This thesis compares two novels each by Nigerian writer Ben Okri and Moroccan writer Tahar Ben Jelloun. By examining apparently transformative moments in the lives of each protagonist, Azaro and Zahra, its principal aim is to show how liminality characterises their identities, and is a source of personal and potentially political liberation, mirrored in the narrative techniques. The Introduction demonstrates the centrality of identity to these novels and the domain of postcolonial studies and defines the key concepts in relevant literary, theoretical and political contexts: identity, hybridity, liminality, magical realism and the postcolonial/postmodern debate. Chapter I establishes Azaro and Zahra as liminal beings from birth, whose childhood rituals are incomplete and who continually subvert parental and social expectation. This examination of liminality may be extended by reading the characters as emblems of their respective nations-in-waiting. Chapter II focuses on the tension between biology and culture within Zahra's gendered identity and demonstrates empowerment in her choice to remain liminal in a 'potential space'. Azaro's shifting sexual awareness is examined as a manifestation of his liminality. The allegorical reading of Zahra's life is continued, and a connection made between sexual and political corruption in the English texts. Chapter III centres on the fluidity of Azaro's boundaries and perception. Like Zahra's, his liminality is chosen, as he decides to live in a potential space between human and spirit. Zahra, too, has a special relationship with the spirit world; she and Azaro are shown to have revelatory visions of political significance. The Conclusion brings together the analysis of Azaro's and Zahra's identities before extending the liminal states of the protagonists to those of reader and artist. It concludes that these texts offer new opportunities for the understanding of postcolonial texts and moving beyond the duality of the postcolonial/postmodern debate.

Notre étude se propose d’analyser les enjeux et les formes de la représentation d’une figure d’auteur dans la fiction narrative comique du XVIe au XVIIIe siècle en Europe. Cette figure, extérieure à la diégèse ou appartenant au personnel narratif, exhibe un discours d’auteur, mime un dialogue avec le lecteur, instaurant une communication narrative fictive avec le lecteur. Cette communication apparaît paradoxale, elle représente une parole orale, problématique dans un texte écrit, et la présence réelle de l’auteur est insituable dans le texte, la figure auctoriale appartenant déjà à l’univers fictionnel. Le dialogue avec le lecteur repose sur une fiction de présence et sur un dispositif rhétorique séducteur dont les enjeux sont pragmatiques. Le récit est donné comme porteur d’enseignements. Il thématise une formation du héros souvent sujette à caution, dont le lecteur doit démêler les enjeux. La structure comique du récit et de l’énonciation contribue à une mystification du lecteur, appelé à interpréter un texte ludique, à la fois comique et sérieux, qui refuse de livrer son sens de façon univoque. Du XVIe au XVIIIe siècle se mettent en place, en relation avec leur contexte d’écriture, les formes d’un genre sério-comique, qui repose sur la parodie et le détournement des codes et des formes de la littérature contemporaine, sur l’instauration d’une attitude intellectuelle ironique et critique et d’une communication fictive avec le lecteur. Nous analyserons les formes de l’ambiguïté énonciative et narrative chez Rabelais, chez l’auteur anonyme du Lazarillo, chez Mateo Alemán, Cervantès, Charles Sorel, Grimmelshausen, Marivaux et Henry Fielding. / Our study intends to analyse the stakes and forms of a figure of author’s representation in the comical narrative fiction in Europe from 16th to 18th century. Such figure, either external to the diegesis or belonging to the narrative characters, produces the speech of an author, mimes a dialogue and by doing so, establishes an imaginary narrative communication with the reader. This kind of communication seems paradoxical. It represents oral speech, which is problematic in a written text; the actual presence of the author cannot be placed within the text whereas the auctorial figure already belongs to the fictional world. The dialogue with the author is set on an imaginary presence and on a seducing rhetorical device with pragmatic stakes. Lessons are expected to be drawn from this narrative. It topicalizes the forming of the hero, which is often questionable, and it is up to the reader to untangle the stakes. The comical structure of the narrative and of the enunciation contributes toward a deception of the reader who is expected to give an interpretation of an entertaining text which is both comical and serious, and which refuses to deliver its meaning in a univocal way. From 16th to 18th century forms of a serio-comic gender are established within their writing context. They rely on parody and diversion of the forms and codes of contemporary literature, on the introduction of an ironic and critical intellectual attitude as well as an imaginary interaction with the reader. We will analyse the different forms of enunciative and narrative ambiguity in Rabelais, in the anonymous author of Lazarillo to Mateo Alemán, Cervantès, Charles Sorel, Grimmelshausen, Marivaux to Henry Fielding.

