Orientador: Nelson Alfredo Aguilar / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-26T21:06:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nucci_Angela_D.pdf: 4545897 bytes, checksum: b757c0ee381a614e4de58b61e1dd3526 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: A presente tese tem por objetivo discutir quais seriam as ligações entre o pensamento artístico-filosófico de Kazímir Sievierínovitch Maliévitch (1879-1935) ao longo dos anos de 1920 em relação aos debates da intelligentsia russa do início do século XX, especialmente aqueles ligados à tradição filosófico-mística. A preocupação de estudar Maliévitch frente a alguns de seus contemporâneos ocorre para entender o "sentido e o espírito" de um determinado período histórico e, embora as escolhas bibliográficas revelem interesse pela Filosofia russa, não se trata de uma tese centrada no âmbito da Filosofia, mas sim da História da Arte e suas ligações com a História Intelectual e a História Cultural. Ao longo de sua trajetória, Maliévitch fez uso de conceitos relacionados à tradição filosófica como intuição, mística, não-objetividade, infinito e transfiguração. Houve, portanto, a intenção de apresentar e discutir estes termos dentro de uma coerência interna que integrasse aspectos históricos e artísticos. Desconfiando da razão iluminista e das abordagens cientificistas do conhecimento, muitos pensadores russos viam na intuição, na individualidade criativa e no espírito o caminho para um conhecimento transcendente; pensamento perseguido pelo regime soviético, que no início de 1920 determinou a prisão e a deportação para o Ocidente de uma série de intelectuais russos. Dentre este grupo é possível citar alguns dos mais destacados pensadores russos do início do século XX, como Nikolai A. Berdiáev, Nikolai O. Losski, Pável A. Floriênski e Sierguéi N. Bulgákov. Estes filósofos retomavam alguns dos debates eslavófilos do século XIX e buscavam gerar novas discussões no campo filosófico, social e cultural, frente aos contextos pré e pós-revolucionários. A partir desse panorama, buscou-se pensar em um quadro mais amplo sobre os significados de algumas das questões abordadas por Maliévitch em seus tratados e em suas obras. Em um primeiro momento, buscou-se refletir sobre a produção pictórica pós-suprematista de Maliévitch, tanto no que diz respeito a sua ligação com a tradição popular e religiosa, quanto aos problemas e significados no contexto ideológico e artístico do período soviético. Um segundo ponto discutido, refere-se aos desdobramentos dos debates místicos no projeto artístico de Maliévitch, especialmente no período em que o artista viveu na cidade de Vitebsk, a qual acolheu pela mesma época figuras da importância de Mikhail M. Bakhtin e Pável N. Miedvédiev; estudiosos que estavam ligados a discussões e associações religiosas. Em um terceiro nível, a redação concentra-se no problema da representação artística e da livre criação no quadro da reconstrução social e de um "novo homem" no período em que existia um forte enfrentamento ideológico entre as correntes produtivistas, defensoras do desenvolvimento de uma "cultura material" e as correntes não-figurativas, nomeadas como "místicas" ou "subjetivas" por defenderem valores espirituais. Por fim, buscou-se evidenciar como a questão da representação artística na obra de Maliévitch, ligada ao reconhecimento de uma verdade dissociada da concepção objetiva da realidade, estava inserida em um conjunto de ideias que ganhou proporção suficiente para se tornar uma ameaça e ser diretamente combatido pelo regime soviético / Abstract: The present thesis aims to discuss what would be the connections between the artistic and philosophical thought of Kazimir Severinovich Malevich (1879-1935) along the 1920s compared to the debates of the Russian intelligentsia of the early twentieth century, especially those related to philosophical and mystical tradition. The concern of studying Malevich before some of his contemporaries is to understand the "meaning and the spirit" of a particular historical period, and although the bibliographic choices show interest in the Russian philosophy, it is not a thesis centered within the philosophy, but on Art History and its links to Intellectual History and Cultural History. Throughout his career, Malevich made use of concepts related to the philosophical tradition, such as intuition, mysticism, non-objectivity, infinite and transfiguration. Therefore, the intention was to present and discuss these terms within an internal coherence that integrates historical and artistic aspects. Distrusting enlightenment reason and scientistic approaches to knowledge, many Russian thinkers saw on intuition, creative individuality and spirit, the way to a transcendent knowledge; idea pursued by the Soviet regime, which in the early 1920s led to the arrest and