Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Dans nos sociétés modernes, le pouvoir de l’image et des médias est omniprésent. Dans ce cadre, il est intéressant de s’interroger sur les méthodes de diffusion de la pensée politique. Dans cette recherche nous allons nous pencher sur les méthodes de diffusion idéologique d’un cinéaste québécois : Pierre Falardeau. Notre recherche consiste à étudier les seize films du cinéaste pour y distinguer une signature esthétique particulière. Falardeau utilise une esthétique pamphlétaire dans ces films que nous avons subdivisés en trois dispositifs esthétique soit le pathos, la satire et le tragique. Au long de cette thèse, nous allons expliquer ces trois dispositifs et leur fonctionnement dans l’œuvre du cinéaste. Pour y parvenir, nous allons d’abord faire une mise en contexte du cinéma au Québec. Puis, nous allons expliquer le parcours et l’esthétique du cinéaste. Nous allons ensuite expliquer les différents dispositifs à l’aide d’exemples tirés des différents films. Nous conclurons l’étude sur la tension qui est présente tout au long de l’œuvre du cinéaste entre la liberté et la fatalité

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

À travers le prisme des impuretés esthétiques et poétiques L'art cinématographique d'Ingmar Bergman : une poétique d’impureté considérée dans quelques uns de ses films, Elena Tysuhova met en évidence les liens subtils, plus ou moins manifestes que les œuvres cinématographiques et télévisuelles du réalisateur suédois entretiennent avec les autres arts. En prenant en charge des considérations théoriques générales, préalables principiels, conceptuels et méthodologiques aux analyses filmiques, ainsi que les théories littéraires, linguistiques et esthétiques majeures, tout en déplaçant et situant le propos dans des pensées proprement cinématographiques, cette thèse de doctorat considère les films de Bergman en répondant à une « esthétique-poétique » ou à une « poétique-esthétique ». Les propos développés s'inscrivent résolument dans une perspective deleuzienne, privilégiant à la fois les singularités et les transversalités, s'attachant aux formes et configurations sensibles, dégageant les idées-formes, tout en s'intéressant aux liens d'impuretés noués avec d’autres arts, voire aux tentatives d'hybridations avec eux (selon l’idée d'Alain Badiou que l'art du cinéma est la tentative toujours renouvelée, bien qu'impossible, de fusionner les arts entre eux). / Through the prism of aesthetic and poetic cross-fertilizations, Ingmar Bergman's Cinematic Art: A Poetics of Impurity Considered in Some of His Films highlights the subtle, more or less obvious links that the film and television works of the Swedish director maintain with other arts. By taking into account general theoretical considerations, prior conceptual and methodological principals to the film analyze, as well as the major literary, linguistic and aesthetic theories, while displacing and situating the subject of the thesis in properly cinematographic thoughts, this doctoral thesis considers the films of Bergman in accordance with a "poetic aesthetic" or an "aesthetic poetics". The developed analyses communicate a Gilles Deleuze perspective. They privilege both the singularities and the transversalities, focus on aesthetic forms and sensitive configurations, emit “idea-forms,” and reveal the links of impurity to other arts and the attempts to hybridize with them (according to the idea of Alain Badiou for whom cinematic art is the constantly repeated but impossible attempt to merge together the different arts).

La présente thèse étudie la transformation de l’Italie vers la postmodernité (1957-1978) à travers le cinéma de trois auteurs : Michelangelo Antonioni, Federico Fellini et Pier Paolo Pasolini. Elle explore l’historicité du cinéma, en interrogeant la manière par laquelle le septième art constitue une mise en forme et une écriture de l’histoire. Dans la convergence de deux histoires, celle humaine et celle du cinéma, elle met en récit l’expérience de la transformation sociétale et artistique. En dernière analyse, il est question d’étudier le cas italien comme un paradigme. En réactualisant les propositions des trois cinéastes dans le contexte contemporain de la mondialisation, de l’hypermédiatisation et de la domination technologique, le présent travail nous invite à repenser la vie humaine et la création artistique face aux défis de la postmodernité. / This thesis examines the transformation of Italy towards postmodernity (1957-1978) through the cinema of three film directors: Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, and Pier Paolo Pasolini. It explores the historicity of cinema, by questioning the concrete means through which film constitutes a form and a writing of history. In the coming together of two histories, the human one and that of the cinema, the thesis recounts the experience of a societal and artistic transformation. In the final analysis, it is a question of studying the Italian case as a paradigm. By updating the proposals of the three filmmakers in the contemporary context of globalization, hypermedia and technological domination, this work invites us to rethink human life and artistic creation, facing the challenges of postmodernity.

