Lo scrittore ed illustratore Antonio Rubino (1880-1964) fu artista di rilievo nel panorama letterario infantile del Novecento, prolifico nell’ideare opere connotate da forte ironia e da soluzioni espressive multimediali. La ricerca dà risalto a quanto pubblicato dall’artista sanremasco sulle pagine dei periodici per ragazzi nella prima metà del XX secolo, settore ad oggi privo di uno studio sistematico. Si tratta di un punto di vista favorevole a far emergere i contenuti trasmessi dall’autore al destinatario infantile, nonché a fare luce sul controverso rapporto con il fascismo e a tratteggiare l’evoluzione multimediale della sua produzione per l’infanzia. La definizione di una poetica rubiniana, che colga le matrici artistiche e le peculiarità ironiche della sua arte, conduce ad una riflessione educativa che interroghi la responsabilità assunta da Rubino nei confronti dell’infanzia lettrice. / The writer and illustrator Antonio Rubino (1880-1964) was a significant artist in the children’s literary panorama of the twentieth century. His works are connoted by strong irony and multimedia expressive solutions. This research is focused on Rubino’s works edited on children’s periodicals in the first half of the 20th century, a field that hasn’t been systematically studied yet by critics. This ideal point of view highlights the contents transmitted by the author to the young reader, underlines the relationship between the artist and the fascism and delineates the multimedia evolution of his children’s production. The analysis of the Rubino’s artistic thought, influenced by the contemporary trends, shows the peculiarities of his ironic style. It also guides to an educative consideration that examines the responsibilities of the author for young readers.

La tesi vuole evidenziare il carattere continuativo che l’influenza francese ha esercitato sulla moda curiale nel XVIII, fino allo scoppiare delle Rivoluzione. I primi tre capitoli, sono necessari per comprendere la nascita di questa fortuna. Lo scontro tra corona francese e corona spagnola si è caratterizzato nel XVII secolo anche come scontro di codici vestimentari. Il perdurare delle “divise” di corte maschile e femminile nel XVIII perfezionate durante la seconda metà del regno di Luigi XIV è funzionale al mantenimento del ruolo guida: riconoscendo la necessità di uniformarsi agli abiti prescritti dal cerimoniale francese, le corti si appropriano non solo di un codice vestimentario, ma di una particolare immagine della monarchia. Il monopolio francese sulla moda si basa su un’autorità che deriva innanzitutto da quella conseguita nel secolo precedente. Alla fine del Settecento il rifiuto per gli abiti strettamente di corte che coincide con la creazione di alternative che possano soddisfare l’esigenza dell’apparire curiale segue una matrice quasi strettamente femminile: capacità della corte francese è quelle di elaborare spunti provenienti da altre culture e modificarle in chiave nazionale. / The thesis wants to focus on the continuity of the French influence on the evolution of European fashion during the eighteenth century to the Revolution. The first three chapters are indispensable to understand the origin of this success. The fight between the French and the Spanish court during the sixteenth century was also a fight for the supremacy of their own fashion style. The persistence in the eighteenth century of the court dress code for man and women that was elaborated during the reign of Louis XIV was functional to the maintenance of the guide role of the French court in Europe. At the end of the century, the refusal of strictly court dresses for new kind of clothes is peculiar of the women living at the court, but the French court has the ability to invent new fashions using ideas coming from other countries.

