El propósito de este artículo es dar noticia de una nueva copia o apógrafo del poema épico-satírico Beltraneja. La peculiaridad de esta copia radica en el hecho de que forma parte de un códice del siglo XVII hecho por el pintor sevillano Francisco Pacheco. Mediante el análisis de este documento, no solo intentamos construir un panorama crítico de los estudios sobre el poema desarrollados hasta el momento, sino que proponemos una serie de reflexiones en torno del anonimato y la datación del poema a partir del contexto cultural de Pacheco. Más allá de pretender precisar cuestiones paratextuales o de interpretación ideológica, este trabajo busca realzar la trascendencia histórica y literaria de un producto representativo de la sátira hispanoamericana colonial. / The purpose of this article is to give notice of a new copy or apograph of the epic-satirical poem Beltraneja. The peculiarity of this copy lies in the fact that it is part of a seventeenth-century codex made by the Sevillian painter Francisco Pacheco. Through the analysis of this document, not only do we try to construct a critical view of the studies on the poem developed so far, but we also propose a series of reflections around the anonymity and the date of the poem starting from Pacheco’s cultural context. Beyond pretending to precise paratextual and ideological interpretation issues, this piece of work aims to enhance the historical and literary significance of a representative product of the colonial Spanish-American satire.

Lançado em 1975, Nashville é uma das últimas produções de um período da cinematografia norte-americana conhecido como Nova Hollywood ou Renascença Hollywoodiana. Tomando a capital da música country nos EUA como objeto de crítica e pano de fundo espacial da narrativa, o filme reflete sobre problemas políticos e sociais de seu tempo. A tese que orienta o presente trabalho é a de que a imagem da História evocada em sua narração só foi possível porque o diretor e seus colaboradores fizeram um esforço consciente para apropriar-se do repertório fílmico industrial de técnicas, formas e até mesmo clichês, refuncionalizando-o de modo a torná-lo adequado à expressão de sua visão crítica. O resultado é, ao mesmo tempo, um retrato dialético dos EUA no início dos anos 1970, uma prova da possibilidade da encenação épica no contexto industrial e um exemplo de resistência cultural a partir da organização produtiva dos trabalhadores do cinema. / Launched in 1975, Nashville is one of the last productions of a period in American cinema known as the New Hollywood or Hollywood Renaissance. Taking the capital of country music in the USA as the object of criticism and spatial backdrop of its narrative, the film reflects upon social and political problems of its time. The thesis that guides the present study is that the image of history evoked by its narration was possible only because the director and his collaborators made a conscious effort to apropriate the repertoire of industrial filmic techniques, forms and even clichés, refunctioning it to make it suitable to the expression of their critical point of view. The result is, all at the same time, a dialectical picture of the USA at the beginning of the 1970s, concrete evidence of the possibility of epic mise-en-scène in the industrial context and an example of cultural resistance built upon the productive organization of cinema workers.

Considerando o conceito de épico tal como o analisado por teóricos do teatro como Szondi (2001) e Rosenfeld (2006), este trabalho objetiva empreender a análise de elementos épicos presentes na estrutura de The American Clock (O Relógio Americano, 1980), do dramaturgo norte-americano Arthur Miller (1915-2005). O estudo será de como a forma teatral desta peça (com seus traços épicos) representa cenicamente a Grande Depressão econômica que assolou os Estados Unidos após a quebra da bolsa de valores em 1929 e durante toda a década de 1930. The American Clock conta com mais de 40 personagens (muitos deles também narrado-res) que comentam e ao mesmo tempo vivenciam os problemas gerados pela recessão econô-mica dos anos 1930, em que milhões de pessoas chegaram ao nível da miséria. Embora não seja uma das obras teatrais mais estudadas de Arthur Miller (tanto no contexto americano co-mo no brasileiro), a análise de The American Clock é fundamental para um maior entendimen-to da poética deste autor, tão debatida por críticos e dramaturgos brasileiros: diferentemente do que acontece em outros trabalhos teatrais de sua autoria, Miller assume abertamente, em seus ensaios, a importância do elemento épico para a construção de The American Clock, e o resultado deste uso explícito e consciente do épico por parte