociodigital networks from the insurrectional uprising of January-February 2011.From this observation, it will be necessary to study the contribution of the social media mediation of street art, taken over by activist communities, to incite political collectives to an action. This work of thesis will try to verify to what extent these collectives are instituted in a political public demanding the fall of a political regime as well as the establishment of a civil and democratic power. A pragmatist approach will combine a deweyian "theory of action" with a Peircian semiotics in order to observe the actions of a political public. These are aroused by media devices, which include street artivist images in their speeches, generating victimary and martyrological mythographic narratives.

Initiée par René Girard, la théorie mimétique suggère que l’égalité des conditions consacrée comme un droit exacerbe la rivalité entre semblables. Quand l’étiolement de la souveraineté étatique et la logique compétitive de l’économie marchande coïncident avec la prolifération de conflits aux enjeux planétaires, cette rivalité des égaux prend une valeur paradigmatique. L’ambition d’une anthropologie mimétique à traiter de l’époque contemporaine mieux que la philosophie politique idéaliste ou la science politique réaliste suppose une reformulation. Espérance de pallier une insuffisance d’être, le désir mimétique, ou désir d’être autre, aboutit à un résultat contradictoire, la déception de rester insuffisant, l’autre étant alors perçu à la fois comme modèle et obstacle. Pour les acteurs politiques, ce désir devient la revendication d’une égale puissance d’être, promesse faite autant par la citoyenneté, le droit des peuples à disposer d’eux-mêmes que la souveraineté des États sur leur territoire et leur population.En tant que modalité de la contention de la violence, le politique serait ainsi analysable par une « science des rapports humains », anthropologie englobante et non-disciplinaire adoptant un interdividualisme méthodologique. Sur fond de menaces inédites pour la pérennité de l’humanité, la réciprocité des rapports humains fait douter de la compatibilité entre projet égalitaire, quête d’identité et concorde sociale. Ces rapports questionnent également la prépondérance actuelle de la compétition dans les institutions, entre autres politiques, laquelle s’est imposée comme liant paradoxal du gouvernement représentatif et de l’économie de marché. / Conceived by René Girard, mimetic theory suggests that the equality of conditions, established as a right, exacerbates the rivalry between similar individuals or groups. When the withering away of state sovereignty and the competitive logic of the market economy overlap with the multiplication of conflicts, this rivalry of equals becomes a relevant paradigm.Mimetic anthropology’s ambition – to address contemporary issues better than either idealistic political philosophy or realistic political science –, demands nevertheless to be revisited. The hope to overcome a lack of being, mimetic desire, or one’s desire to become someone else ends up giving way to a contradictory outcome: the disappointment of remaining oneself, the other thereby being perceived as both one’s model and one’s obstacle. For political actors, this desire turns into the claim of the equal power to be, which the promise of citizenship, the right of peoples to self-determination and the state sovereignty over its people and its territory each exemplify. As a modality of the containment of violence, politics could then be analyzed by a non-disciplinary "science of human relationships", implementing a methodological interdividualism. Against the backdrop of unprecedented threats to the survival of humanity, the reciprocity of human relationships casts doubt on the compatibility between the egalitarian project, the quest for identity, and social harmony. These relationships also question the current predominance of competition in the institutions, including political institutions, which has become the paradoxical binding agent between representative governments and the market economy.

