Estabelecida em torno da arte-educação e da fotografia, esta pesquisa é uma reflexão sobre o que é e o que pode ser o processo de ensino e aprendizagem da arte. O encontro destes mundos é explorado de forma a contribuir para uma melhor compreensão a respeito do ser humano, em um permanente movimento de busca dos seus potenciais. O ponto de partida é a prática pedagógica do fotógrafo e educador Miguel Chikaoka, que construiu um trabalho onde não prevalece a técnica, mas a experiência estética, por meio de um aprendizado artesanal e sensorial, criando, assim, um íntimo contato com a luz, o insumo básico da linguagem fotográfica. Os estudos desenvolvidos resultaram na construção de uma poética pedagógica própria, na qual a fotografia se estabeleceu como fio condutor dos processos de ensino e aprendizagem da arte, no trabalho realizado dentro do Programa de Iniciação Artística (PIÁ). Tudo isso configurou-se em perspectiva para uma reflexão sobre a educação numa sociedade visual, cuja relação com a imagem já virou uma experiência cotidiana. Pensar a fotografia como um instrumento que pode potencializar o trabalho educativo é um dos objetivos deste trabalho, estabelecendo assim um diálogo com o mundo contemporâneo. As questões trazidas por Juan Fontcuberta, Walter Benjamin e Vilém Flusser embasam o pensamento fotográfico, enquanto que John Dewey e Herbert Read alimentam as reflexões sobre arte e educação, e John Berger e Fayga Ostrower sustentam o pensamento sobre imagem, percepção e processo criativo, cujos contornos se fazem por meio da concepção de Paulo Freire sobre uma educação crítica e libertadora. / Cette recherche c\'est une réflexion sur ce qui est et ce qui pourrait être le processus d\'enseignement et d\'apprentissage de l\'art. Elle est établie autour de l\'enseignement de l\'art, de l\'éducation et de la photographie. La rencontre de ces mondes est explorée afin de contribuer à une meilleure compréhension de l\'être humain, dans un mouvement de quête constante de leur potentiel. Le point de départ est le travail du photographe et éducateur Miguel Chikaoka qui a construit une oeuvre que ne prévaut la technique, mais l\'expérience esthétique à travers de un travail manuel et l\'apprentissage sensoriel, créant ainsi un contact intime avec la lumière, entrée de base du langage photographique. Les études développés on abouti à la construction de ma propre poétique pédagogique, dans laquelle la photographie est établi comme un principe directeur des processus d\'enseignement et d\'apprentissage dans le travail fait dans le Programa de Iniciação Artística (Proggrame d\'Initiation Artistique - PIÁ). Tout cela s\'est configuré dans une perspective sur pour une réflexion sur l\'éducation dans une société visuelle, dont la relation avec l\'image est devenue une expérience quotidienne. Pensez à la photographie comme un outil qui peut améliorer le travail éducatif est l\'un des objectifs de la recherche, établissant ainsi un dialogue avec le monde contemporain. Les questions soulevées par Juan Fontcuberta, Walter Benjamin et Vilém Flusser soutiennent la pensée photographique, tandis que John Dewey et Herbert Read nourrissent les réflexions sur l\'art et l\'éducation, et John Berger et Fayga Ostrower détiennent la réflexion sur l\'image, la perception et les processus de création, dont les contours sont faits en s\'appuyant sur la conception de Paulo Freire, un enseignement critique et libératrice.