do dramaturgo é uma utiliza-ção mais abrangente e aprofundada de recursos épicos nesta peça, tanto dos que já eram co-muns em outras obras de Miller (personagens-narradores, por exemplo), quanto novos recur-sos como a dança e a música. Outra consequência desta consciência do épico é a apropria-ção que o autor faz de conceitos como o de mural, vaudeville e narrativa oral para a constru-ção formal da peça. Esta preocupação de Arthur Miller em considerar o épico na criação de The American Clock existe, dentre outras coisas, devido à necessidade de representar cenica-mente a Depressão econômica, uma temática de cunho social, econômico e histórico, cujas transformações sociais, políticas e culturais que ela provocou são cruciais por reverberarem em outras décadas da história dos EUA (e, consequentemente, no processo histórico de outros países como o Brasil). / Considering the concept of epic in theater theories such as Szondis (2001) and Rosenfelds (2006), this research aims at analyzing the epic elements present in the structure of The Amer-ican Clock (1980), a play by the American playwright Arthur Miller (1915-2005). The objec-tive is to study how this plays theatrical form (with its epic traces) puts on stage the Great Depression, which was responsible for devastating The United States economy after the 1929 stock market crash and during the 1930s. The American Clock contains more than 40 charac-ters (many of them are also narrators) who simultaneously discuss and experience the eco-nomic problems generated by this 1930s recession, which led millions of people to face mis-ery in this period. Although The American Clock is not one of Millers most studied theatrical works (both in Brazilian and American context), the analysis of this play is essential to a bet-ter understanding of the authors poetics, largely discussed by Brazilian critics and play-wrights: Miller overtly declares, in his essays, the importance of the epic element in The American Clocks creation, which is something singular in this playwrights career. The result of this explicit and conscious use of the epic by Miller is a deepened and broadened inser-tion of epic resources in this play, both the ones already present in other Millers works (char-acters-narrators, for example), and new ones such as dance and music. Another consequence of this epic consciousness is the authors use of concepts such as mural, vaudeville and oral narrative in order to create the form of the play. Arthur Millers concern in considering the epic in the creation of The American Clock exists, among other things, due to the necessity of putting on stage the Great Depression, a social, economic and historical subject, which brought crucial changes responsible for affecting socially, politically and culturally other dec-ades of American history (and, consequently, this 1930s economic crisis also affected the his-torical process of other countries such as Brazil).

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / In Brazil and Europe, after knowing the production of literary works, of Dionysia Gonçalves Pinto (1810-1885), better known as Nísia Floresta, which along with various books published, also wrote a epic poem indianista and indigenous, in the nineteenth century, entitled A lágrima de um Caeté (1849). We decided to produce a scientific research, professional perspective, to make better education and learning in Portuguese Language, with one literary text. So we decided to develop studies A lágrima de um Caeté of Nisia Floresta as one sensitive and possible corpus for a education or as way to mediate literary text reading times among young people 13-17 years old. Then our pedagogical action ran a critical way, we base ourselves in scientific research of Anazildo Vasconcelos da Silva and him theory known as Literary Semiotization of Discourse, later developed also by the writer Christina Ramalho, and literary historiography studies of Constance Lima Duarte. Other intellectuals like Tzvetan Todorov, Umberto Eco and Roland Barthes, added to Romero, Marisa Lajolo, Regina Zilberman and Antonio Candido, among others. Our pedagogical and literary project entitled "Poetry ilustrations 2015" to show for classroom that learn about skills and competencies for identify the "epic heroism" in epic poems. We promote a production illustrations, created from stanzas or episodes in A lágrima de um Caeté. We published and illustrated two versions of A lágrima de um Caeté: one e-book, available on our website on the Internet; otherwise it was a printed book for to restore the collections in school library. Therefore, to strengthen our teaching practices to encourage reading, we perform one ludic game: "Ask and you