[pt] Esta dissertação pretende apresentar e discutir o conceito de regimes de identificação das artes, desenvolvido pelo filósofo francês Jacques Rancière desde meados da década de 1990. Interessa-nos principalmente perceber como, por meio deste conceito, a contingência histórica da noção de arte adquire uma dimensão polêmica, tornando-se o ponto de partida para a construção de uma cena argumentativa que visa, sobretudo, tornar perceptível o aparecimento de uma potência dissensual no campo das práticas artísticas a partir de fins do século XVIII. Para desenvolver nossa discussão, em um primeiro momento sublinhamos determinados aspectos do método filosófico de Rancière, no intuito de destacar seus esforços em reconfigurar os debates nos quais interfere, sem, contudo, oferecer respostas unívocas para as questões com as quais se depara. Em um segundo momento, apresentamos o conceito de regimes de identificação e as principais características dos três regimes descritos por Rancière: o regime ético das imagens, o regime poético das artes e o regime estético da arte. Por último, nos perguntamos sobre de que modos o conceito de regimes pode nos ajudar a pensar em uma relevância contemporânea para o campo da arte e sua potência dissensual. / [en] This dissertation aims to present and discuss the concept of regimes of identification of the arts, developed by the French philosopher Jacques Rancière from the middle of the nineteen nineties. We are particularly interested in perceiving how, through this concept, the historical contingency of the notion of art acquires a polemical dimension, becoming the starting point of the construction of an argumentative scene that aims, most of all, at making perceptible the appearence of a dissensual power in the field of artistic practices since the end of the 18th century. First, in order to develop our discussion, we underline certain aspects of Ranciere s philosophical method, with the purpose of highlighting his efforts in reconfiguring the debates in which he interferes, without however, providing univocal answers to the questions with which he comes across. Secondly, we present the concept of regimes of identification and the main characteristics of the three regimes analyzed by Rancière: the ethical regime of images, the poetic regime of arts and the aesthetic regime of art. Last of all, we ask ourselves about which ways the concept of regimes can help us think in a contemporary relevance for the field of art and its dissensual power.

Dopo una panoramica sull’analisi narrativa nel suo sviluppo storico, a partire dall’interpretazione allegorica greca, passando per l’esegesi cristiana, fino allo strutturalismo, l’ermeneutica, la psicanalisi, il femminismo e la decostruzione, il primo capitolo si avvale del contributo di David Bordwell (Making Meaning, 1989), per mostrare il limite del meccanismo cognitivo comune a tutti i modelli ermeneutici: la mancanza di un fondamento epistemologico solido e di un metodo condiviso, che permetterebbe di non costruire ogni volta un edificio concettuale diverso e intercambiabile, ma di far sì che una nuova teoria narrativa abbia un potere esplicativo superiore e non semplicemente alternativo rispetto a quello delle teorie che l’hanno preceduta. Tale fondamento e metodo vengono individuati nel secondo capitolo grazie al ricorso alle scienze evoluzionistiche, soprattutto biologia e neurobiologia. Come sintetizzato da Brian Boyd (On the Origin of Stories: Evolution, Cognition and Fiction, 2009) l’Homo sapiens non si è trovato capace e bisognoso di raccontare e ascoltare storie dall’oggi al domani. La funzione narrativa si è evoluta come qualsiasi altra caratteristica della nostra specie in funzione del mantenimento e della trasmissione della vita, probabilmente in quanto gioco cognitivo, meccanismo neuronale che permette al cervello umano di orientarsi nel tempo dando ordine e senso agli eventi. Adottandone il metodo e basandosi su questo e molti altri risultati delle scienze evoluzionistiche, l’analisi narrativa può finalmente cominciare a costruire su un fondamento solido, sottoponendo i propri risultati teorici al vaglio della verifica quantitativa. A questo è dedicato il terzo capitolo, aperto su una nuova prospettiva di ricerca, che attraverso l’applicazione dei modelli matematici della teoria dei giochi permette di individuare un metodo per verificare l'ipotesi evoluzionistica che la cultura umana, e le storie che nel corso del tempo questa ha raccontato, si siano evolute in una direzione ben precisa, quella della cooperazione (Robert Axelrod, The Evolution of Cooperation, 1984). La teoria dei giochi è infatti nata come studio delle strategie di comportamento economico attraverso l'elaborazione di modelli matematici, ma si presta (ed è stata con successo applicata) a qualunque tipo di interazione umana e non, economica, biologica, sociale, culturale, etica e in questo caso narrativa.

