71 |
Un théâtre dionysiaque. Nietzsche dans le théâtre français du XXe siècle, d'Antonin Artaud à Jean Vauthier / A dionysian theatre. Nietzsche in the XXth century french theatre from Antonin Artaud to Jean VauthierQuentin de Gromard, Marie-Gabrielle 12 December 2015 (has links)
Un grand nombre de dramaturges français aussi différents qu’André Gide, Antonin Artaud,Albert Camus, Jean-Paul Sartre, Henry de Montherlant et Jean Vauthier se sont emparés de la pensée de Nietzsche pour la représenter sur scène. Si des études ont été menées sur les liens entre la pensée de Nietzsche et les écrivains français, aucune n’a abordé de manière synthétique la présence de la pensée de Nietzsche dans le théâtre français du XXème siècle et notamment dans l’élaboration même du texte théâtral. Pourtant, cette pensée tragique qui part du Dionysos de La Naissance de la tragédie jusqu’à Ecce homo, ne cesse d’entretenir des liens consubstantiels avec le genre même du théâtre. La conception esthétique du dionysiaque présente des affinités avec l’art dramatique et semble prédisposée à se retrouver transposée et incarnée sur une scène de théâtre. La réflexion de Nietzsche sur la physiologie de l’art a pu entraîner un renouvellement de l’écriture des pratiques et écritures dramaturgiques traditionnelles au profit d’un théâtre vivant, incarné, usant de toutes les ressources dela scène. Paradoxalement, le théâtre métaphysique d’inspiration nietzschéenne va de pair avec une affirmation du corps et des passions. Á l’opposé d’un théâtre d’idées ou à thèse, certaines des oeuvres étudiées montrent que le théâtre métaphysique nietzschéen est avant tout un théâtre du corps, à la recherche d’une fusion entre l’art et la vie, le spectacle et le réel, au rebours de la conception mimétique aristotélicienne. / Many different french playwrights such as André Gide, Antonin Artaud, Albert Camus, Jean-Paul Sartre, Henry de Montherlant and Jean Vauthier took up Nietzsche's thoughts to impicture it onstage. If studies were made on the links between Nietzsche's thought process and french writer, noneadress the question of Nietzsche's thought in the XXth century french theatre synthetically. None theless, this tragic thought starting in «La Naissance de la tragedie» 's Dionysos and ending with «Eccehomo» keeps maintaining consubstantial links with the theatre genre. Dionisyan esthetical conceptionshows affinities with dramatic art and seems predisposed to be transposed and embodied on stage.Nietzsche's thought on art's physiology has caused a renewal of traditionnal writing for theatre for thebenefit of a living theatre, incarnated, using all the stage's ressources. Paradoxically, this nietzschean metaphysical theatre goes with assertion of body and passions. In contrast with « theatre of ideas »,some of the studied works show that Nietzsche's metaphysical theatre is above all an embodied theatre, seeking a fusion between art and life, show and reality, against Aristote’s Poetics.
|
72 |
Le détournement post-moderne du référent social dans le roman policier : fonctions et objectifs / NéantBlancher, Marc 25 November 2013 (has links)
Ce travail est une étude des évolutions propres au roman policier rapportées au glissement de la modernité vers la postmodernité et de leur transposition dans la représentation du social propre à cette forme romanesque. Après deux premiers points préalables respectivement consacrés au développement genres que du roman policier – avec dans cet ordre le roman policier archaïque, le romanà énigme, le roman noir et enfin le néo-polar – depuis le milieu du XIXe siècle et à une mise en perspective des concepts de modernité et de postmodernité, il s’articule autour de trois axes choisis grâce auxquels pourra être établi le lien entre dimension évolutive du roman policier et substitution progressive de la modernité à la postmodernité. Ce lien n’est toutefois pas exclusif et il souligne un rapport d’interpénétration préalable entre les différents concepts.La première partie est consacrée à la notion de décomposition qu’elle étudie à différents niveaux : le premier est le niveau diégétique avec la décomposition narrative. Le roman policier est en effet souvent lié, par l’intermédiaire d’une énigme, à un mode de narration spécifique qui est explicité dans toute son ampleur et rapporté notamment à la notion de structure et de rapport au temps chronologique. Le deuxième point est consacré à la décomposition de la langue. C’est ainsi qu’il analyse les notions de langue au niveau diégétique et les relations entre parole et pouvoir au niveau intradiégétique, ainsi que les implications du pouvoir de la langue et de la parole sur l’image du social.Le troisième et dernier point de cette première partie est consacré à la décomposition du social que renvoie sa représentation via le prisme fictionnel. Il s’arrête plus spécifiquement, dans cet ordre, sur la représentation de l’autorité, sur les définitions des rapports sociaux et enfin sur son positionnement vis-à-vis du politique.La deuxième partie est consacrée aux mythologies du roman policier, aussi