will know". Then, we aim to contribute to a critical review on school debates, especially of equal rights issues, related to culture and your ethnics problems in Brazil. / Após conhecermos a produção literária da escritora brasileira Dionísia Gonçalves Pinto (1810 – 1885), mais conhecida como Nísia Floresta, que, além de vários livros publicados, escreveu, também, um poema épico indianista e indigenista, em pleno século XIX, intitulado A lágrima de um Caeté (1849), sentimo-nos inclinados a produzir uma pesquisa científica, de cunho profissional, para fortalecer o ensino de Língua Portuguesa, através do texto literário. Sendo assim, resolvemos desenvolver estudos sobre “A lágrima de um Caeté, de Nísia Floresta, como um corpus sensível e possível para o 9o ano”, resultado do desejo de mediar momentos de estímulo à leitura do texto poético, no Ensino Fundamental, entre jovens de 13 a 17 anos de idade. Para que a nossa ação pedagógica funcionasse de um modo crítico, fundamentamo-nos em pesquisas de Anazildo Vasconcelos da Silva, sobre a semiotização literária do discurso, posteriormente desenvolvidas, também, por Christina Ramalho, e em estudos de historiografia literária de Adauto da Câmara e, também, de Constância Lima Duarte. Outros(as) intelectuais, como Tzvetan Todorov, Umberto Eco e Roland Barthes, somados a Sílvio Romero, Marisa Lajolo, Regina Zilberman e Antônio Cândido, entre outros(as), auxiliaram-nos nessa pesquisa. Nosso projeto pedagógico e literário, intitulado “Poesia ilustrada 2015”, proporcionou momentos de mediação, com a juventude, dotando-a de habilidades e competências linguísticas, para uma possível aprendizagem sobre “heroísmo épico”. Promovemos, assim, uma produção de ilustrações, tanto de estrofes quanto de episódios do poema, e publicamos duas versões ilustradas de A lágrima de um Caeté: uma digital, disponível em nosso site, na internet, e a outra, impressa, para compor o acervo da nossa biblioteca escolar. A fim de reforçarmos nossas práticas didáticas de estímulo à leitura, aplicamos outra atividade lúdica: “Pode perguntar”. Com isso, visamos colaborar para a criticidade dos debates escolares, principalmente no que tange a questões de igualdade de direitos e de convívio pacífico entre diversas etnias culturais.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:19:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lucia de Fatima Pelet.pdf: 1174817 bytes, checksum: e57ba463cbce74c4278b6257dbd11507 (MD5) Previous issue date: 2012-03-06 / This study proposes to analyze the epic components existing in the Romanceiro da Inconfidência, taken by the poet Cecília Meireles as reasons to relieve the Inconfidência Mineira episode, occurred in the eighteenth century. The principal objective is shown the transformation of these reasons on essentially lyrical elements, since this long poem is seen by some segments of literary criticism as an epic and separated from the intimate style caecilian. Based on Iliad, the first chapter discusses the limits of literary genres, addressing three factors: past history, the configuration of the heroic characters (especially Tiradentes) and the heterogeneity-plurality of voices. The theoretical framework has the postulates of Hegel and Staiger, Benjamin, Lukács and Bakhtin. The second chapter aims to show the cohesion between the Romanceiro da Inconfidência and the lyrical poetry caecilian generally. For it focuses on three resources: the intimacy, time and poetic images, through of theories of Collot, Saint Augustine, Paul Ricoeur, Jorge Luis Borges, Alfredo Bosi and Bachelard. / Este estudo se propõe a analisar os componentes épicos existentes no Romanceiro da Inconfidência, tomados pela poeta Cecília Meireles como motivos para reviver o episódio da Inconfidência Mineira, acontecido no século XVIII. O objetivo principal é demonstrar a transformação desses motivos em fundamentos essencialmente líricos, já que essa obra é vista por alguns segmentos da crítica literária como uma obra épica e apartada do estilo intimista ceciliano. Tendo como referência a Ilíada, de Homero, o primeiro capítulo discute sobre os limites dos gêneros literários, abordando três fatores: o passado histórico, a configuração heroica dos personagens (principalmente Tiradentes) e a pluralidade-heterogeneidade de vozes. O suporte teórico conta com os postulados de Hegel e Staiger, Benjamin, Lukács e Bakhtin. O segundo capítulo tem o intuito de mostrar a coesão lírica entre o Romanceiro da Inconfidência e a poesia ceciliana de modo geral. Para isso, enfoca três recursos: o intimismo, o tempo e as imagens poéticas, à luz das teorias de Collot, Santo Agostinho, Paul Ricoeur, Jorge Luiz Borges, Alfredo Bosi e Bachelard.