deportation to the West of a number of Russian intellectuals. Among this group we can mention some of the most prominent Russian thinkers of the early twentieth century, as Nicolai A. Berdyaev, Nicolai O. Lossky, Pavel A. Florensky and Sergei N. Bulgakov. These philosophers retook some of the Slavophiles debates of the nineteenth century and sought to generate new discussions on philosophical, social and cultural fields, compared to pre and post-revolutionary contexts. From this background, we tried to think of a broader picture of the meanings of some of the issues addressed by Malevich in his treatises and in his works. At first, we tried to reflect on the pictorial production post-Suprematist of Malevich, both with regard to their connection with the popular and religious tradition, the problems and meanings in the ideological and artistic context of the Soviet period. A second point discussed refers to the unfolding of the mystics debates in the artistic design of Malevich, especially in the period in which the artist lived in the city of Vitebsk, which hosted the same time figures of the importance of Mikhail M. Bakhtin and Pavel N. Medvedev; scholars who were linked to discussions and religious associations. On a third level, the essay focuses on the problem of artistic representation and free creation in the context of social reconstruction and a "new man" in the period in which there was a strong ideological confrontation between the productivist currents, advocates the development of a "material culture" and the current non-figurative, named "mystical" or "subjective" for defending spiritual values. Finally, we sought to show how the issue of artistic representation in the work of Malevich, linked to the recognition of a dissociated truth of the objective conception of reality, was inserted into a set of ideas that gained sufficient proportion to become a threat and be directly fought by the Soviet regime / Doutorado / Historia da Arte / Doutora em História

Orientador: Peter James Harris / Banca: Alvaro Luiz Hattnher / Banca: Nilce Maria Pereira / Banca: Maria das Graças Gomes Villa da Silva / Banca: Ivan Marcos Ribeiro / Resumo: Esta tese propõe que todas as peças escritas por Oscar Wilde (1854-1900), a saber: Vera or, The Nihilists (1880), The Duchess of Padua (1883), Lady Windermere's Fan (1892), Salomé (1892), A Woman of No Importance (1894), An Ideal Husband (1895) e The Importance of Being Earnest (1895), podem ser analisadas de acordo com a perspectiva teórica de base estética da qual Wilde foi um dos expoentes maiores. O embasamento teórico-crítico de tal análise consiste dos ensaios críticos de Wilde ‗The Truth of Masks' (1885), ‗The Decay of Lying' (1889), ‗Pen, Pencil and Poison' (1889) e ‗The Critic as Artist' (1890), que foram posteriormente compilados em seu livro Intentions (1891). O presente estudo tem seus alicerces em minha dissertação de mestrado intitulada Oscar Wilde: teoria e prática, defendida em abril de 2011. Nessa dissertação, a peça The Importance of Being Earnest foi analisada sob essa mesma ótica e permitiu a compreensão da coerência entre a teoria e a prática de Oscar Wilde, uma vez que, nos resultados que foram obtidos, pode-se perceber que os elementos estruturais da peça, bem como seus elementos linguísticos, contêm veios estéticos profundos. Dessa maneira, o trabalho aqui desenvolvido averigua se a transposição da teoria em prática se dá em toda a composição dramática de Wilde ou se The Importance of Being Earnest é apenas um caso específico e isolado. Uma vez provada que a coerência wildeana se mantém, foi instaurado, então, um questionamento sobre a medida em que sua composição dramática está associada às suas próprias ponderações estéticas / Abstract: This doctoral thesis proposes that all the plays written by Oscar Wilde (1854 - 1900), namely Vera or, The Nihilists (1880), The Duchess of Padua (1883), Lady Windermere's Fan (1892), Salomé (1892), A Woman of No Importance (1894), An Ideal Husband (1895) and The Importance of Being Earnest (1895), can be analysed according to the aesthetic theoretical perspective of which Wilde was one of the major exponents. The theoretical basis for the analysis is to be found in Wilde's critical essays, ‗The Truth of Masks' (1885), ‗The Decay of Lying' (1889), ‗Pen, Pencil and Poison' (1889) and ‗The Critic as Artist' (1890), which were later published in Intentions (1891). The present study has its foundations in my MA dissertation, Oscar Wilde: teoria e prática, concluded in April 2011. In that work, Wilde's play The Importance of Being Earnest was analysed from the same perspective, which made it possible to perceive the consistency between Oscar Wilde's theory and practice, as the results proved that both the structural and the linguistic elements of the play contain deep aesthetic features. The work developed here is thus intended to verify whether the transposition from theory to practice occurs in Wilde's dramatic work as a whole, or whether The Importance of Being Earnest is a specific and isolated case. Since it was possible to demonstrate that Wilde's plays are indeed consistent with his aesthetic principles, the study goes on to investigate the extent to which his dramatic composition may be associated with his own aesthetic precepts / Doutor

