Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-12-08T13:03:21Z No. of bitstreams: 1 tasciaoliveirasouza.pdf: 1316723 bytes, checksum: 55de3775bc2d71e7df7ed02df304bd0b (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-12-22T11:33:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 tasciaoliveirasouza.pdf: 1316723 bytes, checksum: 55de3775bc2d71e7df7ed02df304bd0b (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-22T11:33:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tasciaoliveirasouza.pdf: 1316723 bytes, checksum: 55de3775bc2d71e7df7ed02df304bd0b (MD5) Previous issue date: 2017-09-26 / O objetivo desta pesquisa é tentar traçar um paralelo entre o mito de Antígona, a partir do texto de Sófocles, e as narrativas K.: relato de uma busca, de B. Kucinski, Ainda estou aqui, de Marcelo Rubens Paiva, e Antes do passado: o silêncio que vem do Araguaia, de Liniane Haag Brum, sob a perspectiva trágica da interdição à sepultura. A tragédia da heroína grega que desafia o Estado e enterra, com as próprias mãos, o corpo do irmão Polinices, serve de ponto de partida para uma reflexão acerca do sofrimento daqueles impedidos de sepultar seus parentes torturados, assassinados e desaparecidos durante a ditadura civil-militar brasileira, entre os quais estão Ana Rosa Kucinski Silva, Rubens Paiva e Cilon Cunha Brum. Nas três narrativas, a investigação aponta a existência de elementos que permitem perceber que a dor e o luto se transformam numa herança familiar e que a literatura se apresenta como uma forma de epitáfio. Após o Brasil começar a exumar as memórias traumáticas do período ditatorial, com os trabalhos da Comissão Nacional da Verdade, realizados de 2012 a 2014, a experiência trágica mostra como esses lutos individuais e familiares se inscrevem também num espectro mais amplo de sofrimentos e inquietações coletivas e chama a atenção para as (im)possibilidades de reconciliação e de perdão. / -

La thèse analyse, dans les domaines de la nature, de la médecine et de la guerre, en quoi les métaphores et les comparaisons relèvent de la communication politique et participent d’une ambition littéraire. Démosthène emploie ses images de manière très cohérente. Au sein d’un même discours, il articule des images différentes autour d’un même noyau sémantique. Il répète aussi une même image au service d’une même idée d’un discours à l’autre. Démosthène élabore ainsi de véritables slogans métaphoriques destinés à promouvoir ses idées politiques. Certains sont repris par ses amis politiques et combattus par ses adversaires. L’étude des images permet ainsi d’aborder sous une perspective nouvelle les problèmes de la propagande et de la collaboration politique dans l’Athènes du IVème siècle. Au-delà de cette finalité pratique, métaphores et comparaisons demeurent un matériau littéraire qui permet à Démosthène d’enrichir le style de ses discours en multipliant les registres. Elles s’inscrivent dans la tradition homérique ou comique par la reprise de certains motifs, selon que l’orateur souhaite célébrer son action politique ou dénigrer ses adversaires. Ou bien elles les font rivaliser avec les développements les plus récents de la prose d’art, telle que la pratiquent Platon et Isocrate. De ce point de vue, le Sur la couronne tient une place à part : en raison du caractère rétrospectif du discours, qui se livre à un bilan politique, l’ambition littéraire est à son sommet. Mais, là encore, elle n’est pas séparable de la finalité rhétorique et pratique : les images servent à défendre une politique, dans un véritable panégyrique. / This work examines how the imagery which Demosthenes takes from nature, medicine and warfare, is a tool of political propaganda and gives a literary shape to his speeches as well. Demosthenes uses this imagery very coherently. In the same speech, he links different kinds of imagery around the same meaning-core. Furthermore, he repeats the same imagery to mean the same thing in different speeches. Demosthenes thus works out true metaphorical slogans so as to promote his main political ideas. Some are taken up by his political friends and fought off by his enemies. Therefore, by studying imagery we can cast a new light on these two fundamental issues in the Ancient Athens of 4th century B.C. : how did the orators use to organise their political propaganda and how might they have collaborated with each other ? But imagery goes beyond this practical aim. Metaphors and similes are literary material which enables Demosthenes to enrich his speeches’ style through different registers. They give them a Homeric or a comical tone and shape, when Demosthenes uses some patterns again to extol his policies or to disparage his adversaries. With metaphors and similes, Demosthenes is also rivaling with the recent trends of Kunstprosa, as it is practised by Plato and Isocrates. From this point of view, the speech On the crown has a special place : in this speech, because of its retrospective point of view, which asseses his overall policies, Demosthenes brings his literary claims to a climax. Nevertheless, such an ambition cannot be separated from his rhetorical and practical aims : imagery is being used to defend his policies, in a real panegyric.