Submitted by Oliveira Santos Dilzaná (dilznana@yahoo.com.br) on 2015-10-15T14:32:50Z No. of bitstreams: 1 Tese - Silmaria Souza Brandão.pdf: 4696730 bytes, checksum: db02d750f4a043ba2ed3a9d65c89ca8a (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Portela (anapoli@ufba.br) on 2016-01-25T13:11:48Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese - Silmaria Souza Brandão.pdf: 4696730 bytes, checksum: db02d750f4a043ba2ed3a9d65c89ca8a (MD5) / Made available in DSpace on 2016-01-25T13:11:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Silmaria Souza Brandão.pdf: 4696730 bytes, checksum: db02d750f4a043ba2ed3a9d65c89ca8a (MD5) / Ao longo da História, as mulheres foram consideradas como desprovidas de poder. Submetidas ao domínio de relações patriarcais, vivenciaram, por muito tempo, a autoridade do pai, do marido e, em algumas instâncias, a autoridade do padre. Distanciadas do poder formal, encontraram no Estado, na Igreja e na sociedade agentes que legitimavam a sua opressão. Entre os séculos XVIII e início do século XIX, esta situação de opressão vivenciada pelas mulheres sofreu variações. Despontando como um grupo heterogêneo, formalmente excluído das instâncias do poder, encontramos as mulheres viúvas. Discute-se, aqui, a noção corrente de “não poder”, a partir do exercício da atividade comercial exercidas pelas mulheres viúvas em Salvador, no período de 1850 até 1920, demonstrando como buscaram conquistar e manter sua autonomia pessoal e financeira a partir da ocupação habitual em pequenos comércios e até em estabelecimentos e negócios de maior envergadura. As estratégias de resistência que desenvolveram são demonstradas a partir do exame dos inventários e testamentos dos falecidos maridos, momento em que foram identificadas como protagonistas das suas histórias de vida, exercendo papéis inusitados para boa parte das suas congêneres, pois, de viúvas abandonadas e desamparadas se transmutaram em provedoras da família, exercendo o papel de pai e mãe, além de manterem a atividade comercial no trato diário com clientes, fornecedores, empregados e escravos, sem deixarem, no entanto, de ser a “viúva de Fulano de Tal”. O recorte no espaço que dura o inventário e, em alguns casos, a existência destas mulheres, revela muito mais que o silêncio e a invisibilidade que, à primeira vista, pode-se imaginar. O diálogo entre o feminismo, através de categorias de análise como gênero, classe e geração, e a micro-história permite uma abordagem multidisciplinar, ensejando dar visibilidade às mulheres viúvas, figuras pouco interessantes mesmo para os cientistas sociais, consideradas improdutivas do ponto de vista da (re)produção, silenciadas por uma estrutura patriarcal bem definida e que pouca margem deixou para uma atuação diferenciada. As viúvas que compõem este estudo são a exceção à regra, o contraponto, o singular dentro da ordem vigente. Longe de fazer a revolução, estas personagens nos fazem refletir sobre a dissimulação, os contrapoderes utilizados pelas mulheres e a prática cotidiana dos micropoderes, no silêncio, na obstinação e na força que caracterizaram suas condutas. Through history women have been considered powerless. They have been under the domination of patriarchal relations; women have lived for a long time the authority of their fathers, husbands and, in some cases, priests. They have been set apart from the formal power and have found on State, on Church and on society agents that legitimated their oppression. Between the 18th and the beginning of the 19th century this situation deeply experienced by women has been through variations. Emerging as a heterogeneous group, formally excluded from the power instances, we can find the widows. The notion of “non-power” has been discussed from the commercial activity made for these widows in Salvador during 1850 until 1920, showing how they searched to have and keep their personal and financial autonomy from working in small business or even big businesses. The resistance strategies that these women developed are shown from the examination of inventories and testaments from their deceased husbands, the moment when they were identified as main characters of their life stories, playing unusual roles for a good part of their relatives, because they went from abandoned and helpless to family providers, playing the role of mothers and fathers, and also keeping a commercial activity, working face to face with customers, suppliers, employees and slaves, without leaving the image of being someone’s widow. The outline in space of the inventory time and, in some cases, the existence of these women, reveal much more than the silence and the invisibility that can be imagined at first sight. The dialogue between the feminism through categories of analysis as gender, group and generation and the micro history allow a multidisciplinary approach, offering visibility to the widows, seen as less interesting even for the social scientists, considered unproductive from the point of view of (re)production, silenced one by one by a well-defined patriarchal structure which let little space for a different performance. The widows who took part in this study are the exception for the rule, the counterpoint, the singular inside the present order. Far from doing a revolution, these characters make us reflect about the dissimulation, the reverse power used by women, and the everyday practice of micro powers, in the silence, in the stubbornness and in the strength that portray their attitudes. Nel corso della