Questa tesi nasce come un tentativo teoretico di rispondere a una provocazione di Cioran, per il quale «l’utopia è il grottesco in rosa». In questa sentenza, l’utopia viene definita attraverso un ossimoro che ne evidenzia gli aspetti ridicoli, come se Cioran stesse semplicemente proponendo una parodia del pensiero utopico. Scopo della tesi è mostrare il carattere dialettico di questa parodia, attraverso la quale viene diagnosticata una delle ambivalenze costitutive della coscienza utopica: la tensione antropologica verso l’idea di un bene futuro e ipotetico, a dispetto di un presente contrassegnato dalle stimmate del male. Al riguardo l’utopia risulta essere una caricatura doppiamente paradossale della storia umana perché il suo aspetto grottesco, e dunque ridicolmente mostruoso, è determinato non da un’eccessiva presenza del male, ma da una claustrofobica onnipresenza del bene. Nella letteratura critica degli ultimi anni, la posizione anti-utopica di Cioran è stata giustamente collegata sia alla sua postura scettica che al suo stile paradossale, uno stile capace di smascherare tanto le illusioni metafisiche quanto le contraffazioni ideologiche. Da questa prospettiva il «grottesco» è stato spesso considerato come un aggettivo, che connota esteticamente le paradossali conclusioni a cui giunge Cioran rispetto alla storia; tuttavia, non è stato quasi mai considerato in quanto concetto, capace di orientare teoreticamente i presupposti del pensiero cioraniano. Per questa ragione, nella parte introduttiva della tesi, propongo una dettagliata analisi storica del concetto di grottesco, per mostrare successivamente i rapporti che il simbolismo del grottesco instaura, da un lato, con l’arte ornamentale delle grottesche rinascimentali, dall’altro, con l’immaginario utopico del mondo alla rovescia. I punti di riferimento dell’indagine saranno gli studi novecenteschi di Wolfgang Kayser, Michail Bachtin e Geoffrey Harpham. Questi autori, in modi diversi, hanno mostrato che il grottesco, per quanto sia una categoria concettualmente ambivalente, attiene a tre particolari ambiti della discussione filosofica: a) l’antropologia, nella misura in cui i corpi fantasiosi e anatomicamente impossibili del bestiario grottesco impongo una riconfigurazione del rapporto tra uomo e animale e del rapporto tra mito e storia; b) l’arte, nella misura in cui questa riconfigurazione implica un capovolgimento gerarchico delle relazioni tra forma e contenuto, centro e margini, armonia e disarmonia; c) la poesia, nella misura in cui le «trasfigurazioni» (talvolta fantasiose, talvolta demoniache) delle figure grottesche e delle decorazioni arabesche hanno rappresentato, soprattutto per il Romanticismo ottocentesco, un rapporto tragico e drammatico con la sfera del «sublime». Tutti questi ambiti si relazionano, a loro volta, con il simbolo utopico-carnevalesco della maschera grottesca, che svolge la funzione di sovvertire simbolicamente e comicamente una realtà che deve cambiare, perché troppo contraddittoria e irrazionale per permanere nello stato attuale. Per Cioran, viceversa, la realtà può cambiare solo verso il peggio, ragion per cui egli rinnega le elucubrazioni utopiche di un mondo perfettibile. Ma la sua condanna non è univoca e, soprattutto, non si traduce in un’accettazione passiva della condizione presente: egli rifiuta questo mondo, proprio perché questo mondo è troppo assurdo e deforme per essere accettabile. La sua critica all’utopia, dunque, è una posizione molto complessa, nella quale sono rintracciabili i diversi elementi del simbolismo grottesco che abbiamo precedentemente elencato. Nelle sue opere Cioran tratteggia una feroce «anatomia» della storia umana, che si converte spesso in una disillusa e malinconica «nostalgia dell’altrove», come se l’utopia si traducesse non tanto in una «speranza» rivolta al futuro, quanto in un «rimpianto» di ciò che l’uomo avrebbe potuto essere. In questo frangente, il grottesco offre una chiave di lettura originale per interpretare l’evoluzione del pensiero cioraniano dal periodo giovanile rumeno a quello francese della maturità. In un confronto serrato con i testi si mette in risalto che il giovane Cioran, di fronte al grottesco della storia – lucidamente diagnosticato già in diversi articoli degli anni Trenta – reagisce «romanticamente», affidandosi all’ideale sublime, tragico e folle della trasfigurazione. Arrivato