bien à celles qui lui sont propres qu’aux substrats qu’il réemploie, ce pour déterminer les modalités de repositionnement de ces éléments. Le premier est l’urbain : après une analyse des hypotextes mythologiques autour de l’urbain et de son rapport à l’humain, il est fait état des réalités socio-historiques liant urbanisation et criminalité avant que ne soit étudiée la redistribution de l’espace au sein de la sphère fictionnelle,notamment autour des concepts d’affect et d’appartenance. Le second est le social, qui est étudié aussi bien au niveau de son implantation idéologique que de son positionnement narratif, ainsi que des tensions sociales qui apparaissent dans la représentation, tensions qui culminent avec l’usage de la violence à différents niveaux. Enfin, le troisième élément est l’humain, qui bénéficie d’une évolution marquée dans son traitement via les figures humaines incarnées dans les personnages de la narration. / This paper is a study of the specific way in which the detective novel has evolved within thecontext of the shift from modernity to postmodernity, and of the manner in which its evolution isreflected within the social element that is peculiar to this fictional format. The paper tackles twoinitial aspects, the first being devoted to the development of the detective novel genre since the mid-nineteenth century, including that of its sub-genres, the roman policier archaïque, the whodunit, theroman noir and finally the neo-polar, and the second seeking to put into perspective the concepts ofmodernity and postmodernity. The focus then turns to three selected themes, which enables a link to beestablished between the evolution of the detective novel and the gradual shift from modernity topostmodernity. However, the link is not exclusive, and the paper emphasises the earlier interactionbetween the different concepts.The first section is devoted to the concept of deconstruction, which is studied at different levels,the first being the diegetic level including narrative deconstruction. In fact, the detective novel isfrequently associated with a specific method of narration, based on a conundrum, the full extent ofwhich is explained with particular reference to the concept of structure and relationship withchronological time. The second point deals with the deconstruction of the language. In doing so, itanalyses the concepts of language at a diegetic level and the relationships between the word andpower at an intradiegetic level, together with the implications of the power of language and the wordon the representation of the social context. The third and final point within this first section is devotedto the deconstruction of the social context that is reflected by its representation through the prism offiction. It focuses more specifically, in the following order, on the representation of authority, thedefinitions of social relationships and its position vis-à-vis politics.
|
73 |
Je (ne) suis (pas) Antigone : les filles et le tragique dans Ça va aller et Fleurs de crachat de Catherine MavrikakisLebrun, Valérie 08 1900 (has links)
Ce mémoire porte sur les romans Ça va aller et Fleurs de crachat de Catherine Mavrikakis. Il s’appuie sur une réappropriation ambigüe de la figure d’Antigone afin d’en questionner les répercussions sur l’expression identitaire des narratrices et sur le désir prophétique qu’elles nourrissent à l’égard d’une filiation au féminin. Il est divisé en deux chapitres : le premier portant sur la façon dont se manifeste l’héritage d’Antigone ainsi que sur son inscription problématique tant dans l’histoire littéraire que dans les romans de Mavrikakis, tandis que le second s’intéresse à la manière dont y est dépassé cet héritage par le travail d’une langue excessive et le choix d’une posture « cannibale et mélancolique ». Puis, au-delà des questions de transmission, d’héritage et de filiation, nous montrerons à partir des marques laissées par un féminisme radical que c’est à la communauté des filles d’Antigone qu’est destinée la possibilité d’être (in)fidèles au tragique en portant avec violence l’espoir de réinventer le futur, certes, mais surtout de rompre avec lui. / This M.A thesis addresses the novels Ça va aller and Fleurs de crachat by Catherine Mavrikakis. It will focus on the ambiguous reappropriation of Antigone in order to question the narrators' expression of identity and the prophetic desire they envision of another future. Divided into two chapters: the first looks into the development of Antigone's heritage and its problematic entry in both literary history and the works of Mavrikakis, while the second takes an interest in the manner of transmission of this heritage through the use of excessive language and a "cannibalist and melancholic" posture. In addition to the questions of transmission, heritage and filiation, this work shows how stemming from the traces of radical feminism, Antigones' girls are destined towards the possibility of being (un)faithful to tragic fate all the while keeping a violent hope of reinventing their future, but especially of breaking through it.
