Dissertação apresentada ao Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em Estudos Latino-americanos da Universidade Federal da Integração Latino-Americana, como requisito parcial à obtenção do título de Mestre em Estudos Latino- Americanos. Orientador: Prof. Dr. Bruno López Petzoldt. / Submitted by Luis Eduardo Pereira (l.edupereira@hotmail.com) on 2017-04-26T16:56:49Z No. of bitstreams: 1 Dissertação revisada FINAL.pdf: 2370088 bytes, checksum: 58526bd349803aebf251cf28cba29ce1 (MD5) / Approved for entry into archive by Nilson Junior (nilson.junior@unila.edu.br) on 2017-04-26T17:24:24Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação revisada FINAL.pdf: 2370088 bytes, checksum: 58526bd349803aebf251cf28cba29ce1 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-26T17:24:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação revisada FINAL.pdf: 2370088 bytes, checksum: 58526bd349803aebf251cf28cba29ce1 (MD5) Previous issue date: 2017-04-26 / The main object of study assumed in this paper are the media and semiotic dialogues of the relationship literature-cinema having cultural contexts as backround. From multiple factors and study models which include cinema, the aim is to analyze the movement of the creative process between the works "La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y su abuela desalmada" (1972) by García Márquez and the film Eréndira (1983) by Ruy Guerra. In addition to looking after a relationship of analysis in which the film is only based on the story, it is sought to think how the cultural contexts of the artists and the potential representatives of the media resignify readings that are materialized by creating an interpenetration of the artistic discourses. Therefore, this paper strives to present cross-readings that make it possible to understand treatments of cultural issues in the story from the point of view of cinematographic resources and the same in reverse. / O objeto central de estudo assumido neste trabalho são os diálogos midiáticos e semióticos da relação cinema-literatura. Essa relação principal será observada tendo como pano de fundo representações ligadas ao imaginário cultural latino-americano. A partir de múltiplos fatores e modelos de estudo que incluem o cinema, busca-se analisar o movimento do processo criativo entre as obras “La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada” (1972), de García Márquez, e o filme Eréndira (1983), de Ruy Guerra. Para além de cuidar de uma relação de análise na qual o filme é apenas baseado no conto, busca-se pensar como os contextos culturais dos artistas e os potenciais representativos das mídias em jogo ressignificam leituras que se materializam criando uma interpenetração dos discursos artísticos. Portanto, o presente trabalho empenha-se em apresentar leituras cruzadas que possibilitam compreender o tratamento de questões culturais representadas no conto pelo ponto de vista dos recursos cinematográficos e o mesmo ao revés.

Orientador: Maria Lídia Lichtscheidl Maretti / Banca: Antonio Roberto Esteves / Banca: Cláudio José de Almeida Mello / Resumo: Em O Selvagem da Ópera, Rubem Fonseca (1925-) volta à segunda metade do século XIX com o intuito de vasculhar a vida gloriosa, ainda que cheia de percalços, do compositor Antônio Carlos Gomes, autor de Il Guarany e de outras óperas hoje praticamente esquecidas. Por meio de capítulos curtos, o autor revela desde os bastidores da Corte no Rio de Janeiro e a relação que o músico mantinha com o imperador-mecenas, até suas conquistas no mundo operístico italiano. Nessa obra, Rubem Fonseca investe no hibridismo de gêneros, já que incorpora ao romance a biografia e o argumento cinematográfico, além de nos deslindar os trâmites que envolvem a montagem de uma ópera. O livro é considerado um texto sobre a vida do músico que deve servir de base para um filme de longa-metragem, o que o transforma num romance imagético e, ainda, conta com um narrador que propõe, assim como a metaficção presume, tornar explícitos o ato de produção e as prováveis formas e lugares onde cada ação da narrativa deve acontecer. Além disso, o narrador apresenta um olhar inovador sobre os dados históricos e, com isso, trata de questões relacionadas à construção identitária na arte brasileira. A respeito do romance, portanto, analisamos o jogo de simulacros nele realizado, tendo em vista que o narrador nos prepara armadilhas para nos fazer pensar que estamos diante de um material biográfico, ou mesmo de um roteiro cinematográfico. Concomitante à análise formal, consideramos as implicações temáticas que, de maneira equivalente, propõem discutir, a partir da figura de