[pt] O artista norte-americano Robert Morris é conhecido sobretudo como escultor, mas sua obra abrange uma diversidade de meios, procedimentos e materiais, dentre os quais a dança. Morris esteve diretamente envolvido com grupos de dança entre o final da década de 1950 e meados da década de 1960, período em que participou do que foram talvez os dois mais importantes focos de pesquisa em dança, nos Estados Unidos, para a sua geração: as atividades que se desenvolveram em São Francisco, ao redor da professora e dançarina Ann Halprin, e as atividades que, em Nova York, resultaram da formação do grupo Judson Dance Theater. Nesse período, além de atuar como dançarino em trabalhos de outros artistas, Morris criou um pequeno mas significativo conjunto de trabalhos de dança. A tese toma esse conjunto como base para um estudo da obra do artista e procura vê- la, em grande parte, como desdobramento de experiências e questões surgidas no âmbito da dança, em diálogo com o seu concomitante envolvimento na pintura, no desenho e na escultura. Discutindo alguns dos pontos principais desse diálogo - como o reducionismo minimalista, os procedimentos de tarefa e instruções, a ênfase na temporalidade e na literalidade da ação corporal - e alguns de seus conceitos centrais - como estado de dança, forma vazia e anti-forma - , a tese se propõe a ampliar as possibilidades de análise e compreensão de um momento crucial não só para a formação e o curso subseqüente da obra de Morris, mas também para a constituição do campo ampliado da arte contemporânea. / [en] The North American artist Robert Morris is known mostly as a sculptor, but his work encloses a diversity of means, procedures and materials among which dance. Morris was directly involved with dance groups between the end of the decade of 1950 until mid 1960, period in which he participated in what were maybe the two most important focuses of research in dance, in the United States, for his generation: the activities that were developed in San Francisco related to the professor and dancer Ann Halprin, and activities in New York City resulting from the formation of the group Judson Dance Theater. In this period, aside of acting as dancer in works from other artists, Morris created a small but significant set of dance works. The thesis considers this set as the basis for the study of the artist work and strives to see it, mainly, as a deployment of the experiences and questions arisen in the scope of dance, in dialogue with his concomitant involvement in painting, drawing and sculpture. Discussing some of the main points in this dialogue - as the minimalist reductionism, the procedures of tasks and instructions, the emphasis in the temporality and in the literality of the corporal action - and some of its central concepts - such as dance state, blank form and anti form - the thesis intends to extend the possibilities of analysis and comprehension of a crucial moment not only for the formation and the subsequent course of Morris work but also for the constitution of the expanded field of contemporary art.

[pt] Essa tese investiga a relação entre o espectador e a cena a partir de algumas experiências de dança contemporânea. Procura-se entender como os artistas trabalhados criam, cenicamente, novos modos de fazer circular afetos e sentidos convidando o espectador a se despir das posições a que tradicionalmente está atrelado, seja como alienado, seja como hermeneuta. A trajetória da coreógrafa e cineasta Yvonne Rainer é o ponto de partida para a reflexão sobre a complexa relação entre a cena e o espectador, na qual as dimensões política, afetiva e imaginária da experiência artítica se tensionam. Rainer pesquisa, desde os anos 60, formas do corpo em cena resistir à captura do olhar do espectador, através da valorização de sua materialidade. A tese procura pensar, portanto, a partir da trilha aberta pela coreógrafa, como essa noção de materialidade não se entende como uma forma que possa ser significada, mas como uma força que desestabiliza a ordem das representações e impele a novos modos de produzir e refletir acerca do sentido do mundo. A partir dos trabalhos de Rainer, Jérôme Bel e Ann Teresa de Keersmaeker, Lia Rodrigues e Israel Galván, em diálogo com o pensamento contemporâneo a respeito da relação entre arte, corpo e política, a tese se propõe a pensar, por fim, como a exposição cênica da vulnerabilidade pode ser concebida como uma estratégia de criação potente. / [en] The present thesis investigates the connections between the spectator and the scene through some experiences of contemporary dance, trying to understand how the artists here studied create, scenically, new modes of circulation of affects and senses. Thus, the spectator is invited to abandon its traditional positions in which he appears either as an alienated participant either as hermeneutist interpreting the codes of the scene. The trajectory of the choreograph and film maker Yvonne Rainer is the starting point to question the complex relationship between the scene and the spectator in wich the political, affective and imaginary aspects of the artistic experience are in permanent tension. Rainer searches since de 60 s ways to make the body resist to the capture of the spectator s gaze, by valuing it s intrinsic materiality. Trough the path opened by Rainer, the thesis wishes to understand materiality not as a form that can be signified but as a force that destabilizes the logic of representation and impele in the direction of new forms of producing and thinking about the sense of the world. Through the works of the performers Yvonne Rainer, Jérôme Bel, Ann Teresa de Keersmaeker, Lia Rodrigues and Israel Galván in dialogue with contemporary thinking about the connections between arts, politics and body the thesis intends, finally, to think of how the scenic exposure of vulnerability can be conceived as a powerful strategy of artistic creation.