[pt] Este trabalho visa expor a teoria do filósofo alemã o Friedrich Schiller sobre a beleza e demonstrar como ela, tal como exposta em A educação estética do homem apresenta um novo tipo de liberdade, característica do estado estético da mente, que carrega uma promessa política. Segundo Schiller, o Iluminismo fracassava e a revolução francesa se degenerava em terror por conta de um desequilíbrio entre razão e sentimento na cultura. O ser humano é um ser de natureza mista, de modo que razão e sentimento precisam estar em equilíbrio para a sua plenitude. Partindo da estética de Immanuel Kant, Schiller defendeu que, quando contempla a beleza, nenhuma aptidão humana domina o sujeito, que atinge um estado de suspensão, ativo e passivo ao mesmo tempo: o estado estético. Nele, ambas as suas legislações se harmonizam. O pensador francês Jacques Rancière argumentou, em Mal estar na estética que a educação estética de Schiller pode ser uma alternativa à antiga ideia de revoluçâo política, uma vez que configura um novo tipo de experiência do sensível, sem dominação e sem hierarquias, onde todos são iguais e onde o sentimento não é subjugado pela razão. Há, na experiência do jogo estético, a revogação do domínio que a razão estabelecia sobre a sensibilidade, tal como daquele empreendido pelo opressor sobre o oprimido. A arte, como descrita por Schiller e Rancière, não está à serviço de uma determinada Poética ou ideologia. Tampouco se trata de arte pela arte. Este novo regime estético se caracteriza pela autonomia na forma de experiência do sensível, que se lança, para além do estético, ao político, da beleza à liberdade. / [en] This work aims to study the theory of the German philosopher Friedrich Schiller about beauty and demonstrate how such theory as exposed in The aesthetic education of man presents a new type of freedom, characteristic of the aesthetic state of mind, which carries a political promise. According to Schiller, the Enlightenment failed and the French Revolution degenerated into terror because of an imbalance between reason and feeling in culture. The human being is a being of mixed nature, so that reason and feeling need to be in balance for their fullness. Starting from the aesthetics of Immanuel Kant, Schiller argued that, when contemplating beauty, no human aptitude dominates the subject, who reaches a state of suspension, active and passive at the same time: the aesthetic state. In it, both their laws harmonize. The French thinker Jacques Rancière argued, in Aesthetics and Its Discontents that Schiller s aesthetic education can be an alternative to the old idea of political revolution, since it configures a new type of experience of the sensible without domination and without hierarchies, where everyone is equal and where feeling is not subjugated by reason. There is, in the experience of the aesthetic free play the revocation of the dominion that reason established over sensibility, such as that undertaken by the oppressor over the oppressed. Art, as described by Schiller and Rancière, is not at the service of a certain Poetics or ideology. Nor is it art for art s sake. This new aesthetic regime is characterized by autonomy in the form of the experience of the sensible, which go es beyond the aesthetic to the political, from beauty to freedom.