Carlos Gomes e seu momento histórico, a identidade nacional na contemporaneidade / Résumé: Dans O selvagem da ópera, Rubem Fonseca (1925-) retourne à la deuxième moitié du XIXe siècle avec l'objectif d'enquêter sur la vie glorieuse, en dépit d'être plein de dérangements du compositeur Antônio Carlos Gomes, l'auteur d'Il Guarany et d'autres opéras pratiquement oubliés. Au moyen de courts chapitres, Fonseca révèle depuis les coulisses de la cour à Rio de Janeiro et la relation que le musicien maintenait avec l'empereur mécène, jusqu'à leurs conquêtes dans le monde opéristique italien. L'auteur investit dans l'hybridité de genres, puisqu'il incorpore au roman, la biographie et l'argument cinémathographique, en plus il met en évidence les voies qui impliquent le montage d'un opéra. Le livre est considéré un texte sur la vie du musicien qui doit servir de base pour un film, ce qui le transforme en un roman imagétique et, encore, il y a un narrateur qui propose, comme la métafiction le présume, rendre explicites l'acte du production et les probables formes et lieux où chaque action du récit doit se produire. En plus, le narrateur révèle un regard innovateur sur les faits historiques et, de cette manière, il traite de questions relationnées à la construction identitaire dans l'art brésilien. En ce qui concerne le roman, donc, nous analysons le jeu de simulacres y réalisé, car le narrateur prépare des pièges pour nous faire penser qu'il s'agit d'une biographie ou même d'un texte cinématographique. Concomitant à l'analyse formelle, nous considérons les implications thématiques qui, de façon équivalante, proposent réfléchir, à partir de Carlos Gomes et son moment historique, l'identité nationale dans la contemporanéité / Mestre

Orientadora: Rosane Gazolla Alves Feitosa / Banca: Suely Fadul Villibor Flory / Banca: Marcia Gomes Marques / Banca: Wagner Corsino Enedino / Banca: Gabriela Kvacek Betella / Resumo: O presente trabalho tem como objetivo central compreender a configuração do espaço e do tempo nas narrativas audiovisuais de O primo Basílio, que optam por assinalar o registro de fidelidade à obra matriz escrita por Eça de Queirós. A pergunta principal refere-se à: em que medida ocorre a reconfiguração do espaço e do tempo da referida obra em outros suportes? As adaptações concentram-se no campo do audiovisual, sendo a primeira produzida para televisão em formato de minissérie em 1988, e a segunda em formato fílmico concluído e lançado em 2007. Ambas têm como diretor, Daniel Filho. O referencial teórico e a metodologia adotados nesta pesquisa permitiram assinalar para as estratégias lançadas entre diferentes mídias (cinema, televisão, literatura) no tocante às relações entre espaço e tempo ficcionais nas obras de O primo Basílio. As bases conceituais que nortearam esta investigação estão fundamentadas a partir de apontamentos oriundos da teoria literária, da comunicação e do cinema, representadas por Benedito Nunes (1988;1992), Paul Ricouer (1994), Roberto DaMatta (1997), Michel de Certeau (1998), Mikhail Bakthin (1997), Vanoye e Goliot-Leté (2011), Julie Sanders (2006), Linda Hutcheon (2013) e Robert Stam (2006; 2008). Como recorte, analisaremos os ambientes internos e externos da casa burguesa, a rua, o espaço ocupado pelo teatro na narrativa, os pré e pós créditos e abertura das produções audiovisuais, assim como a função cronotópica dos meios de comunicação: jornal, revista e televisão. Esta leitura se fez na tentativa de perceber as relações espaciotemporais no audiovisual como elementos simbólicos e plurissignificativos que permitiram para ambas as adaptações o diálogo com o romance de Eça e suas questões histórico-sociais-culturais do final do século XIX português, ambientado pela produção em minissérie, e sua releitura para o Brasil... / Abstract: This study aimed at understanding the space and time settings in the audiovisual narratives of O primo Basílio, who choose to mark the loyalty registration with the original work written by Eça de Queiroz. The main question refers to: in what extent is the reconfiguration of space and time of the original work in other media? The adaptations are concentrated in the audiovisual field, being the first produced for miniseries in Brazilian TV in 1988, and the second in film format completed and released in 2007. Both have Daniel Filho as diretor, the theoretical reference and the methodology adopted in this research allowed to point out the strategies launched between different media (film, television, literature) as regards the relationship between space and time in the fictional works of O primo Basílio. The conceptual foundations that guided