Ce travail est consacré à l’étude du personnage allégorique de la Folie sur la scène de l’Académie Royale de Musique entre 1697 et 1718. Qu’il soit suggéré ou personnifié, ce caractère féminin est abondamment présent dans les spectacles de cette période. A la fin du règne de Louis XIV, la Folie fait peu à peu son entrée à l’Opéra. Entourée de Momus, du Carnaval, de Bacchus, de l’Amour et des personnages de la commedia dell’arte, la Folie « ramène les tendres Jeux », « chasse la Raison cruelle » et invite sans cesse à « goûter les charmes de la vie ». En accédant à l’Opéra, cette figure extravagante et enjouée signale une évolution de ton qui préfigure le changement de mœurs associé à la Régence. Mais au-delà de la philosophie hédoniste qu’elle dispense, quel est le sens caché des paroles de la Folie ? Faut-il voir dans la présence de ce personnage une remise en cause de l’ordre établi, de la politique sociale et de l’austérité marquant la fin du règne ? Son utilisation permet-elle, sous la couverture d’une « maladie de l’âme », de critiquer la politique et les mœurs de Louis XIV ? Qui se cachent derrière le discours subversif de la Folie ? Quel est le rôle de cette figure dans les débats esthétiques de l’époque ? Cette recherche explore le rôle, ainsi que le traitement musical, dramatique et scénique d’une telle figure à travers l’étude d’ouvrages créés à l’Opéra. Nous proposons ici un portrait physique, moral et social de la Folie, à la lumière de multiples documents musicaux, textuels et iconographiques de l’époque, et présentons différents traits de caractère du personnage et plusieurs thèmes qui lui sont liés afin de comprendre les raisons de sa présence à cette époque. / This work is devoted to the study of the allegorical figure of Folly on the stage of the Académie Royale de Musique between 1697 and 1718. Suggested or personified, this female character is abundantly present in the spectacles of this period. At the end of the reign of Louis XIV, Folly appears little by little at the Opera. Surrounded by Momus, Carnival, Bacchus, the god of love and the characters of the commedia dell'arte, Folly "brings back the soft Games", "banishes the cruel Reason" and continually invites to "taste the charms of life”. By accessing the Opera, this extravagant and playful figure indicates a change of tone that foreshadows the changing attitudes of the Regency. But beyond the hedonistic philosophy that she provides, what is the hidden meaning of Folly’s words? Should we see a calling into question of the established order, the social policy and the austerity marking the end of the reign? Does its use allow, under the cover of a “disease of the soul”, to criticize the policy and manners of Louis XIV? Who hides behind the subversive speech of Folly? What is the role of this figure in the aesthetic debates of the period? This research explores the role, as well as musical, dramatic and scenic treatments of such a figure through the study of works created at the Opera. We propose here a physical, moral and social portrait of Folly, in the light of multiple musical, textual and iconographic documents of the time, and present different character traits and several themes that are related to it in order to understand the reasons for its presence at this time