[pt] A presente tese se debruça sobre a passagem das danças de orixá do terreiro para as artes cênicas, no intuito de pensar a relação entre arte e sagrado através de trabalhos em dança de coreógrafos brasileiros. Para isto, no entanto, parte de uma revisão crítica da perspectiva simbólico-representativa que guia as análises de textos canônicos sobre o candomblé, oriundos das disciplinas de antropologia e etnologia, sobretudo. Com este movimento inicial, se propõe a questionar esta perspectiva como um pressuposto ou um paradigma das análises que não leva em consideração uma crítica à tradição do pensamento por representação, ao passo que o candomblé teria seus próprios pressupostos filosóficos e cosmológicos, como uma visão de mundo que não necessariamente opera pela função simbólicorepresentativa. Em seguida, dedica-se a uma releitura da questão da biopolítica a partir do paradigma imunitário, que relaciona o saber científico sobre o corpo a uma concepção de política e democracia, interessante para se pensar a relação de uma sociedade fundada sob o regime colonial e escravista com os modos de vida e as visões de mundo não europeias no Brasil, uma vez que o candomblé foi se constituindo como uma religião à qual estas questões confluíam, tendo em vista o dinamismo inerente à tradição em que se fundamenta o culto. Por fim, a dança surge como campo de pensamento e de saber no qual as contradições se encontram e se resolvem a partir de um trabalho com o corpo, ressaltando positivamente sua multiplicidade - e não, como no projeto biopolítico, no intuito de confiná-lo mediante concepções dicotômicas. Isto se dá, primeiramente, a partir de uma reflexão acerca da importância do som e da música como modos de pensar as organizações políticas, econômicas e sociais, numa desierarquização dos sentidos a partir da qual emergem racionalidades e visões de mundo. Finalmente, o trabalho de coreógrafos e bailarinos brasileiros que tomam como técnica não só as danças de matriz europeia, como o balé clássico, as danças moderna e contemporânea, mas também as danças de matriz africana, mais especificamente, os pés de dança de orixá. Essa passagem dos terreiros para o palco vem a levantar uma discussão sobre a relação entre o sagrado, o ritual e a arte, como campos que, segundo uma visão de mundo do candomblé, se pudermos chamar assim, não estão separados. / [en] This thesis aims to think about the passage of the dances of the orishas from the religious context of Brazilian candomblé to the stage, taking as an issue the relation between art and the sacred trough the works on dance of Brazilian choreographers. For this purpose, however, the thesis begins with a critical review of the symbolic and representative perspective that guides most of the canonic texts about Brazilian candomblé, mainly in the fields of anthropology and ethnology. This initial movement aims to put in question this perspective as a presupposition of the analyses that doesn t consider a critique to the representative paradigm that guide the western thought, once candomblé has its own philosophical and cosmological presuppositions, as a world view that not necessarily operates through this same symbolic and representative logic. Following this first movement, it dedicates to a rereading of the biopolitics issue from the immune paradigm that relates the scientific knowledge about the body to a political and democratic conception, which is interesting to think about the colonial and slavery system relations to the non-European ways of living and world views in Brazil that shaped the construction of candomblé as a religious body to which these issues flows, considering the inherent dynamism of the tradition in which it is based upon. The dance arises as a field of thought and knowledge in which the contradictions get together and are solved through the work with and from the body, emphasizing its multiplicity in a positive way - and not as in the biopolitical project that aims to confine it in opposite conceptions. This comes, first, through a consideration about the sound and the music as ways to think political, economic and social organizations, in order to undo the hierarchy of senses from which emerge different rationalities and world views. Finally, the works of Brazilian choreographers that take as a dance technique not only the European dances, but also the African dances and, more specifically, from the orishas that belongs to the religious tradition of candomblé. This passage from the terreiros (the temples) to the stage brings forward the relation between the sacred, the ritual and art as fields that, according to a world view founded in candomblé, if we can refer like that, are not aparted.