this research are based from notes coming from literary, communication and cinema theories, represented by Benedito Nunes (1988; 1992), Paul Ricouer (1994), Roberto DaMatta (1997), Michel de Certeau (1998), Mikhail Bakthin (1997), Vanoye e Goliot-Leté (1994), Julie Sanders (2006), Linda Hutcheon (2013) and Robert Stam (2008). As a cut, we'll analyze the internal and external environments of the bourgeois house, the street, the space occupied by the theater in the narrative, the pre and post credits and opening of the audiovisual productions, as well as chronotopic role of the media: newspapers, magazines and television. This reading was done in an attempt to understand the space and time relations in the film and in the tv show as symbolic and many meanings which enabled them to both adaptations dialogue with the novel of Eça and its historical-social-cultural issues of the late portuguese nineteenth century, set for TV production (miniseries), and its reinterpretation in Brazil, São Paulo, in 1958, present in the film... / Doutor

Orientador: Aguinaldo José Gonçalves / Coorientador: Maria Isabel do Amaral Antunes Vaz Ponce de Leão / Banca: Susanna Busato / Banca: Orlando Nunes de Amorim / Banca: Maria de Lourdes Ortiz Gandini Baldan / Banca: Paulo Custódio de Oliveira / Resumo: Este estudo consiste em uma investigação teórico-analítica acerca da natureza do cinema, desvelando-a a partir de similaridades estruturais de procedimentos construtivos observados nas artes vizinhas, como a pintura e a poesia, numa interrelação entre esses sistemas de linguagem distintos. Este trabalho volta-se aos primórdios de uma linguagem cinematográfica esteticamente em formação, a tomar consciência de seu próprio sistema de expressão artística. Para uma abordagem teórico-analítica do conceito de temporalidade no cinema, realiza-se o estudo sistemático de algumas filmografias decisivas, as quais consideramos determinantes em seu momento histórico e também em momentos futuros da própria história do cinema mundial. O trabalho intenciona constatar as indagações e hesitações suscitadas pela imagem-movimento das primeiras produções de cinema e promover uma investigação teórico-analítica acerca da temporalidade das imagens nos cinemas clássico e moderno, verificando a estreita relação do cinema com procedimentos estruturais próprios da pintura figurativa e da poesia lírica. Períodos fundamentais da história da arte como o Renascimento italiano e movimentos de vanguarda decisivos como o Impressionismo francês e o Expressionismo alemão tornam-se os fios de prumo ao longo do estudo, colocando-se como paradigmas estéticos fundamentais às considerações acerca da natureza do cinema / Abstract: This study consists of a theoretical-analytical investigation about the nature of cinema, revealing it from the structural similarities of constructive procedures observed in the neighboring arts, such as painting and poetry, in an interrelation between these different language systems. Our work turns to the beginnings of a cinematographic language aesthetically in formation, to become aware of its own system of artistic expression. For a theoretical-analytical approach to the concept of temporality in cinema, we systematically study some decisive filmographies, which we consider to be determinants in their historical moment and also in future moments in the history of world cinema itself. The work aimed to verify the questions and hesitations raised by the image-movement of the first film productions and to promote a theoreticalanalytical investigation about the temporality of the images in the classic and modern cinemas, verifying the close relation of the cinema with structural procedures proper to figurative painting and of lyric poetry. Fundamental periods of art history such as the Italian Renaissance and decisive avant-garde movements such as French Impressionism and German Expressionism were our plumb lines throughout the study, becoming aesthetic paradigms fundamental to considerations about the nature of cinema / Doutor