A investigação trata do fenômeno da corpocriação na existência corpo (Merleau-Ponty, 2011), seus processos criadores, a sua dança e seus desdobramentos para o processo educacional como educação de sensibilidade (Ferreira-Santos & Almeida, 2011, 2012). Numa perspectiva poético-fenomenológica, é adotado o estilo ensaístico e fotográfico como forma textual mais coerente para tratar dos processos investigados, sua compreensão e a comunicação das experiências (Larrosa-Bondía, 2002) sob o primado existencial de uma tradição antropo-filosófica (Ferreira-Santos, 1999, 2000, 2010; Severino, 1983; Gusdorf, 1979, 2003) que entrecruza as noções de pessoa, corporeidade e mito. Com o locus privilegiado do Núcleo de Dança do Lab_Arte Laboratório Experimental de Arte-educação & Cultura da Faculdade de Educação da USP, o qual atua na formação sensível de educadores, principalmente em formação inicial (pedagogia e licenciaturas), a pesquisa se apoia no estilo investigativo da mitohermenêutica (Ferreira-Santos & Almeida, 2011, 2012; Ferreira-Santos, 1999, 2008, 2010) e da fenomenologia existencial (Merleau-Ponty, 2011; Bachelard, 1988, 1990, 1997, 2003, 2008) e apresenta e interpreta os processos de criação poético-corporais experienciados pelos participantes utilizando as categorias simbólico-hermenêuticas de vertigem, voragem e vórtice (Ferreira-Santos, 2000 e Ferreira- Santos et al, 2007) e reafirmando a importância da dança, artes do corpo ou artes da presença (Azevedo, 2013) nos processos formativos. Neste sentido, o mar é a categoria epistemológica de análise, metáfora investigativa e símbolo articulador principal da investigação, na perspectiva da líquida ossatura, do fenômeno da corpocriação no duplo movimento simultâneo captado na pesquisa: corpocriação como a obra constituída e corpocriação como processo de constituição. / This investigation deals with the body-creation phenomenon in body existence (Merleau-Ponty, 2011), its creative processes, dance and consequences for the education of sensibility (Ferreira-Santos & Almeida, 2011, 2012) educational process. In a poetic-phenomenological perspective, an essayistic and photographic style is adopted as a more coherent textual form to treat the investigated processes, its comprehension and communication of experiences Larrosa-Bondía, 2002) under the existential rule of a anthropo-philosophical tradition (Ferreira-Santos, 1999, 2000, 2010; Severino, 1983; Gusdorf, 1979, 2003) that interlace the notions of person, corporeality and myth. With the privileged locus of the Dance Group of the Lab_Arte Laboratório Experimental de Arte-educação & Cultura (Experimental Laboratory of Art-education & Culture) of the School of Education of the University of São Paulo, that acts in the sensitive formation of educators, especially during initial undergraduate studies, this study is based on the investigative style of the mythhermeneutic (Ferreira-Santos & Almeida, 2011, 2012; Ferreira-Santos, 1999, 2008, 2010) and of the existence phenomenology (Merleau-Ponty, 2011; Bachelard, 1988, 1990, 1997, 2003, 2008). It presents and interprets the poetic-corporeal creation processes experienced by the participants using the symbolic-hermeneutic categories of vertigo, whirlpool and vortex (Ferreira-Santos, 2000; Ferreira- Santos et al, 2007) and reaffirms the importance of dance, corporal arts or presence arts (Azevedo, 2013) during these formation processes. In this sense, the sea is the epistemological category of analysis, investigative metaphor, and main articulating symbol of this investigation in the perspective of liquid ossature, of the body -creation phenomenon in the dual simultaneous movement captured by this research: body-creation as a constructed work of art and body-creation as a constitution process.

O presente trabalho é resultado de uma pesquisa qualitativa que se insere nos campos da Arte/educação, do Teatro e da Educação Matemática que tem como objetivo investigar de que forma os princípios da educação pela arte e da Arte/educação podem contribuir para um melhor desenvolvimento da educação da criança/jovem e, em especial, no que diz respeito à educação matemática pela escola. Dentro de uma perspectiva da pesquisa qualitativa, recorremos a entrevistas com educadores e artistas, com o intuito de buscar evidências de análise. Além das entrevistas, estudamos diferentes iniciativas também de ordem educacional que correlacionam educação, educação matemática e teatro. Para a realização da análise dos fatos e dados recolhidos, fomos em busca de reconhecer semelhanças (e diferenças) nas manifestações dos entrevistados, de modo a agrupá-las como categorias de análise. Como primeiros resultados, podemos reconhecer que, apesar da pouca evidência de trabalhos na interface educação matemática e educação teatral, ainda assim podemos perceber que tal aproximação pode colaborar, de algum modo, para a formação dos educandos, em termos do desenvolvimento no âmbito pessoal e profissional. / This work is the result of a qualitative research which falls within the field of Art / Education, Drama and Mathematics Education which aims to investigate how the principles of \"education through art\" and art / education can contribute to a better development of the education of the child / teenager, and in particular when concerning the mathematics education within the school. Working with a perspective of qualitative research, we used interviews with educators and artists in order to find evidence. Besides the interviews, we studied different educational initiatives that correlate education, mathematics education and drama. To analyze the facts and data collected, we tried to recognize similarities (and differences) on the interviewers answers in order to group them as categories of analysis. As first results, we can recognize that, despite little evidence of work with mathematics education and theatrical education, we can see that such approach can contribute in some way, for the education of students in terms of development in the personal and professional.