In Francia, tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo, sorge una nuova forma esperienziale, quella del cinema. Nello stesso contesto, il movimento corporeo diventa oggetto di studio da parte di una serie di discipline, in particolar modo l’estetica e la psicofisiologia, che si ridefiniscono reciprocamente in un costante dialogo con le nuove tecnologie visive. Esiste una relazione tra questi due eventi? Il presente lavoro mira a costruire un’archeologia dell’esperienza cinematografica attraverso l’analisi dei testi di estetica sperimentale, psicologia della percezione e neurologia che emergono nell’orizzonte culturale francese tra il 1875 e il 1905. Il primo capitolo si concentra sulle teorie estetiche di Guyau, Séailles e Souriau, in cui la bellezza del movimento è concettualizzata seguendo un processo di progressiva meccanizzazione del corpo. Nel secondo capitolo viene analizzato il dibattito psicologico interno alla «Revue Philosophique» (1876), dove il corpo diviene medium capace di rendere visibile e registrabile il mondo soggettivo. Infine, nel terzo capitolo vengono studiate le ricerche estetiche e iconografiche che hanno luogo presso la clinica della Salpêtrière diretta da Charcot, pubblicate nella «Nouvelle Iconographie» (1888). Da queste, nasce una nuova morfologia del corpo in movimento, sostenuta dal progresso dei metodi grafici fino all’avvento del cinema. / In France, between the late nineteenth and the early twentieth century, a new experience rises, that of cinema. In the same context, the bodily movement becomes the object of study of a huge range of disciplines, especially aesthetics and psychophysiology, which redefine each other in a constant dialogue with new visual technologies. Is there a relationship between these two events? This work aims to build an archaeology of the cinematic experience through the analysis of texts of experimental aesthetics, psychology of perception and neurology that emerge in the French cultural context between 1875 and 1905. The first chapter focuses on the aesthetic theories of Guyau, Séailles and Souriau, where the beauty of movement is conceptualized following a process of gradual mechanization of the body. The second chapter analyzes the psychological debate inside the «Revue Philosophique» (1876), where the body becomes a medium capable of making the subjective world visible and adjustable. Finally, in the third chapter we investigate the aesthetic and iconographic researches that took place in Charcot’s clinic at the Salpêtrière, published in the «Nouvelle Iconographie» (1888). From these arises a new morphology of the body in motion, supported by the progress of graphical methods until the advent of cinema.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:18:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mauricio Penteado Trentin.pdf: 2390746 bytes, checksum: a64320c9192af1289fb7448c959c9969 (MD5) Previous issue date: 2010-05-24 / The research aims at developing a new structure for mapping and analyzing works of art starting with their communicational characteristics. It is based on the hypothesis that there are possibilities in readership, understanding and categorization of objects of art in contemporary production that can be reached by the analysis and interpretation of communication aspects between interpreters and works of art; out of which possible relationship patterns arise. From a methodological point of view, the research is based on bibliographic research, presentation of works that present the communication categories and possibilities and artwork creation, a way to expand the discussion to other medium and interfaces. The goal is to verify the relationship possibilities between the immaterial counterparts of the objects, their meanings, and the observer. The logic is that the communication relationship between the work and the interpreter could permeate different media, the media being no more relevant than the main components of comprehension and readership, the meaning that the works carry and the way in which these meanings are learned by the interpreter. Even when the choice of medium is made in direct relationship with the subject matter, criticism or poetics of the work, the immaterial representation engulfed by the object and noticed by the observer is paramount to the comprehension of contemporary art. Analyzing the implications and theoretical relationships of the proposal, the dissertation aims at establishing discussion about the real space of the contemporary art experience, its communicational and relational scope, the contact between meanings and interpreters. The hypotheses, therefore, is presented by the means of two discourses: theoretical/analytical and artistic. In the artistic discourse, a series of works that operate in different levels of contact with the observer will be created and presented. In the theoretical discourse, relational categories created stemming from the communication possibilities between interpreters and contemporary works of art will be proposed and have their general validity accumulated with the presentation of relevant theoretical relationships. From the theoretical point of view, the discussion is built on the concepts of post-historic art of A. C. Danto, contemporary art of C. Cauquelin, Peircean semiotics based on the reading of L. Santaella, and the crucial importance of the interpreter, initially indicated by Duchamp, to investigate the possibilities of communication in contemporary art. It shows that the