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Improvisation et dramaturgie, l’« Improturgie » en Tunisie : poïétique de l’œuvre en devenir à l’exemple d’Otages par le Théâtre organique / “Improturgie” in Tunisia, improvisation and dramatical : poïétique work in progress in exemple of Otages by Organic theatreBesbes, Fehmi 27 November 2014 (has links)
L’objet de cette étude est d’interroger la place de l’improvisation dans la création théâtrale tunisienne, depuis ses origines – où elle apparaît dans des formes parathéâtrales, (el-Fdawi le conteur solo, Jha le blaguer sage, le théâtre d’ombre, etc.), jusqu’à nos jours. L’accent est mis sur les rapports organiques entre improvisation et dramaturgie, dans la formation et la création théâtrales en Tunisie, durant les dernières décennies. La notion d’"improturgie", qui traverse toute la thèse, rend compte d’une poïétique propre à de nombreux créateurs – tels Ezzeddine GANNOUN et Fadhel JAÏBI – qui consiste à construire une œuvre à partir du travail de plateau, à la recherche d’une écriture dramatique qui témoigne du contexte historique, culturel, social, idéologique et politique dans lequel elle s’inscrit. En l’absence d’un répertoire dramatique, l’"improturgie" apparaît ainsi non seulement comme un moteur d’activation dramaturgique sur la voie d’un théâtre militant – luttant contre l’impérialisme d’État et contre toute forme d’intégrisme – mais aussi comme un laboratoire de recherche pour des formes théâtrales encore inédites dans le monde arabo-musulman. / The subject of this study is to investigate the place of improvisation in the Tunisian theatrical creation since its inception, as it appears in many paratheatrical forms (such as el-fedawi, the solo storyteller, Jha, the wise joker, underground theatre, etc.), until nowadays. The focus is laid on the organic relationship between improvisation and dramatic art in Tunisian theatrical formation and creation throughout the last decades. The concept of "improturgie", which spans the whole dissertation, accounts for a poietic which is specific to particular playwrights such as Ezzeddine GANNOUN and Fadhel JAÏBI, and consists of making a play by drawing on the work on stage in the search for a playwrighting which reflects the historical, cultural, social, ideological and political context of the play. In the absence of a dramatic directory, "improturgie" appears not only as a catalyst towards a militant drama – fighting against state imperialism and all forms of fundamentalism – but also as a research laboratory for more novel theatrical forms in the Arab and Muslim worlds.
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Danse et nouvelles technologies vers d'inédites écritures chorégraphiques / Dance and new technologies toward new choreographic writingsFritz, Vivian 05 June 2015 (has links)
Les avancées technologiques, principalement au niveau des télécommunications, interrogent les formes de relation et les transferts d’informations dans le monde actuel. La danse contemporaine, affectée par l’usage des technologies sur la scène (image vidéo, internet, logiciel), voit se modifier les manières de chorégraphier. Si les éléments de base de la création chorégraphique, à savoir le corps dansant, l’espace scénique et le temps de la danse, sont transgressés par l’usage des technologies de la télécommunication (téléprésence), comment les chorégraphes pensent-ils et écrivent-ils la danse en incluant ces nouveaux paramètres ? Que peut perdre ou gagner la danse ? Assistons-nous à l’éveil d’une nouvelle danse, ou à l’émergence d’un autre art ? La redéfinition du corps dansant, en interaction avec son espace et son temps, se trouve au centre de cette recherche. Un projet pratique sous forme d’un laboratoire de création chorégraphique multidisciplinaire, Seuil-Lab, est proposé comme méthodologie de travail pour l’analyse théorique de cette recherche. / Technological advances, especially in telecommunications, call into question relationship modes and information transfers in today’s world. Contemporary dance has been affected by the use of technologies on stage (image, video, internet, software), which has modified choreographic practices. If the basic elements of choreographic creation - namely the dancing body, scenic space and dance time – are infringed upon by the use of technology and telecommunication (telepresence), how can choreographers think and write including these new parameters ? What can dance gain or lose ? Are we witnessing the dawn of a new dance, or the surfacing of a new art ? The redefinition of the dancing body, which interacts with its space and time, is at the core of this research. As a working methodology for the theoretical analysis of this research, we propose Seuil-Lab, a hands-on project in the form of a multidisciplinary choreographic creation lab.