|
74 |
La philosophie tragique chez Clément Rosset : un regard sur le réel / The Tragic Philosophy according to Clément Rosset : a View of Reality / La filosofía trágica en la obra de Clément Rosset : une visión de la realidadLopez-Betancur, Olga del Pilar 19 December 2014 (has links)
A partir du concept « philosophie tragique », nous proposons une approche de l’ensemble de la philosophie de Rosset, qui a jusqu’ici peu été étudiée en France. Nous envisageons le rapport, dans son œuvre, entre philosophie tragique et esthétique à partir de ses analyses d’œuvres d’art dramaturgiques, littéraires et musicales. Pour ce faire, nous analysons le terme même de tragique, la fortune du drame antique et l’usage que propose Nietzsche de la tragédie pour déterminer la ligne philosophique propre à Rosset. Nous proposons ainsi une cartographie de l’ensemble de son œuvre pour analyser les nouvelles tactiques qu’il met en œuvre pour renouveler l’approche du tragique, et par là, pour évaluer la manière de philosopher singulière qu’il met en œuvre. Analysant dans ses premiers travaux le tragique à travers une analyse de l’événement tragique et de son expérience individuelle, Rosset élargit son champ de réflexion pour faire du tragique l’objet d’une philosophie du réel. Ce tournant dans son œuvre nous amène à penser le tragique non comme une question circonstancielle ou réservée à l’analyse dramaturgique ou esthétique mais comme le programme d’une nouvelle philosophie, qui conteste l’idée de nature, et propose une nouvelle philosophie du réel. En précisant cette philosophie comme « logique du pire », « anti-nature » et philosophie du hasard, nous confrontons ainsi ses ouvrages de la maturité avec son premier geste philosophique, qui détermine la philosophie comme tragique. Cela nous amène à distinguer le tragique de l’absurde et du pessimisme, en insistant sur le rapport paradoxal à la joie qu’il comporte, qui détermine le tragique comme une philosophie de l’approbation. Le rôle que tiennent la littérature et la musique est alors évalué à la lumière de cette nouvelle rencontre, que Rosset nous propose, entre une esthétique de l’artifice et une éthique de l’approbation tragique. Nous espérons ainsi contribuer à l’ouverture en France d’une réception de la philosophie de Clément Rosset. / Starting from the concept of “tragic philosophy”, we offer a complete analysis of the complete philosophy of Rosset, up to now little studied in France. We contemplate the link in his work between tragic philosophy and the arts, based on his analysis of works of dramatic art, literature and music. In doing this, we analyse even the term ‘tragic’ itself, the fortune of ancient drama and the usage of tragedy proposed by Nietzsche, in order to establish the philosophical approach that belongs to Rosset. We thus present a mapping of the whole of his works in order to analyse the new tactics that he puts to work in order to re-invent the approach to tragic, and in this manner, evaluate the singular manner of the philosopher that he puts to work. Analysing in his earliest works on tragic by means of the tragic event and his personnel experience, Rosset then enlarges his field of reflexion to make tragic the object of the philosophy of reality. This twist in his work brings us to think not of the tragic as a circumstantial question or the reserve of the dramatical or artistic analysis but as the plan for a new philosophy, which contests the idea of nature, and offers a new philosophy of reality. By clarifying this philosophy as the « logic of the worst », « anti-nature » and the philosophy of chance, we thus consider his works