Este trabalho realiza uma analise estética da encenação Corinthians Meu amor. Segundo Brava Companhia. Uma Homenagem ao Teatro Popular União e Olho Vivo, que tem como intuito compreender as influências do grupo homenageado e das movimentações políticas ocorridas ao longo da ditadura militar no Brasil, sobretudo nos anos 1970, sobre o trabalho da Brava Companhia. A pesquisa, que tem por base a dramaturgia original de Cesar Vieira, escrita em 1966, compara a primeira ao texto cênico proposto pela Brava Companhia, em 2011. Nosso objetivo foi tecer considerações e hipóteses acerca das transformações na cena teatral militante produzida junto às \"classes populares\" e aos trabalhadores ao longo dos últimos anos. Tendo como base a análise comparativa dos dois documentos dramatúrgicos, esta pesquisa buscou interpretar tais modificações estilísticas à luz de uma prática de teatro épico, bastante presente na cena teatral paulistana. / Corinthians, My love. According to Brava Company: Theater and militancy in the periphery of the city of São Paulo performs an aesthetic analysis of the play Corinthians, Meu Amor. Segundo Brava Companhia. Uma homenagem ao Teatro Popular União e Olho Vivo (Corinthians, My love. According to Brava Company. A tribute to the group Teatro Popular União e Olho Vivo (TUOV)) which aims to understand the influences of the honored group and the political movements that took place during the military dictatorship in Brazil, especially in the 1970s, on the work of the Brava Company. The research, based on the o riginal dramaturgy written by Cesar Vieira, in 1966, compares the original text to the staging proposed by Brava in 2011. Our intention was to weave considerations and hypotheses about the transformations in the militant theatrical scene produced close to the \"popular classes\" and the worker class, over the last years. Based on the comparative analysis of the two dramaturgical documents, the research sought to interpret such stylistic changes in the practices of an epic theater based in Brecht\'s work, due to its great importance in the theatrical scene in São Paulo.

Esta tese sobre a história da dramaturgia no Brasil tomou como pressuposto a ideia de formação, inspirada na obra de Antonio Candido, Formação da Literatura Brasileira, que é caracterizada por definir, no campo das letras nacionais, a ambivalência que marca nosso processo de constituição cultural, marcado pelo empréstimo de formas artísticas importadas em desajuste com a realidade histórica local. Procuramos traçar o percurso de formação de uma dramaturgia nacional identificando os limites e avanços deste processo de aclimatação das formas e gêneros de origem europeia, escolhendo objetos de análise específicos, a saber, obras e autores considerados como \"momentos decisivos\". Partimos da hipótese de que, no âmbito teatral, os \"momentos decisivos\" desta formação são aqueles influenciados pelos conceitos europeus (formulados pelo crítico Peter Szondi) de drama burguês, drama moderno e de teatro épico, que, no entanto, ao serem incorporados pelos autores teatrais brasileiros geraram formas híbridas, \"arruinadas\" e desajustadas em relação aos modelos originais. Consideramos que tal importação, assolada por um processo histórico também ele altamente contraditório e desigual, gerou entre nós diversas manifestações teatrais fraturadas, que poderiam ser contempladas por um conceito ampliado de tragédia. Procuraremos identificar, nestes momentos decisivos, diversas manifestações de uma certa dialética trágica que, não obstante sua diversidade, poderia caracterizar esse processo de formação como capaz de gerar obras tão dilaceradas quanto o tecido social que lhes corresponde. / This thesis on the history of dramaturgy in Brazil explores the idea of formation, inspired by Antonio Candido\'s work Formação da Literatura Brasileira (Brazilian\'s Literature Formation), which is known in the national literary field for defining the ambivalence that exists in our cultural constitution process, and is characterized by the influence of imported artistic forms imbalanced with local historical realities. We seek to trace the development of a national dramaturgy, identifying the boundaries and advances in the acclimation process of European forms and genres, by selecting key analytical pieces, namely works and authors considered to be \"turning points\". We hypothesize that these decisive moments are the ones influenced by the European concepts of bourgeois drama, modern drama and epictheater formulated by the critic Peter Szondi; by incorporating such concepts, Brazilian playwrights have generated hybrid forms, \"ruined\" and misfits of the original models. This thesis considers how such importation - coupled with a highly contradictory and uneven historical background - has generated amongst us several fractured theatrical manifestations that could be categorized under a broader concept of tragedy. We will seek to identify, from these decisive moments, indications of a certain tragic dialectic and how it, not withstanding its own diversity, could characterize this formation process capable of generating new works as lacerated as the social fabric to which they correspond.