La thèse étudie les caractéristiques linguistiques, philosophiques et esthétiques du langage littéraire du fou à l'époque romantique. Elle porte sur Les Élixirs du Diable (Hoffmann, 1815), La Fée aux Miettes (Nodier, 1832), le Journal d'un fou (Gogol, 1835), La Sylphide (Odoïevski, 1837) et Aurélia (Nerval, 1855). D'autres récits sont convoqués plus ponctuellement, comme Les Veilles (Bonaventura, 1804) ou Louis Lambert (Balzac, 1832). Le fou est un être problématique : il est à la fois inférieur à l'homme sain et habité par une inspiration divine. Ce paradoxe trouve une actualité nouvelle dans la première moitié du XIXe siècle. D'une part, le développement de l'aliénisme tend à définir médicalement les pathologies mentales. D'autre part, la naissance de la littérature fantastique promeut la figure de l'artiste fou. Le fou, lorsqu'il prend la parole, interroge l'écriture autobiographique et redéfinit le moi, l'espace et le temps. Son discours présente des enjeux pragmatiques : le fou cherche à démontrer qu'il n'est pas fou, face à une société qui le condamne. Il cherche également à transmettre une vérité. Sa langue sert alors à décrire les forces mythiques qui traversent le monde et, peut-être, à le recréer. La notion de création est essentielle. L'âge romantique modifie la définition de la littérature, qui perd sa fonction représentative au profit d'une fonction purement langagière. Le discours du fou participe à la fondation de cette nouvelle esthétique : il l'instaure dans un geste critique qui interroge sa légitimité. Impossible et impensable, il incarne la « parole muette » (J. Rancière) que devient la littérature moderne. / The thesis studies the linguistics, philosophy and aesthetics of literary language of the madman in the Romantic era. It focuses on The Devil's Elixirs (Hoffmann, 1815), The Crumb Fairy (Nodier, 1832), The Diary of a Madman (Gogol, 1835), The Sylph (Odoevsky, 1837) and Aurelia (Nerval, 1855). Other narratives are more promptly summoned, as The Night Watches (Bonaventura, 1804) or Louis Lambert (Balzac, 1832). The madman is a problematic being: he is both unhealthy and inhabited by a divine inspiration. This paradox finds a new relevance in the first half of the nineteenth century. On the one hand, the development of Alienism tends to define mental pathologies from a medical point of view. On the other hand, the birth of the Fantastic promotes the figure of the mad artist. The Madman, when he speaks, questions autobiographical writing and redefines the Self, Space and Time. His speech has pragmatic issues: the madman seeks to demonstrate that he is not mad, in a society which condemns him. He also endeavours to convey a truth. His language is then used to describe the mythical forces that travel the world and, perhaps, to recreate it. The notion of creation is essential. The Romantic era modifies the definition of literature, which loses its representative function in favour of a purely linguistic function. The speech of the madman takes part in the founding of new aesthetics: it creates it in a critical gesture that questions its legitimacy. Impossible and unthinkable, it embodies the "silent speech" (J. Rancière) that becomes modern literature.

C’est un fait, les théologiens français font le plus souvent abstraction dans leurs travaux, des oeuvres littéraires. La situation est particulièrement préoccupante pour les écrivains contemporains agnostiques, témoins de notre temps, qui interrogent radicalement, au nom de la complexité, nos catégories habituelles d’analyse. Les romans de Claude Simon se prêtent-ils à une réception théologique ? On pourrait a priori en douter, mais doit-on s’interdire d’interroger une oeuvre novatrice, distinguée par un prix Nobel pour sa force d’interpellation ? Nous assumons ce risque, conscient des difficultés théologiques qu’il faudra expliciter. Dans une première partie (« parcours exploratoires ») l’introduction à la lecture passe par un inventaire du contexte culturel et des expériences artistiques vécues par l’écrivain. Nous engageons cette recherche à partir de trois romans qui peuvent jalonner son parcours évolutif : Le palace (1962), pour la « période baroque », Les corps conducteurs (1971), pour la période dite « formaliste », Le jardin des plantes (1997), pour la période « post-moderne ». La deuxième partie (« vers une ouverture éthique et théologique ») construit progressivement la lecture d’un roman métisse à l’imaginaire grotesque qui comporte une dimension satirique, sensible, mystique sans mystère. La troisième partie (« du non sens proclamé du monde à l’insensé de Dieu ») s’intéresse aux articulations et limites du grotesque dans le « théodrame » du Crucifié-Ressuscité, face aux interrogations sans réponse des victimes de l’histoire et à l’angoissante question de la « déréliction » de l’homme. / Claude Simon in theology ? It is a fact. French theologians, more often than not, do not take literary works into account in their own studies. This is especially worrying for contemporary, agnostic and innovatory writers, critical observers of the age in which we live, vho, in the name of complexity, radically call into question our usual categories of analysis. Do Claude Simon’s novels lend themselves to consideration in a theological context ? A priori it is doubtful, but should such an innovatory work, rewarded by a Nobel prize for its strength of interrogation, NOT be subject to close scrutiny ? We accept this risk, being at the same time conscious of the theological difficulties which need to be clarified. In a first part (« the exploratory route ») the reader is introduced to the suject via an inventory of the cultural context and of the artistic experiences lived through by the writer. We embark on this research with three novels which can be considered to mark out his evolutionary journey : Le palace (1962), covering his « baroque period », Les corps conducteurs (1971) for his so-called « formalist period », Le jardin des Plantes for his « postmodern « period. The second part (« towards an ethical and theological development » ) progressively moves the reader towards a hybrid / mongrel novel, grotesquely make-believe, within which can be discerned a satirical, sensitive and mystical but not mysterious dimension. The third part (‘from the meaningless to the dementia of God ») examines the links and limits of the grotesque within the « theodrama » of the Risen-Crucified, set against the unanswered questioning by history’s victims and against the harrowing question of the « dereliction » of man.

