Basée sur le principe que la chanson est aussi un art de la scène, la recherche est dédiée à l'analyse des performances scéniques de la chanteuse brésilienne Mônica Salmaso et de l'auteur-compositeur-interprète portugaise Maria João. Afin de comprendre la force poétique particulière d'un concert de chansons, l'étude tente de percevoir les différences et les approximations entre les procédures scéniques des artistes lors des présentations réalisées dans le cadre du Projeto Unimúsica de la Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Ce travail a comme concepts centraux la notion de geste, telle que proposée par Paul Zumthor – le geste, ici, fait référence au mouvement ou à l'attitude corporelle qui trouve son équivalent dans une certaine production de voix et vice versa; unis, ils projettent dans l'espace de performance le corps de celui qui chante (ZUMTHOR, 2005, 2010) – et le grain de la voix, presenté par Roland Barthes (2007, 2009) – mixte de timbre et de langage, matérialité corporelle qui fait vivre la parole chantée. Geste et grain sont également abordés sous la perspective d’une pensée contemporaine de la danse à travers les réflexions de Christine Roquet (2011, 2013), Isabelle Launay (2004, 2012) et Laurence Louppe (2004, 2012) et mis en rapport avec l'idée de vocalité suggérée par Mirna Spritzer (2010, 2016) et de gestuelle orale évoquée par Luiz Tatit (2002). La méthodologie comprend, outre la collecte de documents (des disques, des enregistrements vidéo, des interviews et des témoignages imprimés ou enregistrés), l'observation de concerts, la réalisation d’entretiens ainsi que l'analyse des documents selon les cadres théoriques choisis. / A partir da premissa de que a canção é também uma arte da cena, a pesquisa se dedica à análise das performances de palco da cantora brasileira Mônica Salmaso e da cantora e compositora portuguesa Maria João. Para compreender a especial força poética de um concerto de canções, o estudo procura perceber as diferenças e aproximações entre os procedimentos cênicos das artistas, privilegiando as apresentações realizadas no Projeto Unimúsica da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. O trabalho tem como conceitos centrais a noção de gesto, tal como é proposta por Paul Zumthor – gesto, aqui, diz respeito ao movimento ou à atitude corporal que encontra seu equivalente em uma certa produção de voz e vice-versa; unidos, eles projetam no espaço da performance o corpo daquele daquela que canta (ZUMTHOR, 2005, 2010) –, e o instigante grão da voz, de Roland Barthes (2007, 2009) – misto de timbre e linguagem, materialidade do corpo que dá vida à palavra cantada. Gesto e grão são também abordados pela perspectiva do pensamento contemporâneo da dança através das reflexões de Christine Roquet (2011, 2013), Isabelle Launay (2004, 2012) e Laurence Louppe (2004, 2012) e relacionados à ideia de vocalidade sugerida por Mirna Spritzer (2010, 2016) e à de uma gestualidade oral, evocada por Luiz Tatit (2002). A metodologia contempla, além do mapeamento documental (discos, registros em vídeo, entrevistas e depoimentos impressos ou gravados), a observação de concertos, a realização de entrevistas e a análise dos documentos de acordo com os referenciais teóricos escolhidos.