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Les Avatars et les métaphores de la figure humaine dans les spectacles contemporains de la marionnette / Avatars and metaphors of the form in contemporary works of puppetryBonnetier, Stanka 10 December 2011 (has links)
Cette thèse, relevant de la problématique des avatars et des métaphores de la figure humaine et deses multiples représentations scéniques, interroge les créations contemporaines de la marionnette. Elle a pourpoint de départ la pratique de la marionnette et la place conférée à la figure dans les dispositifs scéniques.Fondés sur des confluences des figures animées et des images de synthèse, les dispositifs contemporains issusdes nouvelles techniques de l’image et du son ont permis de dépasser la structure traditionnelle de lamarionnette. A mi-chemin entre poupée et forme raffinée, la marionnette dépasse ses contours et ouvre vers denouvelles représentations scéniques : des ombres, des doubles virtuels, des avatars de synthèse, pouvant êtretransformés et évolués en temps réel. Toutes ses représentations posent la question de l’incarnation. Ainsi lafigure de l’avatar se présente comme un possible prolongement de la marionnette. Les outils technologiquespermettent une nouvelle manière de former, d’élaborer la figure. Ils offrent une infinie possibilité de ladédoubler, de la multiplier, de la répliquer. Dans ce geste répétitif la figure tend progressivement vers uneffacement de ses contours. Loin de la forme anthropomorphique, elle symbolise le plus souvent une idée, unconcept, un mot en jouant sur l’essence de la matière et les agencements plastiques d’objets et de matières.Quant aux possibles dédoublements de l’interprète réalisés grâce aux technologies de l’image et du son, lecorps vivant en chair et en os se démultiplie dans des figurations comme les ombres, les reflets et les doublesvirtuels. Ces derniers deviennent un indice, une icône de notre présence. La démultiplication spatiale etcorporelle de leur présence iconique fait scintiller les nombreux subterfuges d’une ruse scénique. Car cettenouvelle figure, construite par les jeux d’illusions et de leurres qu’autorise l’usage du numérique effaceprogressivement les contours traditionnels de la figure humaine en brouillant les pistes d’une identificationtangible. Ces nouvelles figures se présentent comme des images décalées et sont une véritable invitation àpenser l’absence et la présence, l’apparition et la disparition. La figure s’ouvre à une interprétation multiple etoffre une vision différée en interrogeant la place de l’humain dans notre société. Les dispositifs scéniques quiabritent ces figures deviennent une véritable iconostase pour leur déploiement. Espace d’une fiction du regard,la figure compose et décompose sans cesse ses contours en offrant son image à celui qui la regarde. Lespectateur est invité à vivre une expérience oculaire en le transformant en véritable acte de voir. / This thesis studies the problematics of avatars and metaphors of the human form and its manifoldstage representations; it questions contemporary ‘creation’ in the field of puppetry. The practice of puppetryand the place bestowed on the human form in staging devices are the starting point of the study. Located at theconvergence of animated figures and of computer graphics, contemporary staging devices that stem from newtechniques of sound and video have allowed us to surpass the traditional framework of the puppet. Halfwaybetween doll and refined figure, the puppet goes beyond its outline and opens the path towards new stagerepresentations; shadows and virtual doubles, CGI avatars, which can all be transformed and developed in realtime. All its representations beg the question of incarnation. Thus the face of the avatar is presented as apossible extension of the puppet. Technological tools allow new ways of devising and developing the face. Theyoffer infinite possibilities to divide the face, to multiply and replicate it. In this repetitive gesture, the facetends gradually to be effaced of its outlines. Far from the anthropomorphic figure, it symbolises here an ideamost often, a concept, a word that underscores the essence of the material and the visual arrangement of objectsand matter. As for the potential splitting of the performer achieved thanks to new technology in video andsound, the living boy in flesh and blood multiples as shadows, reflections and virtual doubles. The latterbecome a sign, an icon of our presence. Spatial and corporeal duplication of their iconic presence makes thenumerous subterfuges involved in a staging device sparkle. Because this new figure, built from simulatedreality games and digital lures, gradually erases the traditional contours of the human form by blurring thepaths to any tangible identification. These new forms are presented as staggered images and are a realinvitation to rethinking absence and presence, appearance and disappearance. The face/form is exposed tomultiple interpretations and offers a deferred vision by questioning the place of the human being in our society. Staging devices that shelter these forms become a true iconostasis for their demonstration. The face –the space belonging to the fiction of the gaze – incessantly makes and breaks its outlines by throwing up itsimage to those who watch him. The viewer is invited to undergo an ocular experience by transforming it into atrue act of seeing.