Ce travail présente la première traduction française, assortie de notes et précédée d’une introduction détaillée, d’un roman à clef néo-latin intitulé Peruviana (1644), qui transpose au Pérou les intrigues politiques et sentimentales du Royaume de France au temps de Louis XIII. Son auteur, Claude-Barthélemy Morisot (12 avril 1592 - 22 octobre 1661), était un parlementaire dijonnais appartenant à un cercle de “libertins érudits” de la République des Lettres de la première moitié du XVIIème siècle, auteur d’ouvrages savants et de cet unique roman.L’étude en trois parties servant d’introduction offre d’abord une contextualisation de cette fiction romanesque et de son auteur, livrant les premières clefs nécessaires à la lecture ; puis une analyse narratologique aborde les enjeux littéraires et l’exploitation des sources, notamment antiques : la confrontation des référents et de la structuration de l’intrigue met en évidence la double portée, stéganographique et politique, de ce roman, que la fin de l’étude tentera d’élucider. Il apparaîtra alors que l’auteur, par le jeu de l’analogie et de la métaphore que permet le principe du roman à clef, a envisagé son œuvre comme une utopie où les mécanismes historiques, entrant en concordance avec ceux du Cosmos, pourraient être appréhendés et harmonisés par l’application d’un art bienveillant, prenant en compte tous les aspects et tous les états de la matière sociale afin de guider celle-ci vers un accomplissement proche de l’idéal. Cette lecture alchimique révèle que tout le roman est une métaphore de l’Œuvre, dont l’artisan serait le Poète, mettant au service de l’humanité à venir ce fruit de sa sagesse. / This dissertation is the first translation of a Neo-Latin roman à clef entitled Peruviana (1644) which transposes to Peru the political and sentimental intrigues that took place in France under Louis XIII. This edition is accompanied with notes and preceded by a detailed introduction. The author of Peruviana, Claude-Barthélemy Morisot (April 12, 1592 – October 22, 1661), was a native of Dijon and belonged to a group of libertine scholars from the Republic of Letters during the first half of the 17th century. He is the author of several scholarly works, but Peruviana is his only novel.The first part of the introduction provides contextual elements about the narrative and its author, while also giving some of the keys to read the novel. The second part consists of a narratological analysis which deals with its literary issues and the use of sources – especially classical literature ; the confrontation between the referents and the structure of the plot highlights the steganographic and political dimension of this novel, a point on which third part of this study sheds light.It then becomes clear that thanks to the use of analogy and metaphor – which are characteristic devices of romans à clefs – the author conceived his work as a utopia in which the historical mechanisms reflecting those of the Cosmos might be apprehended and harmonized through a benevolent art that would take into account all the aspects and states of the social Materia(l) in order to lead it to an (almost) ideal fulfilment. This alchemical reading reveals that the entire novel is a metaphor of the Magnum Opus, whose architect would be the Poet offering the product of his wisdom to the future of mankind.