storia, le donne furono considerate prive di potere. Soggette al dominio delle relazioni patriarcali, hanno vissuto per lungo tempo sotto l’autorità del padre, del marito e, in alcuni casi, quella del prete. Allontanate dal potere formale, hanno trovato nello Stato, nella Chiesa e nella società agenti che hanno leggitimato la loro oppressione. Tra il XVIII e l’inizio del XIX secolo questa situazione di oppressione ha subito delle variazioni. Da un gruppo eterogeneo, formalmente escluso dalle istanze di potere, emersero delle vedove. Qui se discute il concetto attuale di “non potere”, a partire dall’esercizio dell’attività commerciale svolta dalle donne vedove a Salvador, nel periodo tra il 1850 fino al 1920, dimostrando come hanno cercato di conquistare e mantenere la loro autonomia personale e finanziaria a partire dall’occupazione abituale in piccoli commerci fino ad arrivare alle grandi imprese. Le strategie di resistenza che hanno sviluppato sono state dimostrate dall’esame degli inventari e dei testamenti dei mariti morti, momenti in cui sono state identificate come protagoniste delle loro storie di vita, assumendo dei ruoli inconsueti per la maggior parte delle loro congeneri, perché, da vedove abbandonate e indifese, si sono tramutate in sostenitrice della famiglia, esercitando il ruolo di padre e di madre, oltre che mantenere l’attività commerciale nei rapporti quotidiani con clienti, fornitori, dipendenti e schiavi, senza lasciare, tuttavia, la vedovanza del Signor “X”. Lo zoom nello spazio in cui dura l’inventario dei beni lasciati dal defunto e, in alcuni casi, l’esistenza di queste donne rivela molto di più il silenzio e l’invisibilità che, a prima vista, si può immaginare. Il dialogo tra il femminismo, attraverso le categorie di analisi come il genere, la classe, la generazione e la micro storia, consente un approccio multidisciplinare, permettendo di dare visibilità alle donne vedove, figure poco interessanti anche per gli scienziati sociali, considerate improduttive in termini di ri/produzione, silenziate da una struttura patriarcale ben definita e che poco spazio ha lasciato per una performance differenziata. Le vedove che compongono questo studio sono l’eccezione alla regola, il contrappunto, il singolare dentro l’ordine stabilito. Lontani dalla rivoluzione, questi personaggi ci fanno riflettere sulla dissimulazione, sui contro poteri utilizzati dalle donne e sulla pratica quotidiana dei micro poteri, nel silenzio, nell’ostinazione e nella forza che hanno caratterizzato il loro comportamento.

Même si composée par un nombre réduit de membres, à peu près 20.000 personnes, pendent le XIXe siècle l’Eglise vaudoise italienne a réussi à se doter d’une grande quantité d’œuvres sociales, grâce à un réseau de relations dense et vaste avec l’Internationale protestante, en Europe et dans l’Amérique du Nord. Hôpitaux, maisons de retraites, orphelinats, écoles professionnelles, colonies de vacances et diaconats ont été les principales réalisations de cet effort social. Suivant trois axes de recherche (les liens entre église et œuvres, les rapports entre l’action sociale ecclésiastique et celui de l’Etat, le problème du financement), le travail traverse environ un siècle d’histoire religieuse et de la sécurité sociale en Italie - entre la Restauration et la législation de Crispi -, en essayant d’expliquer les étapes qui ont permis à cette petite église réformé de se transformer, d’objet de l’assistance étrangère, à un des principaux sujets italiens de services sociaux. / Despite being composed of a limited number of members (about 20000), during the XIXth century the Italian Waldensian Church succeeded in developing a great amount of social works, thanks to a network of relations with the “Protestant International” in Europe and Northern America. This social effort resulted in the development of hospitals, retirement houses, orphanages, professional schools, summer schools and monetary assistance to the poor. This thesis explores a century of Italian social and religious history – from the Restauration to the birth of national legislation on welfare in the Crispinian period – a long three axes of research (the link between church and social works, the relationship between the ecclesiastic and national social intervention, the issue of funding). Its main aim is to identify the steps that allowed this little reformed church to undergo such a significant transformation: from being the recipient of foreign assistance to being one of the key agents in Italian social assistance. / Anche se composta da un numero esiguo di membri, circa 20.000 persone, durante l’Ottocento la Chiesa valdese italiana è riuscita a dotarsi di una grande quantità di opere sociali, grazie a una fitta e ampia rete di relazioni con l’Internazionale protestante, in Europa e Nord America. Ospedali, ospizi, orfanotrofi, scuole professionali, colonie estive e borse dei poveri furono i principali risultati di questo sforzo sociale. Attraverso tre assi di ricerca (il legame tra chiesa e opere, i rapporti tra l’azione sociale ecclesiastica e quella statale, il problema del suo finanziamento), il lavoro percorre circa un secolo di storia religiosa e assistenziale in Italia - dalla Restaurazione alla nascita di una legislazione statale in materia assistenziale in epoca crispina –, cercando di mostrare le tappe che hanno permesso a questa piccola chiesa riformata di trasformarsi, da oggetto dell’assistenza straniera, a una delle principali soggetti italiani di servizi sociali.