Submitted by Everton Barbosa (semusico@hotmail.com) on 2016-09-01T18:00:30Z No. of bitstreams: 1 Barbosa, Everton Vieira.pdf: 3208344 bytes, checksum: 96ada751c04bdd21a216c4950065a305 (MD5) / Approved for entry into archive by Juliano Benedito Ferreira (julianoferreira@reitoria.unesp.br) on 2016-09-02T19:17:36Z (GMT) No. of bitstreams: 1 barbosa_ev_me_assis.pdf: 3208344 bytes, checksum: 96ada751c04bdd21a216c4950065a305 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-02T19:17:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 barbosa_ev_me_assis.pdf: 3208344 bytes, checksum: 96ada751c04bdd21a216c4950065a305 (MD5) Previous issue date: 2016-08-05 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Au milieu du XIXe siècle, la ville de Rio de Janeiro, siège de la Cour Impériale, a été le scène d'une intense circulation des périodiques imprimés. Dans ce contexte, une femme a fondé le périodique O Jornal das Senhoras (1852 - 1855) dont l'objectif était l'émancipation morale et l'amélioration sociale femelle, par l'éducation. Différent d'autres périodiques, organisées par les hommes, ce journal a été dirigé par les femmes - Joanna Paula Manso de Noronha (1819-1875), Violante Atabalipa Ximenes Bivar e Vellasco (1817-1875) et Gervasia Nunezia Pires dos Santos Neves (1824-1872) - et destiné le public féminin, permettant un dialogue direct entre eux. En plus de publient leur sentiments et sensations, pratiques et expériences, elles ont également rapporté leurs goûts et choix, les coutumes et les espaces de sociabilité fréquentés. Parmi ces espaces, elles ont visité les établissement de la mode, la beauté, les librairies, les cafés, les dîners, les danses, les musées, les parcs, les clubs de loisirs, les théâtres et les sociétés musicales. Attentif à les sites où la musique a été entendu, exécuté et ressenti, ces femmes ont également rapporté dans les pages de périodique les sonorités qu'elles ont été témoins, jetant une scène musicale de Rio imprimé. En ce sens, le présent travail vise à identifier la scène musicale de Rio dans la perspective du O Jornal das Senhoras (1852 - 1855). / Na metade do século XIX, a cidade do Rio de Janeiro, sede da Corte Imperial, foi o palco de uma intensa circulação de impressos periódicos. Neste contexto, uma mulher fundou o periódico O Jornal das Senhoras (1852-1855) cujo objetivo foi a emancipação moral e melhoramento social feminino, por meio da educação. Diferente dos demais periódicos, organizados por homens, este jornal foi dirigido por mulheres – Joanna Paula Manso de Noronha (1819-1875), Violante Atabalipa Ximenes de Bivar e Vellasco (1817-1875) e Gervasia Nunezia Pires dos Santos Neves (1824-1872) - e destinado ao público feminino, possibilitando um diálogo direto entre elas. Além de publicarem seus sentimentos e sensações, práticas e experiências, elas também relataram seus gostos e escolhas, os costumes e os espaços de sociabilidade frequentados. Dentre estes espaços, elas visitaram os estabelecimentos de modas, de beleza, as livrarias, os cafés, os jantares, os bailes, os museus, os parques, os clubes de lazeres, os teatros e as sociedades musicais. Atentas aos locais onde a música foi ouvida, executada e sentida, estas mulheres também relataram nas páginas do periódico as sonoridades que presenciaram, moldando um cenário musical carioca impresso. Neste sentido, o presente trabalho tem como objetivo identificar o cenário musical carioca sob a ótica do O Jornal das Senhoras¬¬ (1852-1855). / In the mid-nineteenth century, the city of Rio de Janeiro, the Imperial Court base, was the scenario of an intense circulation of printed periodicals. In this context, a woman founded the periodic O Jornal das Senhoras (1852-1855) whose objective was the moral emancipation and female social improvement, through education. Differently from others