with the maturity of his first philosophical gesture that sets out the philosophy as tragic. This method in his work leads us to distinguish the absurd tragic from that of pessimism, whilst insisting on the paradoxical link of the joy that it brings, that determines the tragic as a philosophy of approval. The role played by literature and music is thus evaluated in the light of this new encounter that Rosset proposes to us, between an art of the subtle and the ethics of tragic approval. We hope in this manner to contribute to opening France up to the philosophy of Clément Rosset. / Esta tesis tiene como objetivo comprender y precisar los términos a partir de los cuales Clément Rosset retoma y reelabora el termino filosofía trágica. Para hacerlo, hemos hecho una travesía que abarca el conjunto de su obra, para así hacer visibles los diferentes estratos que conforman este concepto. En primer lugar, la filosofía trágica de la que Rosset nos habla en sus libros de juventud aparece a une escala humana: él se interroga sobre el acontecimiento trágico y la relación del humano con ese tipo de situaciones. El describe, por tanto, el sujeto trágico que se sorprende cada vez que esas situaciones aparecen. Su elaboración no solamente su nutre y está ligada definitivamente a Nietzsche, sino también a las tragedias antiguas y modernas, reforzando así el lazo entre estética y filosofía. En segundo lugar, Rosset extiende su visión de lo trágico al mundo. Así él nos invita a pensar en la actividad misma de la materia, lo cual implica que no solamente el individuo es trágico sino el mundo en su totalidad. En este momento de la reflexión es necesario precisar que Rosset no comprende lo trágico como el “hecho lamentable”, sino que su visión es mucho mas compleja, puesto él debe entenderse como el “indeterminismo” que acompaña cada acto de nuestra vida y la actividad del mundo en su conjunto. Así una filosofía trágica se dedica a pensar ese ingrediente crucial, el “indeterminismo”, de donde surgen todos los determinismos que vemos y habitamos constantemente: los acontecimientos y los seres (animados e inanimados). En tercer lugar, si Rosset instaura una nueva concepción de lo trágico, ella va permitirle, algunos años más tarde, conducir su reflexión hacia lo “real”. Es así que la palabra “trágico” se diluye, pero no su sentido, el “indeterminismo”, el cual se incrusta en el centro mismo de sus reflexiones sobre lo real. Vemos así como Rosset desliza su pensamiento hacia una filosofía de lo real que por tanto es completamente equiparable a la filosofía trágica de sus primeros libros. Eso no significa que la reflexión de Rosset permanezca estática, todo lo contrario, ella es muy activa - pero guardando una profunda coherencia -, puesto que se dedica a reformular el problema de lo real, esta vez a partir del “indeterminismo”, que aparecerá como la verdadera “naturaleza” de lo real. Finalmente si la filosofía de Rosset se dedica pensar lo real, su solo objetivo es proponernos una reconciliación con lo inmediato, con el empirismo de las cosas que nos rodean. De esta manera su filosofía es una celebración de lo real, la cual también podría leerse como una celebración del “indeterminismo”. Para garantizar mejor nuestra cohabitación con lo real, Rosset la refuerza a través de un campo de sensaciones provenientes de la música y la literatura. Es así que una filosofía de lo real, puede mejor comprenderse por las sensaciones que nos producen estas manifestaciones estéticas. De esta manera Rosset conserva el lazo entre filosofía y estética que habíamos descubierto al comienzo de su reflexión sobre lo trágico.