a Parigi, e in seguito al fallimento di quella trasfigurazione, egli mette in scena una sorta di «parodia» metafisica delle sue illusioni romantiche, arrivando a celebrare, nel Précis de décomposition, «l’orrore testicolare del ridicolo di essere uomini». Questo terrore si proietterà nelle sue confutazioni dell’utopia, che egli definisce come il tentativo tragicomico «di rifare l’Eden con i mezzi della caduta, per permettere così al nuovo Adamo di conoscere i vantaggi dell’antico». Tutta questa serie di ossimori, attraverso cui Cioran delimita l’orizzonte delle utopie, sono pienamente comprensibili soltanto se inseriti nel contesto simbolico del grottesco. È ciò che è stato fatto nei quattro capitoli della tesi, grazie a uno studio minuzioso di alcune metafore del grottesco che si presentano ripetutamente nei testi cioraniani e che sono strettamente connesse al discorso utopico: la caverna, il troglodita, la prigione trasparente, il corpo squartato, il cannibale, il licantropo, l’ombra, il buffone. Nel primo capitolo ci si focalizza sulle declinazioni antropologiche della metafora della caverna e del troglodita, immagini che si richiamano sia alla condizione “paradisiaca” dell’uomo primitivo, che viveva in unisono con la natura, sia al fallimento “apocalittico” dell’uomo civile, che procede verso la catastrofe. Cioran, rielaborando in modo originale alcune riflessioni sulla città e sul riso di Simmel e di Bergson, definisce l’uomo come un «architetto delle caverne», che subisce, nel perimento moderno di una metropoli, lo stesso sentimento di angoscia esistenziale e claustrofobica che i suoi antenati dovevano aver provato nelle preistoriche spelonche. In un secondo momento, l’analisi si sposta sul versante mitologico, poiché la caverna non è soltanto la dimora del troglodita, ma anche la prigione di Saturno. E Saturno, oltre ad essere il dio del carnevale, è anche il pianeta sotto il cui segno nascono i malinconici. Attraverso un confronto con Marsilio Ficino, che aveva fatto di Saturno il patrono della sapienza filosofica, si mostra in che modo il culto dei Romantici per il genio malinconico sia erede della tradizione metafisica rinascimentale. Questo è importante per due motivi: in primo luogo perché l’Utopia di More (come si dimostra nel secondo capitolo) ripropone in chiave narrativa una speranza filosofica di matrice «saturnina»; in secondo luogo perché Cioran parla spesso di sé come di un pensatore malinconico, profondamento influenzato dalla poesia e dalla filosofia romantica. In virtù di questo, nella parte finale del capitolo si accenna un confronto con tre pensatori romantici che hanno discusso, in modo decisivo, della malinconia, del sublime e del grottesco: Friedrich Schlegel, Victor Hugo, Théophile Gautier. Nel secondo capitolo ci si dedica, per l’appunto, al tema dell’utopia, attraverso un confronto con tre autori che sono fondamentali per comprendere l’anti-utopismo di Cioran: Thomas More, Michel de Montaigne e Jonathan Swift. Dei tre, More è senz’altro quello più distante dalle posizioni di Cioran, ma la sua Utopia, se letta da una prospettiva ontologica, rivela come siano instabili i confini tra la finzione e la realtà, tra il presente e il futuro: più precisamente, mostra che le aspettative nei confronti del futuro dipendono dalle deformazioni prospettiche del presente. Tema ripreso, in chiave grottesca e parodistica, nei Viaggi di Gulliver, in cui la contrapposizione prospettica tra i microscopici lillipuziani e i giganteschi corpi degli abitanti di Brobdignac rivela, in controluce, la miseria dell’uomo: un animale razionale incapace di accettare le proprie reali dimensioni e ridicolmente incline a credersi più grande di quel che è. Cioran si riconosce esplicitamente in questa denuncia misantropica e considera Swift «l’autore che h[a] ammirato di più». Nella bibliografia critica di Cioran, però, sono pochi i riferimenti a Swift. Si è cercato di rispondere a questa lacuna per evidenziare un aspetto che non era stato ancora notato: il carattere «fisiologico» del pensiero cioraniano non è soltanto erede della «metafisica organicistica» di Nietzsche e Schopenhauer, ma ha anche evidenti affinità con il grottesco corporeo swiftiano. A tal proposito, inoltre, ci siamo soffermati sullo scetticismo di Montaigne, che, negli Essais, fa del suo corpo il punto di convergenza dei propri dubbi verso la realtà circostante. In particolare, abbiamo esaminato il saggio Dei cannibali, in considerazione del fatto che Cioran riprenderà, in modo distopico, il tema dell’antropofagia. Nel terzo capitolo, abbiamo confrontato da un punto di vista paradigmatico la Repubblica platonica con la critica all’utopia di Cioran: se Platone aveva elaborato la sua kallipolis per indicare il modello teorico a cui attenersi per realizzare la giustizia sociale, Cioran nega “antiplatonicamente” la