Ce mémoire explore comment la médiation de la musique et les nouvelles modalités du concert s’intègrent dans la carrière des chanteurs lyriques québécois. Le corpus de la recherche est composé d’une analyse documentaire des activités de médiation dans les institutions lyriques nord-américaines et de la formation des chanteurs, ainsi que d’une enquête qualitative auprès de 12 chanteurs québécois. Cette étude dresse un portrait des activités de médiation afin d’en faire ressortir l’apport des chanteurs par les fonctions qu’ils occupent au sein de la médiation de l’art lyrique. Même si tous les chanteurs rencontrés ont fait des activités de médiation dans leur carrière, il y a de nombreux facteurs qui agissent sur la poursuite des activités de médiation. Il y a des contraintes sociales qui sont liées à la notoriété des chanteurs influencé par la valeur symbolique plus faible du point de vue réputationnel des activités de médiation comparée à la prestation comme soliste. Mais aussi des contraintes économiques qui obligent les chanteurs à avoir plusieurs activités pour vivre de leur art. Il se dégage de cette étude que la médiation de la musique est un outil supplémentaire aux chanteurs, car ils deviennent polyvalents s’ils font de la médiation au côté d’un concert. Elle peut être aussi un moyen de diversifier leurs activités pour les chanteurs qui décident de créer des ateliers et des concerts dans de nouvelles modalités. Par contre, la médiation peut devenir une obligation dans la carrière des chanteurs, et ce malgré qu’ils n’y soient pas formés pendant leurs études. / This master thesis proposes to explore how the music mediation and the new modalities of the concert fit into the careers of lyric singers in Quebec. The corpus of my research is made up of a documentary analysis of mediation activities in North American lyrical institutions and the analysis of the singer’s training, as well as a qualitative survey of 12 Quebec singers. This study draws up a portrait of the mediation activities and the new modalities of the concert which are used to make opera accessible, then to highlight the contribution of the singers by the functions they occupy within the mediation of lyrical art. Even though all the singers we met have done mediation activities in their career, there are many factors that influence the continuation of mediation activities. There are social constraints which are linked to the notoriety of the singers influenced by the lower reputational value of the mediation activities compared to the performance as a soloist. But also economic constraints, which oblige the singers to have several activities to make a living from their art. It emerges from this study that music mediation is an additional tool for singers, as they become versatile if they mediate alongside a concert. It can also be a way to diversify their activities if the singers decide to create mediation workshops and concerts that are presented in new modalities. On the other hand, mediation can become an obligation in the career of singers, despite the fact that they were not trained for it during their studies.

Nous allons étudier la manière dont une communauté utilise les spécificités de sa culture et les restes de ses anciennes croyances pour permettre une meilleure adaptation des individus qui la compose à des situations et des contexte variés. Dans cette étude, nous nous sommes penchés sur la diaspora des Philippines de la ville de Montréal et sur le processus migratoire qui les a conduits dans cette métropole. Pour ce faire, nous allons prendre comme exemple le rituel de la Pabasa, mis en place par les Espagnols lors de la colonisation des îles de l’archipel des Philippines, lequel est encore aujourd’hui pratiqué à Montréal et tenter d’analyser comment ce rituel construit une nouvelle tradition ancrée dans la communauté. Nous allons nous interroger sur la façon dont cette pratique contribue au vivre ensemble. Notre mémoire comprendra plusieurs parties consacrées respectivement à : une série de repères sur la Pasyon et la Pabasa, la description de la collecte de nos données, une formulation de nos hypothèses issues de cette collecte sur le terrain, et un exposé de notre cadre théorique. Suivront ensuite dans l’ordre : le premier chapitre, présentant l’histoire de l’archipel et de sa communauté ainsi que le phénomène migratoire de celle-ci. Le second chapitre porte sur notre enquête de terrain et de la Pabasa. Le troisième et dernier chapitre, dans lequel nous confrontons notre cadre théorique à l’analyse des données issues de ce terrain. / Music, adaptation capacity, living together capacity. We hereby observe and analyze how a community may use its own traditions, its archaic beliefs, to engage a process which optimize the individual and general adaptability to present contexts, i.e. the immigration in Montréal. How the Pabasa, a ritual that was created by the Spanish during the colonization of the archipelago was, and still is today in Montréal, the way throughout the tradition transforms itself? And, how does this process contribute to or even achieves a living together ? Our dissertation will include several parts devoted respectively to: a series of benchmarks on the Pasyon and the Pabasa, the description of the collect of our data, a formulation of our hypotheses resulting from this collection in the field, and a presentation of our theoretical framework. Then will follow: the first chapter, presenting the history of the archipelago and its community and the migratory phenomenon of it. The second chapter is about the field and the Pabasa. Inside of the third and last chapter, we confront our theoretical framework to the analysis of data from this field.