|
75 |
Histoires de mariage- Une contribution à l’histoire des formes narratives à la Renaissance : le mariage dans la fiction narrative française (1515-1559) / Marriage stories- A Contribution to the History of Narrative Forms during the Renaissance : Marriage in the French Narrative Fiction (1515-1559)Dion, Laetitia 09 February 2012 (has links)
Les études consacrées à la représentation du mariage dans les textes narratifs au XVIe siècle cherchent le plus souvent à mettre en rapport l’image du lien conjugal construite par les récits avec les débats de l’époque. Nous avons voulu combiner cette approche, relevant davantage de l’histoire des idées, à une analyse des formes littéraires en nous interrogeant sur le rôle joué par le thème du mariage dans les évolutions du genre narratif à la Renaissance.Nous menons notre enquête sur un ensemble de douze fictions narratives en prose, de composition française, écrites entre 1515 et 1559. Durant cette période, le mariage se trouve au cœur de nombreuses controverses théologico-politiques et les regards portés sur la vie conjugale se modifient. En nous appuyant sur un travail de contextualisation historique, nous croisons une approche thématique avec une réflexion sur la poétique narrative pour étudier la structuration des intrigues, la construction des personnages et les dispositifs didactiques et herméneutiques des textes. La comparaison de nos récits à d’autres œuvres – contemporaines ou antérieures, françaises ou étrangères – fait apparaître, au cours de notre période, un renouvellement de la matière narrative autour du mariage. L’accent mis sur certaines situations matrimoniales et les enjeux spécifiques qui leur sont associés à l’époque se révèlent être un ferment favorable à l’apparition de structures narratives innovantes. Le mariage joue en particulier un rôle déterminant dans l’orientation des récits brefs vers le genre de l’histoire tragique et dans l’apparition de formes romanesques originales à travers lesquelles on voit s’élaborer le genre du roman sentimental. / In most cases, studies devoted to the representation of marriage in narrative texts of the 16th century aim to link the image of the marriage bond as elaborated in the narratives to the controversies of the time. In order to show how the theme of marriage has played a part in the development of the narrative genre in the French Renaissance, we have decided to combine such an approach, which is rather based on the history of ideas, with an analysis of literary styles.We have conducted our survey on a set of twelve prose narrative fictions written in French between 1515 and 1559. Marriage was then at the heart of many theological-political controversies and married life started to be seen in a new light. Basing our work on historical contextualization, we have intertwined a thematic approach with a reflection on narrative poetics so as to study the plot structure and characterization as well as the didactic and hermeneutic systems of the texts. Comparing these narratives with other literary works – contemporary or prior, French or foreign – has enabled us to highlight a renewal of the narrative matter related to marriage themes during that period. The emphasis put on certain matrimonial situations and the related specific challenges in those days created favourable grounds for the advent of innovative narrative structures. Marriage stories have particularly contributed to orienting short stories towards the style of tragic stories and to giving birth to original novelistic forms in which the early stirrings of the style of the sentimental novel can be seen.
|
76 |
Ktf ; suivi de, La culture populaire et le rire comme instruments de détournement des discours dominants et de la culture consacrée dans Borderline et La brèche de Marie-Sissi LabrècheFrancoeur, Isabelle 08 1900 (has links)
Mémoire en recherche-création / Ktf, la première partie de ce mémoire, est un récit au « je » qui tente de reproduire
le parler des jeunes québécois. Il présente une vision des relations amoureuses au temps
des nouvelles technologies à travers les yeux d’une jeune femme de 20 ans souffrant de
dépendance affective. Le discours se double d’une réflexion sur l’endoctrinement par les
discours sociaux qui poussent à accorder une grande importance au paraître. La narratrice,
par son point de vue à la fois sarcastique et aliéné, s’attarde à raconter son banal quotidien,
tout en reconduisant une multitude de stéréotypes et en pigeant allègrement dans le
répertoire du kitsch et des pensées préconçues. Toutefois, grâce à son sens de
l’autodérision, la narratrice insuffle à son récit une bonne dose de ridicule ce qui a pour
effet de dévoiler le vide de sens qui sous-tend cette culture du paraître.
La seconde partie de ce mémoire est un essai qui s’intéresse la culture populaire et
au rire comme instruments de détournement des discours dominants et de la culture
consacrée dans Borderline et La brèche de Marie-Sissi Labrèche. Cet essai en trois parties
s’attarde d’abord à faire ressortir les références au tragique dans les deux récits de l’auteure,
afin de montrer comment leurs héroïnes Sissi et Kiki sont oppressées par les grands
discours du système officiel. Ensuite, les parties deux et trois portent sur le détournement
que les narratrices font subir au tragique en le confrontant à diverses manifestations de la
culture populaire comique, dont le kitsch, le grotesque, le ridicule, le carnavalesque et le
trash. / Ktf, the first part of this M.A. Thesis, is a narrative that attempts to reproduce the
orality of young people in Quebec. It presents a vision of love relationships in the age of
new technologies through the eyes of a 20-years-old girl suffering from emotional
dependence. The discourse is coupled with a reflection on indoctrination by social
discourses that give great importance to appearing. The narrator, from her sarcastic and
alienated point of view, dwells on her banal daily life, while reiterating a multitude of
stereotypes and while gleefully pumping into kitsch repertoire and preconceived thoughts.
However, thanks to her sense of self-deprecation, the narrator infuses her story with a good
dose of ridicule, which has the effect of revealing the meaninglessness that underlies this
culture of appearances.