<p>Рокенрол се, као глобални социолошки, културни и уметнички феномен, испољава кроз масовну и популарну културу, синкретизмом музике и поезије, уз снажан сегмент субверзије и друштвене критике, засноване на међугенерацијском сукобу и тежњи ка досезању вишег степена духовне и физичке слободе. Упоредо са државама Запада, развио се и у Југославији, ограниченог дејства због репресивне културне политике социјалистичког система, са кулминацијом након смрти Јосипа Броза, када је тренд новог таласа изнедрио бројне нове, амбициозне и уметнички потентне ауторе. Водећу улогу на сцени имао је Бранимир Штулић, чија је рок поезија имала огроман утицај на генерације младих са идејом о неопходној демократизацији и либерализацији друштва. Социјалне, мисаоне и љубавне песме овог аутора, интерпретиране уз пратњу рок групе Азра, критиковале су ретроградно организован, бирократизован друштвени систем и друге аномалије које су спутавале напредак заједнице. Специфичног поетског израза, блиског језику улице, на бази традиције уметничког и рок песништва, Штулић је остварио обиман опус са великим бројем успелих песама, по којима је препознат као гласноговорник генерације. Важну улогу у рецепцији његовог дела имали су медији, поготово типска рокенрол штампа, која је, упоредо са развојем покрета, досегла висок стадијум критичке мисли и валоризације рок ствралаштва.</p> / <p>Rokenrol se, kao globalni sociološki, kulturni i umetnički fenomen, ispoljava kroz masovnu i popularnu kulturu, sinkretizmom muzike i poezije, uz snažan segment subverzije i društvene kritike, zasnovane na međugeneracijskom sukobu i težnji ka dosezanju višeg stepena duhovne i fizičke slobode. Uporedo sa državama Zapada, razvio se i u Jugoslaviji, ograničenog dejstva zbog represivne kulturne politike socijalističkog sistema, sa kulminacijom nakon smrti Josipa Broza, kada je trend novog talasa iznedrio brojne nove, ambiciozne i umetnički potentne autore. Vodeću ulogu na sceni imao je Branimir Štulić, čija je rok poezija imala ogroman uticaj na generacije mladih sa idejom o neophodnoj demokratizaciji i liberalizaciji društva. Socijalne, misaone i ljubavne pesme ovog autora, interpretirane uz pratnju rok grupe Azra, kritikovale su retrogradno organizovan, birokratizovan društveni sistem i druge anomalije koje su sputavale napredak zajednice. Specifičnog poetskog izraza, bliskog jeziku ulice, na bazi tradicije umetničkog i rok pesništva, Štulić je ostvario obiman opus sa velikim brojem uspelih pesama, po kojima je prepoznat kao glasnogovornik generacije. Važnu ulogu u recepciji njegovog dela imali su mediji, pogotovo tipska rokenrol štampa, koja je, uporedo sa razvojem pokreta, dosegla visok stadijum kritičke misli i valorizacije rok stvralaštva.</p>

Cette étude de l’image dans l’œuvre de Tournier vise à déchiffrer la conception qu’a l’écrivain de l’image, la spécificité de son monde imaginaire ainsi que sa passion à créer la nouveauté, à l’instar des artistes. Ainsi, les images, photographiques et peintes, tantôt maléfiques tantôt bénéfiques, révèlent l’imaginaire spécifique de Michel Tournier : l’ambiguïté d’une imaginaire « bifrons ». Une image n’est jamais limpide ni durablement stable. Le caractère dual et le plus souvent antithétique des images illustre bien le projet esthétique de Tournier : l’ambiguïté, la contradiction, la polysémie. Ce projet esthétique lance un défi à la pensée et aux habitudes du lecteur. Une image n’est pas telle qu’elle semble l’être ; un mot ne renvoie pas non plus à ce qu’il représente dans l’œuvre littéraire ; le monde n’est pas tel qu’il est perçu. Toutes les valeurs, les règles imposées par la société, par l’homme demandent à être inversées et interprétées. Analysant les images chez Tournier, cette recherche permet spécifiquement de réfléchir aux possibilités de la représentation, à leur valeur et donc à la création littéraire, considérée comme une « re-présentation ». / This study of image in Tournier's work aims to decipher the writer’s conception of image, the specificity of his imaginary world, his passion to create « new » like artists do. Thus, images, photographic and painted, either evil or beneficial, reveal the specific imagination of Michel Tournier – the ambiguity of an imaginary « bifrons ». An image is neither clear nor stable. The dual and often antithetical nature of image illustrates the aesthetic project of the writer: ambiguity, contradiction and polysemy. This aesthetic project is a challenge to the reader’s usual thoughts and habits. An image is not like it seems to be, a word is not changes his meanings in literary works, the world is not like it is perceived. All values, rules imposed by society, by human beings have to be inverted and interpreted. By analyzing images in the works of Tournier, this research specifically invites us to reflect on the possibilities of representation, and on their value and literary creation, considered as « re-presentation ».

