Esta pesquisa debruça-se no meu processo de criação atoral no espetáculo Os filhos da Dita, do Núcleo Arlequins da Cooperativa Paulista de Teatro, tendo como base teórico/prática principal o treinamento psicofísico proposto pelo encenador-pedagogo Vsévolod Meyerhold, buscando sublinhar as demandas e possibilidades de uma postura política consequente em cena. A partir das relações estabelecidas desde a escolha do tema, o desenvolvimento da dramaturgia e posterior criação cênica propriamente dita, busco descrever os estímulos e motivações que me conduziram na criação cênica em diálogo com a estética desenvolvida pela companhia há 25 anos, e o posterior contato estabelecido com o espectador. / This research lies on my acting creative process in the play called Os filhos da Dita, of Arlequins (Theatre group that belongs to the Cooperativa Paulista de Teatro), having as main theoretical/practical basis the psycho physical training proposed by pedagogue-director Vsévolod Meyerhold, aiming at underling the demands and possibilities of a consequent political posture on stage. Based on the relationships established with various artists involved in a creative process from choosing the play theme, dramaturgy development and following scenic creation, I describe the stimulus and motives that led me in the scenic creation. The procedures are developed in open dialogue with the esthetics held by the group in the last 25 years, and subsequent contact established with the audience.

Sob a perspectiva de um reexame do momento de formação do teatro épico contemporâneo, esta dissertação consiste num estudo sobre o trabalho colaborativo de Bertolt Brecht e Kurt Weill nos anos de 1926 a 1933, com ênfase para o assim chamado teatro de atualidades elaborado pelos artistas. Tomando como linha condutora os três momentos centrais da República de Weimar (a crise de 1919-1923, a estabilização econômica e o craque de 1929) tentamos apreender como lírica, teatro e música confluíram criticamente na criação de um teatro político à altura das questões suscitadas pelo processo histórico de realinhamento capitalista sob o governo de coalizão de esquerda SPD/USPD, bem como de suas complexas implicações na cultura. Para tanto, em diálogo com a crítica literária brasileira e alemã, realizamos uma leitura da obra do jovem Brecht pautada pela questão do reaproveitamento que o dramaturgo fizera da música em seu livro de estreia como lírico, Hauspostille (1927), onde certo veio da cultura urbana anticapitalista dos cabarés da belle époque foi mobilizado, através da influência da lírica e do teatro de Frank Wedekind. Noutro nível, sob a linha condutora do projeto brechtiano de uma ópera culinária, procuramos traçar um apanhado das questões que marcaram a formação da linguagem musical de Kurt Weill, problematizando o desenvolvimento de seu trabalho coletivo com o Novembergruppe, sua abordagem da ópera moderna e da música utilitária e finalmentee seu pensamento sobre as potencialidades estético-políticas do rádio. O trabalho se conclui, enfim, pela análise de três obras da parceria Brecht/Weill: Berliner Requiem (1929), Mahagonny Songspiel (1927) e A ópera dos três vinténs (1928). / Through the perspective of a re-examination of contemporary Epic Theater, this dissertation consists of a study about the collaborative work of Bertolt Brecht and Kurt Weill from 1926 to 1933, centered upon the so called Zeittheater invented by both artists. By following the thread between the three main periods of Weimar Republic (the 1919-1923 political crisis, the stabilization period and the economical crash of 1929) our intention was to understand how Brechts previous lyric poetry, music and theatre enabled the autor to critically incorporate into his political theater matters brought up by the context of capitalistic re-alignment made by the left coalision government of SPD/USPD, as well as the impact of this complex political setting on culture. In order to do so and to maintain a dialoge with both brazillian and german literary criticism, we have sketched a reading of young Brechts work, focused on the appreciation of the influence of Frank Wedekinds lyric poetry and theater where a certain tendence of belle époque anti-capitalistic cabaret culture is registered on Brechts music, mainly through an interpretation of his first poetry book Hauspostille (1927). On another level, we have sketched the central issues that oriented the making of a new musical language by Kurt Weill, especifically the meaning of his collective work with Novembergruppe, his approach on Gebrauchsmusik and modern opera, his essays about aesthetical and political potencialities of radio and how they combined with Brechts project of culinary operas. Lastly this study is concluded by the analysis and interpretation of three different works by Brecht/Weill: Berliner Requiem (1929), Mahagonny Songspiel (1927) and The Threepenny Opera (1928).

