La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Cette thèse se veut une étude historique et une mise en contexte de l’œuvre de José Antonio Gómez y Olguín (1805-1876), compositeur du début de l’indépendance du Mexique. Elle comprend l’analyse de son manuscrit musical, Ynvitatorio, Himno y 8 Responsorios. Ce manuscrit de plus de 500 folios, découvert en 2005 à l’Archivo Histórico Diocesano de San Cristóbal de Las Casas, Chiapas, et apporté en 1854 au diocèse de Chiapas à partir de Mexico par l’évêque Carlos María Colina y Rubio (1813-1879), demeure la seule copie existante de cette œuvre monumentale pour chœur et orchestre. Œuvrant à une époque tumultueuse sur la scène politique, Gómez a été un musicien reconnu dans son pays. Dans le domaine liturgique, il occupa les postes d’organiste, de compositeur et de chef pour la Cathédrale de Mexico, alors que dans le monde laïc, il fut un musicien polyvalent, comme compositeur, professeur et éditeur de musique. En outre, cette thèse retrace de manière critique l’historiographie musicale mexicaine qui, jusqu’à présent, avait écarté l’œuvre de Gómez, sinon traité comme un compositeur mineur, une sorte de sous-produit de la tradition opératique italienne. Au contraire, nous considérons que ses compositions, dont notamment l’Ynvitatorio, représentent un jalon incontournable d’une période négligée de l’histoire de la musique mexicaine, durant laquelle les différends entre l’Église et l’État ont agi directement sur la vie culturelle du Mexique. / This dissertation is a historical and contextual study of José Antonio Gómez y Olguín (1805-1876), a composer of Mexico’s Independent period, and an analysis of his music manuscript, Ynvitatorio, Himno y 8 Responsorios. Gómez’s Ynvitatorio, of over 500 folios, discovered in 2005 at the Archivo Histórico Diocesano of San Cristóbal de Las Casas, Chiapas, is the only extant copy of this monumental work for choir and orchestra brought in 1854 to the diocese of Chiapas from Mexico City by the Bishop Carlos María Colina y Rubio (1813-1879). Gómez, a renowned musician in his own time, a period of political turmoil, worked as an organist, composer and conductor for the Mexico City Cathedral and as a polyvalent musician, teacher, and publisher in the secular world of Mexico City. This dissertation reconsiders the Mexican historiography studies to date which have dismissed the works of Gómez as merely derivative of the Italian operatic tradition. Rather, his compositions, in particular the Ynvitatorio, are considered as complex testimonials to this neglected period of Mexican music history, a time in which tensions between the Church and the State acted directly upon the cultural life in Mexico.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire de maîtrise examine les processus d’intertextualité liés à la représentation de la femme dans la culture musicale folk ou soft rock et examine les mécanismes par lesquels ils sont récupérés par les tenants du suprémacisme blanc. Le mémoire se consacre exclusivement à l’analyse d’une ballade folk pour voix et piano: Tomorrow Belongs To Me, telle qu’enregistrée par la chansonnière suédoise raciste Saga. Cet arrangement d’un extraitde la trame sonore du film Cabaret soulève la problématique de l’apparition des femmes sur la scène musicale suprémaciste, ainsi que celle de la réception de leur musique par les militants masculins. La recherche montre que le choix esthétique de Saga lui permet concurremment de se complaire aux codes d’un milieu à nette dominance masculine et de les défier, assimilant du coup l’idéologie fasciste à l’expression et à l’expérience de la féminité. Le présent travail est basé dans un premier temps sur l’analyse sémiologique des composantes musicales de l’oeuvre, appuyée à la fois sur la littérature musicologique et sociologique sur le folk et la musique de masse, ainsi que sur des entrevues visant à recueillir chez les sujets des matériaux de comparaisons interobjectives, ceci d’après le modèle de Tagg. L’analyse s’appuie ensuite sur une approche holistique intégrant l’analyse du texte, sa mise en contexte et la compréhension de cette pièce en tant que propagande,cela afin de saisir les nouvelles formes de rhétorique employées dans le créneau musical raciste. / This Master’s thesis examines the intertextuality processes related to female gender representation in the folk and soft rock music culture and examines the mechanisms by which those are hijacked by tenants of white supremacism. The research focuses solely on the analysis of a folk ballad for voice and piano: Tomorrow Belongs To Me, as recorded by Swedish racist songstress Saga. This arrangement of an excerpt from the movie soundtrack Cabaret raises the issue of the emergence of women on the racist musical scene, as well as the issue of the reception of their music by male militants. The thesis shows that Saga’s esthetic allows her to conform herself to the codes of a male-dominated milieu, as well as to defy them simultaneously, thus allowing her to assimilate a fascist ideology to the expression and experience of womanhood.In its first section, the paper is based upon the semiological analysis of the musical components of the piece, supported by musicological and sociological literature about folk and mass music, as well as by interviews aiming at collecting inter-objective comparison material from the participants, according to Tagg’s model. The analysis is then grounded ona holistic approach, which integrates a text analysis, providing the setting as context in addition to the understanding of that piece as propaganda, with the aim to understand the new forms of rhetoric employed in racist music.