L’action des conseillers du roi de France dans le domaine artistique, et notamment architectural, au tournant des XIIIe et XIVe siècles, a été abordée dans le cadre d’études monographiques, mais n’a jamais été envisagée dans un souci de synthèse. Recenser les bâtiments et les œuvres d’art réalisés à l’initiative de ces individus dans l’ancien royaume de France, les confronter avec les entreprises et les commandes royales permet de comprendre les motivations et l’impact d’un milieu alors en plein essor, celui des grands officiers royaux et des hommes de confiance qui assistaient quotidiennement le roi et l’aidaient à gouverner. L’époque retenue couvre les règnes des derniers Capétiens, Philippe le Bel (1285-1314) et ses trois fils (1314-1328). Il a semblé souhaitable d’étendre l’étude en amont au règne de Philippe le Hardi (1270-1285), afin de prendre en compte les prémices d’un véritable phénomène, par ailleurs très diversifié : lancement de projets architecturaux de grande ampleur destinés à l’usage propre du conseiller et de sa famille, embellissement d’édifices existants, participation à de grands chantiers en cours (cathédrales), commandes de tombeaux, d’œuvres d’art destinées à orner des fondations pieuses, réalisation d’hôpitaux ou d’édifices utilitaires ; beaucoup d’exemples témoignent de l’ambition comme de la piété de ces hommes. Dans les textes mais également dans le paysage monumental français actuel, il a été possible de retrouver de nombreuses traces de cette action, dont une typologie a été établie. L’étude a pour but de répondre aux questions suivantes : les conseillers du roi partageaient-ils le même mode de vie et avaient-ils des goûts communs ? Leur action fut-elle en tout point semblable à celle des membres de la famille royale et de la haute noblesse ? Peut-on mesurer la portée de ces réalisations ? / The action of the councillors of the French king in the artistic domain, particularly architectural, at the turn of the XIIIth and XIVth centuries, aroused a large number of monographic studies, but has never been envisaged in a concern of synthesis. Listing buildings and works of art commissioned by these individuals in the realm of France, confronting them with those patronized by the king, let us understand the motivations and the influence of an environment then in full development, that of the royal officers who assisted the king and helped him to govern. The chosen period covers the reigns of the last Capetians, Philip the Fair (1285-1314) and his three sons (1314-1328). It seemed worthwhile to widen the study area to include the reign of Philip the Bold (1270-1285) in order to take into account the beginnings of the phenomenon, besides very diversified : launch of large-scale architectural projects intended for the councillor and his family, embellishment of existing buildings (like cathedrals), production of gravestones, execution of works of art made to “decorate” pious foundations, construction of hospitals or utilitarian buildings ; many examples show the ambition as the devotion of these men. In texts but also in current French architectural landscape, it has been possible to find numerous traces of this action, a typology of which has been proposed. The study aims at answering the following questions : did the king’s councillors share the same lifestyle, the same tastes ? Was their action completely similar to that of the members of the royal family and the nobility ? Can we measure the reach of these creations ?