periodicals, which were run by men, this newspaper was run by women - Joanna Paula Manso de Noronha (1819-1875), Violante Atabalipa Ximenes Bivar e Vellasco (1817-1875) and Gervasia Nunezia Pires dos Santos Neves (1824-1872) - and it was designed to reach a female public, offering them a direct dialogue among other women. Besides publishing their feelings and sensations, practices and experiences, they also expressed their tastes and choices, costumes and the sociability spaces frequented. Among these places, they visited fashion and beauty establishments, book stores, coffee shops, dinners, balls, museums, parks, recreational clubs, theaters and musical societies. Attentive to places where music had been listened to, played at and felt, these women also reported in the pages of the periodic the sonorities they came across, shaping the printed carioca musical scenario. Therefore, the current study aims to identify the carioca musical scenario through O Jornal das Senhoras (1852-1855) views. / FAPESP: 2013/15555-8

Submitted by Fernando Henrique Bononi Verga (fernando.jornalista@hotmail.com) on 2018-09-13T15:18:05Z No. of bitstreams: 1 MESTRADO VERSÃO FINAL.docx: 9189974 bytes, checksum: 29339496b1219b1498511af60925970d (MD5) / Rejected by Lucilene Cordeiro da Silva Messias null (lubiblio@bauru.unesp.br), reason: Solicitamos que realize uma nova submissão seguindo as orientações abaixo: 1 - O formato do arquivo deve ser em PDF. Agradecemos a compreensão on 2018-09-14T12:59:08Z (GMT) / Submitted by Fernando Henrique Bononi Verga (fernando.jornalista@hotmail.com) on 2018-09-14T18:24:38Z No. of bitstreams: 1 MESTRADO VERSÃO FINAL.pdf: 4497219 bytes, checksum: 55da3c3f476f9427ecd58c594330f2cf (MD5) / Approved for entry into archive by Lucilene Cordeiro da Silva Messias null (lubiblio@bauru.unesp.br) on 2018-09-18T12:31:31Z (GMT) No. of bitstreams: 1 verga_fhb_me_bauru.pdf: 4396149 bytes, checksum: 4c3311752700bd81b53f54fd6a536680 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-18T12:31:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 verga_fhb_me_bauru.pdf: 4396149 bytes, checksum: 4c3311752700bd81b53f54fd6a536680 (MD5) Previous issue date: 2018-08-22 / Este estudo mostra como o Romantismo alemão influenciou e moldou uma geração de filmes que se transformaram em ícones da cinematografia mundial e constituíram um gênero próprio de seu tempo, o expressionismo. Através da metodologia de análise cinematográfica de Vanoye e Goliot-Lété, apoiada pela concepção de contextualização histórica de Marc Ferro, apresenta-se uma leitura dos aspectos românticos presentes nos filmes O Gabinete do Dr. Caligari (1919), de Robert Wiene, O Golem – Como veio ao mundo (1920), de Paul Wegener, e Nosferatu (1922), de F. W. Murnau. A análise evidencia que essa influência está presente em todos os aspectos dos filmes, sendo notada nas narrativas, na estética e no uso das técnicas cinematográficas, construindo uma mise-en-scène que estabelece uma atmosfera para cada obra e revela uma crítica em relação à modernidade. / This study shows how Romanticism influenced and shaped a generation of movies that became icons of the world cinematography and constituted a genre of its time, the expressionism. Through Vanoye and Goliot-Lété film analysis methodology, supported by Marc Ferro’s conception of historic contextualization, it presents an interpretation of the romantic aspects present on the following movies: The Cabinet of Dr. Caligari (1919), by Robert Wiene, The Golem (1920), by Paul Wegener, and Nosferatu (1922), by F. W. Murnau. The analysis evince that this influence is present in all aspects of the movies, being noted in narrative, aesthetics and in the use of cinematography techniques, building a mise-en-scène that creates an atmosphere for each work and reveals a criticism about the modern times.