categorization of an artistic production is possible as long as the parameters are communicational/relational (Peirce s universal categories applied to the work/interpreter relationship, perceiving works as interfaces between artists and interpreters, close to the Cultural Interfaces, in Manovich s terms, however not necessarily digital), take into consideration specific interpretations and aren t based exclusively on the physicality of the works / A pesquisa visa lançar bases para uma nova estrutura de mapeamento e análise das obras de arte, partindo de suas características comunicacionais. Parte-se da hipótese de que existem possibilidades de leitura, discernimento e categorização de objetos de arte na produção contemporânea que podem ser feitas pela análise e interpretação de aspectos comunicacionais entre intérpretes e obras de arte; dos quais decorrem possíveis padrões relacionais. Do ponto de vista metodológico, a investigação apóia-se em pesquisa bibliográfica, discussão de obras que apresentam as categorias e possibilidades comunicacionais e criação de obras próprias que expandem as questões centrais da investigação em outros suportes e interfaces. O intuito é verificar as possibilidades relacionais entre as contrapartes imateriais dos objetos, seus significados, e o intérprete. A lógica é que a relação comunicativa obra/intérprete pode permear mídias e suportes diferentes, suportes esses que não são mais relevantes do que os componentes principais da compreensão e leitura, a carga de significado que as obras transportam e a maneira como esses significados são apreendidos pelo intérprete. Mesmo quando a escolha da mídia ou suporte faz relação direta ao assunto, crítica ou poética da obra, a carga imaterial de representatividade encapsulada pelo objeto e percebida pelo intérprete é central na compreensão da arte contemporânea. Analisando implicações e relações teóricas da proposta, a dissertação visa estabelecer discussão sobre o espaço real da experiência artística contemporânea, o campo comunicacional e relacional, o contato entre significados e intérpretes. A hipótese, portanto, é apresentada por meio de dois discursos: teórico/analítico e artístico. No discurso artístico, séries de obras que operem em níveis diferentes de contato com o intérprete serão criadas e apresentadas. No discurso teórico, categorias relacionais criadas a partir das possibilidades comunicativas entre intérpretes e obras de arte contemporâneas serão propostas e terão sua validade geral adensada com a apresentação de relações teóricas relevantes. Do ponto de vista teórico, a discussão baseia-se nos conceitos de arte pós-histórica de A. C. Danto, de arte contemporânea de C. Cauquelin, na semiótica peirciana, partindo da leitura de L. Santaella, e na importância crucial do intérprete, inicialmente indicada por Duchamp, para investigar as possibilidades de comunicação da arte contemporânea. A investigação demonstra que uma categorização da produção artística contemporânea é possível desde que os parâmetros sejam comunicacionais/relacionais (categorias universais de Peirce aplicadas à relação obra/intérprete, percebendo obras como interfaces entre artistas e intérpretes, próximas as Interfaces Culturais, nos termos de Manovich, porém não obrigatoriamente digitais), levem em conta interpretações específicas e não partam exclusivamente da fisicalidade das obras

[pt] A presente tese procura desvelar na filosofia de Martin Heidegger a questão da representação nas artes visuais. O pensamento acerca da arte em Heidegger se desvincula da estética, visto que ele se distancia de qualquer maneira de lidar com a arte enquanto objeto de apreciação subjetiva do ser humano. Assim, apresento uma exposição da crítica da metafísica e do pensamento da representação empreendidas pelo filósofo, principalmente nos domínios da arte. Com este propósito investigo a própria obra de arte, retomando e desenvolvendo questões fundamentais no pensamento heideggeriano, como o conceito de ser e de verdade. No ensaio A Origem da Obra de Arte, a concepção de verdade surge como abertura originária e desvelamento e a arte é pensada como formadora e transformadora de mundo. A história da arte é compreendida então como uma história de descontinuidade, na qual cada mudança é uma ruptura, um espaçamento que faz origem, que abre um novo mundo. Assim é próprio da arte desvelar a verdade de uma época histórica. O passo seguinte é dado ao abordar o escrito Sobre a Sistina, em que Heidegger traz importantes elementos para a reflexão sobre a arte e a crítica da estética. Por fim, remeto-me aos escritos em que Heidegger trata da questão da escultura e de sua relação com o espaço: Observações sobre Arte - Escultura - Espaço e A Arte e o Espaço. Aqui investigo as noções de espaço e lugar na obra do filósofo e o modo que elas dialogam com as obras dos escultores Eduardo Chillida e Benhard Heiliger. Em um último esforço, reflito sobre como a arte possibilitaria um pensamento não representativo. Na arte temos espaço para um novo tipo de pensamento, não mais ordenador e calculante, mas poético, do permanente devir do ser que faz parte da sua essência originária. Em suma, procura-se neste estudo articular o pensamento heideggeriano com uma análise orientada pelas artes visuais aprofundando a questão da representação e da crítica à metafísica. / [en] This thesis seeks to reveal, in Martin Heidegger s philosophy, the issue of representation in the visual arts. Thinking about art in Heidegger departs from the aesthetic, since