La these analyse la collection de terre cuite de Raffaele Gargiulo (1785-après 1864), céramiste et restaurateur affirmé, personnage de première importance du Musée de Naples, marchand napolitain d'antiquité des années 20 et 30 du XIXe siècle. La proposition de vente de sa collection au Musée de Naples est faite en décembre 1852. Après deux années de dures négociations le 29 mai 1855 la vente se conclut pour 6000 ducats. Pour comprendre le personnage de Gargiulo en tant que marchand d'oeuvre d'art, 315 documents, conservés dans l'Archive d'État de Naples et la Surintendance de Naples, ont èté analysés. L'étude de 11 arrêtés royaux entrés en vigueur entre 1807 et 1852, ont permis de reconstruire le cadre législatif en vigueur de l'époque. La petite plastique, la classe la plus nombreuse, représente environ les trois quarts de la collection de terre cuite. En ce qui concerne les provenances, les Pouilles et la Campanie sont largement dominantes avec 578 objets (95.54% de la collection entière): dans le détail on note que les localités se trouvant aux premières places sont aussi bien les Pouilles (Gnathia, Ruvo et Canosa) que la Campanie (Capoue et Calès), plus célèbres pour les fabrications coroplastiques. Le matériel architectonique va de la fin du VIe s. av. J.- C. au I Ier s. ap. J.-C., le matériel coroplastique se situe entre la moitié du IVe s. et la fin du IIIe s. av. J.-C., la céramique à décoration plastique et polychrome et celle achrome entre le IVe et le IIIe s. av. J.-C., alors que la chronologie des vases modelés va de la fin du VIe et le IIIe s. av. J.-C. Enfin, les lampes à huile sont toutes datées entre la première moitié et le dernier quart du Ier s. ap. J.-C. / The thesis analyzes the collection of terracottas of Raffaele Gargiulo (1785-after 1864), ceramist and restorer, leading figure of the Museum of Naples, neapolitan merchant of antiquity in the twenties and thirties of the 19th century. The proposed sale to the Museum of Naples of his collection is made in December 1852, but only after more than two years of hard deals it comes to the purchase on May 29th, 1855, for 6000 ducats. In order to understand the figure of Gargiulo as merchant of art 315 documents, kept in the State Archive of Naples and in the Historical Archive of the Archaeological Superintendence of Naples, have been analyzed. By the study of 11 royal decrees dated between 1807 and 1852 the legislative framework in force at the time was rebuilt, as part of the trade and export of archaeological and art objects. In the Gargiulo’s collection of terracottas the little plastic (443 specimens, 73.88%) is the most documented class, accounting for about three-quarters of the collection. About the provenances, Apulia and Campania with 578 items, the 95.54%, prevail. At the top lie the towns, both in Apulia (Gnathia, Ruvo and Canosa) and Campania (Capua and Cales), most famous for the coroplastic products. If the architectural material is dated from the end of the 6th century BC to 1st century AD, the coroplastic material lies mostly between the mid-4th century BC and the end of the 3rd BC. The pottery ranges between the 4th century and 3rd century BC, especially the plastic and polychrome decoration and the achromatic ceramic; the chronology of plastic vessels is more varied, between the late 6th and 3rd centuries BC. The lamps, finally, are dated to 1st century AD. / La tesi analizza la collezione di terrecotte di Raffaele Gargiulo (1785-post 1864), ceramista e restauratore affermato, figura di primo piano del Museo di Napoli, grande mercante napoletano di antichità degli anni Venti e Trenta dell'Ottocento. La proposta di vendita al Museo di Napoli della sua collezione viene fatta nel dicembre del 1852, ma dopo oltre due anni si giunge all'acquisto, il 29 maggio 1855, per seimila ducati. Per inquadrare la figura del Gargiulo come mercante di opere d'arte sono stati analizzati 315 documenti custoditi nell'Archivio di Stato di Napoli e nell'Archivio Storico della Soprintendenza Archeologica di Napoli. Attraverso lo studio di 11 regi decreti tra il 1807 e il 1852 si è ricostruito il quadro legislativo in vigore all'epoca nell'ambito del commercio e dell'esportazione di reperti archeologici e oggetti d'arte. Nella collezione Gargiulo di terrecotte la piccola plastica (443 esemplari, pari al 73.88%) è la classe più documentata, rappresentando circa i tre quarti della collezione. Tra le provenienze prevalgono la Puglia e la Campania con 578 oggetti, il 95.54%. Ai primi posti si collocano le località, sia pugliesi (Egnazia, Ruvo e Canosa) che campane (Capua e Cales), più celebri per i prodotti coroplastici. Se il materiale architettonico va dalla fine del VI a.C. al I d.C., quello coroplastico si colloca per lo più tra la metà del IV e la fine del III a.C. La ceramica spazia tra il IV e il III secolo a.C., soprattutto per la ceramica a decorazione plastica e policroma e per quella acroma, più varia è la cronologia dei vasi plastici, tra la fine del VI e il III a.C. Le lucerne, infine, si datano nell'ambito del I secolo d.C.