Este trabalho apresenta uma observação acurada do universo da cerâmica no povoado de Maragogipinho, Bahia. A pesquisa revela quem são os mestres e mestras do barro, dá a conhecer o seu processo criativo e educativo. Esses homens e mulheres são protagonistas do patrimônio cultural imaterial brasileiro, eles detêm e socializam conhecimentos que perpassam gerações, saberes tecidos em práticas de ensino não sistematizadas e nem legitimadas pelas culturas hegemônicas. A educação artesanal está fundada na ancestralidade, na repetição e na invenção, no constante diálogo entre a tradição e a emergência da modernidade: novas formas de criação e antigos segredos de ofício se misturam, numa tensão permanente entre transformação e conservação. O artesão e a artesã vivem o seu legado cultural e o mantêm vivo, reinventando-o e atualizando-o eternamente. Essa herança conserva a conexão com o passado, mas se reveste de novos símbolos e significados no presente para fortalecer a identidade dos autores e de suas comunidades, e para dar sentido ao futuro. / This work presents an accurate observation of the pottery universe in the village of Maragogipinho, Bahia. The research reveals who are the masters of clay, makes known their creative and educational process. These men and women are protagonists of the brazilian intangible cultural heritage, they preserve and socialize knowledge across generations, originated in unsystematic practices, not legitimized by the hegemonic cultures. Craft Education is established on ancestry, on repetition and invention, in constant dialogue between tradition and the emergence of the modernity: new ways of creating and old trade secrets are mixed on a permanent tension between transformation and conservation. The craftsman lives his cultural legacy and keeps it alive reinventing and updating it forever. This heritage preserves the connection with the past, but acquires new symbols and meanings to strengthen the identity of the authors and their communities, and to make sense of the future.

Esta pesquisa aborda aspectos sobre programas educativos implementados pela Secretaria Estadual de Educação para promover a visita de alunos a instituições culturais. Na primeira parte faremos uma análise de um período da história do ensino de arte que consideramos determinante na difusão de conhecimentos que focaram a leitura de imagens e que, consequentemente, demandou a visitação de alunos a mostras e exposições. Na segunda parte analisaremos os mais significativos programas implantados pela Secretaria Estadual de Educação nos últimos anos, assim como materiais pedagógicos enviados às escolas, produzidos por instituições culturais em diferentes períodos. Na terceira parte analisaremos registros sobre a visita de alunos realizada em três instituições culturais. Na quarta e última parte faremos uma análise final localizando as fragilidades e os avanços que fundamentaram nossas considerações propositivas. / This research covers aspects related to educational programs implemented by the State Secretary of Education to promote student visits to cultural institutions. In the first part we will analyze a period in the history of art education that we consider essential in the promotion of knowledge which focused on image reading and, therefore, required student visits to exhibits and expositions. In the second part we will analyze the most significant programs implemented by the State Secretary of Education in the past few years, just like pedagogical materials sent to schools produced by cultural institutions in different periods. In the third part we will analyze records of student visits to three cultural institutions. In the fourth and last part we will make a final analysis focusing on the fragilities and advances that grounded our propositional considerations.

Este trabalho disserta sobre o ensino da arte contemporânea a partir de duas questões básicas: (1) por que se resiste ao ensino da arte atual, e (2) de que forma é possível exercê-lo. O tema proposto divide-se em cinco capítulos. O primeiro deles propõe uma reflexão sobre a união entre arte e educação, os valores resultantes dessa relação e seus objetivos. No segundo capítulo, são abordadas as heranças e as influências provenientes da Europa e da América do Norte, que contribuíram para a formação do ensino de arte no Brasil durante o período de 1816 a 1960. Em seguida, a pesquisa apresenta teorias contemporâneas do ensino da arte ainda sob a influência estrangeira, entre os anos 1960 e 1990. No Capítulo III, passamos aos fundamentos e conceitos de cultura e arte contemporânea para que, a partir deles, possamos entender o nosso tempo e a arte como pontos fundamentais para o pensamento do ensino de arte. O quarto capítulo traz, como exemplo de proposta curricular atual, o novo currículo de arte da Secretaria da Educação do Estado São Paulo para que, por meio de sua análise, possamos desenvolver uma reflexão sobre o ensino da arte contemporânea nas escolas formais. Essa reflexão é apresentada no quinto e último capítulo do presente estudo e não objetiva formular uma metodologia para o ensino de arte contemporânea, mas buscar aproximações e elaborar sugestões que possam auxiliar o educador de arte em sua prática de sala de aula. / This dissertation is a research study concerning teaching practices of Contemporary Art in Brazil and it was based on two major issues: (1) why is it that Art Professors still struggle when it comes to teaching Contemporary Art?, and (2) which are the teaching strategies to help them in their classroom practices? This theme has been divided into five chapters. The first chapter proposes some reflection concerning the association between education and art and looks at the values resulting from this union, as well as its main objectives. In the second chapter, we speak of the foreign heritage and influences from Europe and North America, which have contributed to the introduction of Art teaching in Brazilian schools, during the time between 1816 and 1960. Following that, this research presents the contemporary theories involved in the teaching practices of Art Education, still under foreign influence, between 1960 and 1990. In Chapter III, we move to the basics and concepts of Contemporary Culture and Contemporary Art in order to encourage better understanding of our present time and art, as the key point for deeper reflection on Art Education. The fourth chapter presents the content of the new Arts Curriculum of the Department of Education in the State of São Paulo, as a case study and example of current curriculum, so that, through its analysis, we could develop more thinking on current Contemporary Art teachings in formal schools. This reflection is presented in the fifth and last chapter of this study and does not aim to build a methodology for Contemporary Art teaching but to seek new approaches and offer suggestions which may encourage Art Professors in their classroom practices.