Avec la dramaturgie colombienne des trente dernières années, nous nous trouvons devant deux itinéraires qui semblent s’entrecroiser, ou mieux, se superposer : le réel, qui correspond au contexte socio-politique colombien et le fictionnel, qui nous permet d’entrevoir un paysage de fiction singulier se dessiner à travers certaines pièces contemporaines colombiennes. Cet entrecroisement entre le réel et le fictionnel nous amène à la figure récurrente de l’enfermement. Nous assistons à la représentation d’un monde où les prisons n’ont plus de barreaux, où l’enfermement est présent au quotidien. Sur scène les personnages sont clôturés leurs espaces physiques et métaphoriques, intérieurs ou extérieurs, qui leurs interdisent toute possibilité d’issue et de conciliation entre les forces opposées qui maintiennent leurs conflits. L’enfermement conduit donc les personnages au sentiment tragique, à la perte du monde et de soi, c'est-à-dire que le tragique perd dans ces pièces le sens transcendant de l’humain. D’où les questions initiales dont nous sommes partis : comment l’enfermement dans un espace dramatique contemporain nous permet-il de retrouver le tragique ? Et où va ce tragique, aujourd’hui, quand la tragédie n’existe plus ? Cette forme actuelle du tragique ne pourrait-elle pas être une nouvelle façon de retrouver l’essence de la tragédie et le « sens de l’humain » ? Ce sont ces interrogations qui donnent leurs lignes directrices à notre recherche. / With Colombian drama of the last thirty years, we face two routes intersect that appear, or better, overlap: the real, which corresponds to the socio-political context of Colombia and the fictional, which allows us to glimpse a singular landscape of fiction to emerge through some contemporary pieces Colombia. This interplay between reality and fiction, brings us to the recurring figure of confinement. Thus we attend the performance of a world where prisons have no bars, where the confinement is daily. On stage the characters are enclosed in their physical and metaphorical, indoor or outdoor spaces, which prohibit any possibility of completion and reconciliation between the oposite forces that maintains their conflicts. Then, confinement leads characters to a tragic feeling, the loss of the world and oneself, that is to say that the tragic lost in these pieces, meaning transcending the human. Hence the initial questions which we started: how to confinement in a dramatic contemporary space enable us to find the tragic? And where will this tragic go, when the tragedy is over? The current form of tragedy could it not be a new way to recapture the essence of the tragedy and the « sense of humanity » ? These are questions that give their guidance in our research.

Le présent travail examine l’œuvre à la fois romanesque et théâtrale d’Albert Camus dans sa réception des concepts constitutifs de la conscience telle que l’entend la tragédie grecque. Il s’agit de mettre en évidence la manière dont ces concepts sont reçus, transformés et enfin incorporés dans l’univers littéraire et philosophique de Camus. Conscience signifiant la connaissance que chacun a de soi-même (de son thumós), le mot fait appel à une connaissance susceptible d’être partagée avec les autres. Autour de la volonté de l’existence s’organisent donc des sentiments d’unité et de cohérence, d’autonomie et d’hétéronomie. Entre le retour sur soi d’un côté et l’ouverture au monde de l’autre, la conscience figure comme préoccupation essentielle de l’esprit tragique et camusien également. Au cœur d’une antithèse continuelle, l’homme doit transformer le coup du Destin et de l’Absurde en champ fécond : Revendication et Révolte constituent, dès lors, le chemin à suivre pour être et, surtout, demeurer humain. De l’affirmation du « soi » tragique au « métier d’homme » exigé par l’écrivain, conscience et identité s’entrelacent et font de l’individu le créateur du sens. À travers les éléments fondateurs de la conscience tragique, Camus envisage ainsi une identité qui, consciente de ses contradictions, ses droits et ses devoirs, demeure cohérente : l’identité de l’homme révolté. / This thesis examines Albert Camus’ work, both fictional and dramatic, in its reception of conscience’s primary concepts as introduced by the Greek tragedy. The point is to find out how these concepts are received, transformed and finally incorporated in Camus’ literary and philosophic world.Conscience meaning the knowledge that everyone has of himself (thumós), it aims at a knowledge supposed to be shared with the others. Around the desire of existence therefore, feelings of unity and coherence, autonomy and heteronomy set up. Between introspection on one hand and opening to the world on the other, the conscience figures as a key theme for both tragic and camusian reflection. At the heart of enduring oppositions, the person must transform Destiny’s and Absurd’s blow into a productive range: thus, Requisition and Rebellion trace the way to go in order to be and remain human. From tragic « self » affirmation to the « human vocation » required by the author, conscience and identity interact and indicate the individual as the creator of meaning. Through Greek tragedy’s essential principles, Camus aims thereby at an identity which, aware of its contradictions, its rights and duties, remains consistent: the rebel’s identity.