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Composé entre 2007 et 2009, l’opéra La Métamorphose est une œuvre ambitieuse en raison de sa taille, mais également par son intention première de vouloir se rapprocher de l’idéal du Gesamtkunstwerk. Afin d’atteindre cet objectif, nous avons multiplié les efforts pour assurer une production professionnelle qui permettrait, non seulement, une interprétation correcte de l’œuvre, mais qui garantirait le financement nécessaire à un travail d’équipe dès la phase de conceptualisation. Bien que la production professionnelle de La Métamorphose n’ait pas eu lieu, comme convenu, à cause d’un désengagement de dernière minute du producteur principal, nous avons eu la chance de travailler une année complète en collectif ce qui a grandement aidé à synthétiser la prise de décision artistique liée à ce projet. Plus qu'une fin en-soi, cet opéra est alors devenu, par la force des choses, un véhicule permettant l'approfondissement et l'appropriation de plusieurs nouvelles techniques d'écriture avec l'aide, entre autres, de la Composition assistée par ordinateur : morphing, harmonie basée sur des analyses spectrales ou sur des modèles de résonance, profilage mélodique, etc. Le premier chapitre de la thèse aborde la genèse de La Métamorphose avec tout le travail de recherche précédant la composition proprement dite de l'œuvre : apprentissage des outils de programmation (MaxMSP, Openmusic), conception du livret, premières esquisses, travail de conceptualisation en équipe (compositeur, librettiste, metteur en scène, producteur). Le deuxième chapitre présente une analyse musicale approfondie de La Métamorphose en mettant l’accent sur les techniques d’écriture inspirées du thème universel de la transformation. Le dernier chapitre démontre la formalisation graduelle de ma démarche compositionnelle et propose une synthèse des nouvelles connaissances acquises lors de l'écriture de La Métamorphose. / Composed between 2007 and 2009, the opera La Métamorphose is ambitious by its size, but also by its first intention to get closer to the ideal of a total artwork. To do so, efforts have been multiplied to assure a professional production that would not only allow a correct performance of the work, but also give out the necessary funding to work as a team during the conceptualization process. Although the professional production of this work has not taken place as planned, due to a last minute disengagement of the main producer, the creative team still managed to work together one whole year, which greatly helped to synthesize artistic decisions linked to this piece. More than being a be-all and end-all, this opera project has become a vehicle allowing a further deepening and appropriation of many new compositional techniques with the help, amongst others, of Computer Assisted Composition: morphing, spectral analysis based harmony, resonance model based harmony, melodic profiling etc. The first chapter of this thesis approaches the genesis of La Métamorphose including all of the research preceding the composition of the work: mastering visual programming tools (MaxMSP, Openmusic), writing of the libretto, first drafts, conceptualization work as a team (composer, librettist, stage director, producer). The second chapter presents an analysis of La Métamorphose, putting the emphasis on compositional techniques isnpired by the universal theme of transformation. The last chapter demonstrates the gradual formalization of my musical reasoning and proposes a synthesis of the new knowledge acquired during the composition of La Métamorphose.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire présente quatre œuvres musicales composées dans le cadre d'une exploration des musiques numériques. La description de leur contexte de création et leur analyse témoignent d’une démarche méthodologique inspirée par l’improvisation, la collaboration et l’interprétation des musiques. Une introduction précise d’abord mon parcours musical et mes sources d’inspiration en plus de décrire les origines et les objectifs de mon projet. Le premier chapitre présente le contexte de création des quatre œuvres qui composent mon corpus. De velours et d’acier est une pièce acousmatique inspirée de la musique métal qui s’organise autour de matériaux sonores référentiels. Un pied dans ma poubelle est une pièce musicale mixte composée expressément pour l'ensemble de jazz contemporain [iks]. Sa composition a grandement fait évoluer ma conception de l’improvisation. La pièce Enfant Robot au cœur fondant est une recherche sur l’intégration des composantes électroacoustique et instrumentale dans une même musique. Druckabfall est une musique acousmatique