As rápidas transformações e a dinâmica do mundo contemporâneo, passam a requerer um novo olhar e novas abordagens relativas ao ato de projetar e conceber os espaços da cidade. O entendimento do projeto como simples produto, resultado exclusivo de elaborações formais, baseado em modelos pré-estabelecidos e obtidos através de uma visão de sobrevôo, mostra-se incapaz ou insuficiente para abarcar a complexidade e o metabolismo físico/social dos centros urbanos, mais particularmente das grandes metrópoles. Essa incapacidade se acentua cada vez mais, quando as forças sociais são solicitadas, cada uma na sua especificidade, a fazer frente, aos efeitos do capital globalizado, que atingem possibilidades devastadoras cada vez maiores, com os avanços da tecnologia, da ciência e dos mecanismos de controle mais sutis e capilares sobre os modos de vida e sobre os ecossistemas planetários. Neste sentido, esta tese procura estudar, analisar e quem sabe contribuir, no sentido da reflexão do projeto como processo sem, contudo desconsiderar o produto final, mas procurando entrelaçá-los, num movimento de sístole e diástole, através de processos participativos na construção do espaço livre público. A pesquisa parte de três experiências, que tem como lócus os municípios de Diadema e Osasco, situados na Região Metropolitana de São Paulo, cujo trabalho desenvolveu- se nas escolas da rede pública municipal e estadual, e nas diferentes áreas livres da cidade: praças, parques, vias públicas e quintais residenciais. Nesse processo dialógico e prático, onde o conflito, a incerteza, a colaboração e o desenho convivem em estado de permanente interação, esperamos extrair algum fruto, no sentido do fortalecimento do espaço público, tanto no sentido físico, como no social e político, e com isso, caminhar com vista à criação de lugares de vida mais bonitos e agradáveis, onde todos possam se encontrar, confrontar idéias, se expressarem livremente. / The rapid changes and contemporary world dynamics demand new visions and approaches in the field of urban spaces design. Facing landscape design merely as a product, a simple output of formal procedures, based on pre-established models and an overflying perspective is not enough to comprise the complexity and social/physical metabolism of urban centers, especially in the case of a great metropolis. This inability is emphasized even more when social forces are required, each one with its own singularity, to confront the globalized capital consequences, which is reaching more threatening possibilities, due to technological and scientific developments and more subtle and capillary mechanisms of control over ways of life and planetary ecosystems. In this sense, the present thesis aims to study, analyze and perhaps contribute for the debate of design as a process, with no disregard of the final product, but seeking to interlace them, in a systolic and diastolic movement, through participatory processes, in the construction of public open spaces. The research focuses on three experiences, in the cities of Diadema and Osasco, which are located in the Great São Paulo Metropolitan Region, discussing projects that were developed in both state and municipal public schools, comprising different open spaces such as plazas, parks, streets and residential backyards. In this practical and dialogical process, where conflicts, the feeling of uncertainty, cooperation and design cohabit in continuous interaction, we hope to harvest some fruits in order to support public space, both in physical as in social and political sense, moving towards the creation of living places that can be more beautiful and pleasant where everyone will have the chance to meet, exchange ideas and express themselves freely.