he distances himself of any form of dealing with art as an object of subjective appreciation of the human being. Thus, I present a critique of the metaphysics and the thought of representation undertaken by the philosopher, mainly in the fields of art. For this purpose I investigate the work of art itself, resuming and developing fundamental issues in Heidegger s thought, as the concept of being and of truth. In the essay The Origin of the Work of Art, the conception of truth emerges as an original opening and unveiling, and art is thought as creating and transforming the world. The history of art is then understood as the history of discontinuity, in which each change is a breach, a gap that originates a new world. Therefore the art typically reveals the truth of a historical era. The next step is taken by addressing the writing About Sistine, where Heidegger brings important elements for reflection on criticism and aesthetics. Finally, I refer to the writings in which Heidegger comes to the subject of sculpture and its relationship to space: Observations on Art - Sculpture - Space and The Art and Space. Here I investigate the concepts of space and place in the work of the philosopher, and the way they relate with the works of sculptors Eduardo Chillida and Benhard Heiliger. In one last attempt, I reflect on how art would allow an unrepresentative thought. In art there is space for a new kind of thinking, not orderly and systematic anymore, but poetic, from the continuous transformation of the being that belongs to its original essence. In summary, this study seeks to articulate Heidegger s thought with an analysis guided by the visual arts, getting more in depth in the matters of representation and metaphysics critique.

[pt] Dez e Mais Vezes favela: Estética, Política e Representação trata-se de uma análise comparativa entre os dois filmes brasileiros com o título comum cinco vezes favela, o primeiro do ano de 1964 e o segundo, com o adendo agora por nós mesmos, do ano de 2010. Busca-se observar como ambos desenvolvem suas propostas formais e estéticas e como esta realização articula-se com os objetivos de ação política de seus respectivos realizadores, tendo como fio condutor teórico principal as contribuições de Gilles Deleuze e Jacques Rancière. / [en] Ten and more times favela: Aesthetics, politics and Representation is a comparative analysis of two brazilian movies that share the title cinco vezes favela, the first one being released in 1964 and the second one, with the added title agora por nós mesmos (now by ourselves), from the year 2010. The aim is to observe how both movies develop their formal and aesthetic projects and how such production articulates their respective makers’ political action goals, having as the main theoretical thread the works of Gilles Deleuze and Jacques Rancière.

[pt] O trabalho em uma escola, oferece a oportunidade de se pensar sobre a complexidade das questões que envolvem a construção de conhecimentos atrelada à construção de vínculos de relacionamento intersubjetivos. Em meio a essa complexidade, esse trabalho de pesquisa se voltou para a produção singular e incessante da experiência subjetiva que se expressa na vida, e, nesse caso particular, em meio às práticas coletivas que fazem parte do cenário polifônico da escola. Para contemplar esse interesse, o presente estudo desenvolveu o tema da experiência subjetiva como produção singular e permanentemente inacabada, a partir das contribuições do pensamento de Wittgenstein e Bakhtin, dois filósofos da linguagem. Dentro dessa perspectiva, a linguagem, como uma prática social que caracteriza a condição humana, redefine a interioridade dessa experiência, na medida em que a reconhece como absolutamente única e, ao mesmo tempo, marcada pelas características de um determinado tempo e lugar situado na história e na cultura. Privilegiou-se nesse estudo os conceitos de ética e estética, ambos fortes referências no contexto das filosofias de linguagem de Wittgenstein e Bakhtin. Tais conceitos, permitiram a expressão de um modo de olhar para a experiência na escola, além de enfrentar uma espécie de tensão na abordagem da singularidade da produção subjetiva e sua construção na linguagem como ação e reflexão. / [en] The work in a school offers the opportunity to think about the complexity of issues that involves the construction of knowledges associated with the construction of bonds of intersubjective relationships. This research focused in the unique and incessant production of subjective experience that expresses itself in life and, in this particular case, among the collective practices that are part of the polyphonic scenario of a school. This work developed the theme of the subjective experience as a singular and permanently unfinished production, with the contributions of the thoughts of Wittgenstein and Bakhtin, two philosophers of language. Inside this perspective, language, as a cultural practice that characterizes our humanity, redefines the interiority of this experience recognizing it as unique and, at the same time, determined by the characteristics of a certain historical and cultural time. In this study, we deal with the concepts of ethics and aesthetics, both strong references inside the philosophies of language of Wittgenstein and Bakhtin. These concepts allowed the expression of a way of looking at the experience at school and faced a kind of tension in the approach of the singularity of subjective production and it's construction as action and reflection.