[pt] Este estudo investiga os significados atribuídos ao lazer por consumidores de Terceira Idade que frequentam grupos de reunião musical e aulas de dança de salão. Especificamente, buscou-se estudar a experiência desses consumidores em atividades de lazer em grupo e de que forma atribuem significado às vivências e às relações sociais e de amizade que ocorrem em espaços sociais de lazer. No contexto desta pesquisa, o consumo de lazer não é visto apenas por seu aspecto utilitário, mas é compreendido a partir de seu conteúdo simbólico, em que os consumidores atribuem significados ao consumo expressando seus valores, estilos de vida, categorias, identidades sociais e projetos coletivos. Ao privilegiar, a dimensão simbólica do consumo sob a perspectiva de marketing, o presente estudo se insere em uma linha de estudos em marketing que se apresenta como CCT – Consumer Culture Theory. Nesse contexto, a presente tese se filia ao paradigma interpretativo, ao partir dos aspectos subjetivos do consumo para perceber as relações dinâmicas das ações de consumidores e os significados socialmente construídos. Para condução do presente estudo, optou-se por utilizar métodos de inspiração etnográfica – a observação participante e as entrevistas em profundidade – buscando fazer parte da experiência vivida pelo idoso para compreender os significados a ela atribuídos. A pesquisa de campo incluiu dois grupos de idosos. O primeiro grupo é um encontro musical de seresta, sendo realizada a observação participante por um período de aproximadamente seis meses. As entrevistas em profundidade foram realizadas com 15 idosos participantes do grupo e com o fundador e líder do grupo. O segundo grupo estudado é voltado para dança de salão. Novamente, foi feita a observação participante durante um período de seis meses e entrevistas em profundidade com 16 idosos participantes. Os registros em diário de campo e as entrevistas foram analisados conjuntamente e permitiram identificar os significados que os idosos associam ao consumo das atividades de lazer analisadas. Realizou-se, inicialmente, uma análise de cada atividade de lazer. Para cada grupo, os significados identificados emergiram das análises. Em seguida, foi feita uma análise cruzada dos resultados obtidos para os dois grupos. Verificou-se que, embora possa haver significados comuns às atividades de lazer, há também significados distintos atribuídos à mesma atividade e a diferentes atividades. Estes resultados sugerem a existência de grande variedade de necessidades por detrás das escolhas de lazer dos idosos. Tais resultados sugerem ainda que a pesquisa sobre lazer de idosos deve levar em conta a heterogeneidade deste grupo de consumidores, evitando trata-los de forma reducionista, como se se tratasse de grupo homogêneo, caracterizado unicamente a partir de suas dificuldades físicas. Já no que se refere à aplicação empresarial, os resultados do estudo sugerem que os consumidores idosos podem ser segmentados a partir de distintos significados atribuídos ao lazer, que parecem traduzir os benefícios buscados por esses consumidores. / [en] This study investigates the meanings of leisure for the elderly people who attend a musical encounter and a ballroom dancing class. Specifically, the study investigates these consumers experience of leisure group activities; and how they extract meaning from these experiences and from the social relationships that occur in these social spaces of leisure. In the context of this research, consumption is not seen only by its utilitarian nature, but it is rather understood in its symbolic aspects, as consumers create meanings in order to express their values, lifestyles, categories, social identities, and collective projects. By focusing on the symbolic dimension of consumption from the marketing perspective, this study is positioned as part of a line of research in marketing known as CCT - Consumer Culture Theory. In this context, this thesis is affiliated to the interpretive paradigm, departing from the subjective aspects of consumption to understand the dynamic relationships between the consumers actions and the social and cultural meanings created. Methods of ethnographic inspiration – participant observation and in-depth interviews – were used to conduct this study. These methods permitted to be part of the leisure experience lived by the elderly as a means of understanding the meanings attributed to the experience. Fieldwork included two groups of elderly people. The first group is a musical encounter group called Seresta. Participant observation covered a six-month period; 15 elderly participants were interviewed in-depth, plus the founder and leader of the group. The second group included the elderly that participated in ballroom dancing classes. Again, participant observation lasted for six months and in-depth interviews were conducted with 16 participants. Fieldnotes and transcripts of the interviews together permitted to extract the meanings assigned by older people to these leisure activities. First, each activity was analyzed separately. For each group, meanings emerged from the analyses. Then a cross-group analysis was performed. The results showed that, despite meanings that are shared by the two leisure activities, each activity showed different meanings, or different nuances of the same meaning, and some of the meanings identified only appeared in one of the activities. These results suggest that there is a great variety of needs behind the leisure choices made by the elderly. In addition, the results indicate that leisure research focusing the elderly should take into account the heterogeneity of this group of consumers, therefore avoiding a reductionist approach that considers the elderly as a homogeneous group based on their physical limitations. As to managerial implications, the results of the study suggest that firms can segment the elderly consumers by the different meanings attributed to leisure, which can be equated to the benefits aimed when choosing their leisure activities.