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Il s’agit d’un projet de thèse doctorale en cotutelle – entre la «Sapienza» Università de Roma et l’Université de Paris I «Panthéon- Sorbonne » – visant à étudier la vie et l’oeuvre architecturale de Jean-Nicolas Servandoni, une figure d’artiste parmi les plus emblématiques et moins connues du XVIIIe siècle. Peintre, architecte et décorateur, Servandoni est connu pour avoir remporté le concours pour le projet de la façade principale de l’église Saint-Sulpice de Paris, et pour le grand nombre des décors réalisés d’abord pour l’Opéra, puis pour la Salle des Machines des Tuileries. Au cours de sa vie il eut la chance de travailler auprès des souverains les plus importants d’Europe, de Paris à Londres, de Madrid à Lisbonne, de Bruxelles à Vienne et encore à Dresde et Stuttgart. Ce travail de recherche s’est fixé pour objectif d’étudier les périodes les moins connues de sa vie, comme sa formation d’abord à Florence puis à Rome, ses premières missions en Angleterre avant son arrivée à Paris en 1724, ses voyages à travers l’Europe, son travail pour les plus importantes familles royales européennes, et les autres commissions d’architecture en France, au-delà du chantier de Saint-Sulpice. La difficulté majeure a été d’identifier les principales sources bibliographiques et documentaires à partir desquelles on a établi des renseignements biographiques qui ont été transmis à travers le temps jusqu’à aujourd’hui. Il était donc nécessaire de réaliser une opération de «nettoyage» de tous les renseignements faux ou inexacts «incrustés» dans les siècles sur la vie de Servandoni. Grâce à ce «nettoyage», il a été possible d’identifier les sources «premières», sur lesquelles reconstruire la biographie de notre architecte. La recherche dans les archives de plusieurs pays a mené à d’importantes découvertes, tel que la présence de Servandoni à Rome entre 1719 et 1720. Ici il résidait dans le palais du Prince Guido Vaini, un homme «entièrement attaché à la France» et lié au milieu du théâtre d’Alibert et Capranica, où Servandoni aurait évidemment pu se former comme scénographe. Tout cela a permis de formuler des hypothèses sur ses contacts dans la capitale de la papauté, comme son lien avec l’atelier de Benedeto Luti dans le Palais de Florence, où travaillaient, parmi d’autres, Jean Paul Pannini et William Kent. Cette étude a donc mis en évidence sa relation étroite et continue avec les britanniques tout au long de sa vie – à commencer par son séjour romain – de sorte qu’on peut relire son oeuvre architecturale avec une nouvelle clé, davantage liée au milieu palladien anglais. En outre, la lecture des documents a permis d’identifier deux enjeux fondamentaux, qui expliquent en même temps la réussite et l’échec de sa carrière : la question de la nationalité de Servandoni et la légitimation de son rôle d’architecte. Servandoni, en effet, par sa naissance italienne – pourtant d’un père d’origine lyonnaise – dès son arrivée en France fut toujours apprécié comme peintre et décorateur «de Florence». Pour sa qualité d’«ultramontain», il fut choisi par le curé Languet de Gergy, comme architecte de la fabrique de Saint-Sulpice, véritable symbole et point de référence de l’Église de Rome à Paris, contre les «novateurs» jansénistes. [...] / This research work - a phd thesis in co-supervision between the "Sapienza" University of Rome and the University of Paris 1 "Panthéon-Sorbonne" - was born with the aim of shedding light on the life and work of the architect Giovanni Niccolo Servandoni, one of the most emblematic figures and less-known artist of the eighteenth century.At the same time he was painter, architect and decorator and his name was famous thanks to a large number of sets made for the Opéra and to the design of the façade of the church of Saint-Sulpice in Paris. During his life, Servandoni had the opportunity to travel throughout Europe, where he worked for the major courts of that time, from Paris to London, from Lisbon to Brussels, Vienna, Dresden and Stuttgart.The research work has the objective to investigating especially the lesser-known aspects of the architect's life, like as the period of his training in Florence and Rome, the years where he lived in England before his arrival in Paris in 1724, his travels in Europe and his architectural work as well as the site of Saint-Sulpice, both in France and abroad.Thanks to this research, Servandoni's complete work- so vaguely interpreted as an anticipation of the "goût à la grecque" and the revival of the classicism of the late of eighteenth century - is reinterpreted as the result