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Du conte à la scène, l'exemple de Blanche-NeigeSibuet Vallette Viallard, Sandrine 04 1900 (has links)
Le présent mémoire de recherche-création a pour objet les réécritures théâtrales des contes. Si le conte merveilleux et le théâtre sont a priori deux genres littéraires distincts de par leur origine, leur nature et leur mode d’expression, ils présentent néanmoins des points communs qui facilitent la transgression des frontières génériques. Aussi les dramaturges se sont-ils parfois risqués à proposer des adaptations de contes merveilleux pour le théâtre. C’est par exemple le cas de Joël Pommerat, qui a récemment proposé des transpositions scéniques de trois contes traditionnels, revisitant et actualisant thèmes et personnages.
Dans cet essai, je m’intéresse tout d’abord aux éléments qui favorisent la réécriture théâtrale des contes. Je m’interroge ensuite sur la manière dont Pommerat, qui fonde sa réflexion sur les apports de la philosophie, de la sociologie et de la psychanalyse, prépare ses spectacles ; ce que j’illustre en mettant en lumière la méditation menée par l’auteur sur le travail du deuil dans son spectacle Cendrillon. À l’instar de Pommerat, je présente enfin une étude psychanalytique des personnages du conte Blanche-Neige des frères Grimm.
La création que je propose consiste en une transposition théâtrale du conte Blanche-Neige des frères Grimm, qui déplace situations et personnages dans le monde contemporain de l’entreprise. / The purpose of this research-creation master thesis is to rewrite the theatrical aspects of the fairy tales. While storytelling and theatre are a priori two literary genres distinct in origin, nature and mode of expression, they nevertheless share common qualities that facilitate the transgression of generic boundaries. So playwrights have sometimes ventured to offer adaptations of fairy tales for the theatre. This is the case, for example, of Joël Pommerat, who recently proposed scenic transpositions of three traditional fairy tales, revisiting and updating themes and characters.
In this essay, I am first interested in the elements that promote the theatrical rewriting of fairy tales. I then ask myself how Pommerat, who bases his reflection on the contributions of philosophy, sociology and psychoanalysis, prepares his shows ; what I illustrate by highlighting the author's reflections on the work of mourning in his play Cinderella. Like Pommerat, I finally present a psychoanalytical study of the characters in the Grimm brothers' Snow White tale.
The creation I propose consists of a theatrical transposition of the Grimm brothers' Snow White tale, which moves situations and characters into the contemporary world of business.
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Les imbroglios d'une communication exolingue comme véhicule humoristique. Une recherche-création performativeChamberland, Marie-Claude 03 1900 (has links)
Mémoire en recherche-création / Cette recherche-création est consacrée à l’humour plurilingue, c’est-à-dire de l’humour généré par la juxtaposition de deux (ou de plusieurs) langues. Elle comporte deux œuvres originales relevant de cette thématique, consistant en un enchevêtrement d’allemand, d’anglais et de français. Chacune d’elles est analysée par le biais des concepts élaborés par le chercheur Dirk Delabastita pour catégoriser les jeux de mots polyglottes, ainsi que selon les principes de comédie et de jeux de langage élaborés par Henri Bergson et Pierre Guiraud. Il s’agit ainsi de comprendre quels sont les mécanismes susceptibles de générer le rire dans une performance scénique exolingue (lorsque la maîtrise d’une langue est inégale entre un artiste et son public), et, par le fait même, de les mettre en application dans les œuvres créées dans le cadre du présent mémoire.