qui a vu le jour suite à une collaboration théâtrale. Un deuxième chapitre offre une discussion sur la musique mixte et ses implications dans le processus créatif. Un ultime chapitre aborde de façon critique mon corpus en plus d’en extraire certaines préoccupations. Je propose alors une méthodologie de composition en plus de discuter de l’improvisation et de la collaboration comme moyens de développer mon processus créatif. Cette discussion d’ordre esthétique me permet d'établir des perspectives d’avenir pour ma création musicale. / This Master's thesis presents four musical works composed whilst researching numeric music. The description of their context of creation and their analysis indicate a methodological approach inspired by improvisation, collaboration and interpretation of music. First, an introduction describes my musical background and sources of inspiration in addition to describing the origins and objectives of my project. The first chapter presents the context, within which the four musical works were created. De velours et d’acier is an acousmatic work inspired by metal music. It is organized around a set of referential sounds. Un pied dans ma poubelle is a mixed music work composed specifically for the contemporary jazz band [iks]. My understanding of improvisation has greatly evolved with the composition of this work. The piece called Enfant Robot au cœur fondant was made during my research for integrating electroacoustic and instrumental components within a united music. Druckabfall is an acousmatic work born after a collaboration within the world of theater. The second chapter provides a discussion on mixed music and its implications in the creative process. The final chapter looks critically across my corpus to extract some aesthetic concerns. I then propose a methodology of composition and discuss the improvisation and collaboration as means to develop my creative process. This discussion allows me to enunciate my future musical pratices.

La version intégrale de ce[te] mémoire [thèse] est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Résumé Ce document présente une collection d’œuvres composées sur une période de deux ans. Le premier chapitre comprend les sommaires des premières pièces de cet période, écrites pour des instruments solistes ou des petits ensembles. Le second chapitre consiste en une analyse approfondie de « Three Constructions in Heavy Metal », une pièce pour un ensemble de musique de chambre à six interprètes et un chef. Les pièces sont présentées chronologiquement afin d’illustrer l’évolution du processus de composition, ainsi que d’exposer plusieurs éléments recyclés dans de nouveaux contextes. Puisque toutes les pièces sont écrites pour des petits ensembles, l’accent est mis sur la maximalisation du potentiel sonore disponible. Ceci se passe tout d’abord au niveau instrumental, mais la présente analyse démontrera aussi sa pertinence au niveau des matériaux musicaux; en effet, presque tout le matériel dans « Three Constructions in Heavy Metal » peut être retracé, d’une quelconque façon, dans les pièces présentées dans le premier chapitre. Mots-clés : Musique, composition, dualité, chambre, texture, ensemble, instrumental / Abstract The following document presents a collection of pieces all composed during a two- year period. The first chapter consists of overviews of the earliest pieces, written for solo instruments or small ensembles, while the second chapter is an in-depth analysis of the most recent work, “Three Constructions in Heavy Metal” (a chamber piece for six performers and conductor). The pieces are presented in a chronological order to illustrate the evolution of the compositional process as well as the way certain ideas are recycled and reused in new contexts in different pieces. As all the pieces are written for small ensembles, there is an emphasis on maximizing the sonic potential available. This takes places at the instrumental level and, as analysis will show, at the level of the musical materials; nearly all the material in “Three Constructions in Heavy Metal” can be traced in some way to the pieces presented in the first chapter. Keywords: Music, composition, duality, chamber, texture, ensemble, instrumental

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / La présente recherche développe le projet d’écrive quatre compositions pour différents groupes d’instruments réunies autour de l’idée des quatre éléments (terre, eau, feu, air). La recherche comprend : une courte description de l’idée même de ces éléments dans la culture en général et en musique en particulier; l’éclairage du brusque changement au début du vingtième siècle présentant tout une autre approche, avec de grands compositeurs comme Debussy, Scriabine et Stravinsky; la partie principale avec l’analyse des œuvres musicales et les conclusions. Bien que la portée de l’idée même des éléments ait été estimée à sa juste valeur, son rôle dans la musique n’a jamais été suffisamment évalué. L’idée des éléments et la création de la musique expriment un aspect dynamique de l’être et le principe de l’unité dans la diversité. A ma connaissance un pareil rapprochement n'a encore jamais