Made available in DSpace on 2016-04-29T13:32:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marcio Roberto Santim da Silva.pdf: 810935 bytes, checksum: 532625347e9cfd7af82fcdf16a530261 (MD5) Previous issue date: 2008-09-25 / The body cult, characterized by the overvaluation of the physical beauty, has been a common behavior in the western society. The increasing number of plastic operations and health clubs are some of the facts that testify some of the worries of individuals concerning the acquisition of some esthetical patterns. The cultural industry has encouraged individuals to identify themselves with esthetically standardized beauty models exposed by itself. Such fact, associated with the weakening of the individual in the contemporaneous society, has contributed to the formation of homogeneous esthetical concepts. The voyeur and exhibitionist impulses have to be mobilized in the individuals so that the beauty patterns, presented by the object, constitute the esthetical experiences. The exacerbation or the weakening of these impulses may contribute to the formation of various related problems, respectively, the obsession with doing physical activities and a sedentary behavior. Three Likert scales -- voyeurism(V), exhibitionism (E), and esthetical patterns (EP )-- were developed in order to verify the possible differences in the expression of these phenomena in three different groups related to practicing sports: group 1 (sedentary people); group 2 (people who practice weightlifting) and group 3 ( people who practice other physical activities).The study hypotheses were that group 2 would present scores superior to the other groups on the three scales in which they would be co-related. The data analysis, based on the results obtained by the application of scales, showed the existence of meaningful co-relations among voyeurism, exhibitionism and the compliance with esthetical patterns. The co-relation coefficients &#961; of Spearman had a p < 0,01 level and were the following: &#961; = 0,46 ( V and E scales ); &#961; = 0,52 ( scales V and EP ); &#961; = 0,49 ( scales E and EP). Group 2 score was higher than the other groups only on scale EP having an associated probability level of p < 0,01. These results show that group 2 has a higher compliance with the esthetical patterns. The basic theoretical references of this study were the Critical Theory of the Society, specifically the authors who belong to the first generation of Frankfurt school and the Freudian Psychoanalysis / O culto ao corpo, caracterizado pela valorização exacerbada da beleza física, tem sido um comportamento comum na sociedade ocidental. O crescimento do número de cirurgias plásticas e academias de musculação são fatores que evidenciam algumas preocupações dos indivíduos em relação à aquisição de determinados padrões estéticos. A indústria cultural tem estimulado os indivíduos a se identificarem com modelos, por ela expostos, padronizados esteticamente. Tal fato, associado ao enfraquecimento do indivíduo na sociedade contemporânea, contribui para a formação de conceitos estéticos homogêneos. Para que os padrões de beleza, apresentados pelo objeto, constituam-se como experiência estética, as pulsões voyeur e exibicionista precisam ser mobilizadas nos indivíduos. A exacerbação ou o enfraquecimento dessas pulsões podem contribuir para o aparecimento de vários problemas decorrentes, respectivamente, da obsessão por práticas esportivas e do sedentarismo. Foram desenvolvidas três escalas do tipo Likert voyeurismo (V), exibicionismo (E) e padrões estéticos (P) com o objetivo de verificar possíveis diferenças na expressão desses fenômenos em três grupos distintos quanto à prática esportiva: grupo 1 (sedentários); grupo 2 (praticantes de musculação) e grupo 3 (praticantes de outras atividades físicas). Também procurou-se analisar a correlação entre as três escalas. As hipóteses da pesquisa foram de que o grupo 2 apresentaria escores superior aos demais grupos nas três escalas e que elas estariam correlacionadas. A análise dos dados, com base nos resultados obtidos mediante a aplicação das escalas, apontou a existência de correlações significativas entre voyeurismo, exibicionismo e adesão aos padrões estéticos. Os coeficientes de correlação &#961; de Spearman tiveram um nível de significância de p < 0,01 e foram os seguintes: &#961; = 0,46 (escalas V e E); &#961; = 0,52 (escalas V e P); &#961; = 0,49 (escalas E e P). Apenas na escala P, o escore do grupo 2 foi maior que os demais grupos, com um nível de probabilidade associado de p < 0,01. Esses resultados mostraram que o grupo 2 adere mais aos padrões estéticos. Os referenciais teóricos básicos desta pesquisa foram a Teoria Crítica da sociedade, especificamente os autores pertencentes à primeira geração da escola de Frankfurt, e a Psicanálise freudiana