of his training in Italy and England. It is indebted, in fact, that as well the classicism that characterized the Florentine architecture of that period as his close contact with the English Palladian circle and with the Wren, Vanbrugh and Hawksmoor's works, exercised a great influence on him. / Questo lavoro di ricerca - una tesi di dottorato in co-tutela tra la « Sapienza » Università di Roma e l’Université de Paris I «Panthéon- Sorbonne» - è nato con l’obiettivo di far luce sulla vita e l’opera dell’architetto Giovanni Niccolò Servandoni, una tra le figure d’artista più emblamatiche e meno conosciute del XVIII secolo. Allo stesso tempo pittore, architetto e decoratore, il suo nome è rimasto famoso per il gran numero di scenografie realizzate per l’Opéra e per il progetto della facciata della chiesa parigina di Saint-Sulpice. Durante il corso della sua vita, Servandoni ebbe l’opportunità di viaggiare in tutta Europa, dove lavorò presso le più importani Corti dell’epoca, da Parigi a Londra, da Lisbona a Bruxelles, Vienna, Dresda e Stoccarda. Una delle problematiche maggiori che il lavoro di ricerca ha manifestato, è stata la verifica della correttezza delle notizie riportate dalle fonti a stampa, sia antiche che moderne. Le biografie esistenti dell’architetto riportavano infatti una serie di notizie inesatte o completamente infondate, che si erano «incrostate» nei secoli sulla sua figura. Si è resa quindi necessaria un’operazione di «pulizia» delle fonti che ha permesso di risalire ad alcune notizie certe e verificabili nei documeni d’archivio, che sono state la base su cui ricostruire la biografia dell’architeto. Il lavoro di ricerca si è posto l’obieivo di indagare in paricolar modo gli aspei meno noi della vita dell’architeto, come il periodo della sua formazione a Firenze e a Roma, i suoi anni di soggiorno in Inghilterra prima del suo arrivo a Parigi nel 1724, i viaggi in Europa e le commissioni di architettura oltre al cantiere di Saint-Sulpice, sia in Francia che all’estero. La ricerca d’archivio ha condotto a scoperte innovative, come la presenza di Servandoni a Roma tra il 1719 e il 1720, all’interno del palazzo del principe Vaini - uomo «entièrement attaché à la France» e legato all’ambiente dei teatri Capranica e d’Alibert - che ha permesso di formulare alcune ipotesi sulla sua vita e i suoi contatti nella cità pontificia. E ancora, lo studio ha messo in luce il forte rapporto che Servandoni ebbe con l’ambiente culturale inglese durante il corso di tutta la sua vita - già a partire dal suo soggiorno romano - tanto da poter rileggere la sua opera architettonica in una chiave nuova, più legata alla corrente palladiana che all’architettura romana o francese di quegli anni. L’interpretazione dei documenti ha portato inoltre all’individuazione di due tematiche fondamentali che, spiegano allo stesso tempo la riuscita e la crisi della carriera di Servandoni : il problema della sua nazionalità e quello della legitimazione del suo ruolo di architetto. [...]

Par le terme « théâtre polémique » on désigne la production dramatique telle qu’elle s’est structurée au cours de la première moitié du XVIIIe siècle dans le cadre du contexte politico-économique de concurrence, dans lequel se trouvent à opérer les trois théâtres parisiens, la Comédie Française, la Comédie Italienne et les Théâtres de la Foire. La pièce polémique se caractérise par la mise en œuvre d’un dispositif allégorique, fondé sur la tension dynamique entre procédé de fictionnalisation et renvoi à la référentialité. Elle appartient à la catégorie de la littérature de circonstance ou d’actualité, et elle peut s’inscrire dans l’univers des « pratiques transtextuelles ». L’auteur polémiste prend la parole, ou la plume, en réaction à un événement défavorable (une interdiction, une défense, une censure, etc.), et contre son adversaire; cet événement, qui se situe dans ce que l’on peut appeler le « hors-texte », est élaboré au moyen d’une fiction ; par cette fiction, l’auteur essaye de modifier le cours de l’histoire, d’inverser le rapport de forces, d’agir finalement sur le spectateur en gagnant son soutien. La place que le spectateur occupe dans la polémique détermine le passage d’une histoire en forme anecdotique, et donc marginale, vers une histoire qui touche un espace publique. On dira que bien loin d’« historiser le théâtre », le théâtre polémique « théâtralise l’histoire ». L'objectif de cette étude est de déterminer, dans la dialectique polémique, une des causes de l'affaiblissement du système des privilèges et de son corollaire esthétique, c’est-à-dire le principe de hiérarchisation et