Orientador: Álvaro Luiz Hattnher / Banca: Cátia Inês Negrão Berlini de Andrade / Banca: Adriana Lins Precioso / Banca: Maria de Lourdes Ortiz Gandini Baldan / Banca: Maria Celeste Tommasello Ramos / Resumo: O romance I Malavoglia (1881), de Giovanni Verga, foi adaptado duas vezes para o cinema: a primeira, pelo milanês Luchino Visconti, em 1948, La terra trema: episodio del mare, importante obra do neorrealismo italiano; e a segunda, pelo siciliano Pasquale Scimeca, em 2010, Malavoglia. Em ambas as adaptações, o momento de produção foi extremamente importante para a reescritura do romance realista do século XIX e instaurou uma profunda e significativa relação entre história e sociedade para a compreensão das obras como realizações artísticas autônomas. A partir do conceito de adaptação de Hutcheon (2013) e dos estudos de Stam (2008) e (2013), este trabalho pautou-se pela compreensão do processo adaptativo que teve como suporte a atualização, ou seja, o transporte da narrativa literária para um novo contexto histórico; por exemplo, os anos seguintes à Segunda Guerra Mundial e o primeiro decênio do Terceiro Milênio, para analisar a forma como os filmes dialogaram com o texto adaptado e ampliaram seu próprio raio de ação ao atualizar a narrativa, ancorando-se nesta, mas projetando-se para engendrar novos sentidos e significações. Segundo a análise desse deslocamento temporal, no qual são inseridas questões de relevância para a atualidade, propiciando a identificação de elementos do presente histórico e da realidade por seu público alvo, foi possível concluir que a atualização proporcionou uma íntima conexão entre o momento de produção das obras cinematográficas e o transporte de... / Abstract: The novel I Malavoglia (1881), by Giovanni Verga, has been adapted twice to film: the first one, by the Milanese Luchino Visconti, in 1948, La terra trema: episodio del mare, important masterpiece of Italian Neorealism; and the second one by the Sicilian Pasquale Scimeca, in 2010, Malavoglia. For both adaptations, the moment of production was extremely important for the rewriting of a realistic novel from the XIXth century and instituted a deep and significant relationship between history and society to understand those works as autonomous artistic realizations. From Hutcheon's concept of adaptation (2013) and Stam's studies (2008 and 2013), this work was based on understanding the adaptation process supported by updating, i.e., the literary narrative transported to a brand new historical context, e. g, the years after World War II and the first years of the Third Millennium, to analyze the dialogues between the films and the adapted text and how they extended their own meanings when they brought the narrative up to date, holding on the novel but enlarging its overall signification. The analysis of that temporal dislodgement, in which it's possible to find social questions relevant to the their moments of production, indicating and identifying historical and real elements to the audience, led us to conclude that the updating allowed an intimate connection between the moment of production of those cinematographic works and the transport of elements of reality to the fictional story that deeply changed the ways of interpretation and determined the critical and ideological bases of those rewritings, the final goal of those texts' transformations and the strategies for reconstruction of the meanings to create films that revealed themselves to be portraits of the time and society, composing, side by side with the novel, a human document / Riassunto: Il romanzo I Malavoglia (1881) di Giovanni Verga è stato adattato due volte per il Cinema: la prima volta, dal milanese Luchino Visconti, nel 1948, La terra trema: episodio del mare, un importante capolavoro del neorealismo italiano; la seconda, dal siciliano Pasquale Scimeca, nel 2010, Malavoglia. In entrambi i casi, il momento della produzione è stato veramente importante per la riscrittura del romanzo realista del XIX secolo e ha instaurato un profondo e significativo rapporto fra storia e società per la comprensione delle opere come realizzazioni artistiche autonome. Avendo come base il concetto di adattamento di Hutcheon (2013) e gli studi di Stam (2008) e (2013), il presente lavoro ha come obiettivo la comprensione del processo di adattamento, il cui fulcro è stato la trasposizione della narrazione in un nuovo contesto storico - gli anni successivi alla Seconda Guerra Mondiale e il primo decennio del terzo millennio-. Si analizza perciò il modo in cui i film hanno dialogato con il testo adattato e hanno esteso il proprio campo di azione per il fatto di aver inserito la narrazione in un altro momento storico e di limitarsi a questo, creando però nuovi sensi e significati. L'approfondimento di questo spostamento temporale, in cui sono inserite questioni importanti per l'attualità, permette allo spettatore di individuare elementi del proprio presente storico e della propria realtà. È stato possibile concludere che lo spostamento temporale/l'attualizzazione ha creato un intimo legame tra il momento della produzione delle opere cinematografiche e la trasposizione di elementi della realtà nel tessuto narrativo, che hanno cambiato profondamente i percorsi interpretativi e hanno tracciato le basi critico-ideologiche delle riletture suscitate e stabilito la finalità delle trasformazioni dei testi e le strategie di ricostruzione dei significati, destinate alla ... / Doutor