Esta pesquisa teve por objetivo verificar, nos filmes e na obra escrita de Glauber Rocha, a presença de elementos da estética de Bertolt Brecht. Foram selecionadas seqüências de O dragão da maldade contra o santo guerreiro e de Der leone have sept cabezas para análises mais detidas, passando-se em seguida a uma observação mais geral dos procedimentos e conceitos brechtianos na obra de Glauber Rocha. A análise dos filmes levou ao encontro da história do Brasil, da América Latina em sua relação com a África, da guerrilha, do pensamento político e da figura mítica de Che Guevara. A observação de recursos do teatro épico em uma obra cinematográfica gerou a apreciação das especificidades do cinema na busca por uma participação reflexiva e crítica do espectador, e o aprofundamento na compreensão da relação entre cinema e teatro. / This research is an attempt at finding, in the films and written work of Glauber Rocha, elements of Bertolt Brecht`s aesthetics. Scenes from O dragão da maldade contra o santo guerreiro and Der leone have sept cabezas were selected for deeper analysis, then moving on to a broader observation of brechtian concepts and procedures in Glauber Rocha`s work. The film analyses have led to the study of Brazillian history, Latin American history and their ties with Africa, with gerrilla warfare tactics and the mythical character of Che Guevara, whose political thoughts are also looked into in this study. By observing epic theatre techniques at work in a film, we could better appreciate cinema`s specific traits employed in its search for the reflexive and critical participation of its viewer, leading to a deeper understanding of the relationship between cinema and theatre.

Submitted by Edineia Teixeira (edineia.teixeira@unioeste.br) on 2018-11-08T13:48:45Z No. of bitstreams: 2 Sandra_Silva_2018.pdf: 1053978 bytes, checksum: 44a284d8cb94dba426f9246bfe53216d (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-11-08T13:48:45Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Sandra_Silva_2018.pdf: 1053978 bytes, checksum: 44a284d8cb94dba426f9246bfe53216d (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-08-09 / This dissertation contemplates a comparative study between the dramaturgical text The Threepenny Opera (1928) and The Threepenny Novel (1934), by Bertolt Brecht, in which focuses the comprehension of the esthetic elements developed by Brecht in the epic theater: distancing effect and social gestus. The research presents reflections on the development and self-appropriation of the conceptual formulations proposed by Brecht in different textual genres, but which maintains narrativity, since epic theater is essentially narrative. Understanding the formal differences among literary genres, temporalities and historical contexts, we tried to verify how Brecht transmigrates elements of his dialectical epic theater to the romanesque narrative and how these elements contribute to read the social relations and their historical and idiosyncratic temporalities. The research also presents a study on Brazilian theater groups and collectives that re-elaborate Brechtian aesthetics in their plays in contemporary times. So, the present dissertation is articulated from three parts, named as acts. Act One has a reflection on the theory of the Brechtian dialectic theater, especially on the distancing effect and the social gestus, and based on these reflections, it is analyzed how these elements of the Brechtian theater are presented in the play The Threepenny Opera. Act Two presents a comparative analysis between the play and the novel, showing how the epic theater elements are presented in The Threepenny Novel. In Act Three we reflected on the scope of the Brechtian aesthetics in the Brazilian Collectives of Theater Companhia do Latão, Companhia do Feijão and Coletivo de Teatro Alfenim, and how these groups reimport the Brecht’s aesthetic. / Esta dissertação contempla um estudo comparado entre o texto dramatúrgico A Ópera dos Três Vinténs (1928) e o Romance dos Três Vinténs (1934), de Bertolt Brecht, no qual se foca a compreensão dos elementos estéticos desenvolvidos por Brecht no teatro épico: efeito de distanciamento e gestus social. A pesquisa apresenta reflexões sobre o desenvolvimento e as autoapropriações das formulações conceituais propostas por Brecht em gêneros textuais diferentes, mas que mantêm entre si a narratividade, uma vez que o teatro épico é essencialmente narrativo. Compreendendo-se as diferenças formais entre gêneros literários, temporalidades e contextos históricos, procurou-se verificar de que modo Brecht faz transmigrar elementos do seu teatro épico dialético para a narrativa romanesca e como tais elementos contribuem para para que se leia deles as relações sociais e suas temporalidades históricas e idiossincrasias. A pesquisa apresenta também um estudo sobre grupos e Coletivos de Teatro Brasileiros que reelaboram a estética brechtiana em suas peças na contemporaneidade. Desse modo, a presente dissertação está articulada a partir de três partes, intituladas como atos. O Ato I volta-se para a reflexão sobre a teoria do teatro dialético brechtiano, em especial sobre o efeito de distanciamento e o gestus social. Com base nestas reflexões, analisa-se como esses elementos do teatro brechtiano se apresentam na peça teatral Ópera dos Três Vinténs. O Ato II apresenta uma análise comparativa entre a peça e o romance, mostrando como tais elementos do teatro épico se fazem presentes no Romance dos Três Vinténs. No Ato III, refletimos sobre o alcance da estética brechtiana nos Coletivos de teatro Companhia do Latão, Companhia do Feijão, Coletivo de Teatro Alfenim, e como esses grupos ressignificam a estética brechtiana.