A la recherche du paysage silencieux ou du silence du paysage, cette thèse explore un large corpus ouvert de romans réalistes publiés en France, en Angleterre et dans les pays germanophones durant les années 1850-1900. Le parcours de lecture comparatiste représente un voyage littéraire en quête d'un type de paysage particulier, non pas paysage à connotation géographique, mais paysage perçu comme un espace imaginaire et sensible. Face au topos romantique que constitue le paysage silencieux, le silence «réaliste» apparait souvent comme une tentative de musellement des voix romantiques tout en démontrant que le réalisme réinvente les rapports entre l'être humain et le monde naturel, entre le sujet et l'objet de la perception. Contrecarrant l'hégémonie du visuel et du verbal, unissant des données objectives et humanistes, instaurant une relation entre le paysage et le lecteur, le silence dans le roman permet de découvrir des espaces inexplorés et garantit l'expérience d'une lecture nouvelle, à l'écoute des mondes naturel et textuel. / In search of silent landscapes or of the silence of the landscape, this thesis explores a wide open corpus of realistic novels published in France, in England and in the German-speaking countries between 1850-1900. This comparative reading represents a literary journey looking for a particular type of landscape, not with geographical connotation, but perceived as an imaginary and sensitive space. Against the romantic commonplace of silent landscape, "realistic" silence often appears as an attempt Io muzzle the romantic voices, while demonstrating that realism reinvents the relationship between the human being and the natural world, between the subject and the object of perception. Abrogating the hegemony of the visual and the verbal, uniting objective and humanist observation, establishing a relation between the landscape and the reader, silence allows Io discover unexplored spaces and guarantees the experience of a new reading, as the attempt to listen to the natural and textual worlds.

Cette étude se penche sur les œuvres de Russell Banks, Raymond Carver et Richard Ford, qui ont débuté leur carrière dans les années 1960-1970. À une époque où les milieux académiques s’intéressent davantage à l’autoréflexivité et aux jeux métafictionnels des écrivains postmodernes, les trois auteurs revendiquent, quant à eux, leur appartenance à la tradition réaliste. Dans « Quelques mots sur le minimalisme », John Barth suggère que le retour du réalisme social à partir des années 1970 peut être vu à la fois comme une réaction à la fiction dite « postmoderne » et comme un symptôme du malaise social et économique de l’époque. En effet, Cathedral, Continental Drift et The Sportswriter décrivent, dans un souci de vraisemblance et d’exactitude, la vie quotidienne d’Américains ordinaires malmenés par la politique de Reagan. Cette étude montre que les trois auteurs s’inscrivent dans la tradition du réalisme social, mais qu’ils sont influencés par le contexte postmoderne dans lequel ils écrivent et tiennent compte des problèmes de représentation typiques de cette période. Leurs œuvres sont donc marquées par une tension entre le respect des conventions littéraires propres à la tradition réaliste et la mise en évidence de l’artificialité de l’illusion mimétique, à une époque où la réalité elle-même est vue comme une construction linguistique. / His study focuses on the works of Russell Banks, Raymond Carver and Richard Ford. They started writing during the 1960s and 1970s, at a time when the self-reflexivity and metafictional play of postmodernist writers were drawing a lot of critical attention in academic circles. However, they consider themselves to be realist writers. In “A Few Words about Minimalism,” John Barth suggested that the return to realist fiction in the mid-1970s could be both a reaction against so-called “postmodernist” fiction and a symptom of the social and economic unease of the period. Indeed, Cathedral, Continental Drift and The Sportswriter describe in accurate detail the everyday lives of ordinary American men and women during Reagan’s presidency. This study demonstrates that these authors are part of the American realist tradition, but that their strand of social realism also takes into account the postmodern context in which they write, by dealing with problems of representation that are typical of the period. Their works both use and challenge the literary conventions associated with the realist tradition, by underlining the artificiality of mimetic illusion at a time when reality itself is seen as a linguistic construct.