Made available in DSpace on 2016-04-27T17:27:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rita Alves Miranda.pdf: 2197473 bytes, checksum: 27e1b604e4f02f387a522aa42435e2a0 (MD5) Previous issue date: 2013-10-23 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This master s thesis aims to approach the passage of Bertolt Brecht through the theater history and the influence of his proposal for the contemporary art. Initially, we analyzed Brecht s criticism towards some traditional conceptions of theater and the path taken by the author to think the crisis of drama that had settled times before. Along the way were considered some references and possible objections from Brecht to Aristotle and the Aristotelian model of theater. In this controversial debate, we analyzed the references to the Greek philosopher, to clarify weather Brecht really wanted to reject Aristotle, or he proposed an appropriation of that formal model. It is known that the Aristotelian model of theater was removed from the Poetics of Aristotle and suffered different appropriations in different epochs, one of them being the bourgeois reading. This view is refuted by Brecht, when he analyzes the reality of bourgeois drama and realizes that it was necessary that it be revised immediately, because the theater is no longer affecting the people, in the sense that their willingness depended on a relationship of passivity on the part of viewers. Facing this crisis of drama, some artists tried to reformulate it without however succeeding. Brecht, when began his work, had knowledge of these attempts and facing their failures, the goal was to make theater inaugurate a new place in society. In search of the best place he has in mind a place of production of consciousness, radically opposed to the bourgeois-capitalist logic that sought the alienation of individuals. So, now located outside the debate of reckoning with the past, Brecht focuses on your present and faces the ideas of György Lukács which oppose Brecht by thinking art in a different manner and attributing to him the image of Formalist. We also deal whit defending Brecht from these charges. This dissertation, different from common aspect of texts on Bertolt Brecht is not intended to scrutinize the techniques developed by the playwright in the formulation of the Epic Theater, or talking about the formal aspects of his work, but it is based on a philosophical approach, passing briefly through a few moments of the author s thought until it reaches the stage considered as a mature conception of theater, which is also the last phase of his career, when he revised many of his previous positions. This phase is one in which he writes pieces like The Good Soul of Setsuan (1939-1942) and Life of Galileo (1938-1939). Being so, our focus was this mature conception of the author s work and the characteristics of his thinking at that time, thinking that we take as very Brechtian itself. We focus at this moment of his work, to show the compatibility of his thought and a contemporary conception of theater / Este trabalho tem por objetivo abordar a passagem de Bertolt Brecht pela história do teatro e a influência de sua proposta na fase contemporânea da arte. Inicialmente, analisamos a crítica de Brecht dirigida a algumas concepções tradicionais de teatro e o caminho percorrido pelo autor para pensar a crise do drama que se instalara tempos antes. Nesse percurso foram consideradas algumas referências e possíveis objeções de Brecht a Aristóteles e ao modelo aristotélico de teatro. Nesse debate polêmico, analisamos as referências ao filósofo grego, a fim de esclarecer se o que Brecht pretendia era rejeitar mesmo Aristóteles, ou mais uma apropriação daquele modelo formal. Sabe-se que o modelo aristotélico de teatro foi retirado da obra Poética de Aristóteles e que sofreu apropriações segundo as épocas, sendo uma delas a leitura burguesa. Essa leitura é rebatida por Brecht que revê a realidade do drama burguês e percebe que era preciso que ele fosse revisto imediatamente, pois o teatro já não atingia mais as pessoas, mas sua disposição dependia de uma relação de passividade por parte dos espectadores. Frente a dessa crise do drama, alguns artistas, tentaram reformulá-lo sem, no entanto, obter sucesso. Brecht, quando deu início a seu trabalho, já tinha conhecimento dessas tentativas e diante desses fracassos, o objetivo era fazer o teatro inaugurar um novo lugar dentro da sociedade. Em busca do melhor lugar, ele tem em mente um lugar de produção de consciências, opondo-se radicalmente à logica burguesa-capitalista que buscava a alienação dos indivíduos. Assim, localizado já fora do debate de