possibilità stessa di ottemperare al bene, come se si stesse chiedendo: Visto che ci si muove solo per fare il male, perché non si dovrebbe fare nulla? Per rispondere a questa interrogativo, cercheremo di mostrare il carattere paradossalmente “normativo” del cioraniano invito al distacco e alla rinuncia di qualsiasi tipo di azione. Il confronto tra i due autori partirà da un’attenta analisi, da un punto di vista antropologico, del mito della caverna platonica, per vedere in che senso la condizione dei prigionieri del VII libro della Repubblica si possa relazionare allo scetticismo e alla tragica «passione del reale» di Cioran. In seguito, ci focalizzeremo sul ritratto del tiranno di Platone per confrontarlo con quello proposto da Cioran nel saggio À l’école des tyrans. Per fare questo dovremmo anche misurarci con il personaggio “platonico” di Trasimaco e con quello “cioraniano” di De Maistre, nel tentativo di approfondire il rapporto che Cioran instaura tra regime rivoluzionario e pensiero reazionario, tra ideologia e utopia: o la vanità di tutte le riforme. Questo problema viene ripreso nel quarto capitolo grazie a un parallelismo tra Cioran e Salomone, tra il pensatore marginale che aspirava alla saggezza di un clochard e il saggio sovrano dell’antichità che aveva proclamato la vanità di tutte le cose. L’assoluta e disarmante lucidità delle visioni di Salomone evocano le «rivelazioni della morte» di Lev Šestov e «l’esperienza dell’abisso» di Benjamin Fondane, altri due pensatori decisivi nella formazione di Cioran, il quale, similmente a loro, era «continuamente in lotta contro la tirannia e la nullità delle evidenze». E proprio richiamandoci a Fondane, nella parte conclusiva del lavoro ci concentriamo su Baudelaire, che, nel saggio su Quelques caricaturistes français, ha qualificato il grottesco come una forma di «creazione», come un tipo di «comico assoluto» che tanto più si avvicina al sublime quanto più si confonde con una sensazione di vertigine. Riscontriamo lo stesso genere di smarrimento nell’opera di Cioran, che diceva di essersi aggirato «con molte precauzioni, [...] nei paraggi delle profondità, per spillar loro qualche vertigine e poi svignarsela, come uno scroccone dell’abisso». Cioran, nella sua disarmante analisi della storia e dell’uomo, è stato anche uno scroccone dell’utopia e – agli antipodi da ogni visione statica e immutabile della realtà – non ha fatto altro che porsi in modo paradossale e umoristico la più seria e la più platonica delle domande: che cosa non dobbiamo fare per non peggiorare ulteriormente il mondo. Questa caverna della sofferenza umana.

[pt] Esta dissertação tem por objetivo pensar o feminismo como política dissensual, a partir do filósofo Jacques Rancière, considerando a política como um desentendimento com a ordem hegemônica – nesse caso, o patriarcado. No século XIX a entrada na cena pública das mulheres como agentes, apesar de não serem autorizadas a fazê-lo, promoveu um dano que fez aquilo que era ruído se tornar palavra. Palavra essa que abriu espaço para sensibilidades que não estavam dadas de antemão. Apesar de Rancière não falar diretamente de feminismo, é possível fazer seus conceitos, tais como dissenso, parte dos sem parte e emancipação, operarem em diálogo com uma epistemologia feminista. Ademais, entendendo que a política, nesses termos, é vinculada a um campo sensível, há nela uma dimensão estética. Quando pensamos em estética como arte assumimos que, para Rancière, no Regime Estético, há uma condição de indeterminação nela, na arte, que abre um campo de possibilidades para tornar algo visível ou dizível. Nesse sentido, a pesquisa também se desdobra para pensar o feminismo nas artes e o modo como estética e política se entrelaçam. / [en] This dissertation aims to think feminism as a dissensual politics, from philosopher Jacques Rancière s theory, considering politics as a disagreement with the hegemonistic order - in this case, patriarchy. In the 19th century women entering the public scene as agents, although not allowed to, promoted a wrong that made what was noise to become a word. A word which opened space for sensibilities that were not given beforehand. Even though Rancière did not speak directly about feminism, it is possible to make his concepts, such as dissensus, part of those who have no part and emancipation, operate in dialogue with a feminist epistemology. Furthermore, understanding that politics, in these terms, is connected to an invisible field, there is an aesthetic dimension in it. While we think of aesthetics as art, we assume that, for Rancière, in the Aesthetic Regime there is a condition of indetermination in art, which opens a field of possibilities to turn something visible or sayable. In this sense, this research also develops to think feminism in art and the way aesthetics and politics intertwine.