The second part is an essay on popular culture and laughter as instruments for
diverting dominant discourses and consecrated culture in Borderline and La brèche by
Marie-Sissi Labrèche. This three-part essay focuses first on highlighting references to
tragedy in the author's two narratives, in order to show how their heroines Sissi and Kiki
are oppressed by the great rhetoric of the official system. Then, parts two and three analyze
how Labrèche turns away the tragic by confronting it with various manifestations of comic
popular culture, including kitsch, grotesque, ridiculous, carnivalesque and trash.
|
77 |
Las experiencias del tiempo en Antigona furiosa, de Griselda GambaroTurchi, Romina María January 2008 (has links)
Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.
|
78 |
La faute dans la tragédie française du XVIIe siècle / The fault in the French tragedy of the seventeenth centuryHatakeyama, Kana 15 January 2016 (has links)
Cette thèse a pour objectif d’étudier la tragédie du XVIIe siècle en France avec la notion de faute tragique, hamartia, et de montrer l’originalité et la diversité des tragédies classiques. Commentée dans la Poétique d’Aristote, l’hamartia se définit comme une notion médiane entre un délit volontaire et une malchance. Coupable d’une hamartia, le héros n’en est pas pour autant entièrement responsable malgré sa prise d’initiative, dans la mesure où la faute n’est pas due à l’intention perverse. Parce que le malheur déclenché par une hamartia, apparaît disproportionné à l’intention du coupable, les spectateurs éprouvent de la compassion envers le héros infortuné. Dans la mesure où la compassion est une des émotions essentielles de la tragédie au même titre que la terreur – en effet, la catharsis consiste en l’épuration de ces émotions –, la faute tragique constitue à cet égard un des composants sine qua non de la tragédie. Mais arrivée au XVIIe siècle en France, la faute garde-t-elle le même statut ? Pour répondre à cette question, nous examinons les tragédies de sept dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine et Jean-Galbert de Campistron, ce qui permet d’étudier le XVIIe siècle en entier. Le premier chapitre sera consacré à l’examen de la notion de faute dans les écrits théoriques. Dans le deuxième chapitre, nous nous intéresserons à la fabrique du héros coupable. Le troisième chapitre portera sur la nature de la faute. Et nous étudierons, dans le quatrième chapitre, le statut de la faute sur le plan dramaturgique, avant d’examiner, dans le dernier chapitre, les problèmes moraux. Ce travail révèlera l’importance de la Poétique d’Aristote dans la tragédie du XVIIe siècle en France. / The purpose of this doctoral thesis is to study the French tragedy in the seventeenth century researching into the notion of tragic flaw, hamartia, and to show the originality and the diversity of the French classical tragedy. This notion, commented by Aristotle in "Poetics" originally differs from either an intentional crime or an accidental one. The tragic flaw presupposes the participation of an agent without denying the presence of fortuity. Although a tragic hero is responsible for his misfortune, as it proceeded from his fault, the result exceeds his intention. And this disparity between intention and misfortune makes the audience feel compassion for the hero suffering from his misfortune. If this compassion is one of the emotions caused only by tragedies, the tragic flaw constitutes in this respect an essential element of tragedy. But is the concept of fault identical in the Christendom society of the seventeenth century? To answer this question, I deal with the tragedies of seven dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine and Jean-Galbert de Campistron, to cover the seventeenth century. In the first section of this work, I examine the notion of fault in the theoretical texts. The second section consists in studying the tragic figure. The third section is about the nature of the fault, the private fault and the politic fault. The fourth section concerns the status of fault on the dramaturgical level, before examining moral questions in the final section. This work reveals the importance of Aristotle’s Poetics in the French tragedy of the seventeenth century.