Marie-Claude Chamberland, autrice de cette recherche-création, est une comédienne, artiste de cirque, clown et chanteuse d’opéra performant ses numéros de comédie clownesque sur plusieurs scènes internationales, notamment dans des cabarets circassiens en Allemagne, en Autriche et en Suisse. La première œuvre de cette recherche-création, intitulée Poème, a déjà été présentée devant public au Palazzo Colombino de Bâle, en Suisse, en 2022 et 2023. Elle consiste en un numéro clownesque dans lequel un personnage récite un poème en anglais et demande à son partenaire (qui éprouve des difficultés en allemand) de le traduire phrase par phrase en allemand pour le public germanophone. Il va sans dire que l’humour issu de cette scène tient du fait que les traductions sont des plus malhabiles. Ainsi, dans le sillage de Delabastita, Marie-Claude s’intéresse ici, non pas à la traduction de l’humour comme telle, mais bien à la traduction en tant que véhicule humoristique. La deuxième œuvre, Tisch, consiste en une réflexion tenue en allemand sur la très grande variété de « tables » existant dans le lexique allemand. Le mot Tisch signifie certes « table », mais cette syllabe se retrouvant également à la fin de nombreux adjectifs allemands (« enthusiastisch »), l’humour naît ici de la décortication des termes, en faisant fi de la sémantique, et de ce jeu de langage émanent des types de tables dont aucun germanophone ne pouvait suspecter l’existence. / This research-creation is devoted to plurilingual humor, i.e. humor generated by the juxtaposition of two (or more) languages. It includes two original works on this theme, consisting of a jumble of German, English and French. Each is analyzed using concepts developed by researcher Dirk Delabastita to categorize polyglot puns, as well as the principles of comedy and language play developed by Henri Bergson and Pierre Guiraud. The aim is to understand the mechanisms likely to generate laughter in an exolingual stage performance (when the mastery of a language is unequal between a performer and his audience), and, by the same token, to apply them to the works created in this context.
Marie-Claude Chamberland, author of this research-creation, is an actress, circus artist, clown and opera singer who performs her clownish comedy acts on several international stages, notably in circus cabarets in Germany, Austria and Switzerland. The first work of this research-creation, entitled Poème, has already been presented to the public at the Palazzo Colombino in Basel, Switzerland, in 2022 and 2023. It consists of a clown act in which one character recites a poem in English and asks his partner (who has difficulty in German) to translate it sentence by sentence into German for the German-speaking audience. Needless to say, the humor in this scene stems from the fact that the translations are extremely clumsy. So, following on from Delabastita, Marie-Claude's interest here is not in the translation of humor as such, but in translation as a vehicle for humor. The second work, Tisch, is a German-language reflection on the wide variety of “tables” in the German lexicon. Tisch does indeed mean “table”, but this syllable is also found at the end of many German adjectives (“enthusiastisch”), so the humor here comes from deconstructing the terms, disregarding semantics, and from this play on language emanates types of tables that no German speaker could have suspected existed. / Diese kreative Forschungsarbeit ist dem mehrsprachigen Humor gewidmet, d. h. dem Humor, der durch das Nebeneinander von zwei (oder mehreren) Sprachen entsteht. Sie umfasst zwei Originalwerke zu diesem Thema, die aus einer Mischung von Deutsch, Englisch und Französisch bestehen. Jedes dieser Werke wird anhand von Konzepten analysiert, die der Forscher Dirk Delabastita zur Kategorisierung polyglotter Wortspiele entwickelt hat, sowie anhand der von Henri Bergson und Pierre Guiraud entwickelten Prinzipien der Komik und der Sprachspiele. Es geht also darum, die Mechanismen zu verstehen, die in einer exolingualen Bühnenperformance (wenn die Beherrschung einer Sprache zwischen einem Künstler und seinem Publikum ungleich ist) Lachen erzeugen können, und sie dadurch in den in diesem Rahmen geschaffenen Werken anzuwenden.