acerto de contas com o passado, Brecht concentrase em seu presente e enfrenta György Lukács que se opõe a Brecht ao pensar a arte de uma forma diferente, atribuindo a este a imagem de Formalista. Nos ocupámos de defender Brecht também dessas acusações. Esta dissertação, diferente do aspecto comum de textos sobre Bertolt Brecht não se propõe a analisar minuciosamente as técnicas desenvolvidas pelo dramaturgo na formulação do Teatro Épico, ou a falar dos aspectos formais de sua obra, senão que se apoia numa abordagem filosófica, que passa rapidamente por alguns momentos do pensamento do autor até chegar à fase considerada como fase de uma concepção madura de teatro, que é também a última fase de sua carreira, quando ele reviu muitas de suas posições anteriores. Esta fase é aquela em que ele escreve peças como A Alma Boa de Setsuan (1939-1942) e Vida de Galileu (1938- 1939). Neste momento do trabalho nosso foco foi essa dada concepção madura da obra do autor e as características de seu pensamento nessa época, pensamento que tomamos como próprio brechtiano. Concentramos nossa atenção neste momento da obra, a fim de mostrar a compatibilidade desse pensamento e uma concepção de teatro contemporânea

Esta pesquisa debruça-se no meu processo de criação atoral no espetáculo Os filhos da Dita, do Núcleo Arlequins da Cooperativa Paulista de Teatro, tendo como base teórico/prática principal o treinamento psicofísico proposto pelo encenador-pedagogo Vsévolod Meyerhold, buscando sublinhar as demandas e possibilidades de uma postura política consequente em cena. A partir das relações estabelecidas desde a escolha do tema, o desenvolvimento da dramaturgia e posterior criação cênica propriamente dita, busco descrever os estímulos e motivações que me conduziram na criação cênica em diálogo com a estética desenvolvida pela companhia há 25 anos, e o posterior contato estabelecido com o espectador. / This research lies on my acting creative process in the play called Os filhos da Dita, of Arlequins (Theatre group that belongs to the Cooperativa Paulista de Teatro), having as main theoretical/practical basis the psycho physical training proposed by pedagogue-director Vsévolod Meyerhold, aiming at underling the demands and possibilities of a consequent political posture on stage. Based on the relationships established with various artists involved in a creative process from choosing the play theme, dramaturgy development and following scenic creation, I describe the stimulus and motives that led me in the scenic creation. The procedures are developed in open dialogue with the esthetics held by the group in the last 25 years, and subsequent contact established with the audience.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This dissertation aims mainly to make a comparative study of the renaissance and baroque aesthetic resources in epics, using, therefore, The Lusiads (1572), which is a heroic poem on the Portuguese maritime expansion, and Paradise Lost (1667), by John Milton, better known and studied as a protestant humanist epic about the fall of the first human couple. The main theoretical basis for this study is the formulations of Gilbert Highet (1954), Anazildo Vasconcelos da Silva (1984, 1987, 2007) and Christina Ramalho (2013) on the epic genre and the classical tradition. There were also major contributions to this work: Joaquim Nabuco (1872), Bowra (1950), Metzer and Coogan (2002) and Saraiva and Lopes (2010). The aspect of comparison between the works is the permanence of classical mythology in the literary plan of the works. Therefore, it was adopted Hesiod (1995, 1996) as a mythographic source, because of the educational intentions of his works. The Lusiads are considered, according to the theory of literary speech and semiotization of Anazildo Vasconcelos da Silva, a renaissance epic and, thus it contains the reference to authors, works and pagan mythology present in the classic epic model (Iliad, Odyssey), besides the balance between thought and emotion and the formulation of universalizing concepts. While Paradise Lost is understood as a work of baroque epic model, which proposes the projection of the poetic persona in the narrative, the narrator as agent of the character subjective logic and sentimentalization of the epic proposition. Although, both have what Gilbert Highet calls classic influence. In other words, they are impregnated by classical thought, whose presence in the body of the poems varies in strength, importance and penetration. Consequently, this research will specifically treat the ways how the classic influence manifests in Camões and John Milton epics. / Esta dissertação tem como