Submitted by Oliveira Gabrig (igoliveira@id.uff.br) on 2017-06-08T18:58:09Z No. of bitstreams: 1 1 DISSERTAÇÃO DE MESTRADO ARIANA DOS ANJOS 2017.pdf: 770855 bytes, checksum: e23fdc9ffda006b887855197121f664e (MD5) / Approved for entry into archive by Josimara Dias Brumatti (bcgdigital@ndc.uff.br) on 2017-06-26T17:45:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 1 DISSERTAÇÃO DE MESTRADO ARIANA DOS ANJOS 2017.pdf: 770855 bytes, checksum: e23fdc9ffda006b887855197121f664e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-26T17:45:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 1 DISSERTAÇÃO DE MESTRADO ARIANA DOS ANJOS 2017.pdf: 770855 bytes, checksum: e23fdc9ffda006b887855197121f664e (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / As pesquisas realizadas nesta Dissertação de Mestrado destinam-se ao estudo de paradigmas culturais e práticas sociais representadas no imaginário medieval, contexto histórico-cultural em que se inserem as obras La Chanson de Roland e Tristan et Iseut selecionadas para análise literária. Longo poema épico narrativo no qual são celebrados feitos de heróis do passado, a gesta La Chanson de Roland é uma representação literária da época medieval, da qual o mais antigo texto preservado, o manuscrito de Oxford, com 4002 versos, data de 1100. Várias versões de La Chanson de Roland, de autoria quase sempre desconhecida, foram compiladas por Charles Marie Joseph Bédier em fins do século XIX. O heroísmo rude, o patriotismo exacerbado, a glória pessoal e a questão religiosa são algumas características da narrativa épica que definem o ideal cavaleiresco inscritas no paradigma histórico-cultural do período medieval, no qual o registro do amor cortês é relegado a um segundo plano ou praticamente inexistente. Na trama narrativa do romance Tristan et Iseut revela-se uma ruptura com a sociedade e a história e se inscreve um novo tipo de trocas sociais fora do jogo das sucessões socialmente reguladas. Nesse âmbito, torna-se visível uma nova representação de relações de parentesco e construção de alianças sociais, reinventando-se a relação entre masculino e feminino a ser territorializada apenas na morte, ou seja, em uma eternidade sem história. Nesse quadro destacam-se representações de ethoï culturais privilegiados, tal como a ética cortês, na qual se insere uma concepção aristocrática do amor dirigido a um público culto, particularmente às damas das cortes ducais e principescas dos séculos XII e XIII, localizadas nas regiões onde hoje se situa a França Meridional / l’imaginaire médiéval, contexte historico-culturel dans lequel sont insérées les oeuvres La Chanson de Roland et Tristan et Iseut sélectionnées pour l’analyse littéraire. Long poème épique narratif, dans lequel sont célébrés les faits des héros du passé, la geste La Chanson de Roland est une représentation littéraire de l’époque médiévale, dont le plus ancien texte préservé, le manuscrit d’Oxford, composé par 4002 vers, est daté de 1100. Plusieurs versions de La Chanson de Roland, dont les auteurs sont presque toujours inconnus, ont été compilées par Charles Marie Joseph Bédier, à la fin du XIXe siècle. L’héroïsme grossier, le patriotisme exacerbé, la gloire personnelle et la question religieuse sont quelques caractéristiques de la narrative épique qui définissent l’idéal chevaleresque inscrites dans le paradigme historico-culturel de l’époque médiévale au cours de laquelle l’état de l’amour courtois est relégué à un second plan ou est pratiquement absent. Dans la trame narrative du roman Tristan et Iseut se révèle une rupture avec la société et l’histoire et s’inscrit un nouveau type d’échanges sociaux, hors du jeu des successions socialement réglées. Dans ce contexte, une nouvelle représentation de relations de parenté et de construction d’alliances prend forme, de plus il se réinvente la relation entre masculin et féminin pour être territorialisée seul dans la mort, autrement dit, dans une éternité sans histoire. Dans ce cadre, nous analysons des représentations d’ethoï culturels privilégiés, telle l’éthique courtoise, où s’est insérée une conception aristocratique de l’amour dirigée à un public cultivé, particulièrement aux dames des cours ducales et princières des XIIe et XIIIe siècles, localisées aux régions où se situe aujourd’hui la France Méridional.