Quels sens, quelle valeur, quelle portée pour la pensée et pour la pratique politique est-il possible d'attribuer au concept de theatrum philosophicum, de philosophie-théâtre ? Le présent travail se propose d'explorer des pistes de réponse à ces questions à travers l’œuvre de Michel Foucault. Il parcourt les concepts, les textes et les instruments dramatiques utilisés par Foucault, pour interroger ce que le théâtre peut « faire » à la philosophie, lorsque cette dernière renonce à un idéal de systématicité pour devenir pratique d'invention.Plusieurs noyaux conceptuels liés au champ sémantique du théâtre sont abordés, traversant diagonalement l'ensemble de la production foucaldienne : le tragique et la tragédie ; le double ; le simulacre ; la fiction ; les dramatiques de la vérité ; les scènes politiques et résistante des corps. À travers ces foyers de questionnement, le théâtre se révèle être un instrument extrêmement fécond pour faire échapper le discours philosophique aux cadres de la tradition occidentale : une voie pour repenser la pensée de Michel Foucault dans toute sa valeur théorique et pratique, mais sans la réduire à des formules abstraites, universelles, préconçues. En dessinant un chemin entre théâtre et philosophie (ou mieux : un parcours qui utilise le théâtre pour repenser l'espace et le rôle de la philosophie), et en acceptant les ambiguïtés intrinsèques à un usage souvent indirect et métaphorique de la conceptualité théâtrale, cette recherche à travers Foucault par le biais du théâtre conduit à formuler une hypothèse claire : grâce à ses dimensions de dédoublement, redoublement et mise à l'épreuve publique, corporelle,différentielle du réel, le théâtre est une force d'expérience qui dit de manière emblématique la puissance critique au cœur de la philosophie foucaldienne comme geste concret de pensée, comme dynamique de transformation de soi et des autres. La théâtralité, loin d'être une dimension esthétisante et marginale des analyses de Foucault, peut en représenter le fil rouge en tant que mouvement de déplacement, déprise et réélaboration perpétuelle de soi : comme une répétition sur scène sans cesse recommencée, comme un jeu théâtral de masquages et de démasquages, comme une performance politique. Elle est un autre nom pour cet élan d'altération, ce mouvement de mutation du regard que la pensée de Foucault a toujours revendiqué comme sa tâche fondamentale. / What meaning, value, relevance for philosophical thought and political practice is possible to ascribe to the concept of theatrum philosophicum, of “philosophy-theatre”? The present research explores possible answers to these questions starting from the analysis of Michel Foucault's works. By focusing on the theatrical concepts, texts, tools and stylistic devices used by Foucault, my aim is to investigate how theatre can contribute to philosophy, when philosophy is not meant to become asystematic project but rather a creative practice.To this end, I examine a series of notions related to the semantic field of theatre, taking into account Foucault's enterprise as a whole : the tragic and tragedy; the theme of the double; the notion of simulacra; the fictional writing; the “dramatics” and dramaturgies of truth; the political and resistant scenes of the bodies. Through all these research axes, theatre reveals itself as an extremely fruitful device to call into question the traditional Western philosophical discourse. Theatre is a way to rethink the theoretical and practical relevance of Foucault's philosophy, without reducing it to abstract, universal, and preordained formulas. Drawing a path between theatre and philosophy (or better, an analytical framework that employs theatre to rethink the place and the role of philosophy), and accepting the ambiguities of anindirect and metaphorical use of the theatrical conceptuality, I formulate a clear hypothesis: thanks to its powers of repetition, duplication and public test, theatre is a form of philosophical experience, which emblematically conveys the critical attitude lying at the heart of Foucault's philosophy. Theatre helps conceive the activity of thinking as a concrete practice of transformation, which changes the forms of relation the self has to her/himself and to others. Theatre is not an esthetical and marginal dimension of Foucault's works, but rather the fil rouge that connects them as a movement of shifting, displacing and perpetual re-elaboration of our own mode of looking at the world and at our subjectivity. Foucault's theatrum-philosophicum is a way to rethink philosophy as a political performance.