Marie-Claude Chamberland, die Autorin dieses kreativen Forschungsprojekts, ist Schauspielerin, Zirkusartistin, Clownin und Opernsängerin, die ihre clownesken Komödiennummern auf mehreren internationalen Bühnen aufführt, insbesondere in Zirkuskabaretts in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Das erste Werk dieser kreativen Forschungsarbeit mit dem Titel Poème wurde bereits 2022 und 2023 im Palazzo Colombino in Basel, Schweiz, vor Publikum präsentiert. Es besteht aus einer Clown-Nummer, in der eine Figur ein Gedicht auf Englisch vorträgt und ihren Partner (der Schwierigkeiten mit der deutschen Sprache hat) bittet, es Satz für Satz für das deutschsprachige Publikum ins Deutsche zu übersetzen. Es versteht sich von selbst, dass der Humor, der sich aus dieser Szene ergibt, auf die Tatsache zurückzuführen ist, dass die Übersetzungen höchst ungeschickt sind. In Anlehnung an Delabastita befasst sich Marie-Claude hier also nicht mit der Übersetzung von Humor als solcher, sondern mit der Übersetzung als humoristisches Vehikel. Das zweite Werk, Tisch, beruht auf einer auf Deutsch gehaltenen Reflexion über die sehr große Vielfalt an ‘Tischen’, die es im deutschen Vokabular gibt. Das Wort Tisch beschreibt zwar den Gegenstand ‘Tisch’, da diese Silbe aber auch am Ende vieler deutscher Adjektive vorkommt (‘enthusiastisch’), entsteht der Humor hier aus der Zerlegung der Begriffe unter Vernachlässigung der Semantik. Aus diesem Sprachspiel ergeben sich Tischtypen, von denen kein Deutschsprachiger je etwas ahnen würde.
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Le "pour de vrai" et le "vrai" en art performance : fiction vs trace / The "Like true" and the"True" in performance art : Fiction Vs TraceLagouarde, Clément 04 July 2018 (has links)
L’art performance est un art contemporain difficile à définir. Néanmoins il peut se décrire par l’action d’un artiste de performance qui, à la différence du théâtre traditionnel, se présente lui-même devant un public, s’infligeant parfois de véritable blessure. Cet art questionne le « pour de vrai » et le « vrai ». En le comparant au théâtre il semble moins fictif car les blessures est le sang sont « vrais », et sa trace (captations vidéos, captations sonores, photographies, objets, croquis, écrits, etc.) le prouve. La fiction et la trace paraissent opposées, là où la première est une invention (le « pour de vrai ») l’autre est un élément pérenne d’une action vécue (le « vrai »), l’art performance permettrait alors de penser ces deux notions non plus comme opposés mais comme corrélatives. L’art performance présente sa trace comme un élément pérenne d’une action plus ou moins inventée : le « vrai » dont la frontière avec le « pour de vrai » peut être questionné. Cette thèse argumente ces hypothèses à travers une première partie comparative entre l’art performance et l’art théâtral, avec comme problématique la fiction qui semble opposée au « vrai ». Et une seconde partie corrélative sur le possible « pour de vrai » de la trace, qui permet l’étude de trois traces épistémologiques : la mémoire, l’écriture et l’indice à travers des exemples respectifs d’artistes de performance. / Performance art is a contemporary art is hard to define but which can be described as an action made an audience by a performance artist who, in contrast to the traditional theater, is the artist himself is inflicting sometimes real physical injuries. This art questions the 'like true' and the 'true' and seems less fictitious than traditional theater because blood’s physical injuries is 'true' and that he uses his trace as evidence (video recordings, sound recordings, photographs, objects, sketches, written, etc.). If the fiction and the trace seem opposed, because the first is an invention (the "like true") the other is a sustainable living action (the ' true') element, performance art then would think these two concepts not as opposites but as Horn related. As performance art, object of study here, presents his trail as a perennial element of a more or less invented action: as the 'true' including the border with the "like true" can be questioned. This thesis argues its assumptions through a comparative part between performance art and theatrical art, with as problematic fiction that seems opposite to 'true'. And a second consequential part on the possible "like true" of the trace, which allows the study of three epistemological traces : memory, writing, and trifle through respective examples of performance artists.
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