différenciation des genres dramaturgiques. / The term «polemical theatre» indicates the dramaturgical production which developed during the first part of the 18th Century, within the specific political-economic competitive framework that involved the three most active theatres in Paris at that time: the «Comédie Française», the «Comédie Italienne» and the «Théâtres de la Foire». The «polemical text» relies on an «allegorical device», which is based on the dynamical interaction between the fictionalisation and the relation to the referent. It belongs to the domain of the «littérature de circonstance» or «littérature d’actualité», and it can be considered a «trans-textual practice». The polemical author speaks or writes in reaction to an unfortunate event (interdiction, censorship, etc.), and to oppose a rival writer. This event, occurring outside of the text, becomes the subject of a theatrical fiction through which the author tries to modify the history path, to reverse the force relationships and to act on the audience in order to gain its consent. The role that the audience plays in the polemical comparison, makes the plot evolving from an anecdotal (and thus marginal) story to a public interesting one. So we could say that, far from «historicizing theatre», the polemical theatre does «dramatize History». In conclusion, my work aims at looking on polemical dialectics as one cause of the weakening of a system based on privileges, whose esthetical corollary is the precept of hierarchization and separation of the theatre genres. / Con il termine «teatro polemico» si designa la produzione drammaturgica che si sviluppa nella prima metà del XVIII secolo all’interno di uno specifico contesto politico-economico di concorrenza tra i tre teatri operanti a Parigi, la Comédie Française, la Comédie Italienne e i Teatri de la Foire. Il testo polemico si caratterizza per la messa in atto di un dispositivo allegorico, basato sulla tensione dinamica tra elementi finzionali e elementi referenziali. Esso appartiene, inoltre, alla categoria della letteratura di circostanza, o di attualità, e s’inscrive all’ambito delle “pratiche transtestuali”. L’autore polemico reagisce in reazione a un avvenimento sfavorevole (un’interdizione, una censura etc.), e contro un avversario; tale avvenimento, che si situa in una dimensione extra-testuale, costituisce la materia della finzione teatrale attraverso la quale l’autore cerca di modificare il corso della storia, di invertire il rapporto di forza, di agire infine sullo spettatore per guadagnare il suo consenso. Il ruolo che lo spettatore occupa nel confronto polemico determina il passaggio da una storia in forma aneddotica, et dunque marginale, a una storia di “interesse pubblico”, in cui si mobilitano strategie persuasive, attraverso l’individuazione dei portavoce legittimati a reclamare et gestire la controversia. Si può dire, infine, che invece che “storicizzare il teatro”, il teatro polemico, “teatralizza la storia”. L’obiettivo del nostro studio è di individuare nella dialettica polemica una delle cause dell’indebolimento del sistema dei privilegi e del suo corollario estetico, quello del principio di gerarchizzazione e differenziazione dei generi teatrali.

La presente ricerca si concentra sul gruppo dei santi martiri nell’affresco del Giudizio Universale dipinto da Michelangelo Buonarroti per la parete d’altare della Cappella Sistina. Il gruppo riveste un ruolo importante nella composizione sia per quanto concerne l’inedita iconografia e rilevanza nel contesto dell’Ultimo Giudizio sia per ciò che riguarda i significati dell’affresco. La presente indagine si propone attraverso una ricostruzione della committenza papale dell’opera, divisa tra Clemente VII e Paolo III, di contestualizzare la presenza dei martiri nell’iconografia del Giudizio ponendola a confronto con la tradizione figurativa precedente e relazionando, infine, il tema del martirio ai protagonisti di questa commissione, nel più ampio quadro della Chiesa del XVI secolo. / This research focuses on the martyrs’ group depicted by Michelangelo Buonarroti in the Sistine Chapel’s Last Judgment. This group has an important role in the composition thanks to its new iconography in the Last Judgment subject and to its significance in the meaning of the fresco. This thesis, reconsidering the papal patronage of pope Clement VII and Paul III, wants to underline martyrs’ role in Last Judgment iconography, comparing it with the previous figurative tradition and to relate the theme of martyrdom with the protagonists of this artistic commission into the wider context of sixteenth century Church.