Orientador: Arnaldo Cortina / Banca: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Banca: Tieko Yamaguchi Miyazaki / Resumo: O trabalho consiste no estudo e análise do romance Cidade de Deus, de Paulo Lins, relançado em 2002. Tal análise tem como objetivo verificar como esse texto contemporâneo articula sua escrita, sua produção, a partir de uma expectativa de leitura do leitor contemporâneo. O estudo também busca observar os mecanismos discursivos e textuais presentes na constituição da obra em questão, sem deixar de considerar o contexto sóciohistórico em que o romance está inserido. Procura explorar ainda, as condições específicas que despertaram o interesse do público em geral para a leitura da obra e em que medida a transposição do romance para o cinema, no ano de 2002, sob a direção de Fernando Meirelles, influenciou no aumento do número de leitores para esse livro. / Abstract: This study consists in the investigation anda analysis of Paulo Lins' romance Cidade de Deus, relanced in 2002. This analysis intends to verify as this contemporary text articulates his writings, his production, from one expectative of lecture of a contemporary reader. The study search too to observe the textuals and discoursives mechanisms presentes in the constitution of book in question, without leave to consider the social and historic context in that the romance is inserted. It search still to explore the specific conditions that waked the public interest in general for reader of book and in that measure the transposition of romance for the cinema, in the year 2002, under Fernando Meirelles direction, had influence in the increase number of readers for this book. / Mestre

133 f. / Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-03-22T15:16:11Z No. of bitstreams: 1 Natássia Guedes Alves.pdf: 18714876 bytes, checksum: ee953fb8fedc337a256a2731b357aeac (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva(sivalda@ufba.br) on 2013-03-22T20:11:20Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Natássia Guedes Alves.pdf: 18714876 bytes, checksum: ee953fb8fedc337a256a2731b357aeac (MD5) / Made available in DSpace on 2013-03-22T20:11:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Natássia Guedes Alves.pdf: 18714876 bytes, checksum: ee953fb8fedc337a256a2731b357aeac (MD5) / Esta pesquisa busca analisar as traduções intersemióticas do romance Le Fantôme de l’Opéra, de Gaston Leroux (1910), para o cinema. Para isso, foi feita uma extensa pesquisa bibliográfica a respeito do referencial teórico que envolve o tema, como também com relação ao material já publicado sobre o romance referido e suas adaptações. O objeto de estudo escolhido foi amplamente traduzido para diversos meios, sendo esta uma das razões que impulisonou o desenvolviemnto deste trabalho. No meio cinematográfico, existem mais de vinte adaptações. Nesse estudo serão contempladas a versão de Rupert Julian (1925), um filme de horror, mudo e em preto e branco; assim como a de Joel Schumacher (2004), um musical, produzido pelo mesmo idealizador da peça musical de 1986, Andrew Lloyd Webber. Essa pesquisa visa entender os caminhos que levaram cada obra a culminar em gêneros tão distintos (tendo em vista que ambos partem do mesmo romance) e as transformações pelas quais passou o personagem do Fantasma para que ele se encaixasse em cada nova produção. Assim, é levado em conta, na análise, o fato de se tratar de um processo semiótico no qual a interação sígnica pode ser vista como uma tradução; debruçamo-nos também sobre o estudo da importância da interpretação, que age em conjunto com esse processo. Desse modo, na tradução intersemiótica, além dessa interpretação, deve-se adicionar como característica da prática tradutória a manipulação intencional do tradutor, que enxerta ou realiza cortes de acordo com sua visão, sua necessidade (para adaptação ao gênero) ou para adaptar às exigências do meio ou da recepção. Portanto, as versões cinematográficas são vistas como reescrituras, como qualquer outra tradução, como afirma André Lefevere (2007). Dessa maneira, o estudo verifica como as reescrituras suplementam o texto de partida. A pesquisa revela que a intertextualidade é mais um recurso utilizado pela manipulação,assim como revela que sem suas traduções, O Fantasma da Ópera talvez não ficasse tão conhecido como o é hoje. / Universidade Federal da Bahia. Instituto de Letras. Salvador-Ba, 2011.