[pt] Com diferentes tipos de abordagem, as práticas artísticas contemporâneas visam borrar as fronteiras entre vida e arte/design. Esta pesquisa apresenta o desenvolvimento de uma série de proposições artísticas efetuadas ao longo do período de doutorado. Inicialmente, interessada no comer junto e consequentemente em ações coletivas, com a chegada da pandemia e o isolamento social, o foco foi redirecionado para as práticas estéticas individuais. Esta combinação entre o coletivo e individual acabou por estabelecer um ritmo de sensibilização ao artista. Para análise dos trabalhos produzidos, associamos os ritmos criativos ao ciclo de vida das plantas: germinação, brotação, crescimento e morte. No processo de construção dos parâmetros críticos, utilizamos principalmente os pensadores Michel Foucault, Roland Barthes, Jacques Rancière e Claire Bishop determinando assim um tipo de abordagem estético-política dos trabalhos. Em seu processo de adensamento, esta pesquisa relaciona corpo, estética e política. / [en] With different types of approach, contemporary artistic practices aim to blur the boundaries between life and art/design. This research presents the development of a series of artistic propositions carried out throughout the doctoral period. Initially, interested in eating together and consequently in collective actions, with the arrival of the pandemic and social isolation, the focus was redirected to individual aesthetic practices. This combination of the collective and the individual ended up establishing a rhythm of awareness of the artist. For the analysis of the works produced, we associated the creative rhythms with the life cycle of plants: germination, sprouting, growth and death. In the process of building the critical parameters, we mainly used the thinkers Michel Foucault, Roland Barthes, Jacques Rancière and Claire Bishop, thus determining a type of aesthetic-political approach to the works. In its consolidation process, this research relates body, aesthetics and politics.

[pt] O presente trabalho tem como objetivo conhecer a relação entre o público de Educação Infantil e os museus, buscando compreender quais aspectos possibilitam e dificultam esse encontro. Historicamente, o conceito e o olhar sobre a infância foram se modificando e influenciando diretamente as políticas públicas voltadas ao atendimento das peculiaridades apresentadas nessa etapa da vida. Perceber as crianças enquanto cidadãos, sujeitos sociais e históricos, produtores de cultura é condição para que se atue no sentido de favorecer seu crescimento e constituição. Compreendendo que as experiências com as expressões culturais diversas levam a criança a interagir e se apropriar do mundo, construindo significações e estabelecendo inúmeras relações, os museus - lugares que guardam diferentes saberes culturais produzidos pela humanidade – são espaços que podem contribuir para sua formação. Investigar a temática implica estar atento a essa relação em sua integralidade, considerando os diferentes agentes nela envolvidos: crianças, professores e educadores dos museus. Para tanto, foi priorizada uma investigação qualitativa, com realização de pesquisa de campo em museus de tipologias distintas, localizados na cidade do Rio de Janeiro. Questionário online, observação, entrevista e análise documental foram utilizados como ferramentas metodológicas para a realização do estudo. A reflexão acerca da formação humana, pautada nas experiências em meio à cultura e às manifestações culturais, artísticas e estéticas teve como alicerce as perspectivas teóricas de Benjamin, Dewey e Vigotski. Autores da área da Estética, Educação, Infância e Museologia também contribuíram para o constructo teórico da pesquisa. Os resultados apontam que, para proporcionar experiências estéticas para o público infantil nos museus, têm sido necessário enfrentar alguns obstáculos teóricos, financeiros e estruturais por parte das escolas e dos museus. Além disso, ainda são poucas as pesquisas que se dedicam a estudar o tema. Conclui-se que a experiência estética nos espaços museais se constitui na interação com as manifestações, registros e celebração das diferentes formas de viver e estar no mundo. Desta forma, os museus podem ser compreendidos enquanto meio - experimental e criativo - profícuo para promover experiências estéticas às crianças a partir da interação com a cultura material. Para tanto, é necessário que se amplie a relação entre museu, escola e universidade com o intuito de diminuir a lacuna entre os estudos sobre a infância e as práticas educativas com as crianças nos espaços culturais. / [en] The objective of this study is to understand the relationship between the children s education audience and the museums, trying to comprehend which aspects enable and/or hamper this encounter. Historically, the concept and the look on childhood have been changing and directly influencing public policies aimed at attending to the peculiarities presented at this stage of life. Perceive children as citizens, social and historical subjects, producers of culture is a condition for it to act in favour of its growth and constitution. Understanding that experiences with diverse cultural expressions lead the child to interact and take ownership of the world by building meanings and establishing numerous relationships, museums - places that hold different cultural knowledge produced by humanity - are spaces that can contribute to their formation. Investigating the theme implies being attentive to this relationship in its entirety, considering the different agents involved in it: children, teachers and museum educators. Therefore, qualitative research was prioritised, with the accomplishment of field research in museums of different typologies, located in the city of Rio de Janeiro. The online questionnaire, observation, interview and documentary analysis were used as methodological tools to carry out the study. The reflection on human formation, based on experiences in the midst of culture and cultural, artistic and aesthetic manifestations, was based on the theoretical perspectives of Benjamin, Dewey and Vygotsky. Authors from the area of Aesthetics, Education, Childhood and Museology also contributed to the theoretical construct of the research. The results pointed out that, to provide aesthetic experiences for children s audiences in museums, it has been necessary to face some theoretical, financial and structural obstacles. Also, there are still few studies dedicated to studying the subject. It is concluded that the aesthetic experience in the museum area is the interaction with the manifestations, records and celebration of the different ways of living and being in the world. In this way, museums can be understood as a means, experimental and creative, useful to promote aesthetic experiences to children from the interaction with material culture. It is necessary to broaden the relationship between museum, school and university to bridge the gap between the theory of studies on childhood and educational practices with children in cultural spaces.