objetivo principal fazer um estudo comparado dos recursos estéticos em épicos renascentistas e barrocos, utilizando-se, para tanto, das obras Os Lusíadas (1572), poema heroico de Camões sobre a expansão marítima portuguesa, e Paraíso Perdido (1667), de John Milton, mais conhecida e estudada como uma epopeia humanista protestante sobre a queda do primeiro casal humano. A base teórica principal para esse estudo são as formulações de Gilbert Highet (1954), Anazildo Vasconcelos da Silva (1984, 1987, 2007) e Christina Ramalho (2013) a respeito do gênero épico e a tradição clássica. Também foram contribuições importantes: Joaquim Nabuco (1872), Bowra (1950), Metzer e Coogan (2002) e Saraiva e Lopes (2010). O aspecto de comparação entre as epopeias da era moderna é a permanência da mitologia clássica no plano literário das obras. Para tanto, adotou-se Hesíodo (1995, 1996) como fonte mitográfica, tendo vista as intenções didáticas de suas obras. Os Lusíadas é considerada, segundo a teoria da semiotização literária do discurso de Silva, uma epopeia renascentista e, portanto, apresenta referências a autores e obras e à mitologia pagã presentes no modelo épico clássico (Ilíada e Odisseia), além do equilíbrio entre pensamento e emoção e a elaboração de conceitos universalizantes. Já Paraíso Perdido é entendida como uma obra do modelo épico barroco, que propõe a projeção do eu-lírico no relato; o narrador como agente de uma lógica subjetiva do personagem e a sentimentalização da proposição épica. Contudo, ambas apresentam o que Gilbert Highet chama de influência clássica. Em outras palavras, são obras impregnadas pelo pensamento clássico, cuja presença no corpo dos poemas varia em força, importância e penetração. Por conseguinte, esta pesquisa tem como objetivo específico tratar dos modos como a influência clássica se manifesta nas epopeias de Camões e John Milton.

Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-01-29T16:46:25Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Thiago Eustáquio Araújo Mota - 2015.pdf: 7453680 bytes, checksum: eadb2ef82a3b06b688d17eafc92ac84e (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-02-01T11:54:44Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Thiago Eustáquio Araújo Mota - 2015.pdf: 7453680 bytes, checksum: eadb2ef82a3b06b688d17eafc92ac84e (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-02-01T11:54:44Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Thiago Eustáquio Araújo Mota - 2015.pdf: 7453680 bytes, checksum: eadb2ef82a3b06b688d17eafc92ac84e (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2015-12-16 / Abbiamo studiato in questa Tesi di dottorato un aspetto del mito di Enea: la divinizzazione eroica che appare come una promessa dal fatum nei versi della Eneide di Virgilio, poema epico composto tra gli anni 29 e 19 aC. Tra le varie possibilità metodologiche ed ermeneutiche per lo studio di un poema epico, ci concentreremo qui sulla questione della storicità dell'opera, il suo momento di composizione e le risposte ai precedenti epici. Come una epopea eroico-storica, l'Eneide è intesa come documento di complessità inesauribile per studiare il tempo del poeta. Cerchiamo di valutare come le promesse di apoteosi dell'eroe e dei suoi discendenti, Giulio Cesare e Ottaviano, sono collegate nella trama, offrendo alla casa dei principi da cui deriva l'Imperatore Augusto, domus Iulia, ascendenza divina ed eroica. In grado, quindi, di rafforzare la sua posizione di prestigio sociale e politico, mettendo la famiglia imperiale di sopra delle altre famiglie aristocratiche. Il poeta fa Giove promettere all'eroe, figlio di Venere, un tipo di sollevamento ad sidera, allo scopo di ricordare la consecratio/katasterismos di Giulio Cesare la cui anima è stata identificata alla stella che è apparsa nei cieli di Roma alla celebrazione dei Giochi per la Vittoria di Cesare - Ludi Victoriae Caesaris (44 a.C). Ottaviano, a sua volta, è citato come un dio potenziale con un posto riservato nel pantheon romano. Più di una determinazione dello fatum, Virgilio presenta la prospettiva di sollevamento stellare basata sul merito rappresentato sia dalla reputazione e dalla uirtus che sono costruiti nella vita dell'individuo. In concomitanza con l'analisi ermeneutica dello epico, il nostro sforzo metodologico si sviluppa in due direzioni: in primo luogo, facciamo un passo indietro al periodo repubblicano per seguire le tracce dello radicamento di Enea divinizzato nelle leggende di fondazione e nella topografia del Lazio. Inoltre, dalle testimonianze testuali e dalle monete mettiamo in discussione il legame tra l'eroe troiano alla genealogia della famiglia degli Iulii. Nel