Cette thèse présente le fruit de cinq années d’études et de travail au doctorat à l’Université de Montréal. Elle est le support théorique derrière un cycle de onze compositions instrumentales narratives et autonomes, suivant la définition du cycle donnée par la chercheure Anne Besson dans son livre D’Asimov à Tolkien : cycles et séries dans la littérature de genre 1 . L’objectif a été de créer des compositions constituant un univers fictif cohérent et uni, qui se penche sur le concept de la chronologie narrative dans la musique. Les œuvres ont été composées dans un ordre différent de celui dans lequel les événements du récit se déroulent. Cela permet d’explorer la notion d’antépisode (prequel) et de suite (sequel) en musique. Composées tout d’abord pour le concert, ces pièces, écrites pour des formations allant de la musique de chambre jusqu’au grand orchestre, ont été adaptées afin d’être enregistrées et travaillées en studio, ce qui permet d’ajouter une nouvelle couche de procédés compositionnels. Présentant plusieurs concepts théoriques tels que la narrativité (générale et propre à la musique), la notion de cycle dans un ensemble d’œuvres ainsi que la définition d’un univers fictif, cette thèse analysera ces onze œuvres et apportera des pistes de solution afin d’adapter ces procédés fréquemment utilisés en littérature et à l’écran à la musique. / This thesis is the outcome of five years of doctoral studies at the University of Montreal. It presents the theory behind a cycle of eleven autonomous narrative instrumental pieces, following the definition of cycle as defined by researcher Anne Besson in her book “D’Asimov à Tolkien : cycles et séries dans la littérature de genre.” The goal was to create a coherent and unified fictional universe that explores the concept of narrative chronology in music. The pieces were composed in a different order than the one in which the events of the story occur. It allows us to explore the idea of prequel and sequel in music. Originally composed for the concert hall, for ensembles ranging from chamber music to symphonic orchestras, they were afterwards adapted to be recorded and edited in a studio, allowing the composer to explore an array of new compositional techniques. Presenting many theoretical concepts such as narrativity (in general and pertaining specifically to music), the cyclic concept in a body of works and also the definition of a fictional universe, this thesis will analyze these eleven works while suggesting possible solutions for bringing processes that occur frequently in literature and film to the world of music.

Cette thèse porte un regard sur les musiques improvisées et leur rapport à la scène à travers mon expérience et celle de treize personnalités du milieu des arts avec qui j’ai eu des entretiens privilégiés. L’essence de cette démarche est d’observer comment les créateurs utilisent l’improvisation en situation de concert ou simplement comme méthode de recherche grâce aux outils numériques ou analogiques. Ce panorama me permet de mettre en perspective mon travail de composition et de recherche à une époque où, comme créateur, j’ai bifurqué vers les musiques numériques après de longues années d’écriture et de performance scénique dans le milieu du jazz et des musiques d’improvisation. Au passage se problématise la causalité du geste lors de la performance avec des outils numériques. La thèse retrace tout d’abord un parcours sommaire de la musique improvisée – plus particulièrement celle que l’on appelle la musique actuelle au Québec ou encore lafree improvisation. À travers ce survol seront soulevées quelques questions de nomenclature et d’esthétique afin de mieux cerner les enjeux propres à cette pratique. La réflexion se poursuit avec des entretiens à travers lesquels j’explore la comprovisation, le DJing, les instruments de musique numérique, la danse et la composition. La réflexion culmine autour de cinq de mes œuvres écrites en collaboration avec les milieux de la musique improvisée et de la danse. / This thesis looks at improvised music and its relationship to the stage through my experience and that of thirteen personalities from the arts world with whom I have had privileged interviews. The essence of this approach is to observe how creators use improvisation in concert situations or simply as a research method using digital or analog tools. This panorama allows me to put my composition and research work in perspective at a time when, as a creator, I have turned towards digital music after many years of writing and stage performance in the field of jazz and improvisational music. In passing, the causality of the gesture during performance with digital tools is problematic. The thesis first retraces a brief journey through improvised music - more particularly what is called musique actuelle or free improvisation. Through this overview, a few questions of nomenclature and aesthetics will be raised in order to better understand the issues specific to this music. The reflection continues with interviews through which I explore comprovisation, DJing, digital musical instruments, dance and composition. The reflection culminates around five of my works written in collaboration with the improvised music and dance communities.

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Cette version de la thèse a été tronquée des éléments de composition originale. Une version plus complète est disponible en ligne pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal et peut aussi être consultée dans une des bibliothèques UdeM. / La vidéomusique présente un riche terrain d'expérimentations pour le compositeur. Elle prend la forme d'un réseau où coexistent la musique, les images en mouvement et un langage qui épouse un propos plus poétique que prosaïque. La vidéomusique porte un nouveau regard sur les relations entre le son et l'image et, forte de cette analyse, jette les bases d'une nouvelle expression esthétique. Le présent ouvrage propose une typologie des relations son/image et présente la démarche créative de l'autrice par l'étude de trois vidéomusiques dans le contexte de leur création. Au fil des analyses, notre attention se portera sur trois axes : 1) la typologie des relations son/image comme outil servant à la fois à l'analyse et à la composition; 2) le travail simultané du son et de l'image; 3) la création d'une expérience esthétique sensible et émotive, basée sur le mouvement de matériaux captés dans l'environnement naturel. / Videomusic presents a rich field of experimentation to the composer. It takes the form of a network where music, moving images and a language closer to poetry than prose coexist. It explores the ways in which sound and image can be related and what kind of expression these relationships allow. This work proposes a typology of sound/image relations and presents the author's creative process through the study of three videomusic works and the context in which they were created. In the course of the analyses, our attention will focus on three axes: 1) the typology of sound/image relations as a tool for both analysis and composition; 2) the simultaneous work on sound and image; 3) the creation of an aesthetic experience that evokes emotions and meaning by drawing on the movement of materials captured in the natural environment.