été signalé, ce qui permet de le considérer comme l’hypothèse de ladite recherche. Comme les compositions de mon doctorat comptent sept œuvres unies par le même sujet, on peut parler de différentes manifestations de l’idée des éléments et de la diversité des moyens. Telle est la valeur principale de la recherche. Quatre œuvres analysées – « On a Russian Theme » pour orchestre symphonique, « Zodiac Signs » pour orchestre de chambre, « Mount Fuji » pour deux pianos et orchestre, « Que Dieu Soit » pour chœur, orgue et hautbois - présentent une sorte de cycle malgré la différence de genres et d’instruments. Bien que les quatre éléments soient présents différemment dans chaque œuvre, un unique élément domine dans chacune : la terre dans « Sur un Thème Russe », l’eau dans « Signes de Zodiac », le feu dans « Fuji », l’air dans « Que Dieu Soit ». La particularité de l’analyse est l’accent porté sur l’expression des éléments par les moyens de la musique. C’est tout d’abord l’orchestration et la texture ainsi que l’harmonie, la mélodie, le contrepoint et la forme. / The present thesis analyses the ideas of four works for various orchestral ensembles, all united by the concept of the four elements of nature: earth, water, fire, and air. This includes a brief consideration of what meaning has been attached to the idea of the elements in culture in general and in music in particular; a review of the qualitative change in the approach to the idea of the elements which occurred at the turn of the twentieth century in the works of composers such as Debussy, Scriabin, and Stravinsky; and an analysis of musical works with conclusions. Although the idea of the elements has been considered thoroughly in the history of human thought, the application of this idea to music has been clearly underestimated. At its deepest level, both the idea of the elements in its universal meaning and musical creativity per se express the dynamic aspect of being and unity in diversity. To my knowledge, this connection has never been observed, which is why this connection can be considered as a hypothesis of the present thesis. Since this doctoral project encompasses seven works exploring the same theme, it would be only logical to use a multi-faceted presentation of the idea of the elements and its multifarious expression by a variety of means. This is the main purpose of the present project. The selection of four out of the seven works for analysis is further explained in the main body of the dissertation. The four works under consideration are On a Russian Theme for symphony orchestra, Zodiac Signs for chamber orchestra, Mount Fuji for two pianos and orchestra, and Que Dieu Soit for choir, organ, and oboe. Together the four works constitute a kind of cycle despite the variety of genres and performing groups. In each piece, one of the four elements assumes a dominant position, although the elements are presented differently in each of the works. In On a Russian Theme, earth is in the foreground; in Zodiac Signs, it is water; in Mount Fuji, fire; and in Que Dieu Soit, air. The particularity of the present analysis is the emphasis laid on the expression of the elements by musical means and their unity as far as artistic imagery is concerned.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / La recherche propose une analyse des stratégies qui entrent en jeu dans la composition de musique mixte et la composition assistée par ordinateur. Elle met en relief les caractéristiques de trois écritures (instrumentale, électroacoustique et programmation informatique) afin de les postuler comme fondements de différentes approches musicales. Ces approches sont ensuite examinées en tant qu’entrées possibles dans un projet, démarches impliquant un statut spécifique du compositeur, et caractéristiques qui résultent de leur interaction, afin de former l’ensemble des stratégies de composition. À travers la réalisation de projets musicaux, la recherche propose d’appliquer quatre stratégies différentes dans l’objectif d’explorer de nouvelles méthodologies. L’expérimentation a mis en évidence les facteurs conduisant au respect ou à la déviation des partis pris, et a ouvert la voie au questionnement de l’influence du « faire » sur « l’entendre ». / This research proposes an analysis of the strategies that come into play in the composition of mixed and computer-assisted musical works. It highlights the characteristics of three compositional practices (instrumental, electroacoustic, and computer programming) in order to represent them as the foundation of different musical approaches. These approaches are then analyzed as possible starting points for a project, as processes implying a particular status of the composer and characteristics which result from their interaction, in order to form the entirety of compositional strategies. Through the realization of musical projects, the research proposes to apply four different strategies with the goal of exploring new methodologies. This experimentation has demonstrated the factors leading to the respect for or the deviation from biases and has opened the way to the questioning of the influence of the “doing” on the “hearing”.