secondo movimento, al di là del periodo di composizione dell'Eneide, abbiamo cercato di valutare l'investimento nella genealogia troiana e la riappropriazione di temi epici nelle cerimonie, monumenti e sculture del primo secolo. Quindi, abbiamo anche analizzato le appropriazioni dello tema della divinizzazione di Enea da altri autori come Livio, Dionigi di Alicarnasso e, soprattutto, Ovidio nelle Metamorfosi. / We investigate in this Thesis a specific element of Aeneas’ myth: the heroic divinization that appears as a promise of fatum in the lines of the Aeneid, epic poem composed between the years 29 and 19 BC. Among the several methodological and hermeneutical possibilities for the study of an epic, we focus on the problem of the historicity of the work, its moment of composition and the responses to previous epic models. As a heroic-historical epic, the Aeneid is understood as an inexhaustible and complex document for studying the poet's time. We try to assess how the promises of apotheosis of this hero and his descendants, Julius Caesar and Octavian, are linked into the plot, providing to the rulers house, from which comes the Emperor Augustus, Domus Iulia, heroic and divine ancestry. Able, therefore, to strengthen its social and political prestige, putting the imperial family apart from the other aristocratic families. The poet reserves to this hero, son of Venus, one kind of upswing ad sidera in order to recall the consecratio/katasterismos of Julius Caesar whose soul has been identified to star – sidus/astrumv - that appeared in the skies of Rome during the celebration of the Games in Honor of Caesar's Victory - Ludi Victoriae Caesaris (44 a.C). More than a settlement of fatum, Virgil presents the prospect of stellar ascension based on merit represented by the fame and uirtus which are both constructed during the individual's life. Allong with the hermeneutic analysis, our methodological effort unfolds in two directions: firstly, we step back to the republican past to track the rooting of Aeneas deified in the foundation narratives and topography of Latium. Moreover, from textual sources and numismatic evidence, we bring the issue of the constructed link between the Trojan hero and the genealogy of the Iulii. In a second movement, we seek to evaluate the investment in Trojan genealogy and the reappropriation of epic themes by the ceremonies, monuments and sculptural artifacts from the first century AD. Therefore, we analyze the reappropriation of this theme of Aeneas' divinization by the augustan authors, Livy, Dionysius of Halicarnassus and especially Ovid in Metamorphoses. / Investigamos nesta Tese um elemento específico do mito de Enéias: a divinização heroica que aparece como promessa do fatum nas linhas da Eneida de Virgílio, poema épico composto entre os anos 29 e 19 a.C. Buscamos avaliar como as promessas de apoteose do herói e seus descendentes, Júlio César e Otávio, estão concatenadas na trama, conferindo à casa de governantes a qual se liga o Imperador Augusto, domus Iulia, ancestralidade divina e heroica. Capaz, portanto, de reforçar sua posição de prestígio social e político frente às outras famílias aristocráticas. O poeta reserva ao heroi, filho de Vênus, um tipo de elevação ad sidera, de forma a rememorar a consecratio/katasterismos de Júlio César cuja alma foi identificada ao astro – astrum/ sidus - que apareceu nos céus de Roma durante celebração dos Jogos à Vitória de César - Ludi Victoriae Caesaris (44 a.C). Otávio, por sua vez, é mencionado como um diuus em potência, com um lugar reservado no panteão romano. Mais do que uma determinação do fatum, Virgílio apresenta esta perspectiva de ascensão sideral fundamentada no mérito, representado tanto pela fama quanto pela uirtus que são construídas em vida pelo indivíduo. Concomitante à análise hermenêutica do épico, nosso esforço metodológico se desdobra em dois sentidos: primeiramente, recuamos ao passado republicano para rastrear na documentação textual e arqueológica o enraizamento de Enéias divinizado nas narrativas fundacionais e na topografia do Lácio. Ademais, a partir das fontes textuais e da evidência numismática, problematizamos a vinculação do heroi troiano à genealogia familiar dos Iulii. Em um segundo movimento, para além do período de composição da Eneida, buscamos avaliar o investimento na genealogia troiana e a reapropriação de temas épicos nos cerimoniais, monumentos e artefatos esculturais do século I d.C. Por conseguinte, nos debruçamos sobre as reapropriações do tema da divinização de Enéias pelos autores do Principado de Augusto, Tito Lívio, Dionísio de Halicarnasso e especialmente Ovídio nas Metamorfoses.