《吾兒故事》是葛蒂瑪第一本以非自人的敘事觀點寫成。她一 方面以有色人種的革命家庭為縮影，揭示南非種族隔離社會中，少數族裔的困境。另一方面，她質疑男性觀點下女性形象再現的偏頗，突顯非自人女性再殖民統治及父權宰制下的顛覆力量，並描繪跨種族之認同心理。藉此，葛蒂瑪呈現了多元文化中跨越界線的可能。葛蒂瑪超越了種族及性別觀點的限制，將她慣用的自女性觀點轉為非自人的男性觀點，以突顯非自人革命社群中的內部問題。正如她之前的小說，《吾兒故事》不僅呈現了南非的轉變和她自己寫作策略的改變，更標明了葛蒂瑪處理非自人議題時，跳脫自人觀點的新里程碑。 本論文的研究目的在於處理男性觀點下南非女性的再現，被殖民者的抗拒及顛覆和認同問題。論文主體分為三部份，第一部分旨在探討葛蒂瑪的新敘事策略和目的；第二部分旨在分析殖民與父權宰制下，受壓族群如何打破沉默，發聲抗拒；第三部份則旨在分析其尋求認同的過程及心理。 / My Son s Story is Nadine Gordimer's tenth novel but is her first novel narrated in the nonwhite perspective. Gordimer uses a colored revolutionary family as a microcosm in the apartheid society to unveil the dilemma and predicament of the in-between men and women in South African apartheid. In the colored male's narrative, Gordimer attempts to interrogate the partial and problematic representation of South African women, to highlight the oppression and subversion of the nonwhite women dominated by colonial and patriarchal authority and to scrutinizes the psychic desire of the interracial relationship between a colored man and a white feminist. In this novel, Gordimer presents a possibility of the boundary crossing in the multiracial and multicultural South Africa through the story of the colored family. My thesis aims to tackle the problems of the representation of South African women in masculine narrative, the subversion of the oppressed, and the identities of the in-between people. The main body of the thesis consists of three parts. First, I will explore Gordimer's new narrative strategies and objectives in the novel. Second, I will probe how these marginal and oppressed people break silence to articulate their resistance to the colonial and patriarchal domination in the apartheid society. Third, I will investigate the process of the quest for identities of the in-between people and their transgression. In My Son's Story, Gordimer keeps her concern about anti-apartheid revolution and about the oppression of the in-between groups and women oppression. She breaks through the racial and gender limits of perspectives and shifts her typical white female perspective to a nonwhite male to uncover the inner problems of the nonwhite revolutionary community through a colored family. Like her pervious novels. My Son's Story not only represents the transition of South Africa and her transformation in writing strategy but also marks her new start to look beyond her white perspective while dealing with the issue of the nonwhite in apartheid.

Platon problématise un moment philosophique charnière : le coup de force donné par Socrate à la conception de l’expertise. La problématique s’inscrit, d’un point de vue externe, dans un contexte de crise des valeurs de la démocratie athénienne à la fin du Ve siècle, et d’un point de vue interne, dans l’exploitation platonicienne de l’expertise technicienne en vue d’établir une véritable epistèmè, une science-vertu. La souplesse originale de langage à laquelle Platon soumet le champ des trois termes relatifs au savoir, epistèmè, technè et sophia, participe à la problématisation de l’expertise comme mise en condition de ce qui force à penser. Une conception nouvelle de l’expertise émerge de la mise en scène, dans les dialogues de jeunesse, d’une pratique de questionnement et d’examen à laquelle tantôt Socrate se soumet lui-même, tantôt il soumet ses interlocuteurs. Cet angle d’approche tant de l’Apologie que des autres dialogues de jeunesse met en évidence des pratiques d’expertise impliquant un rapport autre à la connaissance qui est révolutionnaire : un examen critique, interrogatif et inventif, empreint de conscience de son ignorance et de souci de soi. La conception de l’expertise réévaluée est exploitée, à trois niveaux de la problématique de la justice traitée dans la République : elle intervient comme levier interrogateur des conceptions traditionnelles et sophistiques de la justice, elle participe à la compréhension de la définition de la justice et elle préside au projet de cité idéale.