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The present research aims to think about the film Stalker, by the Russian director Andrei Tarkovski, from the concept of experience of the philosopher Walter Benjamin. The study was based on the analysis of the film's mise-en-scène, in order to think of it as a power to break the automatism and to perceive the images as a way of "feeling" life - a concept present in the reflection text of Viktor Chklovsky Art as procedure / Submitted by José Ricardo da Rocha Cacciari (jose.cacciari@unisul.br) on 2017-10-27T22:55:44Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) Stalker, de Andrei Tarkovski, e a Mise-en-scène cono forma de experiência.pdf: 2448360 bytes, checksum: 90f377f87116b0361920f7cd899a0cf2 (MD5) / Approved for entry into archive by Karina Ramos Wagner (wagner.karina@unisul.br) on 2017-11-06T10:46:31Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) Stalker, de Andrei Tarkovski, e a Mise-en-scène cono forma de experiência.pdf: 2448360 bytes, checksum: 90f377f87116b0361920f7cd899a0cf2 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-11-06T10:46:31Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) Stalker, de Andrei Tarkovski, e a Mise-en-scène cono forma de experiência.pdf: 2448360 bytes, checksum: 90f377f87116b0361920f7cd899a0cf2 (MD5) Previous issue date: 2017 / A presente pesquisa tem como objetivo pensar o filme Stalker, do diretor russo Andrei Tarkovski, a partir do conceito de experiência do filósofo Walter Benjamin. O estudo se pautou pela análise da mise-en-scène do filme, de forma a pensá-la como potência de quebra do automatismo e de percepção das imagens como forma de “sentir” a vida - conceito presente no texto de reflexão de Viktor Chklovski A arte como procedimento.

La thèse porte sur la maladie mentale dans les écritures dramatiques contemporaines d’expression française ainsi que son incidence sur la mise en scène. Le théâtre s’est toujours intéressé à la maladie mentale, et pour certains chercheurs l’art dramatique va même trouver son origine dans celle-ci, à travers des rituels consacrés à la transe et aux rêves. Après un rappel des grands « fous » qui peuplent l’histoire du théâtre européen, que ce soit dans les tragédies grecques, le théâtre shakespearien ou le théâtre classique (nous verrons ainsi que la « folie » sur scène est un thème qui a traversé les siècles), nous nous focaliserons sur une période d’ « ultra-contemporanéité » : en effet, l’essentiel de la thèse portera sur des pièces ne remontant pas au-delà du début des années quatre-vingt. Cela nous permettra de voir que malgré la démocratisation de la psychanalyse, de la psychiatrie et de la psychologie, toutes ces disciplines restent fascinantes et un peu mystérieuses, et que les auteurs aiment à manipuler l’ambigüité entre maladie mentale et originalité du comportement. / The thesis is about mental disorders in French contemporary drama as well as their representations on stage. Theatre has always been concerned by mental diseases and for some researchers origins of the dramatic art have to be found in rituals and dreams. After a recall of the most famous “fools” presents in the history of European drama (Greek tragedies, Shakespeare’s plays or classic French drama) – we will see that “madness” is a long-lasting theme. We will focus on contemporary period: in fact, this thesis studies plays which were written since the beginning of the eighties. We could see that, despite the democratization of psychoanalyse, psychiatry and psychology, they all remain mysterious and fascinating. Playwrights like to use ambiguities about mental disorders and original behaviour.

L’objet de cette étude est de dégager une idée de scène de l’écriture théâtrale de Beckett. L’interrogation est suscitée par la place particulière que semble occuper l’oeuvre dans le champ théâtral, que l’on pense aux dramaticules qui remettent en cause le partage du « théâtre de texte » et de ce que l’on approche plutôt aujourd’hui à travers l’idée de « performance », ou au fait que « le cas Beckett » est souvent convoqué pour exemplifier les rapports difficiles entre texte et mise en scène. On propose de penser que ces singularités sont les symptômes d’une entreprise plus radicale de mise en crise de la catégorie de l’incarnation qui informe implicitement une certaine compréhension du fait théâtral. L’exploration des assises philosophiques du refus beckettien de l’incarnation, et l’étude de la manière dont la poétique dramatique de l’écrivain met en volume, à divers niveaux, un conflit entre « la vie » et « l’abstrait », là où l’art théâtral est habituellement décrit comme reposant sur leur fusion, permettront de dégager, au croisement du théâtre et de la philosophie, des motifs théoriques qui travaillent en profondeur la conception traditionnelle de la scène, et de dessiner une autre idée, beckettienne, de scène. Qualifier l’apparition scénique des pièces de l’écrivain sera donc, simultanément, l’occasion d’envisager l’écriture théâtrale en d’autres termes, et notamment loin de l’opposition du texte et de la scène. / This work aims to define an idea of the stage through the study of Beckett’s dramatic texts. Our line of enquiry arises from the unusual position of his works within the theatrical field : whether one calls to mind the short plays which do not fit the division into « text-based theatre » and what is more commonly approached today through notions of « performance », or the fact that « the case of Beckett » is often evoked to exemplify the problematic relations that can exist between text and stage direction. We put forward the hypothesis that these particularities are the symptoms of the way Beckett’s plays undertake more radically to jeopardise the categories of incarnation and embodiment on which a certain understanding of theatre is grounded. Exploring the philosophical bases of Beckett’s refusal of incarnation/embodiment, and studying the way his poetics on various levels acts so as to throw into relief a conflict between « the living » and « the abstract », when dramatic art is usually described as their fusion, allows us to shed light on theoretical patterns shaping the traditional conception of the theatre, and to put forward another idea, a Beckettian idea, of the stage. Describing the way his plays conceive of scenic apparition will then also be a way to think of writing for the theatre in other terms, ones far removed from the opposition of text and stage.