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Literatura, Florianópolis, 2015. / Made available in DSpace on 2015-09-01T04:09:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 334024.pdf: 7428111 bytes, checksum: a716c6e0c098fa4d66e216b2125caeec (MD5) Previous issue date: 2015 / A urbe sofre uma vertiginosa transformação que expõe as diferenças econômicas, sociais e culturais, cada vez mais acentuadas, tornando o seu equacionamento um grande desafio. Na interpretação desse processo, destacam-se as manifestações artísticas, especialmente nos campos da literatura e do cinema, que tratam da dimensão simbólica do convívio na cidade. Em um exercício de pensar a história como montagem de imagens sob o ponto de vista de Walter Benjamin, a presente Tese aborda uma arqueologia de filmes para investigar a expressão da periferia na cinematografia brasileira e francesa e chegar à identificação dos ?sujeitos? representados, para então investir em uma análise mais detalhada nos filmes: La Haine (O Ódio), de Mathieu Kassovitz, 1995, em Paris, e Cidade de Deus, 2002, de Fernando Meirelles e Kátia Lund, no Rio de Janeiro, os quais denunciam a crise na cidade contemporânea, que ameaça eclipsar-se diante da crescente intolerância humana e social. A intenção foi estabelecer uma zona de contato, com o intuito de trazer à discussão dois países com suas diferentes implicações, porém apresentando características semelhantes no comportamento dos jovens em uma sociedade do espetáculo, do consumo, da fama súbita. Capturados pelo desejo promovido e difundido na ?cidade espetacular?, esses jovens são confrontados com a exclusão dentro do próprio país, com a falta de oportunidade e a repressão policial desde muito cedo. São fatores que favorecem a adesão à criminalidade como alternativa dessa juventude aqui denominada Apache. Se em Paris no século XIX o perigo estava em qualquer esquina, os proletários eram considerados os Apaches da civilização, no Rio de Janeiro era da mesma forma, porém com fator determinante de que os negros eram o perigo para a cidade. O conceito juventude Apache afirma-se na dialética benjaminiana entre o passado mais longínquo e o futuro emancipado, já que o jovem oriundo das classes populares continua exercendo um enfrentamento, um embate com a cidade, porque ele deseja vivê-la intensamente, mas é lido por ela como uma ameaça, como um selvagem.<br> / Résumé: L urbe subit une transformation vertigineuse exprimant des différences économiques, sociales et culturelles de plus en plus accentuées, ce qui rend l évaluation de son équation un grand défis. Dans l interprétation de ce processus, se démarquent les manifestations artistiques, appartenant particulièrement aux domaines de la littérature et du cinéma, qui s intéressent à la dimension symbolique de la convivialité dans la ville. Notre réflexion conçoit l histoire en tant que « montage d images », selon le point de vue de Walter Benjamin, et aborde une « archéologie » de films afin d observer l expression de la périphérie dans la cinématographie brésilienne et française dans le but d identifier les « individus » qui y sont représentés. Nous pouvons, de cette façon, investir dans une analyse plus approfondie des films suivants : La Haine, de Mathieu Kassovitz (Paris, 1995) et Cidade de Deus (Rio de Janeiro, 2002), de Fernando Meirelles et Kátia Lund. Ces deux films dénoncent la crise dans la ville contemporaine, et menacent son éclipse face à l intolérance humaine et sociale croissante. Il s agit d établir une zone de contact et de mettre en lumière deux pays, que, malgré leurs différences, se montrent similaires en ce qui concerne le comportement des jeunes dans une société du spectacle, de la consommation et de la célébrité soudaine. Capturés par le désir promu et diffusé dans la « ville spectaculaire », ces jeunes sont confrontés à l exclusion dans leurs propres pays, au manque d opportunité et à la répression policière depuis leur plus jeune âge. Ce sont des facteurs qui favorisent l adhésion à la criminalité comme une alternative à cette jeunesse, ici dénommée Apache. Si à Paris, au XIXe siècle, le danger était omniprésent et les prolétaires étaient considérés les Apaches de la civilisation, à Rio de Janeiro il se passait la même chose, en tenant compte du fait que les noirs étaient considérés comme synonyme de danger pour la ville. Le concept de jeunesse Apache s affirme dans la dialectique benjaminienne entre le passé le plus lointain et le futur émancipé. Le jeune issu des classes populaires continue à exercer un affrontement, un choc avec l espace urbain. Il désire vivre la ville intensément, mais celle-ci l interprète comme un être sauvage.