Abstract Title: Dragshow on the seven seas Number of pages: 51 (56 including enclosures) Author: Therése Plastrougi Tutor: Ylva Ekström Course: Media and Communication Studies C Period: Fall 2007 University: Division of Media and Communication, Department of Information Science, Uppsala University Purpose/Aim: My main purpose with this paper is 1) to study how film as a media can subvert traditional gender constructions and 2) study the character of Elizabeth Swann in the trilogy Pirates of the Caribbean through four dimensions; Gender performance, Class, Desire and Power. Material/Method: My main material is the trilogy Pirates of the Caribbean. I have studied Elizabeth’s character based on semiotic and narratological methods. Main results: Film as a media possesses the full potential to change traditional gender roles, but the full subversion is denied due to the heterosexual matrix. Elizabeth’s character almost completes her subversive journey throughout the trilogy, but since she too is a victim of the heterosexual matrix, a full subversion is not possible. Key words: gender performance, class, desire, power, sex/gender, subversion, narratologic, semiotic, queer, feminism, pirates of the caribbean, intersectionality, parody

Ce travail a pour fin de mieux faire connaître l'oeuvre de la polygraphe jacobite Jane Barker en France, en offrant une première traduction littéraire ainsi qu'un commentaire d'un cycle de trois récits romanesques : The Amours of Bosvil and Galesia -- également connu sous le titre de Love Intrigues --, A Patch-Work Screen for the Ladies et The Lining of the Patch-Work Screen. Afin de rendre plussensible la spécificité de ces textes, la traduction s'efforce de retrouver une langueaussi proche que possible du français des contemporains de Jane Barker. Après unaperçu de la vie de Jane Barker (1652-1732), puis de sa fortune critique au XXesiècle, le commentaire prolonge le travail de contextualisation historique et idéologique ébauché dans l'appareil de notes parallèle (travail également pré-requispar la traduction) en étudiant successivement chacune des trois œuvres du corpus. A l'aide des hypotextes manuscrits de la trilogie, largement construite sur une oeuvre poétique antérieure vouée à une diffusion manuscrite, il s'attache à esquisser, dans la lignée des études critiques influencées par le nouvel historicisme, les résonances intellectuelles et les implications idéologiques, ainsi que les audaces esthétiques d'une oeuvre longtemps considérée comme alimentaire et comme dominée par la recherche d'une respectabilité propre à l'écrivain femme. Abandonnant l'image posthume de Jane Barker comme fille autoproclamée de la chaste Orinda, il souligne la pluralité du discours Barkerien - méditation, plaidoyer pro-Stuart et injonction, mais aussi interaction de codes romanesques en constitution et d'une idéologie subversive.

Ce mémoire s'inscrit dans la méthode de praxéologie pastorale. Il analyse en qua-tre temps la mise en œuvre d'une exposition picturale qui oppose une figure alié-nante (conventionnelle et doucereuse) de Jésus à une vision trash (c'est à dire sub-versive et provocante) qui se veut plus fidèle à l'évangile. Le premier temps (ob-servation), qui présente le premier projet d'exposition ainsi que ses sources d'inspi-ration (personnelle, culturelle et artistique), amène à cerner deux problématique : la question de la vérité et l'orientation subversive (trash) du Jésus des évangiles. Le deuxième temps (interprétation) creuse tout d'abord la question de la vérité avec Hans Georg Gadamer, ce qui pousse à dépasser l'affirmation violente de la vérité du premier projet d'exposition pour le réorienter dans une perspective de questionnement. Par ailleurs, un modèle de dynamique trash permet de fonder la figure subversive et provocante de Jésus dans une relecture des évangiles, d’où un troisième temps (intervention) : l’amendement du premier projet d'exposition. En guise de conclusion, le quatrième temps (prospective) exporte des pointes de ré-flexion au-delà de l'interprétation concrète, à savoir au plan des questions de l'art et du public, du deuil de la vérité, de la dynamique trash et de la foi. / This dissertation is in line with what we call praxéologie pastorale. It analyses, in four cycles, the implementation of an exhibition which opposes an alienating fig-ure of Jesus (smooth and conventional) to a trash vision of him (in other words subversive and provocative), if we are to be faithful to the Bible's inscriptions. The first cycle (observation), which presents the first exhibition project as well as the inspiring sources (personal, cultural and artistic), brings us to surround two prob-lematics: the question of the truthfulness and the subversive orientation (trash) of the Bible's image of Jesus. The second cycle (interpretation) questions the truth with Hans Georg Gadamer, which brings us to surpass the violent affirmation of the truth of the first exposition project to reorient it into that of a questioning per-spective. Furthermore, an example of the trash dynamic allows us to base the sub-versive and provocative figure of Jesus by rereading the Bible; hence the third cycle (intervention): the amendment of the first exhibition project. In conclusion, the fourth cycle (prospective) pushes the reflection beyond the concrete interpreta-tion, namely, in regard to the arts and the public, the grief of the truth, the trash dynamic and the faith.