Sob a perspectiva de um reexame do momento de formação do teatro épico contemporâneo, esta dissertação consiste num estudo sobre o trabalho colaborativo de Bertolt Brecht e Kurt Weill nos anos de 1926 a 1933, com ênfase para o assim chamado teatro de atualidades elaborado pelos artistas. Tomando como linha condutora os três momentos centrais da República de Weimar (a crise de 1919-1923, a estabilização econômica e o craque de 1929) tentamos apreender como lírica, teatro e música confluíram criticamente na criação de um teatro político à altura das questões suscitadas pelo processo histórico de realinhamento capitalista sob o governo de coalizão de esquerda SPD/USPD, bem como de suas complexas implicações na cultura. Para tanto, em diálogo com a crítica literária brasileira e alemã, realizamos uma leitura da obra do jovem Brecht pautada pela questão do reaproveitamento que o dramaturgo fizera da música em seu livro de estreia como lírico, Hauspostille (1927), onde certo veio da cultura urbana anticapitalista dos cabarés da belle époque foi mobilizado, através da influência da lírica e do teatro de Frank Wedekind. Noutro nível, sob a linha condutora do projeto brechtiano de uma ópera culinária, procuramos traçar um apanhado das questões que marcaram a formação da linguagem musical de Kurt Weill, problematizando o desenvolvimento de seu trabalho coletivo com o Novembergruppe, sua abordagem da ópera moderna e da música utilitária e finalmentee seu pensamento sobre as potencialidades estético-políticas do rádio. O trabalho se conclui, enfim, pela análise de três obras da parceria Brecht/Weill: Berliner Requiem (1929), Mahagonny Songspiel (1927) e A ópera dos três vinténs (1928). / Through the perspective of a re-examination of contemporary Epic Theater, this dissertation consists of a study about the collaborative work of Bertolt Brecht and Kurt Weill from 1926 to 1933, centered upon the so called Zeittheater invented by both artists. By following the thread between the three main periods of Weimar Republic (the 1919-1923 political crisis, the stabilization period and the economical crash of 1929) our intention was to understand how Brechts previous lyric poetry, music and theatre enabled the autor to critically incorporate into his political theater matters brought up by the context of capitalistic re-alignment made by the left coalision government of SPD/USPD, as well as the impact of this complex political setting on culture. In order to do so and to maintain a dialoge with both brazillian and german literary criticism, we have sketched a reading of young Brechts work, focused on the appreciation of the influence of Frank Wedekinds lyric poetry and theater where a certain tendence of belle époque anti-capitalistic cabaret culture is registered on Brechts music, mainly through an interpretation of his first poetry book Hauspostille (1927). On another level, we have sketched the central issues that oriented the making of a new musical language by Kurt Weill, especifically the meaning of his collective work with Novembergruppe, his approach on Gebrauchsmusik and modern opera, his essays about aesthetical and political potencialities of radio and how they combined with Brechts project of culinary operas. Lastly this study is concluded by the analysis and interpretation of three different works by Brecht/Weill: Berliner Requiem (1929), Mahagonny Songspiel (1927) and The Threepenny Opera (1928).