Le nombre d’études consacrées au problème de l’espace, y compris dans la littérature, est en nette progression depuis plusieurs décennies et surtout ces dernières années. Certains parlent d’un « tournant spatial » de l’ensemble des disciplines humanistes. Malgré cet intérêt accru, l’équivocité traditionnellement attachée à la notion d’espace demeure. Si le langage courant réserve le terme aux faits géographiques, urbains ou encore astronomiques, on a souvent mis en évidence le fait qu’il désigne à la fois un « contenu » et une « forme » (E. Husserl), une réalité en même temps « obscure » et « objective » (A. Einstein). Cette thèse tient compte de la complexité de la notion d’espace et la met à profit pour analyser ce qu’il convient d’appeler la spatialité dans la littérature. Elle porte sur un corpus diversifié qui comprend des œuvres narratives écrites par Jean Echenoz, François Bon, Radoslav Petković, David Albahari, V.S. Naipaul et Martin Amis. Telle qu’elle est étudiée ici, la spatialité pose un large ensemble de questions « formelles » et « thématiques » : la scénographie urbaine et non urbaine, la « polarisation » de l’espace (centre/périphérie, local/global, familier/étranger), l’écriture de la frontière, la toponymie, la topographie, le « balisage » de l’espace (à l’aide de pronoms, verbes et adverbes), l’espace-image et le sens autoréflexif de l’espace. À chacun de ses différents niveaux, elle se révèle profondément dynamique, composée d’éléments en interaction et en opposition, autrement dit « en mouvement ». / In various fields, including literature, much work has been done on the question of space over the last few years and decades. Some refer to a “spatial turn” in humanities and social sciences. However, in spite of a considerable general interest in this topic, the notion of space remains equivocal. The term is commonly used to denote basic facts in geography, urbanism and astronomy, but the concept is also often said to be rather complex. Husserl claimed that space was both a “content” and a “form”, while Einstein believed that its genuine nature was at the same time “obscure” and “undeniably objective”. In this thesis, we take into account the complexity of the space itself and challenge the notion of spatiality in literature. The corpus consists of novels and narratives written by V.S. Naipaul, Martin Amis, Jean Echenoz, François Bon, Radoslav Petković and David Albahari. Spatiality, such as defined here, brings us to examine both content- and form-related issues, including urban and non-urban space, spatial “polarization” (“centers” and “peripheries”, “local” and “global”, “known” and “unknown” places), border, toponymy and topography. The use of some terms specifying spatial location (such as deictics) is also analyzed, as well as the iconographic representations of space referred to in the texts and, finally, different forms of self-reflexive discourse inherent in the writing of space. The analysis reveals that every level of spatiality has an essentially dynamic, non-static quality, as the elements that it is composed of are in constant opposition and interaction.

Concept-clé de la critique littéraire anglo-saxonne depuis plus d’une cinquantaine d’années, le modernism demeure méconnu en France, du fait de sa proximité avec des concepts voisins, telles la modernité et l’avant-garde, qu’il ne recoupe qu’imparfaitement. S’il peut concerner toutes les tentatives expérimentales dans les différents genres littéraires, c’est le roman qui se trouve au cœur de cette étude, laquelle met en perspective des textes de James Joyce, André Gide, Ramón Gómez de la Serna et Virginia Woolf, souvent victimes d’une forme de binarisme critique. Ils ont en effet longtemps été analysés comme des romans encore mimétiques, plus réalistes que les romans réalistes cependant, ou, plus fréquemment, comme des symboles de l’œuvre autoréférentielle définie par les dogmes new criticists et structuralistes. La présente étude cherche à emprunter une troisième voie, par le biais, notamment, de la théorie littéraire des mondes possibles, davantage susceptible de rendre compte du projet moderniste qui ne vise plus en effet à représenter le réel, mais à créer la vie. L’acception traditionnelle du modernisme en tant qu’ensemble de mouvements est ainsi confrontée à une perspective nouvelle qui permet de l’analyser comme une éthique et une pratique particulière de la fiction. Les romans expérimentaux du début du XXe siècle construisent en effet des univers fictionnels ambigus, informés à la fois par la tradition et par une exigence inédite de modernité, le texte moderniste refusant la table-rase avant-gardiste pour mieux se construire en mémoire vivante de la littérature. C’est ainsi une cartographie critique que la présente étude se propose d’établir, afin de permettre au lecteur l’accès à cette terra incognita du comparatisme hexagonal. / Although it has been a key concept of literary criticism in the English-speaking world for more than a half-century, modernism remains a relatively misunderstood notion in France, owing to its proximity to somewhat close concepts such as modernity and avant-garde, which it only partially overlaps. The concept is relevant to experimentation in all literary genres, but this study focuses on the novel, with texts by James Joyce, André Gide, Ramón Gómez de la Serna and Virginia Woolf. Those have often been mischaracterized by literary critics as either mimetic novels — though more realistic than realist novels — or more frequently as emblematic of the self-referential text, as defined by the dogmas of new criticism and structuralism. This study seeks an alternative to those two limited analytical options, particularly by using possible worlds theory, which is more susceptible of accounting for the modernist project of creating life rather than representing the real. The traditional definition of modernism as an ensemble of movements is therefore confronted to a new perspective which allows for its analysis as a particular ethics and praxis of fiction: the fictional worlds built by experimental novels of the early twentieth century are ambiguous, caught between tradition and modernity, since modernist texts, in becoming the living memory of literature, refuse to erase the past completely. This study thus proposes to establish a critical cartography, one that will allow the reader to access a terra incognita of French comparative studies.