Bernard-Marie Koltès, est l’un des dramaturges français de la fin de XXème siècle les plus joués dans le monde. Son théâtre se définit par une violence omniprésente. Celle-ci s’exerce à la fois envers ses personnages, mais aussi ses spectateurs et prend plusieurs formes : celles du langage, du temps et de l’espace. Cette recherche s’appuie sur un corpus aux multiples formes puisque nous considérons son théâtre comme un « art total ». Nous utiliserons donc des documents annexes issus de l’art plastique, de la peinture, de la musique, de la danse et de la photographie. Pour approfondir notre sujet, nous allons également nous appuyer sur des entretiens avec François Koltès, le frère et ayant-droit de l’auteur, mais aussi avec des metteurs en scène comme Bruno Boëglin ou Philip Boulay et des comédiens comme Clément Bresson, Ismail ibn Conner. Étant d’origine turque, je me suis intéressée aussi à son influence sur le théâtre turc et notamment dans l’oeuvre de Bu!ra Gülsoy, Pragma, qui, comme Roberto Zucco de Koltès, cherche à dévoiler la personnalité des tueurs en série. / Bernard-Marie Koltès is one of the most performed French playwrights of the late twentieth century in the world. His theatre is defined by a violence omnipresent. In fact, this violence is applied on characters on stage and also on the audiences and takes various forms: language, time and space. Since we consider Koltès’ theater as a ‘total art’, we will base this study on a corpus with multiple forms. As well as we will use additional documents from plastic arts, painting, music, dance and photography. In order to study the subject in depth, we will also base our research on the interviews with Koltès’ brother and rights holder, François Koltès;also with stage directors such as Bruno Boëglin, Philip Boulay and actors Clément Bresson, Ismail ibn Conner. Turkish in origin, I am interested in his influence on Turkish theater, especially on Bu!ra Gülsoy’s work, Pragma. In his work, Bu!ra Gülsoy, as we come across extremely in Koltès’ work, Roberto Zucco, tries to reveal the personality of serial killers and their perception of violence.

Le sujet central de cette recherche est une investigation sur le statut de la fiction dans le théâtre occidental contemporain. En ligne avec les transformations sociales de son temps, les contours du théâtre ont perdu de leur netteté. En ce moment de mise en question radicale, la permanence, la mutation ou la disparition de la fiction est l’une des caractéristiques principales pour la reconfiguration de l’art théâtral. En diagnostiquant l’environnement de méfiance par rapport aux méthodes et résultats de la représentation, nous avons étudié ce nouveau lieu qu’occupe, ou peut occuper, la fiction théâtrale. Par le débat théorique et par l’analyse des expériences théâtrales des trois dernières décennies, nous avons identifié une préoccupation avec le réel et avec l’innovation formelle qui ne sont pas incompatibles avec un projet théâtral critique. / The main subject of this research is the investigation on the role of fiction in western contemporary theatre. In line with the social changes of our times, theatre has lost its clear definition. At a time of radical questioning, the mutation or disappearance of fiction is central in the discussions around the definition of theatrical art. To understand an environment of disbelief in methods and results of representation, we research into a potential new place that theatrical fiction occupies [or can occupy]. Through the theoretical debate and analysis of theatrical experiences of last the three decades, we identify a concern with the real, and formal innovations that are not incompatible with a critical theatrical project.