Made available in DSpace on 2016-04-27T14:31:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Camila Arelaro Caetano.pdf: 2122319 bytes, checksum: 69776c3ba744842545e5dcdad226426b (MD5) Previous issue date: 2015-09-01 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This research takes as its premise that art, especially the theatrical art, is a valuable tool for building an Educator neighborhood, which can stimulate the liberating critical thinking as a condition for the education of citizens. Paulo Freire, considered the greatest thinker in the history of world pedagogy, and Patron of the Brazilian Education, is the reference of this research. Thus, this research aims to investigate the contribution of art, especially the theater, to the transformation of the community of Heliopolis (SP) into an Educator neighborhood. We intend with this research give light to the inclusion process of theatrical art in a community marked by violence and in profund transformation. To achieve the main goal, the following specific objectives were set: to identify the possibilities and limitations for the construction of an Educator neighborhood in Heliopolis and understand the concepts of artists, leaders, community and policymakers about the possibility of construction of this Educator neighborhood through art. The categories: dialogicity, participation and awareness, as displayed in Paulo Freire s pedagogy, are the critical sieves to study the artistic practices and educational relations developed in social facilities in the community of Heliopolis. This is a qualitative research, which includes document analysis, observation of practices carried out in the community, as well as interviews with leaders, teachers, students and local residents. We departed from a literature review of Paulo Freire s texts and related studies that discuss how art can be a way to the transforming education. We also analyzed documents of the community of Heliopolis and those that registered the movement of Educating Cities. The results showed that the awareness processes, social participation and dialogicity happened due to the history of the community and, despite art not being able to change by itself the reality, it may awaken and motivate new leaders and new movements in questioning the naturalization of social inequality / Esta pesquisa assume como premissa que a arte, especialmente a arte teatral, é instrumento valioso para a construção de um Bairro Educador, que pode estimular o pensamento crítico libertador como condição para a formação de cidadãos. Paulo Freire, considerado o maior pensador da história da pedagogia mundial e Patrono da Educação brasileira, é a referência da pesquisa. Assim sendo, a presente pesquisa busca investigar a contribuição da arte, especialmente o teatro, para a transformação da comunidade de Heliópolis (SP) em Bairro Educador. Pretende-se com essa pesquisa, dar luz ao processo de inclusão da arte teatral numa comunidade marcada pela violência e profunda transformação. São seus objetivos específicos: identificar as possibilidades e os limites para a construção do Bairro Educador em Heliópolis e compreender as concepções de artistas, lideranças, comunidade e gestores de políticas públicas a respeito da possibilidade de construção do Bairro Educador por meio da arte. As categorias: dialogicidade, participação e conscientização, apresentadas na pedagogia de Paulo Freire, são os crivos críticos para estudar as práticas artísticas e as relações educativas desenvolvidas em equipamentos sociais na comunidade de Heliópolis.Trata-se de pesquisa de abordagem qualitativa, que inclui análise de documentos, observação de práticas realizadas na comunidade, bem como entrevistas com líderes, professores, alunos e moradores do local. Partiu-se da revisão bibliográfica de textos de Paulo Freire e de estudos correlatos, que discutem como a arte pode ser um caminho para a educação transformadora. Também foram analisados documentos da comunidade de Heliópolis e aqueles que registraram o Movimento das Cidades Educadoras. Os resultados demonstraram que os processos de conscientização, de participação social e de dialogicidade puderam acontecer, por conta da história da comunidade, e que, apesar da arte não ser capaz de mudar por si só a realidade, ela pode despertar e motivar novas lideranças e novos movimentos no questionamento da naturalização das desigualdades sociais

Submitted by Jailda Nascimento (jmnascimento@pucsp.br) on 2016-10-06T19:10:42Z No. of bitstreams: 1 Ana Luiza Bringuente.pdf: 3398199 bytes, checksum: 886e050b674aa1d91d175f7e827d0d18 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-06T19:10:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ana Luiza Bringuente.pdf: 3398199 bytes, checksum: 886e050b674aa1d91d175f7e827d0d18 (MD5) Previous issue date: 2016-08-11 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research proposes some situated investigations in the field of contemporary experimentation on the communicative relationships of art education with contemporary art agents, showing the results obtained in these interactions, intending to facilitate a reflection on networking as new meanings generator. The question for triggering the search was "How can you make art education practices in contact with other agents of contemporary art? ". Therefore, situations were elected in the history of museums and their relationship with the visitors, through a brief history of art education