Programa de Pós-Graduação em Letras. Departamento de Letras, Instituto de Ciências Humanas e Sociais, Universidade Federal de Ouro Preto. / Submitted by Oliveira Flávia (flavia@sisbin.ufop.br) on 2015-11-26T16:24:41Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 22190 bytes, checksum: 19e8a2b57ef43c09f4d7071d2153c97d (MD5) DISSERTAÇÃO_SmithyIrishSoul.pdf: 2980563 bytes, checksum: 676c9009d04ff78628da8a02f757ff24 (MD5) / Approved for entry into archive by Gracilene Carvalho (gracilene@sisbin.ufop.br) on 2015-11-26T16:47:14Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 22190 bytes, checksum: 19e8a2b57ef43c09f4d7071d2153c97d (MD5) DISSERTAÇÃO_SmithyIrishSoul.pdf: 2980563 bytes, checksum: 676c9009d04ff78628da8a02f757ff24 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-11-26T16:47:14Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 22190 bytes, checksum: 19e8a2b57ef43c09f4d7071d2153c97d (MD5) DISSERTAÇÃO_SmithyIrishSoul.pdf: 2980563 bytes, checksum: 676c9009d04ff78628da8a02f757ff24 (MD5) Previous issue date: 2015 / O presente estudo discute a importância da identidade nacional irlandesa e sua caracterização tanto no conto “The Dead”, de James Joyce, quanto na sua adaptação fílmica homônima dirigida por John Huston em 1987. A cidade de Dublin, a Irlanda e James Joyce se apresentam indivisíveis na experiência de ler um dos seus livros de uma forma um pouco mais plena. Também assim se descobre a identidade, mais especificamente, a identidade irlandesa, como primordial para a compreensão de sua obra. A problematização da identidade nacional é, no entanto, ainda mais salientada em “The Dead”, o último dos quinze contos de Dubliners considerado por Joyce como um capítulo na história moral da Irlanda. A adaptação fílmica de 1987 é onde Joyce e Huston se encontram e problematizam questões relacionadas à nacionalidade irlandesa. Embora o cineasta fosse de ascendência irlandesa e se considerasse Irishman, sua carreira artística internacional esteve vinculada ao país onde nasceu, os Estados Unidos. Joyce e Huston ambos optaram pelo autoexílio, espaço onde suas identidades nacionais eram reconfiguradas. O arcabouço teórico para a discussão proposta foi construída a partir de conceitos desenvolvidos por Stuart Hall, Homi Bhabha e Benedict Anderson. Os conceitos de identidade propostos por esses autores caracterizam a identidade nacional como algo passível de constante reflexão e ressignificação. _________________________________________________________________________________________________________ / ABSTRACT: This study aims to discuss the importance of Irish national identity and its characterization both in James Joyce’s short story “The Dead”, and in its homonymous filmic adaptation directed by John Huston in 1987. The city of Dublin, Ireland and James Joyce are indivisible when experiencing a deeper reading of one of his books. Also, the identity, more specifically the Irish identity, shows itself as a central part to the understanding of his work. A broad discussion of the national identity is, however, more emphasized in “The Dead”, the last of the fifteen stories of Dubliners considered by Joyce as a chapter in the moral history of Ireland. The filmic adaptation of the short story is where Joyce and Huston meet and problematize issues of Irish nationality. Although the filmmaker was of Irish descent and considered himself an Irishman, his international artistic career was linked to the country where he was born, the United States. Both Joyce and Huston lived in self-exile, a space where their national identities were reconfigured. The theoretical framework for the proposed discussion was built from concepts developed by Stuart Hall, Homi Bhabha and Benedict Anderson. The concepts of identity proposed by these authors characterize national identity as something subject to constant reflection and redefinition.