La littérature est une source d'où jaillissent les flots intarissables du paradoxe ; c'est dans cet entrelacement de dichotomies que nous nous sommes immergées pour percevoir l'unité sous-jacente derrière l'oxymore que constitue le titre de notre thèse : " une poétique de l'abjection dans la littérature gothique américaine postmoderne. " Si nous nous sommes tournées vers Stephen King, Peter Straub et Chuck Palahniuk et avons mis l'accent sur trois de leurs œuvres précises, notre démonstration se veut être transposable à l'ensemble de leurs écrits. Nous nous sommes interrogées sur la nature de l'abjection et sur sa prééminence dans une société américaine portant le sceau du puritanisme. Marqués par le Romantisme et le Gothique anglais, nos auteurs ont su donner aux thématiques caractérisant ces mouvements une voie nouvelle. Situer nos œuvres dans la lignée du gothique postmoderne nous permet d'osciller sur le paradigme de l'excès et de l'incomplétude, de la déconstruction et de l'unité. Le thème de la fragmentation apparaît comme l'un des fils d'Ariane permettant aux auteurs de tisser autour des lecteurs leur toile arachnéenne. Ce démantèlement qui affecte à la fois la dimension narrative et thématique des récits contribue à leur effet patchwork et subversif, nous liant à notre problématique postmoderne. Les paradoxes engendrés par nos récits leur donnent leur force et expliquent leur fascination sur le public. Nos pérégrinations menant à l'ouverture des différentes portes de l'interprétation révèlent que l'abjection devient source d'une nouvelle esthétique. Le laid peut véhiculer de la beauté et du sublime. L'harmonie qui existe dans le monde de la déchéance qui nous est dépeint explique l'emprise hypnotique de la littérature de l'abjection sur le lecteur. Source de poétique, celle-ci procure un plaisir de la lecture quasi jouissif pour ceux qui se laissent transporter par la magie créatrice de nos auteurs.

Vernon Lee est une femme de lettres d'origine britannique, dont l'œuvre éclectique est située dans le contexte historique et socio-culturel de l'Angleterre victorienne de la fin-de-siècle dite "décadente" (1880-1914). La problématique de cette thèse est axée autour de deux fils conducteurs : d'une part, le regard que Vernon Lee porte sur la société de son époque, et d'autre part, son intérêt pour les récentes découvertes dans le domaine des Sciences humaines. Les années 1890 représentent une ère de transition entre le Romantisme et le Modernisme. On peut donc parler d'héritage romantique en ce qui concerne l'inspiration et l'imaginaire des écrivains victoriens de la fin du XIXème siècle. La littérature de la Décadence privilégie les thèmes mythiques, en particulier le mythe de la Femme fatale. L'esthétisme et l'éthique sont au cœur de l'œuvre de Vernon Lee. Écrivain et témoin de son époque, elle utilise son écriture pour défendre la condition féminine. C'est avant tout une écriture avant-gardiste, orientée vers le Modernisme. En effet, les récentes découvertes scientifiques (notamment la linguistique, la psychologie et la psychanalyse) influencent son écriture, lui permettant d'accéder au mieux à l'intériorité de ses personnages.