with worldwide references to the Brazilian context of art education in museums to then propose a cut in production artists and other agents of the contemporary art of the 1960-70s that in their practices appropriated issues relevant to the field of art education which will reverberate in contemporary production from the phenomenon called Educational Turn. The light of the thought of C. Salles and V. Colapietro about the concept of authorship comprising the subject as a community, as a result of research we come to a presentation of Luis Camnitzer production that makes its artistic and reflective practices since the 1960s until today a hybrid way from its various performances, as an educator, theorist of art and pedagogical curator, of which he makes no distinction, since all they ever go away from your artist point of view. All this route is necessary with the purpose of giving light to the last chapter of the research where we relate some personal experiences in the field of art education with the practices presented during the research. The methodology used for the research was documentary and empirical, in dialogue with the theory of network creation processes (SALLES). Among the hypotheses, I can highlight that I think are important: the production and reflection on contemporary art through works / jobs supported in art education proposals is feasible; the Pedagogical Curator enhances public access to exhibitions and public programs; the role of art education as a field of knowledge and research into the system of contemporary art / A presente pesquisa propõe algumas investigações situadas no campo da experimentação contemporânea sobre as relações comunicativas da arte educação com agentes da arte contemporânea, evidenciando os resultados adquiridos nessas interações, pretendendo viabilizar uma reflexão sobre o trabalho em rede como gerador de novos sentidos. A pergunta disparadora para a pesquisa foi “Como se dão as práticas da arte educação em contato com outros agentes da arte contemporânea? ”. Para tanto, partimos da eleição de situações ao longo da história dos museus desde o seu surgimento e relação com o público visitante, passando por um breve histórico da educação de arte com referências mundiais até o contexto brasileiro de arte educação em museus para, assim, propor um recorte na produção de artistas e outros agentes da arte contemporânea dos anos 1960-70 que em suas práticas se apropriaram de questões pertinentes ao campo da arte educação o que irá reverberar na produção contemporânea a partir do fenômeno chamado de Educational Turn. A luz do pensamento de C. Salles e V. Colapietro acerca do conceito de autoria que compreendem o sujeito como comunidade, passamos na sequência da pesquisa a uma apresentação da produção de Luis Camnitzer que faz de suas práticas artísticas e reflexivas, desde nos anos 1960 até os dias atuais um caminho híbrido dentre as suas diversas atuações, como educador, teórico de arte e curador pedagógico, das quais ele não faz distinção, pois todas elas partem sempre de seu olhar de artista. Todo esse percurso se faz necessário com intuito de dar luz ao último capítulo da pesquisa em relaciono algumas experiências pessoais no campo da arte educação com as práticas apresentadas ao longo da pesquisa. A metodologia empregada para a pesquisa foi documental e empírica, em diálogo com a teoria dos processos de criação em rede (SALLES). Dentre as hipóteses, posso destacar as que penso serem importantes: é viável a produção e reflexão acerca da arte contemporânea por meio de obras/trabalhos apoiados em propostas de arte educação; a Curadoria Pedagógica potencializa o acesso do público às exposições e programas públicos; a atuação da arte educação enquanto área de conhecimento e pesquisa no sistema vigente de arte contemporânea

Na Dissertação são descritas experiências na disciplina de Artes, junto a jovens estudantes dos 1º e 2º anos do Ensino Médio de uma escola pública de Porto Alegre, sistematizadas através de processos que se aproximam de uma pesquisa-ação, ou pesquisa na ação, no campo da performance. O termo “performance” relaciona-se à ideia de arte que se mistura à vida como um acontecimento, forma estética explorada a partir dos anos 1960 e 1970 em diferentes países do mundo ocidental. A palavra “experiência” remete à prática artística e à memória de momentos vividos coletivamente com os estudantes, que geraram significados variados para os envolvidos, reinterpretados na pesquisa, cujo foco está na criação, na composição de episódios performativos e na reflexão sobre como esses experimentos repercutem nas relações aluno- professor-escola-vida. / In the study experiences in the discipline of Art are described, with young students from 1st and 2nd year of High School in a public school in Porto Alegre, systematized through processes that resemble an action research, or research in action in the field of performance. The term "performance" is related to the idea of art that blends to life as an event, aesthetic form explored from the 1960s and 1970s in different countries of the Western world. The word "experience" refers to the artistic practice and the memory of moments lived collectively with students, which generated different meanings for those involved, reinterpreted in the research, which is focused on the creation, on the composition of performative episodes, and on the reflection about the way these experiments affect student-teacher-school-liferelations.