À l’heure où l’industrie de l’enregistrement sonore connait un certain nombre de bouleversements, Internet apparait à la fois comme un responsable d’une crise du disque et comme une plate-forme de diffusion et de promotion de la musique enregistrée. C’est dans ce contexte de mutations des industries culturelles que sont les industries de la musique que les labels indépendants voient les possibilités liées à la promotion se multiplier. Notamment par le biais des sites internet que j’envisage ici comme discours encodé et diffusé. Ce mémoire explore deux sites internet officiels de labels indépendants de rap québécois à l’aide de la proposition de la présence du mythe dans le discours de promotion. S’appuyant sur la théorie de Barthes, mon analyse s’articule autour de l’étude de la signification afin de mettre en lumière la façon dont le mythe fonctionne dans le discours. En m’intéressant principalement à l’image et au texte, je mets notamment en valeur le traitement de l’artiste, de la création musicale et du label dans le discours. / At a time when the music recording industry is going through some shake ups, Internet is seen both as a responsible for a disc crisis and as a plateform for diffusion and promotion of recorded music. This cultural industries' mutations context is now revealing multiple promotion opportunities for independant labels, as part of the music industries. This can be seen through websites which I consider to be a broadcasted, encoded and decoded discourse. This master thesis explore two independant record companys’ websites, both producing rap music in Québec, with the proposal of the presence of the myth in the promotionnal discourse. Based on Barthes' theory, my analysis is built around the study of the signification in order to outline the way the myth works in the discourse. While focusing on images and text, I mainly emphasize the treatment of the artist, the musical creation and the record label in the discourse.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l ’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Les cinquante dernières années ont vues beaucoup de progrès dans la compréhension du comment nous comprenons et écoutons la musique. Malheureusement, la terminologie musicale ainsi que la philosophie de la composition n’ont pas évoluées en tenant compte de ces progrès. C’est en raison de ces obstacles, que la Theory of Patterns a été conçue et développée. La Theory of Patterns met l'accent sur la nature de la perception musicale ainsi que sur la façon d'assimiler les différents formes d’une œuvre. Cette philosophie propose une méthode de composition ou le sujet principal est la relation entre les différents motifs, avec comme objectif, une création musicale pure, vivante et sans ego. Cette philosophie a été développée et utilisée dans la création d'un nouvel opéra en un acte: The Beast in the Jungle. En analysant les différentes formes et motifs de l’œuvre, on retrouve les différents éléments pratiques de cette théorie. / The last fifty years has seen much progress made in the understanding of how we comprehend and hear music. Unfortunately, the terminology of music and philosophy of composition have not developed to reflect this progress. As a result of this obstacle the Theory of Patterns was conceived and developed. The Theory of Patterns focuses on the nature of musical perception, and the assimilation of patterns. This philosophy is meant to provide a method of composition in which the primary focus is the relationship of patterns with the objective of creating music that by fulfilling the pattern’s nature and tendencies, is full of life. This Philosophy was developed through, and used in the creation of, a new one act opera: The Beast in the Jungle. In analyzing the different forms and patterns found in the opera, the practical elements of the Theory of Patterns are judged and discussed.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Composé entre 2009 et 2012, le ballet-opéra Bilgamesh constitue un projet d’envergure à deux titres. D’abord, il y a la tentative de ressusciter un genre presque oublié, l’opéra-ballet. Ensuite, on y utilise exclusivement les langues anciennes de la Mésopotamie le sumérien et l’akkadien. Pour établir un lien avec d’autres genres artistiques on remarque que la fusion du chant et de la danse prend une place de plus en plus dans la musique populaire. Aussi, dans le cinéma contemporain les réalisateurs préfèrent l’utilisation de langues méconnues mais authentiques afin de refléter l’ambiance l’époque oubliée. Je crois profondément qu’un sujet mythologique ouvre à des possibilités énormes pour l’incarnation des idées intentionnées ci-dessus. Les langues mortes fusionnent avec la forme opéra-ballet afin de créer un organisme unique, tout en renforçant l’activité sur scène par des pensées spéciales et sacrées. Le choix du titre n’est pas non plus un hasard : le nom Gilgamesh est une altération de la version babylonienne du nom original du héros qui s’appelle Bilgamesh dans la langue sumérienne. / Composed between 2009 and 2012, the ballet-opera Bilgamesh represents an ambitious project for two special reasons. Firstly, there is the attempt to revive a partially forgotten genre opera-ballet. Secondly, the ancient language of Mesopotamia, Sumerian and Akkadian, are used exclusively. Drawing a parallel with other art forms, one must observe that the blending of singing and dance is more and more gaining a place in popular music and in contemporary cinema producers prefer more often the use of little-known but authentic languages to reflect the atmosphere of long- forgotten times. It is my deep conviction that a mythological subject opens up enormous possibilities for the embodiment of the ideas mentioned above, where dead languages can join together with the opera-ballet form in single organism, strengthening the action on stage with special, sacred thoughts. The title itself is no accident. The name Gilgamesh is a Babylonian alteration of the original name of the hero, Bilgamesh, in Sumerian.