Parce qu’elle se donne comme un discours ancillaire chargé d’actualiser le dialogue et de construire la représentation, parce qu’elle semble empiéter sur le terrain réservé du metteur en scène mais ne peut égaler la magie du spectacle, parce qu’elle n’est ni vraiment littéraire ni réellement scénique, la didascalie est longtemps restée le parent pauvre des études théâtrales. Depuis quelques années, elle fait l’objet d’un engouement relatif. D’une part, des études linguistiques décrivent le fonctionnement standard du discours didascalique en synchronie.D’autre part, des études critiques éclairent les poétiques didascaliques d’auteurs en s’intéressant particulièrement aux infractions par rapport à une pure fonctionnalité supposée.Dans cette thèse, nous cherchons à dépasser cette approche clivée en fournissant une poétique générale de la didascalie et, afin de lui donner sens, poids et nuance, nous l’ancrons résolument dans l’histoire en nous fondant sur le théâtre du XXe siècle, de Villiers à Koltès, soit un XXe siècle élargi, solidement ancré dans le XIXe et les yeux déjà tournés vers le XXIe. C’est le moment où la didascalie se redéfinit du fait de l’avènement et de la prise de pouvoir du metteur en scène, le moment où elle sort spectaculairement de son ornière sans pour autant pouvoir ou vouloir se débarrasser totalement d’un fond utilitaire. Elle apparaît alors sans conteste comme une parole boitant "un pied dans le devoir, un pied dans le désir", une parole icarienne tendue entre des catégories théoriquement exclusives. Dans une première partie, nous posons le format du discours didascalique, son territoire,son fonctionnement énonciatif (c’est-à-dire la place exacte qu’il occupe dans la communication dramatique) et ses caractéristiques graphiques (ponctuation, typographie, mise en page). Dans une seconde partie, c’est la fabrique même de l’écriture didascalique qui est étudiée, c’est-à-dire sa tension constitutive entre le pacte qui la régit (clarté, économie) et sa fondamentale aspiration à devenir (devenir-spectacle, devenir-poème, devenir-roman…). / Because they seemingly have to make the dialog work as well as to construct theperformance, because they seem to encroach upon the director’s grounds and yet cannot level with the magic of the actual staging, because they are not a real piece of literature nor do they belong to the show, the stage directions have long been overlooked by theater studies. In the past few years, a mild interest has arisen. On the one hand, linguists describe in a synchronic fashion the generic features of this particular type of discourse. On the other hand, critics wish to seize the specificity of each author’s stage directions, with an emphasis on the breaches of their theoretical functional purity.In this thesis, we intend to go beyond this fragmented approach by offering an overall poetics of stage directions and, in order for it to carry meaning, weight and nuance, we choose to base it on history and, specifically, on XXth century theater, from Villiers to Koltès, an enlarged century, deeply rooted in the XIXth and already glancing at the XXIst. It is then that stage directions redefine themselves as a result of the advent of the director and his coming to power ;it is then that they spectacularly travel out of joint but appear, nonetheless, incapable or unwilling to get rid altogether of their fundamental usefulness. Unequivocally, they prove to be a form of speech limping “one foot in duty, on foot in desire”, an icarian discourse reconciling what is theoretically opposed.This study starts with the format of the stage directions, their territory, their enunciation (i.e. the exact role they play in the dramatic communication), their graphic characteristics (punctuation, typography, lay-out). Then, we investigate the very fabric of stage directions writing, the perpetual tension between the pact that rules them (clarity, economy) and a fundamental drive to become something else (to become stage, to become poem, to become novel…).