[pt] A economia criativa gera em torno de 3 porcento do PIB mundial e 1 porcento dos empregos da população economicamente ativa, segundo pesquisa da UNESCO em 2015. Das indústrias que compõem a área, o subsetor Performing Arts, na qual a dança está inserida, se destaca como maior fonte de renda para EUA, Austrália, Rússia e China. No Brasil, o investimento no segmento de dança ainda é embrionário e com baixa expressividade. Neste contexto, a dança, que se profissionalizou há quase 200 anos com o ballet clássico, busca formas de atrair e manter o público, sendo a comunicação de marketing ferramenta fundamental, principalmente por meio dos significados transferidos ao consumo e das experiências de consumo representadas nos discursos. Este trabalho identifica as aproximações e os afastamentos nos significados de consumo enunciados nos discursos dos consumidores de espetáculos de dança e na comunicação de marketing das companhias de dança. Para tal, foi realizada análise, por meio do ferramental teórico-metodológico da semiótica discursiva de linha francesa, de 61 cartazes, 46 sinopses, 5 sites institucionais e de entrevistas com 10 espectadores frequentes de dança clássica e contemporânea. Foram encontradas seis temáticas diferentes em cada discurso. Para evidenciar os significados de consumo encontrados em cada um deles foi utilizada a axiologia do consumo proposta por Floch (1991). Os resultados da pesquisa, que podem subsidiar decisões gerenciais dos administradores das companhias de dança, indicam certo afastamento nas valorizações crítica, prática e utópica e a aproximação na valorização lúdica dos espetáculos. / [en] The Creative Economy generates about 3 percent of world GDP and 1 percent of jobs of the economically active population, according to a 2015 UNESCO s research. From the industries that compose this economy sector, the Performing Arts subsector, in which dance is embedded, stands out as the largest source of income for USA, Australia, Russia and China. In Brazil, investments in the dance segment is still embryonic and low expressiveness. In this context, dance, which has been professionalized for almost 200 years with classical ballet, seeks ways to attract and keep the public. For that, marketing communication is fundamental, mainly through the meanings transferred to consumption and the consumption experiences represented in its discourse. This work identifies the approximations and deviations in the consumption meanings enunciated in the discourses of the consumers of dance performances and in the marketing communication of the dance companies. For that, 61 posters, 46 synopses, 5 institutional sites and interviews with 10 frequent audience members of classical and contemporary dance was analyzed based on the theoretical-methodological tool of the French discursive semiotics. Six different themes were found in each discourse. The consumption axiology proposed by Floch (1991) was used to show the meanings of consumption found in each of them. The results of the research, which may support managerial decisions of dance company managers, indicate a certain distance from critical, practical and utopian valuations and an approximation in the ludic valuation of dance performances.