[pt] A presente tese nasceu da seguinte observação: o leitor de literatura, ao se deixar levar pela obra, atendo-se ao seu ritmo, à sua ambiência, enfim, à sua trama, não disponibilizando demais a sua atenção para o sentido que subjaz ao texto, vivenciará momentos de verdadeira intensidade, pois estará inteiramente envolvido com o universo ficcional, a ponto de sentir a presença tangível daquilo que é evocado pela obra; o místico, ao colocar sua atenção na presença do divino, buscando adentrar em seu mistério, envolver-se-á a tal ponto com esta atmosfera sagrada que poderá vivenciar momentos intensos da presença realmente palpável de Deus. O cerne destas vivências está na relação espacial que o leitor tem com o texto e que o místico tem com o divino. Na tese, esta relação espacial é denominada de produção de presença, seguindo as concepções do teórico literário, Hans Ulrich Gumbrecht, sobre o tema. Demonstrar-se-á no decorrer dos capítulos deste trabalho a conjugação entre vivência mística e vivência estética, tendo por base os conceitos sobre os efeitos de presença. O liame entre estas vivências será abordado na tese a partir da leitura não interpretativa de crônicas e poemas de Cecília Meireles; procurou-se, a partir dos referidos textos, fazer apreciações que buscarão apontar os caminhos para os referidos momentos de intensidade. Por fim, cabe observar que as vivências estética e mística se dão a partir de verdadeiros exercícios práticos em que se destacam a educação dos sentidos e a disposição para contemplação, que em nível religioso está relacionado à busca de atenção no divino, e, em instâncias literárias, é a busca de uma concentração na obra, tendo em vista o encantamento, a apreciação e o deslumbramento por aquilo que é lido. / [en] The present thesis was born of the following observation: the reader of literature, by letting himself be carried away by the work, attending to its rhythm, its ambience, finally, to its plot, not giving too much attention to the sense that underlies to the text, he will experience moments of true intensity, because he will be totally involved with the fictional universe, to the point of feeling the tangible presence of what is evoked by the work; the mystic, by placing his attention in the presence of the divine, seeking to enter into his mystery, will be so deeply involved in this sacred atmosphere that he may experience intense moments of the truly palpable presence of God. The core of these experiences lies in the spatial relationship that the reader has with the text and that the mystic has with the divine. In the thesis, this spatial relationship is called production of presence, following the conceptions of the literary theorist, Hans Ulrich Gumbrecht, on the subject. In the course of the chapters of this work, the conjugation between mystical experience and aesthetic experience will be demonstrated, based on the concepts about the effects of presence. The link between these experiences will be approached in the thesis from the non-interpretative reading of Cecília Meireles chronicles and poems; From these texts, we sought to make judgments that will seek to point out the paths to the mentioned moments of intensity. Finally, it should be noted that the aesthetic and mystical experiences come from real practical exercises in which the education of the senses and the disposition for contemplation are emphasized, which on a religious level is related to the search for attention in the divine, and in instances literary, is the search for a concentration in the work, in view of the enchantment, the appreciation and the amazement by what is read.

[pt] Esta tese se propõe a refletir a postura de Jacques Derrida diante das obras de arte ditas visuais. Partindo de uma invisibilidade na fonte de todo visível, Derrida problematiza a estrutura hierárquica do pensamento estético, abrindo uma outra abordagem artística não sobre, mas em torno das obras. O famoso tema de um abalo desconstrutivo no pensamento metafísico da presença desdobra-se, neste trabalho, na in-visibilidade do traço do desenho e na espectralidade da imagem cinematográfica. / [fr] Cette thèse vise à penser le point de vue de Jacques Derrida vis-à-vis les oeuvres d art visuels. En partant d une invisibilité à la source du visible, Derrida met en question la structure hiérarchique de la pensée esthétique en ouvrant une autre approche, non pas sur les images, mais autour d elles. Le célèbre thème du choc déconstrutif dans la pensée métaphysique de la présence est traité, ici, dans l in-visibilité du trait du dessin et dans la spectralité de l image cinematographique.