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicão e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Letras/Ingles e Literatura Correspondente / Made available in DSpace on 2013-07-16T00:42:06Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / Esta dissertação propõe uma interpretação Jungiana e Pós-Jungiana do romance Drácula, escrito por Bram Stoker, e sua versão cinematográfica Drácula de Bram Stoker de Francis Ford Coppola. Incluindo alguns aspectos do Romantismo, características de algumas narrativas de horror e o uso de conceitos Jungianos e pós-Jungianos, apresento uma proposta de um conceito teórico e crítico que decidi chamar de "Fog Era" (a Era da Bruma). Este conceito é essencialmente dinâmico e contém um aspecto seminal e imutável que faz com que seus elementos passeiem por diferentes contextos históricos e se readaptem, adquirindo novos contornos. A função proposta para a "Fog Era" é servir como uma ferramenta para análise de algumas facetas do horror, primeiro nas narrativas mencionadas e depois em outras narrativas analisadas brevemente. Na Introdução mostro os passos que devo seguir nos outros capítulos e que bases do Romantismo e fronteiras literárias devem limitar meu trabalho. No Capítulo I, item 1, mostro quais conceitos Jungianos uso para minha análise, bem como uma perspectiva mais contemporânea dos pesquisadores pós-Jungianos. No item 2, apresento o Romantismo em antagonismo com os valores Vitorianos e explico porque o conceito Jungiano da sombra é válido para dizer que os Vitorianos são a sombra dos Românticos. No item 2.1, o arquétipo da Mãe é usado para justificar o contexto em que as narrativas de horror foram criadas. No item 2.2, uma relação entre arquétipos e personagens é feita e será o suporte para a análise no próximo capítulo. O Capítulo II traz a análise completa da versão de Coppola, sendo que no item 1 mise-en-scène e caracterização são relacionadas com os conceitos Jungianos e o item 2 mostra a reiteração da análise e o novo contexto histórico do filme. O item 3 apresenta minha proposta de um novo conceito teórico para analisar as narrativas horror, chamada de "Fog Era". Na Conclusão revejo a teoria usada, confirmo as características e a utilidade da noção de "Fog Era". This thesis proposes a Jungian and post-Jungian interpretation of the novel Dracula, written by Bram Stoker, and its filmic version Bram Stoker's Dracula, directed by Francis Ford Coppola. With the inclusion of some aspects of Romanticism, characteristics of some horror narratives and the use of Jungian and post-Jungian concepts, I attempt at defining a new critical theoretical concept that I call the Fog Era. This concept is essentially dynamic and contains a seminal immutable aspect that makes its elements travel through different historical contexts and re-adapt themselves while acquiring new contours. The function proposed to the Fog Era concept is to serve as a tool to analyze some of the horror manifestations in the narratives mentioned above; at the same time, some other narratives are analyzed briefly. In the Introduction, I show the steps I will follow in the subsequent chapters and establish what basis of Romanticism and what literary boundaries will limit my corpus. In Chapter I, item 1, I show which Jungian concepts I need in order to develop my analysis, as well as a more contemporary and reviewed perspective of post-Jungian researchers. In item 2, I present aspects of Romanticism in antagonism with Victorian values and explain why the concept of shadow proposed by Jung is valuable to define the Victorians as the shadow of the Romantics. In item 2.1, the Mother Archetype is used to justify the context in which the horror narratives were created. In item 2.2, a relation is made among the archetypes and the characters present in the narratives, which will support the analysis for the next chapter. In Chapter II a full analysis of Coppola's filmic version is done: in item 1 the mise-en-scène and characterization are related to the Jungian concepts and in item 2, a reiteration of the analysis and the new historical context of the film. In item 3, I finally present my proposal of the new theoretical concept to analyze horror narratives, called the Fog Era. In the Conclusion, I review the theoretical frame used, and confirm the characteristics and usefulness of the Fog Era.