[pt] Das gangues urbanas aos estilos de música e dança extravagantes, das subculturas, com seus estilos espetaculares, à contracultura, o comportamento dos jovens ao longo do século XX desafiou, constantemente, o status quo. Assim, condensando medos e angústias relacionados ao questionamento da ordem social, nasceram diversos pânicos morais relacionados a práticas juvenis, entre essas, vários estilos de dança. O objetivo desse trabalho é refletir sobre a relação entre pânico moral e juventude por meio da dança, mais especificamente a partir do lindy hop e do funk carioca. A primeira parte da pesquisa apresenta a teoria do pânico moral a partir das obras de seus principais autores, Stanley Cohen, Stuart Hall et al e Erich Goode e Nachman Ben-Yehuda. Em seguida, é feita uma análise da relação existente entre as noções de desvio e juventude, buscando-se entender a importância da primeira no processo de construção social da segunda. Nessa parte, que tem Jon Savage, José Machado Pais, Ross Haenfler e Helena Abramo como principais referências, também são apresentados exemplos de pânicos morais motivados por práticas juvenis. Por fim, com base nas obras de Jon Savage, Kendra Unruh, Hermano Vianna e Micael Herschmann, entre outros, e em notícias publicadas pela imprensa, são analisadas as trajetórias do lindy hop e do funk carioca, duas danças que, embora nascidas em épocas e lugares diferentes, possuem um histórico semelhante, marcado pelo pânico moral que causaram. Duas danças nascidas em comunidades negras que, como tantas outras que fizeram sucesso ao longo do século XX, escandalizaram muitos na época de seu surgimento, mas que, apesar disso, ou por causa disso, ficaram muito populares entre jovens dos mais diferentes contextos sociais. Os anos passam, as gerações e os estilos de dança mudam, mas as críticas e os preconceitos continuam, o que confirma que esses pânicos não desaparecem completamente, eles apenas mudam de forma, uma vez que, embora pareçam direcionados a danças específicas, são, frequentemente, um reflexo do mesmo preconceito destinado aos criadores desses estilos. / [en] From urban gangs to extravagant styles of music and dance, from subcultures with their spectacular styles to counterculture, the behavior of young people throughout the twentieth century constantly challenged the status quo. Therefore, condensing fears and anxieties related to the questioning of the social order, several moral panics related to youth practices were born, among them, many associated to dance styles. The objective of this work is to reflect on the relationship between moral panic and youth through dance, more specifically, through lindy hop and carioca funk. The first part of the research presents the moral panic theory based on the works of its main authors, Stanley Cohen, Stuart Hall et al and Erich Goode & Nachman Ben-Yehuda. Then, the relationship between the notions of deviance and youth is analyzed, seeking to understand the importance of the former in the process of social construction of the latter. In this part, which has Jon Savage, José Machado Pais, Ross Haenfler and Helena Abramo as main references, examples of moral panics motivated by youth practices are also presented. Finally, based on the works of Jon Savage, Kendra Unruh, Hermano Vianna and Micael Herschmann, among others, and on news published by the press, the last part analyses the trajectories of lindy hop and carioca funk, two dances that, although born in different times and places, have a similar history, marked by the moral panic they caused. Two dances born in black communities that, like several others that have made success during the twentieth century, shocked many at the time of their arising, but, despite that, or because of that, became very popular among young people from different social contexts. As the years go by, generations and styles of dance change, but criticism and prejudice remain, confirming that these panics do not disappear completely, they only change shape, once, although they seem to be directed at specific dances, they are often a reflection of the same prejudice directed to the creators of these styles.