De l'ornement architectural à l'ornement liturgique, de l'ornement langagier à l'encadrement du tableau, de l'ornement musical au tatouage, les formes variés de l'ornement témoignent d'un champ d'application illimité qui couvre tous les domaines de l'art. Si chez Kant l'ornement offre un exemple typique de beauté libre, la philosophie et la théorie de l'art lui attribuent souvent un contenu moral ou symbolique l'associant tantôt à la convenance tantôt à la dégénérescence. En tant que forme primitive d'expression artistique il est rattaché aux arts premiers et à la production artisanale, aux antipodes de la véritable création artistique tout autant que du dessin industriel ou architectural. Sa dimension cosmique, d'autre part, fait que des artistes et des historiens le mettent au centre de leur conception de l'art, le considérant comme la manifestation principale du « vouloir artistique » ou une expression privilégiée de l'impulsion artistique vers l'abstraction. Si la spécificité de l'ornement consiste en son caractère accessoire qui lui assigne un statut ontologique particulier entre l'ergon et le parergon le rendant synonyme de « style », sa transversalité met en question les hiérarchies issues de la théorie de la mimesis et brouille les limites entre art et décoration, majeur et mineur, d'autant plus que les notions dérivées de l'« ornemental » ou du « décoratif » dépassent le domaine des arts appliqués et s'emploient pour designer la forme ou la fonction d’œuvres d'art. À ce titre l'étude des différents aspects de l'ornement et des réponses théoriques qu'il a suscitées, renouvelle la réflexion sur le statut de l'art et sa relation avec la vie. / From architectural decoration to liturgical ornament, from rhetorical ornament to painting frames, from musical ornament to tattoo, the various forms of ornament testify to an unlimited scope that covers all artistic and cultural fields. Despite its being considered, from a kantian point of view, as an example of free beauty, philosophy and theory of art often attribute a moral or symbolic content to ornament, associating it to either convenience or degeneracy. As a primitive form of artistic expression, ornament is related to tribal art and to craft rather than true artistic creation or modern design. Its cosmic dimension, however, leads some artists and historians regard it as the basis for their conception of art, as the chief manifestation of the “will to art”, or as a primary expression of the artistic impulse that leads to abstraction. Since its specific character consists in that of an accessory, ornament receives an intermediate ontological status between the ergon and the parergon. Its transversality challenges the hierarchy of art forms and genres which is based on the theories of mimesis, and blurs the boundaries between art and decoration, high and low, since the derived terms of "ornamental" or "decorative" apply not only to decorative arts but also to the style and the function of art works. The study of the different aspects of ornament and of the theoretical responses it raised, contributes to regarding our understanding of the status of art and its relation to life.

Sur le fil invisible reliant la temporalité tridimensionnelle de l'ancestral, du présent et du devenir, se profilent les pas du compositeur. Parcours individuel, traversée sociale, épopée humaine, l'acte créatif émane des profondeurs du ressenti de l'être et des profondeurs de la collectivité sociale. Notre recherche se veut un voyage en vue d'une reconstitution du parcours du dire musical en tant qu'expression de l'être impliquant culturalité et subjectivité compositionnelles et aboutissant à l'œuvre musicale en tant qu'entité-signe. En consacrant notre réflexion aux musiques modales arabo-musulmanes de tradition orale, nous développerons dans ce cadre une théorie des strates englobant le processus compositionnel dans sa totalité en le considérant comme un processus préparé par une phase pré-œuvre, élaboré en une phase poïétique et aboutissant à l'émergence d'une entité-signe porteuse de sens. La phase pré-œuvre met à contribution les strates profondes, à savoir la strate psychoperceptive empreinte des composantes immatérielles du ressenti modal, la strate neuroesthétique impliquant les prédispositions génétiques et l'impact du milieu culturel pour une imprégnation modale et la strate d'appropriation du mode d'expression propre au langage modal. La phase poïétique s'articule ensuite autour de l'évolution des strates d'influence constituées d'une strate des facteurs motivationnels, d'une strate permettant l'acheminement vers une amorce de l'œuvre et d'une strate de transduction aboutissant à l'œuvre. Après l'étude de la phase pré-œuvre et de la phase poïétique, nous entreprendrons une analyse sémiotique de l'œuvre en tant qu'entité-signe porteuse d'une mosaïque de sens. / On the invisible thread connecting the three-dimensional temporality of the ancestral, the present and the becoming, the figure of the composer looms large. At once an individual trajectory, a social crossing, a human epic, the creative act emanates from the depths of the being and from those of the social community. This research aims to be like a journey where we seek to reconstitute the path of musical telling as an expression of the being, involving both the cultural and subjective dimensions of composition, and leading to the musical work as a sign-entity. In this framework, by devoting our reflection to Arab-Muslim modal music of the oral tradition, a theory of strata will be developed to include the totality of the compositional process considered as a process prepared by a pre-work phase, elaborated into a poietic phase and leading to the emergence of a meaningful sign-entity. The pre-work phase engages deep strata, namely the psychoperceptive stratum imprinted with the immaterial components of modal feeling, the neuroaesthetic stratum implying genetic predispositions and the importance of cultural environment for modal impregnation, and the stratum of the appropriation of the expressive mode specific to modal language. The poietic phase is then organised around the development of the affluence strata constituted by a stratum of motivational factors, a stratum enabling the progression towards the onset of a work and a transduction stratum leading to the work. After the study of the pre-work phase and the poietic phase, we undertake a semiotic analysis of the work as a sign-entity carrying a mosaic of meanings.