Cette thèse analyse le marché du travail dans l’industrie cinématographique, plus spécifiquement le marché des techniciens. Trois équipes de travail sont au cœur de l’analyse : l’équipe caméra, l’équipe électrique et l’équipe machinerie. Ensemble elles constituent le département image. Nous explorons les liens entre travail et carrière dans le contexte de la fluidité des relations d’emploi. À partir d’entretiens, d’observations et d’une base de données permettant de reconstruire les réseaux de collaborations, nous explorons ce que signifie « faire carrière » pour ces techniciens. La comparaison internationale nous permet de mettre en perspective le poids de chacune des régulations nationales sur la forme des carrières et les stratégies individuelles mises en œuvre par les acteurs. La première partie de la thèse montre comment la structure des collaborations supporte l’existence d’un monde social au sein duquel les individus partagent des conventions et des normes, et, au niveau des équipes de travail, des routines. Nous montrons comment l’activité et les relations entre les individus sur le plateau s’inscrivent dans la perspective plus large des carrières.La seconde partie de la thèse explore la question des entrées dans la carrière, montrant la place des réseaux relationnels. Les façons de recruter des individus, et particulièrement des chefs de poste, structurent les opportunités offertes aux individus. La troisième partie de la thèse se concentre sur le cas français pour explorer les combats des chefs opérateurs pour la reconnaissance de leur travail, notamment à travers les actions des associations professionnelles et par l’introduction d’un nouvel intermédiaire du marché du travail. / This dissertation deals with issues of labor market organization in the motion-picture industry, especially for the labor market of technicians. Three workteams are studied: the camera crew, electric crew and grip crew. As a whole, they constitute what is sometimes referred to as the “image department”. We explore the link between work and career in a context of fluid employment relations. Drawing from interviews, observations and a database allowing us to reconstruct collaboration networks, we explore what a career means for those technicians. The international comparison allows us to put into perspective the weight of national regulations on the form of careers and on the individual strategies of actors. The first part of the dissertation shows how the structure of collaborations sustains a social world in which individuals share conventions and norms, and, at the team level, routines. We show how activity and relations between people on set evolve in the larger context of careers. The second part of the dissertation deals with the question of entering the labor market, showing the role of social networks. The means used to recruit people, especially team leaders, structures opportunities for people. The third part of the dissertation focus on the french case to study the struggle of cinematographers to see their work recognized. In particular, we study the role of professionnal associations and of a new intermediary on the labor market.

L'objet d'étude de ce mémoire est la présence de marques de la subjectivité du réalisateur dans les films documentaires portant sur des artistes. Je base cette subjectivité principalement sur les prises de position et l'opinion du cinéaste face à son sujet. Dans cette perspective, l'influence du réalisateur sur la présentation d'un portrait cinématographique d'un artiste est alors analysée selon le traitement de celui-ci dans le cadre d'une oeuvre documentaire. Dans un premier temps, les problématiques reliées à la pratique documentaire sont mises en évidence, puis juxtaposées à l'idée du portrait et de la figure de l'artiste, afin d'établir le questionnement de base de ce projet de recherche. Effectivement, en observant les rapports entre les discours de vérité et les discours subjectifs que l'on retrouve au coeur de la pratique documentaire, ainsi que dans la reproduction d'une image à la fois physique et psychologique d'une personnalité, on peut se demander s'il est réellement possible de dissocier objectivité et subjectivité lors de cette constitution du portrait de l'artiste. De plus, comme la réalisation d'un film demande une attitude esthétique face à la composition à la fois visuelle et sonore de celui-ci, le cinéaste agrémente le fil conducteur du film par toutes sortes de subterfuges cinématographiques. Dans le cadre de cette recherche, je distingue trois catégories principales où la présence du réalisateur peut se faire visible, soit dans la construction d'un récit autour d'un sujet tiré de la réalité, dans la présentation des images au coeur d'un montage ainsi que dans la création d'un univers sonore. Les films Barbeau, libre comme l'art de Manon Barbeau, À la recherche de Louis Archambault de Werner Volkmer et Pellan d'André Gladu sont alors analysés selon ces trois critères. Les marques de leur subjectivité sont alors mises en évidence à la fois par l'analyse qui est menée, mais aussi par le fait qu'elles se présentent de façons bien différentes d'un film à l'autre. Ainsi, notre approche conclut que la présence de la subjectivité du réalisateur dans la constitution d'un portrait cinématographique ne se fait pas au détriment de la volonté d'objectivation qui se trouve à l'origine de la pratique documentaire. Au contraire, elle permet plutôt de mettre en évidence des aspects singuliers de la figure de l'artiste, qui ont été observés par le cinéaste lors de sa recherche. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Subjectivité, Documentaire, Réalisateur, Portrait, Artiste.