Made available in DSpace on 2016-04-27T17:27:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gabriel Ferreira da Silva.pdf: 726534 bytes, checksum: 92f9c566b8707004c645fea038abb51a (MD5) Previous issue date: 2009-04-16 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The present study aims to reveal the existential analysis undertaken by Albert Camus in sight of the constitution, in his thought, of an éthos that corresponds to the therms of the human demand for sense that is recognized as frustrated. Since his essay Le Mythe de Sisyphe posits as its fundamental problem the suicide as a possible action originated from the question for the sense of the existence, we must follow the development of the camusian construction of his anthropological discourse which has as its centre the notion of Passion in its three expressions -, as well as on the human condition that shows itself as opposite to the complete achievement of the human desire, featuring human experience as Absurd. Therefore, the question for the legitimacy of the suicide becomes even more radical. However, the distinguishing mark of the camusian thought is exactly the disbelief towards the human condition but an affirmation of the human desire for sense. Thus, after the invalidation of the suicide as a correlative práxis to the observation of the existential absurdity, it is necessary to develop an ethos of simultaneously confrontation of the human condition based on a deep acceptance of the Passion. Therefore, we follow the analysis of the three types or figures that express such attitude towards that one which, for Camus, properly embodies all the demands and limits of human Revolt: The Artist-Creator whose actions identifies fully with the revolted one s in the task of assynthotically modeling his existential experience intending to correct, within its own limits, the absurd condition, making the proposed camusian éthos for excelence an authentic aesthetic of the existence / Este trabalho tem por objetivo explicitar a análise existencial empreendida por Albert Camus em vista da constituição, em seu pensamento, de um éthos que seja correspondente aos termos da demanda humana por sentido que se reconhece como frustrada. Dado que seu ensaio Le mythe de Sisyphe postula como problema fundamental o suicídio como possível atitude derivada da pergunta pelo sentido da existência, devemos acompanhar o desenvolvimento da construção do discurso antropológico camusiano que possui como seu centro a noção de Passion em suas três manifestações , bem como sobre a condição humana que se mostra oposta à efetivação completa do desejo humano, configurando a experiência do homem como Absurda. Assim, a pergunta pela legitimidade do suicídio se radicaliza ainda mais. Entretanto, a marca do pensamento camusiano é justamente a descrença para com a condição do homem mas uma afirmação do valor do desejo humano por sentido. Dessa forma, após a refutação do suicídio como práxis correlata à constatação de absurdidade existencial, há a necessidade de se elaborar um éthos de simultâneo enfrentamento da condição humana a partir de uma aceitação profunda da Passion. Com isso, seguimos as análises dos tipos ou figuras que manifestam tal postura até aquela que para Camus encarna propriamente todas as exigências e limites da Revolta humana: o Artista-Criador cujo fazer se identifica plenamente com o do revoltado na tarefa de modelar assintoticamente sua experiência existencial a fim de corrigir, dentro de seu limites próprios, a condição absurda, fazendo da proposta de éthos camusiana por excelência uma autêntica estética da existência