La mort aussi naturelle qu'elle puisse paraître ne reflète pas un phénomène assuré au regard de la condition humaine. Elle nécessite une inscription subjective, tant au niveau de la psyché que du soma, afin que l'individu puisse se constituer sujet de l'inconscient. C'est en effet par la voie du processus tragique que cette inscription est possible. Comment l’approcher alors ? Le sentiment tragique serait-il en lien avec l’inconscient ? L’inconscient pensé comme le discours de l’Autre, le grand Autre en tant qu’il se définit par le lieu de l’épreuve existentielle du sujet, corrélée à la révélation de son sexe et à la contingence de son être au travers l’expérience de la pensée symbolique. Cette hypothèse serait-elle de l’ordre de l’évènement ? La dialectique psychanalytique depuis les premières découvertes de la théorie de la génitalité jusqu'à nos découvertes récentes allie le sexe et la mort dans un souci d’élucider ce qui détermine l'être parlant sur le chemin de la vie. / The natural death as it may seem does not reflect a phenomenon insured under the human condition. It requires a subjective inscription, both in terms of the psyche that the soma, so that the individual can be subject of the unconscious. It is indeed by the field of the tragic process that registration is possible. How to approach then? The tragic sense would it be related to the unconscious? The unconscious thought as the discourse of the Other, the big Other as it is defined by the place of existential test subject correlated to the revelation of her sex and contingency of his being through the experience of symbolic thought. Psychoanalytic dialectic since the first discovery of the theory of genitality to our recent discoveries combines sex and death in an effort to implement what determines the speaking on the path of life.

L’objet de cette thèse est d’étudier la morale des histoires tragiques, du milieu du XVIe siècle au début du XVIIe siècle, à partir de la notion d’exemplarité. Cette notion nous permet de dépasser l’opposition entre l’histoire tragique conçue comme « histoire de loi » ou comme une littérature à sensation et de trouver une voie médiane entre le moralisme de l’une et immoralité de l’autre. La morale des histoires tragiques est avant tout une morale de l’exemple. Nous montrons que l’idée que l’exemplarité traverse une crise à la Renaissance doit être largement relativisée et que le mode d’énonciation de la nouvelle favorise son fonctionnement exemplaire. Nous analysons ensuite comment l’exemplarité morale permet de comprendre le positionnement générique des histoires tragiques et explique en grande partie son rapprochement avec l’histoire et la tragédie, conçues comme des genres moraux. Enfin, nous étudions la nature et les problèmes de cette exemplarité qui repose sur la force des mauvais exemples et sur des cas extraordinaires qui semblent aller à contre-courant des prescriptions morales. Les histoires tragiques tentent de mettre sur pied un nouveau type d’exemplarité qui s’appuie sur le cas singulier et non plus sur la répétition d’exemples semblables. / This thesis aims to show how exemplarity allows for a fresh analysis of the morality of tragic short stories, known as “histoires tragiques”, between the second half of the 16th century and the beginning of the 17th. The ”histoires tragiques” are neither just “histoires de loi” nor sensationalistic stories, and exemplarity helps us find a middle way between the former’s moralism and the later’s immorality. The morality of the “histoires tragiques” essentially works through examples: on this basis, we first put into perspective the crisis that exemplarity is thought to be going through during the Early modern period. We then argue that, through moral exemplarity, we can understand how the “histoires tragiques” take after the two moral “genres” of history and tragedy. Lastly, we study the limits of this exemplarity, which mainly proceeds from the seduction of bad examples and extraordinary cases that seem to be in contrast with commun moral. As the “histoires tragiques” don’t rely anymore on the repetition of similar exemples, this singularity of cases can be seen as a mean to renew exemplarity.