Devant l'avènement de nouveaux moyens de communication dans les territoires nordiques, l'émergence d'une prise de parole inuite est inévitable. La création d'Igloolik Isuma Productions, dans le Nunavut, est étroitement liée à l'élaboration de cette nouvelle culture. Les oeuvres de la première compagnie de production inuite indépendante, particulièrement Atanarjuat, the Fast Runner, de Zacharias Kunuk, témoignent de l'importance de tenir compte d'une nouvelle variable dans l'analyse du discours sur la représentation du Nord: les cultures inuites commencent à prendre la parole et à remettre en jeu les représentations existantes. L'objectif de ce mémoire est double. Il vise à comprendre ce qui a mené à l'émergence de la prise de parole inuite et à voir comment s'organise cette cinématographie naissante. Ainsi, le premier chapitre expose les diverses représentations du territoire nordique et des Inuits mises de l'avant par l'industrie cinématographique sudiste. Après avoir établi ce qui a poussé les cinéastes sudistes à s'intéresser aux peuples polaires, il est possible de voir quelles images du Nord et des Inuits se dégagent de ces représentations filmiques. Le deuxième chapitre rend compte de la création d'Isuma Productions et du contexte entourant la naissance d'Atanarjuat. Dans le film, on remarque que le réalisateur s'inspire de l'approche documentaire. Tout comme le travail de Pierre Perrault au Québec, Kunuk propose une nouvelle vision de l'histoire qui vise la conservation de la culture orale par sa mise en images. Le dernier chapitre propose une analyse thématique du film, qui permet d'illustrer les thèses élaborées dans le chapitre précédent, à l'effet que le film interprète les images véhiculées par le cinéma sudiste sur le Grand Nord. En définitive, le film de Kunuk remet en jeu les représentations existantes sur le Nord en devenant le symbole de l'émergence du cinéma inuit. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Atanarjuat, Représentation, Nord, Inuit, Cinéma, Approche documentaire, Fiction, Nunavut, Zacharias Kunuk, Pierre Perrault, Québec.

Ce mémoire-création est né de la participation de l'auteure au programme de réalisation documentaire à l'Institut national de l'image et du son. Découlant de l'entente UQAM-INIS, ce projet jette un regard sur la manière dont les documentaristes de cinéma direct représentent la réalité à travers leurs œuvres. Ce genre, que les cinéastes québécois ont contribué à faire naître à partir de la fin des années 50, est toujours utilisé des décennies plus tard. Le style du direct et sa technique donnent des documentaires basés sur la confiance des gens filmés et qui sont souvent produits dans l'action. Ils suscitent une grande impression de vérité chez les spectateurs. La réflexion proposée dans ce document émane de deux volets du cursus de l'INIS: des entretiens avec six cinéastes québécois de renom et la réalisation d'un court métrage de cinéma direct. Les paroles des réalisateurs permettent d'esquisser les défis éthiques liés à la représentation de la réalité et d'en cibler les grands thèmes. Ceux-ci sont ensuite passés en revue et analysés grâce aux réflexions de théoriciens du documentaire et plus précisément du cinéma direct. Ces thèmes servent ensuite à examiner la production d'un court métrage réalisé lors du programme de l'INIS. Il est à noter que ce mémoire-création, qui apporte une réflexion à la jonction de la théorie et de la pratique, a été exclusivement pensé et préparé après le passage à l'Institut. Il ne s'agit donc pas de vérifier une hypothèse proposée avant le programme, mais bien d'apporter un questionnement basé sur l'expérience. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Documentaire, cinéma, représentation, éthique.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal