Depuis quelques décennies, la société québécoise a été traversée par plusieurs transformations sociales déclenchées par le mouvement féministe et par le mouvement des femmes. En l'espace de quelques générations, à travers une série de luttes pour l'égalité, pour la liberté et pour l'autonomie, les femmes sont parvenues à remettre en question leur assignation à la sphère domestique et à prendre une place grandissante dans la sphère publique. Au fil des parcours d'artistes québécoises de trois générations liées à différentes mouvances artistiques, ce mémoire de maîtrise pose un regard sociologique sur les processus à travers lesquels des femmes ont investi l'art comme espace d'expression dans la sphère publique. La question est abordée sous l'angle des stratégies créatives qui ont pu être imaginées individuellement et collectivement par des femmes au cours des dernières décennies pour transformer les rapports sociaux ou pour composer avec les limites posées par les modèles dominants afin de développer une pratique sociale à l'extérieur des limites de la domesticité et de s'engager dans la sphère publique. La reconfiguration du rapport privé/public est ainsi abordée à partir des trajectoires de trois générations d'artistes québécoises, soit les femmes signataires du manifeste Refus global publié en 1948, les premières cinéastes qui ont œuvré à l'ONF dans le cadre de Studio D et de la série En tant que femmes au cours des années 70 et 80, et les artistes impliquées au Studio XX, centre d'artistes féministe voué aux arts technologiques créé en 1995. La réflexion s'articule autour de trois principaux volets. Le premier traite des positions occupées par les femmes dans le champ de l'art, d'une part en tant que sujets créateurs, et d'autre part en tant que sujets des œuvres. Le deuxième volet aborde la créativité déployée par les femmes pour investir des espaces d'expression qui ne leur étaient pas ouverts d'emblée et pour combiner leur vie de femme avec leur vie d'artiste. Il est ainsi question des tactiques, stratégies et autres bricolages du quotidien qu'elles ont élaborés pour développer et maintenir leur pratique artistique tout en composant avec les défis liés au monde de l'art ainsi qu'aux structures sociales des rapports de sexe. La troisième partie de l'analyse porte sur les différentes rencontres entre l'art et le politique provoquées par les démarches des trois générations d'artistes interviewées et sur la façon dont elles ont pu investir l'art comme espace original d'expression et d'engagement dans la sphère publique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : art et société, engagement social, représentations sociales, créativité, privé/public, féminisme, transformations sociales, rapports sociaux de sexe.

Le financement des activités culturelles par l’impôt subit des mutations qui affectent la substance même du service public de la culture. Tant l’impôt que le service public de la culture sont des vecteurs de cohésion sociale. D’une part, l’impôt relie l’individu à une communauté politique et enracine ainsi le lien social dans un corpus de règles constitutionnelles. Mais au cours de ces dernières décennies, ce lien se délie sous la pression de résistances à l’impôt. L’adoption de nouveaux paradigmes propres à assurer un consentement à l’impôt ne semble pas endiguer l’évitement de l’impôt quand bien même les bonnes pratiques de civisme fiscal sont revalorisées. D’autre part, l’action publique culturelle de l’État, qui constitue un facteur de cohésion sociale autour d’identités culturelles, est dans le même temps fragmentée, au point qu’une multiplication d’instances décisionnaires en matière culturelle a vu le jour au cours de ces trente dernières années. Cet agencement institutionnel, polycentrique, conduit l’État à adopter de nouveaux modèles de gouvernance rendant plus perméable l’hybridation de son action avec le secteur privé. La raréfaction des ressources publiques affectées au soutien des activités culturelles fragilisent, en période de crise, l’accomplissement des interventions culturelles de l’État. Le nouveau modèle de régulation fiscale qui tend à faire prévaloir une légitimité procédurale de l’impôt, à défaut de légitimité cognitive, conjugué au nouveau modèle culturel qui implique une participation croissante de la prise en charge des activités culturelles par le secteur privé, conduit à une remise en ordre de l’action publique culturelle. En faisant appel à des techniques de financement privé notamment sur fond de mécénat, la conservation et la mise valeur notamment du patrimoine culturel sont fragilisées au risque du marché. L’État culturel n’est plus alors correcteur du marché mais se cantonne à une posture d’État stratège. Paradoxalement, la marchandisation des biens culturels, accentuée par des incitations fiscales, se déploie au point de brouiller l’action publique culturelle de l’État catalyseur d’identités culturelles. / The financing of cultural activities through taxation undergoes mutations that affect the very essence of public service culture. Both the tax that the public service culture are vectors of social cohesion. On the one hand, the tax connects the individual to a political community and social ties rooted in body of constitutional rules. But in recent decades, this link penny loosens the pressure resistance to tax. The adoption of new own paradigms to provide consent to taxation does not seem sufficient to stem tax avoidance. On the other hand, cultural public policy of the State, which is a factor of social cohesion around cultural identities are fragmented in the same time, to the point that a multiplication of decision making bodies in the cultural field has seen the day during the last thirty years. This institutional arrangement, polycentric, led the state to adopt new governance models making it more permeable hybridization of its work with the private sector. The scarcity of public resources allocated to support cultural activities weaken in times of cri sis, the fulfillment of cultural interventions of the state. The new tax regulation model that tends to b1ing about a procedural legitimacy of the tax, in the absence of cognitive legitimacy, combined with the new cultural mode! which involves increasing participation of the management of cultural activities by the private sector leads to a reordering of cultural public action. By using private financing techniques including sponsorship background, including conservation and development of cultural heritage value is weakened to market risk. The cultural state is no longer collection of the market but is confined to a strategist State posture. Paradoxically, the commodification of cultural property, accentuated by tax incentives, unfolds as to blur the public cultural action of the catalyst state of cultural identities.

Depuis la fin du XXe siècle, notre monde a été affecté par une grande mutation des activités humaines. Dans cette mutation, les sciences de la cognition jouent sans doute un rôle central. Le développement des sciences cognitives, surtout depuis sa phase de Seconde Cybernétique, fait émerger de nouveaux paradigmes et offrent au monde humain la nouvelle génération des technologies de l'informatique – le numérique. En parallèle avec les technologies numériques qui ont profondément transformé le rapport sensible de l’être humain au monde, les dispositifs scientifiques et conceptuels mis en œuvre dans la Seconde Cybernétique ont également provoqué un grand retentissement dans tous les domaines scientifiques et philosophiques occidentaux. Ces dispositifs nous conduisent à ré-évaluer les connaissances déjà modélisé dans le cadre de la modernité à partir d’une approche totalement nouvelle, celle du système évolutif. Le retentissement de la Seconde Cybernétique a un impact fort dans le domaine de l'art. D'une part, les technologies numériques offrent à la création artistique de nouveaux moyens techniques de modélisation de l'œuvre d'art en s'accompagnant de l'apparition de nouvelles expressions artistiques, de nouvelles esthétiques et de nouveaux enjeux pour les représentations artistiques. D'autre part, les dispositifs conceptuels et scientifiques mis en place par la Seconde Cybernétique ont conduit les théoriciens de l'art et les esthéticiens à réévaluer les phénomènes artistiques (l’œuvre d’art, l’activité artistique, la perception esthétique, l’évolution culturelle de l’art, etc.) dans une perspective totalement nouvelle de l’esprit : le naturalisme de l’esprit. Mes travaux tentent de proposer une réflexion sur l’œuvre d’art en relation avec la cognition à partir des dispositifs scientifiques, technologiques et conceptuels constitués dans le cadre de la Seconde Cybernétique, mais aussi à partir des dispositifs conceptuels issus de l’art lettré traditionnel chinois. Les deux paradigmes de pensées du réel, tout en étant à l'origine de deux cultures très éloignées et très différentes, révèlent par contre un même principe de l'appréhension du monde. À partir de ce principe, la réalité doit être analysée en tant que phénomène d’émergence en cours relevant d'un rapport d'interaction ; le monde se définirait comme réseau des relations dynamiques capables de s'auto-organiser pour l’émergence de nouvelles structures. Cette approche du réel nous conduit à reposer la question de l’œuvre d’art, à la fois en tant qu’objet de création et en tant qu’objet de réception esthétique, à partir des nouveaux paradigmes liés aux processus d’émergence comme processus biologiques ou processus numériques. Cette thèse peut être résumée par les quatre points suivants : 1. L’art relève d’une capacité cognitive créatrice qui résulte de la phylogenèse de l’espèce humaine et qui est individualisé par le développement ontologique de chaque personne. 2. L’art, comme culture, relève d’un système d’appréhensions cognitives du réel ; ce système s’organise dans le même principe que l’algorithme évolutionniste basé sur la variation, l’accumulation, la sélection darwinienne et l’hérédité. 3. L’œuvre d’art relève d’une extériorisation expressive de l’artiste, de ses états mentaux, de son imaginaire du réel se produisant dans son cerveau ; la création de l’œuvre d’art s’inscrit dans un processus d’émergence qui relève d’un rapport dialectique s’effectuant entre un schéma mental se produisant dans le cerveau de l’artiste et son extériorisation progressive en œuvre d’art par les actions. 4. Les systèmes numériques, à la fois en tant qu’outils technologiques autant que paradigme de représentations du monde, constituent une interface d’interaction entre les différentes cultures dans le cadre de la création artistique. / Since the end of 20th century, our world has been affected by a grand mutation of human activities. The cognitive science plays the central role without any doubt in this mutation. The development of the cognition science, especially since its second cybernetic phase, does emerge new paradigms and offers a new computer science generation, digitization, to the world. In parallel with the digital technologies that has profoundly transformed human senses to the world, the scientific and conceptual devices implemented in the second cybernetics have also caused a great impact in almost all scientific and occidental philosophic aspects. These devices made determinant concepts for all contemporary theories of evaluative system in the world. We propose to, based on this concept, revaluate all modelled knowledge in the context of modernity. The impact of the second cybernetics has a strong impact in the art’s field, as well as in the theoretical studies of the art in the creation of art’s works. On one hand, digital technology, especially the artificial intelligence systems and devices from the second cybernetics, provides the artistic creation of new techniques for modelling the artwork accompanied by the emergence of new arts, new look and new challenges for the performing arts. On the other hand, conceptual and scientific arrangements put in place by the second cybernetics, led the art theorists and designers to evaluate the artistic phenomena (the work of art, the artistic aesthetic perception, cultural evolution, art, etc.) in a totally new perspective in mind: naturalism of spirits. My work attempts to propose a reflection on the work of art related to cognition which based on scientific, technological and conceptual devices, set up within the framework of the second network device, but also from the ancient chinese concept from the mind, especially taoist and chinese lettered thoughts.The two paradigms of thinking, while the origin of the two cultures are very remote and different, but released from the same principle of the understanding of the world. Based on this principle, the reality must be analysed as a phenomenon of the emergence ; the world would be defined as a network of relationships and self organize to the emergence of new structures.This approach leads us to raise the question on the issue of work of art, at the same time as a subject of creation, as an object of esthetic reception and an artifact which is a network of intersubjective relations (culture), based on the new paradigms associated with processes of emergence like biological processes or digital processes. This thesis can be conclute by the four following points: 1. art is a creative cognitive ability, which is the result of the phylogeny of human beings and is tailored to the ontological development of each individual. 2. Art, like culture, releases a real concern cognitive system. this system is on the same principle as the evolutionary algorithm based on the change, the accumulation, darwinian selection and heredity. 3. the work of art is an representation of the artist's expression, of his mental states, of his imagination of the real occurring in his brain; the creation of a work of art is a part of the process of development which releases a dialectical relationship between a mental pattern produced in artist’s brain and his progressive expression of work of art. 4. the digital systems, at the same time as technological tools as well as the paradigm of representations of the world, build up an interface of interaction between different cultures in the context of artistic creation.

La synthèse pour par modèles physiques propose une approche à de la création musicale alternative à de celui celle plus habituelle du traitement du signal. En prenant en considération le phénomène musical comme un unicum émergeant de l'interaction entre le musicien et les instruments à sa disposition, on expérimente et donne corps phénoménologique et sensible aux actions créatrices.En ne considérant pas comme entités distinctes la matière sonore et la structure musicale, on oriente les potentialités de l'ordinateur et crée une dialectique originale et féconde entre le formel (structurel) et le perceptif (cognitif).Le champ d'action envisagé dans cette thèse concerne le développement, la formalisation et la catégorisation des modèles physiques réalisés à l’aide du formalisme CORDIS-ANIMA de structures - créées par modélisation physique - utiles pour la composition musicale, dans la perspective de mettre en évidence la fonction de formalisation musicale associée portée au par ce paradigme. de simulation par modèle physique CORDIS-ANIMA.Le point de départ est ma pratique personnelle de près de 20 années, en tant que compositeur, avec le logiciel de création sonore GENESIS du laboratoire ACROE-ICA. Cette pratique, à travers des travaux à la fois scientifiques (en modélisation) et artistiques (en composition musicale), m'a conduit à considérer cet environnement non pas comme un synthétiseur, mais comme un instrument " organique " permettant de créer une composition musicale complète couvrant les trois échelles de catégorisation usuelle de l'acoustique et de la musique : micro-formelle (le timbre, l'harmonie, l'orchestration), mezzo-formelle (le rythme, la mélodie et les séquences / structures harmoniques de premier niveau) et macro-formelle (la structure harmonique de niveau supérieur, le schéma formel de la composition complète).L'objectif ne consiste pas à proposer le cadre d'une "nouvelle musique" ou d'une nouvelle esthétique, mais à "bien tempérer" les instruments pour une nouvelle pratique de la création musicale explorant et exploitant au mieux les potentialités de l'ordinateur et des technologies numériques, aussi dans la direction d'un élargissement de la dialectique instrumentalité - écriture musicale vers une "supra instrumentalité" [Cadoz6] et vers des perspectives "post-scriptiques" de la création musicale [Cadoz7]. / Physical model synthesis offers an approach to composition alternative to the more usual signal processing. Considering the musical phenomenon as a "unicum" emerging from the interaction between the musicians and their instruments the physical model synthesis realizes and gives phenomenological and sensitive corporeality to the creative actions. By conceiving not as separate entities sound material and musical structure directs the potentialities of the computer and creates an original and fruitful dialectic between the formal (structural) and perceptual (cognitive).The sphere of action for my PhD concerns the development, formalisation and categorisation of structural models – created by physical modelling – useful for musical composition in the perspective to highlight the musical formalisation function associated with the CORDIS-ANIMA physical model simulation paradigm.The starting point for this work is 20 years of personal use as a composer, of the GENESIS physical model musical creation software developed by the ACROE-ICA laboratory.This experience has led me, through works both scientific (modelling) and artistic (music composition), to consider this environment not as a synthesis tool, but as a complex instrument, which allows to create a complete musical composition covering all three usual categories of acoustics and music: micro-formal (the tone, harmony, orchestration), mezzo-formal (the rhythm, melody, and the basic sequences/harmonic structures) and macro-formal (the higher level harmonic structure, the formal outline of the entire composition).My goal is not to propose the framework of a new music or a new aesthetic, but develop "well-tempered" instruments for a new practice of music creativity that explores and accomplishes better the potentialities of computer and digital technology. This also leads in the direction of broadening the dialectic instrumentality - writing music to a "supra instrumentality" [Cadoz6] and to post-scriptic outlook on musical creation [Cadoz7].

Cette dissertation décrit le design, implémentation et évaluation de nouvelles applications en Réalité Augmentée Spatiale (RAS). Ces applications sont concentrées sur l’amélioration du dessin physique tel que les dessins au crayons ou peintures en projetant des outils numériques.Tout d’abord, nous décrivons notre système de RAS et ses possibilités. Il prend en comptes les paramètres internes et externes d’un couple caméra/projecteur pour permettre une projection précise sur des feuilles de papier. De plus, il permet la détection du toucher des feuilles et de la position de la main au dessus de celles-ci grâce à une caméra de profondeur. Par conséquent, il permet la création d’écrans tactiles interactifs sur des feuilles de papier posées sur une table.Ensuite, nous nous penchons sur la création d’art visuel, plus précisément sur les premières étapes de la création quand l’artiste créer la structure. Nous offrons la possibilité de créer et d’éditer des lignes de construction numériques (LCN) projetées sur le papier. Ces outils sont des outils de Réalité Augmentée (RA), c’est-à-dire qu’ils s’ajoutent aux outils existants: toute l’interface utilisateur est sur la table, et l’utilisateur n’utilise jamais ni une souris, ni un clavier ni un écran. En plus des simples LCN (lignes et courbes), nous proposons une spécialisation pour les dessins spécifiques tels que les dessins en perspective, les dessins de personnages ainsi que les dessins à partir d’un modèle 3D. Nous proposons de nouvelles méthodes pour afficher et interagir avec des objets 3D sur papier. Nous proposons également de créer des dessins mixtes:art visuel interactif qui tire parti à la fois des possibilités physiques et numériques.Pour finir, nous décrivons des nouveaux usages pour notre système de RAS de nombreux contextes différents à travers des démonstrations publiques. L’acceptabilité de ce genre de système a été très bonne, et “magique” par la plupart des utilisateurs. Ils ont juste vu et interagis avec des feuilles de papier sans remarquer le système de projection et suivi. / This dissertation presents the design, implementation, and evaluation of novel SpatialAugmented Reality (SAR) applications. These applications focus on enhancing physical drawingsuch as pencil drawing or painting by the projection of digital tools.First, we describe our tabletop SAR system and its possiblities. It takes into account thecamera and projector internal and external parameters to enable precise projection onto trackedsheets of paper. In addition to this, we enable touch and hand detection over the table with adepth camera. Consequently, it enables the creation of interactive touch screens on the pieces ofpaper on a table.Next, we focus on the creation of visual art, more precisely the first steps of creation whenthe artist structures it. We enable the creation and edition of digital construction lines (DCL)that are projected onto the paper. These tools are Augmented Reality (AR) tools, i.e., theyadd to existing tools: the whole user interface is on the table and the user never uses a mouse,keyboard or screen. In addition to the simple DLC (lines and curves), we propose to specializethem for specific drawings such as perspective drawing, character drawing and drawing from a3D model. We propose a novel way to display and interact with 3D objects on paper. We alsopropose to create mixed media drawing: it enables the creation of interactive visual art thattakes advantage from both the physical and digital possiblities.Finally, we describe new usages for our SAR system in many different contexts throughpublic exhibitions. The acceptability of such systems was found very good and “magical” bymost of the users. They only saw and interacted with interactive pieces of paper without noticingthe projection and tracking system.

Cette dissertation décrit le design, implémentation et évaluation de nouvelles applications en Réalité Augmentée Spatiale (RAS). Ces applications sont concentrées sur l'amélioration du dessin physique tel que les dessins au crayons ou peintures en projetant des outils numériques.Tout d'abord, nous décrivons notre système de RAS et ses possibilités. Il prend en comptes les paramètres internes et externes d'un couple caméra/projecteur pour permettre une projection précise sur des feuilles de papier. De plus, il permet la détection du toucher des feuilles et de la position de la main au dessus de celles-ci grâce à une caméra de profondeur. Par conséquent, il permet la création d'écrans tactiles interactifs sur des feuilles de papier posées sur une table.Ensuite, nous nous penchons sur la création d'art visuel, plus précisément sur les premières étapes de la création quand l'artiste créer la structure. Nous offrons la possibilité de créer et d'éditer des lignes de construction numériques (LCN) projetées sur le papier. Ces outils sont des outils de Réalité Augmentée (RA), c'est-à-dire qu'ils s'ajoutent aux outils existants: toute l'interface utilisateur est sur la table, et l'utilisateur n'utilise jamais ni une souris, ni un clavier ni un écran. En plus des simples LCN (lignes et courbes), nous proposons une spécialisation pour les dessins spécifiques tels que les dessins en perspective, les dessins de personnages ainsi que les dessins à partir d'un modèle 3D. Nous proposons de nouvelles méthodes pour afficher et interagir avec des objets 3D sur papier. Nous proposons également de créer des dessins mixtes:art visuel interactif qui tire parti à la fois des possibilités physiques et numériques.Pour finir, nous décrivons des nouveaux usages pour notre système de RAS de nombreux contextes différents à travers des démonstrations publiques. L'acceptabilité de ce genre de système a été très bonne, et "magique" par la plupart des utilisateurs. Ils ont juste vu et interagis avec des feuilles de papier sans remarquer le système de projection et suivi.

La présente recherche porte sur l’existence d’un décalage entre la création artistique dans l’art contemporain et l’enseignement des arts plastiques au primaire au Québec. Plus précisément, après avoir observée l’importance de l’intention artistique dans les mécanismes de création des artistes en art contemporain, cette recherche étudie la place que les enseignants spécialisés en arts plastiques lui accordent dans leur enseignement. En partant de la question de recherche, « Au Québec, les enseignants spécialisés en arts plastiques au primaire entretiennent-ils ou non le décalage entre la création artistique contemporaine et l’enseignement des arts, en prenant ou non en compte le développement d’intention artistique chez les élèves lorsque ceux-ci réalisent des créations personnelles dans les cours d’arts plastiques? », ce mémoire est constitué de plusieurs ensembles d’analyses. La distinction des principaux paradigmes artistiques dans cette recherche définit des attributs pour comprendre respectivement leurs impacts sur l’enseignement des arts et pour saisir les différentes représentations que les enseignants spécialisés en arts plastiques au primaire ont de la création artistique, et plus particulièrement dans le paradigme artistique contemporain. Cette distinction permet de confronter deux représentations de la dynamique de création : celle présente dans la notion de processus de création et celle présente dans la notion d’intention artistique. Ainsi, les entretiens semi-dirigés de douze enseignants spécialistes en arts plastiques dans des écoles primaires au Québec renforcent l’existence du décalage, mais aussi nous renseigne sur la faiblesse des acteurs à définir les enjeux actuels de la création artistique. De plus, cette recherche démontre une absence dans le Programme de formation de l’école québécoise (PFEQ) des mécanismes de pensée de la création observée dans le paradigme artistique contemporain. / This research focuses on the existence of a gap between artistic creativity in contemporary art and visual arts education in elementary schools in Quebec. More precisely, after observing the importance of artistic intention in contemporary artists’ creation mechanisms, this research analyzes how art teachers incorporate it (artistic intention) in their teaching. Based on the research question: “Are Quebec primary school art teachers – by not taking into account the student artistic intention in the production of individual art work – maintaining the gap between artistic creativity in contemporary art and visual arts education?” this thesis consists of several sets of analysis. This research defines attributes that outline and distinguish artistic paradigms in order to comprehend their impact on arts education and art teachers’ different representations of artistic creation particularly in the contemporary art paradigm. This distinction allows a comparison between two representations of the dynamics of creation: one in the concept of creative process and another in the concept of artistic intention. The results of the semi-structured interviews of twelve primary school visual art teachers in Quebec confirm the existence of the gap between artistic creativity in contemporary art and visual arts education in elementary schools. Furthermore, this paper also shows a lack of thought in the Quebec Education Program (QEP), for the creation mechanisms present in the contemporary art paradigm.

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La marchandisation de l’art se traduit par une dérive progressive de l'esprit de collection. Elle est notamment perceptible dans le désir de plus-value des collectionneurs, qui va de pair avec le fait que l'aura de la valeur artistique et esthétique d'une œuvre est fonction du prix qu'elle atteint en tant que marchandise de luxe dans les salles de vente. La valeur de l’art s’en est trouvée assujettie à un marché capitaliste dont les guerres ont paradoxalement favorisé la mondialisation. Ce marché de l’art, qui est en cours de restructuration permanente, favorise chez les artistes une course à la « starification » et à des cotations tout particulièrement ambivalentes. Faut-il en conclure que la marchandisation a pris le pas sur l'artistique, le prix sur la valeur de l’œuvre, le lucre sur l'esthétique ? Cette thèse défend l'idée que la force, et la ruse des œuvres d'art, se manifestent dans leur capacité, à se jouer du milieu religieux, idéologique ou imagologique dans lequel elles voient le jour. Cette force se révèle aujourd'hui dans l’aptitude du geste créateur, qui relève — Marcel Mauss l'a bien vu — fondamentalement du don et du contre-don, à faire voler en éclat les illusions engendrées par la marchandisation. En permettant à l’imaginaire de s’incarner à l’égal du réel, l’artiste ouvre le champ infini des possibles. C'est pourquoi la vie des œuvres d'art n'en finit pas de rendre le cosmos cosmétique, quitte à se servir du « lucre » comme d'un appât habile à stimuler le marché, dont se sert in fine, sa « main invisible ». / The commodification of art results in a gradual drift of the collection spirit. This is particularly noticeable in the desire of collectors for added value, which goes hand in hand with the fact that the aura of the artistic and aesthetic value of work depends on the price it has achieved as a luxury commodity in the sales rooms. The result was a subjugation of the value of art to a capitalist market whose wars paradoxally favored globalization. This art market, which is undergoing permanent restructuring, favors artists’ quest for « starification » and particularly ambivalent ratings. Must we conclude that commodification has overtaken the artistics, that the price is now beyond the value, the profit beyond the aesthetic ? This thesis defends the idea that force and cunning of works of art are manifested in their opportune ability to trifle with the religions, ideological or imaginary environment in which they emerge. This force is today identified in the aptitude of the creative gesture, which – Marcel Mauss saw clearly – is fundamentally a gift and a counter-gift, to smash to pieces the illusions engendered by the commodification. And strong work links the imaginary to the symbolics to become « real ». By making the imaginary equal to the real, the artist opens the infinite field of possibilities. This is why the life of works of art never ceases to make the cosmos cosmetic, even if it uses the « lucre » as a bait skilful enough to stimulate the market, which is, in fine, manipulated by its « invisible hand ».