|
79 |
Las experiencias del tiempo en Antigona furiosa, de Griselda GambaroTurchi, Romina María January 2008 (has links)
Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal
|
80 |
Les Antigones espagnoles : modalités esthétiques et idéologiques des reprises de la figure mythique, de la Guerre Civile à la Transition / Rewriting Antigone : ideology and aesthetics in the Spanish versions of the tragedy, between the Civil War and the transition to democracyBlin, Fanny 22 September 2017 (has links)
En réponse au traumatisme de la division nationale suscitée par la guerre civile et cristallisée pendant le franquisme, la figure d’Antigone resurgit avec force dans la dramaturgie espagnole. Le parcours de résistance de cette héroïne grecque devient, sous la plume des auteurs espagnols du XXème siècle, l’emblème de la « juste mémoire » (Ricœur, 2000). Partant de l’hypothèse que le corpus des Antigones espagnoles constitue un ensemble relevant d’une dynamique commune de relecture de l’histoire, cette thèse recherche, à travers un travail comparatif des structures et des symboliques, la cohérence des versions catalanes, galiciennes et castillanes, de l’exil comme de l’intérieur, pour la période comprise entre 1936 et 1989. Dix-huit pièces sont ainsi mises en perspective pour démontrer la conquête de discours mémoriels et compensatoires à partir des sources hypotextuelles que constituent la tragédie de Sophocle, mais aussi les autres versions théâtrales du mythe. La première partie examine les procédés de réécriture du mythe, de l’histoire et de la tragédie, pour qualifier les pièces et déterminer un éventuel noyau mythique ou un schéma référentiel récurrent. La notion de « (re)configurations contemporaines » au prisme du contexte politique émerge alors pour désigner les objets de ce travail. La deuxième partie analyse les convergences esthétiques et les motifs récurrents dans les textes, car les Antigones espagnoles contemporaines placent au centre de la scène la métaphore de la marge pour figurer l’exclusion politique, ou encore celle du chemin pour représenter les destins brisés et l’exil. Fondamentalement, ces œuvres forgent un tombeau littéraire pour les défunts oubliés, mais aussi un monument en l’honneur des invisibles. La dimension esthétique de cette place théâtrale compensatrice ouvre une réflexion sur son sens cathartique dans une société en recomposition pendant la Transition. En effet, le troisième volet de cette thèse est centré sur la théâtralisation de l’histoire : il s’agit d’étudier les dispositifs de déconstruction des récits nationaux à travers les différents réagencements du mythe des Labdacides. Cette clé de lecture révèle les stratégies de démythification-remythification qui président aux nouvelles charges sémantiques des épisodes mythiques, dépeignant un autoportrait déformant de la communauté espagnole en crise. À l’horizon de ces pratiques de réécriture, se lit la conception d’une époque historique comme une épopée, que la parole cérémonielle et le dispositif scénique peuvent contribuer à purger, par une distance qui englobe un large prisme, de la sacralité au grotesque. / Echoing the traumatic conflict within the nation caused by the Civil War and crystallized during Franco’s era, Antigone’s reappearance was extremely intense in Spanish dramatic creation. In contemporary rewritings, the resistance of this tragic character from Greek mythology turned out to be the emblem of a “fairer memory” (Ricoeur, 2000). This work asserts that the Spanish Antigones converge and share a common signification when it comes to rewriting History; and resorts to a comparative study of structures and symbols to shed light on the continuity between the Castilian, Catalan and Galician versions, between those written in exile or not, from 1936 to 1989. In order to establish the common dynamic, eighteen plays are compared, whose key idea is to create a memorial and a redeeming discourse based on the Greek sources but also inspired by other versions of the tragedy. Therefore, the first part examines the strategies implemented to rearrange the mythical pattern, the historical context and the tragic genre. This leads to the conclusion that there is no permanent mythical core nor a fully recurrent referential scheme. As such, the notion of “contemporary (re)configurations” through the prism of politics seems relevant to describe the rewritings. The second part analyses the aesthetic convergences and the recurring themes and metaphors throughout the texts and concludes that in the contemporary Spanish Antigones, the image of the margins embodying exclusion takes on centre stage while the image of the path is resorted to in order to evoke broken destinies and exile. Basically, these plays create a literary tomb for the forgotten deceased but also a monument in honour of the invisible –alive– ones. The aesthetic dimension of this compensatory play requires a reflection upon its cathartic sense in a transforming society during the Transition to democracy. Indeed, the third part of this work focuses on the dramatization of History, making it crucial to study the scenic devices that dismantle the official stories and political myths. This reveals the strategies of “demystification” followed by new mythifications that portray a distorting image of the Spanish community in crisis. Ultimately, these practices of rewriting show that the playwrights conceived their time as an epic and mythical phase which could be purged by theatrical ceremonial thanks to a distancing effect that covers a large prism, from sacred to grotesque.
|
Page generated in 0.0583 seconds