[pt] Nesta dissertação é apresentada uma alternativa para pensar a eficácia política da arte que se distingue do seu uso instrumental. Para isso, postula-se que a conexão entre os campos da arte e da política se estabelece sobre uma experiência dissensual. Ambas as atividades embaralham a trama da experiência sensível na qual um mundo em comum se estabelece; é fixado, designado e repartido. A argumentação se divide em duas partes. Primeiramente, busca recompor uma estética da política – o modo pelo qual se configura um espaço de visibilidade para a ação e a argumentação políticas a partir do dissenso. Trata-se de uma experiência imprevisível e contingente que desfaz as conexões usuais entre causas e efeitos, ações e consequências. Ainda na primeira parte, se discute qual é efetivamente a perspectiva de emancipação por meio desta compreensão do fenômeno político frente à pretensão totalizante que caracterizou a tradição da filosofia política. Na segunda parte, será delimitado o escopo das preocupações da estética, contrapondo-a enquanto disciplina filosófica com a compreensão de Rancière de um regime estético da arte. Isto implica apresentar os diversos regimes com que a arte foi compreendida na tradição em analogia com os regimes de regulação do campo da política. Por fim, será discutida uma alternativa crítica para se pensar a efetividade política intrínseca ao regime estético que não recaia na simples atribuição de culpas e responsabilidades que caracteriza a instrumentalização tanto da política quanto da arte. / [en] This dissertation presents an alternative to think about the political efficacy of art that is distinct from its instrumental use. For this, it is postulated that the connection between the fields of art and politics settles on the experience of the dissensus. Both activities shuffle the plot of sensory experience in which a common world is established, fixed, designed and distributed. The argument is divided into two parts. First, it seeks to recompose an aesthetics of politics – the way is established a space of visibility for the political action and argumentation from political dissent. This is an unpredictable and contingent experience that undoes the usual connections between causes and effects, actions and consequences. Even in the first part, we discuss what is effectively the prospect of emancipation through this understanding of the political phenomenon front totalizing pretensions that characterized the tradition of political philosophy. In the second part, shall be limited the escope of the concerns of aesthetic discipline set in contrast with the conception proposed by Rancière of an aesthetic regime of art. This involves presenting the various regimes that art has been understood in the tradition in analogy with the regulatory regimes of the field of politics. Finally, we discuss an alternative to think about the political effectiveness intrinsic to the aesthetic regime of art that does not lie in the simple attribution of guilt and responsibility that characterizes both the instrumentalization of politics and art.

Made available in DSpace on 2016-04-28T20:40:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andre Luiz Iorio.pdf: 21607129 bytes, checksum: bc5704eede7b59e10ef459de07dc5a27 (MD5) Previous issue date: 2010-05-12 / The author tries to approach the relation between Robert Schumann‟s life, his musical works and his psychosis. An extensive phenomenological analysis has been developed involving the letters from his youth to maturity, his personal diary and wedding diary and his musical scores. In methodological terms, the author relates the phenomenology of music and an existential phenomenological analysis. Concerning the phenomenology of music, the text is focused on the tradition of phenomenological aesthetics which includes authors as Merleau-Ponty, Mikel Dufrenne and Thomas Clifton. Concerning the existential phenomenological approach, the author tries to build a dialogue with early twentieth century phenomenological psychiatric tradition involving Karl Jaspers, Eugene Minkowski and Ludwig Binswanger. Musical analysis starts from objective analysis and culminates in the development of a phenomenological approach with special emphasis to corporality, materiality, time, space and pathos. The author concludes that Schumann‟s music expresses the hidden forces that were always present in his tormented life / O autor tenta abordar a relação entre a vida de Robert Schumann, suas obras musicais e sua psicose. Uma extensa análise fenomenológica foi realizada envolvendo as correspondências (cartas) desde sua juventude até a maturidade, seu diário pessoal e de casamento e suas partituras. Em termos metodológicos, o autor relaciona a fenomenologia da música com uma análise fenomenológico existencial. No que diz respeito à fenomenologia da música, o texto está focado na tradição da estética fenomenológica que inclui autores como Merleau-Ponty, Mikel Dufrenne e Thomas Clifton. No que diz respeito à abordagem existencial fenomenológica, o autor tenta construir um diálogo com a tradição da fenomenologia psiquiátrica do início do século XX envolvendo Karl Jaspers, Eugene Minkowski e Ludwig Binswanger. A análise musical começa a partir da análise objetiva e culmina com o desenvolvimento de uma abordagem fenomenológica, com ênfase especial à corporalidade, materialidade, tempo, espaço e pathos. O autor conclui que a música de Schumann expressa as forças escondidas que estavam sempre presentes em sua vida atormentada