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Berilo Luigi Deiro Nosella.pdf: 517440 bytes, checksum: d451e316214cec8d93a007e898878fb4 (MD5) Previous issue date: 2007-03-11 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This master degree main objective is the analysis and the study of the dramatical workmanship composition Six Personages in Search of an Author , witch is studied here as Seis Personagens em Busca de um Autor by Luigi Pirandello (1867-1936), staged for the first time in 1921, in Rome / Italy, reaching success in the entire world and deeply influencing the art of the teatral representation of the century XX. The objectives of the research send to analyze the modern elements gifts in the text Six Personages in Search of an Author and to the verification of the specific items on this modern pirandellian text in debate with modernity and contemporality. Basically, here, the analysis if guideline in the reflection on the existence of a tension between tradition and renewal, characteristic of the modernity in general way and specific way of the workmanship of Pirandello. It is treated, therefore, of formal examining the renewal as crisis of the tradition while factor of revelation and denudation as crisis of the modern world that is present like a mean form in the workmanship of Pirandello and in the Modern Drama . The literary analysis of the pirandellian text was based, initially, in the theoretical debate on the question of the literary sorts for the definition of the concept of Modern Drama . For this issue, this thought followed a line that begins with Hegel, goes to Georg Lukács and finishes with Peter Szondi. Advancing in this way, it was turned back to the proper theoretical texts of Pirandello, mainly O Humorismo , wrote in 1903, that involves the modernity of the drama and how it would be articulated, later, in an artistic form. A critical historical pillar helped to support the recital of this work that had as purpose understand and context this workmanship of Pirandello in its time and the present time. It was established, a parallel between two authors: the Italian, contemporary Pirandello, Antonio Gramsci and the german, Walter Benjamin. This debate in allowed in such a way to invest them in the analysis of the tension between form and content, renewing the art of drama of Pirandello culturally (as content) and the respective esthetic way (as form) / Trata, a presente dissertação, da análise e do estudo da obra dramática Seis Personagens em Busca de um Autor, de Luigi Pirandello (1867-1936), encenada pela primeira vez em 1921, em Roma, Itália, alcançando sucesso no mundo todo e influenciando profundamente a dramaturgia do século XX. Os objetivos da pesquisa remetem à analise dos elementos modernos presentes no texto Seis Personagens em Busca de um Autor e à verificação das especificidades desse moderno pirandelliano em debate com a modernidade e a contemporaneidade. Basicamente, aqui, a análise se pauta na reflexão sobre a existência de uma tensão entre tradição e renovação, característica da modernidade de modo geral e de modo específico da obra de Pirandello. Trata-se, portanto, de formalmente examinar a renovação como crise da tradição enquanto fator de revelação e desnudamento de uma crise do mundo moderno que se apresentaria como uma forma fundamental na obra de Pirandello e no Drama Moderno . A análise literária do texto pirandelliano alicerçou-se, inicialmente, no debate teórico sobre a questão dos gêneros literários para a definição do conceito de Drama Moderno . Para tanto, esse pensamento seguiu uma linha que parte de Hegel, passa por Gyorgy Lukács e se finaliza com Peter Szondi. Avançando neste caminho, voltou-se aos próprios textos teóricos de Pirandello, principalmente O Humorismo, escrito em 1903, que compreende a modernidade do drama e como se articularia, posteriormente, numa forma artística. Sustentou ainda a fundamentação deste trabalho um pilar crítico-histórico que teve como finalidade compreender e contextualizar a obra de Pirandello em seu tempo e na atualidade. Estabeleceu-se, assim, um paralelo entre dois autores: o italiano, contemporâneo a Pirandello, Antonio Gramsci e o alemão Walter Benjamin. Esse debate nos permitiu investir na análise da tensão entre forma e conteúdo, renovando a dramaturgia de Pirandello tanto culturalmente (como conteúdo) quanto esteticamente (como forma)