Ce travail consiste à comprendre le phénomène de l'ennui. L'ennui sera perçu comme un élément indissociable de la condition humaine. L'homme est un être qui s'ennuie, parce qu'il est doté d'une conscience, et que cette conscience l'inscrit dans un rapport particulier au temps. Mais nous constatons, en Occident, et à partir de l'époque moderne, que l'homme s'attache par toutes ses activités à fuir l'ennui. Tromper l'ennui c'est tromper sa condition, c'est, en tant qu'homme, se tromper soi-même. Toute la question est de comprendre comment cela est possible. Partant du divertissement comme moyen général de tromper l'ennui, nous irons jusqu'à la possibilité de ne pas tromper l'ennui, ce faisant nous serons amenés à étudier un aspect de la pathologie humaine à travers l'affection mélancolique. L'ennui doit être trompé, et cela pose une difficulté : comment un être conscient peut-il se tromper lui-même ? Mais l'ennui qui ne serait pas trompé mènerait l'homme vers un état pathologique. Pourquoi l'homme doit-il alors tromper l'ennui ? Notre travail se scinde en trois parties. Il s'agira d'abord de comprendre pourquoi l'homme trompe l'ennui. Il s'agira ensuite de comprendre comment il peut s'y prendre pour cela. Enfin nous envisagerons des possibilités pour ne pas tromper l'ennui. Notre étude s'attache à comprendre l'enjeu d'un ennui fondamental, et à travers lui, la condition humaine avec ses contradictions et ses questions / The aim of that work is to understand the boredom phenomenon. The boredom is here understood as an indivisible aspect of the human condition. A human being is a person who get bored because he has a conscience, and that conscience place himself in a particular relation with the time. But we see that from the modern age in the occident that human being strives through all its activities to escape boredom. Cheating boredom is cheating his condition, it is, as a human being, to cheat to yourself. The question is to understand how this is possible. Starting from the entertainment as a general way to run rings around boredom, we will get to the possibility of not cheating boredom, in doing so we will go through a facet of the human pathology through the melancholic affliction. Boredom shall be cheated and here comes a complication : how a conscious human being can cheat himself? But boredom that would not be overcame would leads man to a pathological condition. Why then shall human being run rings around boredom? Our work is divided into three chapters. First part will consider the reason why human being cheat boredom. The next step is to understand how he can do so. Finally we will consider opportunities for not cheating boredom. Our study aims to understand the concern of a fundamental boredom, and through hit the human condition with its contradictions and questions.

L’argument de cette recherche propose d’étudier le concept du pouvoir et ses manifestations chez les héroïnes tragiques de Shakespeare Ophélie, Desdémone, Lady Macbeth, et Cléopâtre. Cette étude suit deux axes d’interprétation, la domination et la résistance qui constituent le pouvoir féminin à travers ses productions verbales et ses projections mentales. Ces aspects sont explorés à travers une théorie de poétique cognitive et d'analyse de conversation. En parallèle, les théories critiques vont compléter la discussion des résultats trouvés. Ce travail explore comment les héroïnes tragiques de Shakespeare mènent leur propre résistance et exercent une contre-force à un poly-système patriarcal basé sur un héritage de séparation de genre. Ces personnages brossent un portrait distinctif d'héroïsme tragique féminin ; une voix indépendante et vibrante dans le texte shakespearien. / The Shakespearean tragic heroines are a polemical topic. Critics are divided between a reading that describes them as complex and dynamic protagonists and a reading that sees their presence as ornamental and paper-thin in the Shakespearean dramatic tradition. This study examines tenets of power within four major tragic figures, Ophelia, Desdemona, Lady Macbeth, and Cleopatra. Conversation analysis and disciplines from cognitive poetics, text world theory and conceptual metaphor analysis, will be used to study these characters’ utterances and thoughts. The research shows that Ophelia, Desdemona, Lady Macbeth, and Cleopatra are actively involved in power relations. They manifest dominance, exercise resistance, and sow dissidence within masculine narratives of authority. The conclusion can also be drawn that the Shakespearean tragic heroine succeeds in breaking through patriarchal embargo, embraces power, and inaugurates a distinctive concept of female heroism.

Cette thèse explore la problématique de la violence à travers deux corpus distincts : le féminisme du care et le féminisme autochtone, principalement nord-américain. S’inspirant des travaux de Carol Gilligan en psychologie morale et sociale, ses propos démontrent l’existence d’un fil conducteur entre la répétition d’une « psychologie de la dissociation », en Occident, et la forme de vie patriarcale qui la définit. Le dialogue avec le féminisme autochtone nous permet de saisir de nouvelles articulations matérielles et politiques de cette violence à travers l’expérience de la colonisation. En parallèle avec le care, le féminisme autochtone nous permet aussi de concevoir de nouvelles formes de résistance éthique, épistémologique et politique à cette violence. L’introduction pose le problème de la thèse autour de la violence, de la théorie politique et du féminisme. Le premier chapitre discute des tabous et des difficultés qui entourent encore aujourd’hui les théories féministes, incluant les deux corpus étudiés. Le deuxième chapitre discute de l’évolution des débats sur le care et les travaux de Carol Gilligan depuis les années 1980 jusqu’à aujourd’hui. Coeur de la thèse, le troisième chapitre présente la critique de la violence patriarcale telle que Gilligan l’articule dans ses travaux les plus récents. Il s’ouvre ainsi sur une critique de l’amour tragique et des considérations de genre qui en constituent le centre. Le quatrième chapitre discute enfin plus en profondeur du féminisme autochtone. Ses enjeux sont présentés en reprenant la méthode traditionnelle de la roue de la médicine. L’ensemble montre une approche critique, phénoménologique et thérapeutique sur l’enjeu de la violence qui nous préoccupe.