[pt] Esta tese discute relações ético-políticas entre o pensar a dança e o pensar a filosofia a partir da desconstrução de Jacques Derrida. Toma como premissa que a dança performa um modo de pensamento desafiador para a herança arquipedagógico-filosófica que encerra a filosofia na tarefa restrita ao cálculo apreensível e antecipatório mano-visual. Em sua aproximação, o que entendemos como pensamento da dança faz tremer essa perspectiva, o que não significa dizer que a dança e seus artistas tenham meios para questionar a filosofia, mas que são portadores de um pensar que não se encerra no campo da produção conceitual filosófica. Assim, com a aproximação entre dança e filosofia, pretende-se explorar algumas possibilidades que se abrem, em tal encontro, para a experiência de um pensamento transdisciplinar e não conceitual. O argumento é desenvolvido a partir de três importantes noções pensadas pelo filósofo franco-argelino: evento por vir, democracia por vir e razão por vir — que são suplementares à tarefa de abertura radical do sim, sim ao pensar. Outras temáticas derridianas correlacionadas à discussão que aqui se propõe são abordadas, como: o direito à filosofia, a questão da ipseidade, a espectralidade, o mal de arquivo, o fato econômico circular e narrativo e o pensar em não ver. Apesar de se concentrar majoritariamente em questões lançadas por Derrida, esta tese evoca um tom multiautoral, combinando outras assinaturas de filosofia, teorias da dança e estudos da performance (bem como obras de dança e artes da performance). / [en] The dissertation discusses ethical and political relations between thinking dance and thinking philosophy with Jacques Derrida s deconstruction. Its premise is that dance performs a way of thinking that challenges the arch-pedagogyphilosophical heritage that closes philosophy at the restricted task of hand-visual calculation. In its approach, what we understand as dance s thought shakes this perspective, which doesn t means that the dance and its artists have the means to question the philosophy, but who are carriers of a thinking that does not end in the field of philosophical conceptual production. Thus with the approach between dance and philosophy, we intend to explore some possibilities that open for the experience of a cross-disciplinary thinking and not conceptual. The argument is developed from three important notions designed by the French-Algerian philosopher: event to come, democracy to come and reason to come - that works together in the radical opening task of yes, yes to the thinking. Other Derridean themes are dialogued as: right to philosophy, ipseity, spectrality, archive fever, narrative and circular economic factor and blind thinking. Although the dissertation is focused mainly on Derrida s proposals its text evokes a multiauthorial tone, combining other signatures of Philosophy, Theories of Dance and Performance Studies, as well as works of dance and performance.

[pt] As obras de Piet Mondrian e Richard Serra possuem profunda relação com a metrópole. Seus trabalhos abrangeram distintas temporalidades urbanas no decorrer do século XX, e foram permeados direta e indiretamente pela música e pela dança, artes temporais igualmente circunscritas ao fenômeno urbano. Mondrian identifica no ambiente moderno, dinâmico e veloz, da Paris da primeira metade do século XX, as premissas de sua teoria oplástica do equilíbrio universal. Procurava realizar sua teoria em outras artes além da pintura, de modo que ao integrar-se à vida, a arte desapareceria. Sua chegada a América coincide com a transferência do centro artístico mundial de Paris para Nova York. No rico embate entre Europa e América, percebemos as diferenças entre a monumental escala do Novo Continente e a permanente atividade de seu povo, em contraposição às dimensões tímidas e o temperamento contemplativo do homem do Velho Continente. Hoje, a mecanização das metrópoles já não é mais polêmica ou fascinante, mas responsável pela monótona e repetitiva vida urbana da qual partiu a obra dos Pós-Minimalistas, entre os quais, Richard Serra. O caráter utópico da intura de Mondrian, cuja virtualidade se queria transformadora da realidade, visando a sociedade madura exemplificada pela América, está ausente na arte do pós- guerra. Os planos inseridos por Serra no tecido urbano não querem su-cumbir ao colapso do grid cubista, buscam o embate literal entre o habitante da metrópole e as coisas que o cercam, num mundo já muito pouco palpável. / [en] The works of Piet Mondrian and Richard Serra are profoundly related to the metropolis. Their works embrace different urban temporalities elapsed in the twentieth century. They were directly and indirectly influenced by music and dance, temporal arts equally confined to the urban phenomenon. Mondrian identifies the universal balance premises of his neoplastic theory in the modern, dynamic and fast Parisian environment of the first half of the twentieth century. He tries to accomplish his theory in other arts besides painting, so that by integrating art in life, the former would disappear. His arrival in America coincides with the artistic world center move from Paris to New York. In the cultural clash between Europe and America, one realizes the differences between the New World`s monumental scale and its dynamic people, against the shy dimensions and contemplative nature of the men in the Old Continent. The metropolis` mechanization is no longer polemic or fascinating, but responsible for the monotonous and repetitive urban life, from which the Post-Minimalists emerged, among them Serra. The utopian character of Mondrian`s painting, whose virtuality intended to transform reality, like America`s ripe society example, is absent in post-war art. The planes inserted by Serra in the urban fabric don`t intend to succumb to the cubist grid`s collapse. They seek the literal clash between the metropolis citizen and what surrounds him, in a very little tangible world.