A travers l'étude des récits de voyage de marchands nord-américains se rendant en Grande-Bretagne entre 1776 et 1815, il s'agit d'analyser les transferts culturels de part et d'autre de l'Atlantique, et d’observer l’émancipation progressive de la jeune république nord-américaine vis-à-vis de son ancienne métropole. Il apparaît que ces marchands apportent une contribution essentielle à la construction d'une identité nationale nord-américaine alors en pleine définition. Le séjour outre-Atlantique encourage ce processus puisqu'il permet aux visiteurs de se mesurer à un "Autre" britannique, de prendre conscience de l’existence d’un caractère propre, de vanter la supériorité de leur modèle national, ainsi que de défendre, en tant que marchands, des valeurs spécifiques et une certaine vision de la société nord-américaine. / By studying the travel writings of North American merchants going to Great Britain between 1776 and 1815, we analyse the cultural transfers across the Atlantic and observe the growing emancipation of the young Republic from its former mother country. It appears that these merchants fully contributed to the creation of an American national identity. Their stay in Great-Britain undeniably encouraged this process, as it enabled visitors to measure themselves against a British « Other », to realise what made them truly American, to boast about their superiority, but also, as merchants, to defend specific values and a certain vision of the American society.

Cette thèse se donne pour ambition d'éclairer un aspect méconnu de l'oeuvre et de la pensée de Sergueï Eisenstein, en se concentrant sur la relation privilégiée qu'il entretient durant toute sa vie avec l'art de Daumier. Tout en traversant l'oeuvre graphique, théâtrale, cinématographique et théorique d'Eisenstein, cette recherche entend également révéler Daumier sous un nouveau jour, en faisant découvrir la réception dont il jouit en Russie et en U.R.S.S. Il s'agira par la même occasion d'exposer et d'interroger le regard stimulant et original qu'Eisenstein porte sur l'art de Daumier. Ce parcours se voudra nécessairement transdisciplinaire. / The aim of this PhD thesis is to cast a new light on Eisenstein's work and thought, by focusing on his privileged relationship with Daumier's art. As we will come across Eisenstein's graphic, theatrical, cinematographical and theoretical work, we will unveil Daumier's still unknown reception in Russia and in U.S.S.R. By the same token, we will expose and discuss Eisenstein's challenging and modern vision of Daumier. The methodology chosen here is necessarily transciplinar. / Cette thèse a été effectuée en cotutelle entre l'Université Paris-Ouest-Nanterre-La Défense et l'Université de Montréal. Elle a été réalisée avec le logiciel LateX.

L'objectif de cette thèse est d'analyser la façon dont les pratiques picturales des Andes coloniales se nouent et se dénouent autour d'une « matière » européenne. La nature d'un tableau répond à des exigences politiques occidentales (l'évangélisation des Indigènes) mais sa fonction va progressivement être démembrée au profit d'une peinture qui s'américanise.C'est d'abord en étudiant le contexte artistique de l'Europe des XVIe et XVIIe siècles, ses pratiques ainsi que ses transferts humains et matériels dans la vice-royauté péruvienne que l'on peut par la suite juger des différences, des nouveautés, mais aussi des transgressions des oeuvres produites sur place, la dimension régionale étant l'un des premiers facteurs de ces changements. Les médiateurs de cette circulation, acteurs sociaux et vecteurs de nouveaux codes, redéfinissent les qualités du peintre indien qui met un terme définitif à sa condition de « main d'oeuvre » pour devenir un artiste indépendant.Alors que tout porterait à croire que l'Espagne refuse l'américanisation de cette peinture, les fondements théoriques de l'art occidental sont pourtant à l'origine de formes et de thèmes nouveaux qui caractérisent essentiellement le XVIIIe siècle andin. L'adoption d'un système iconographique européen par des peintres principalement métis et indiens permet paradoxalement la réappropriation d'un support longtemps utilisé comme un objet de domination, de soumission et de contrôle de la part des autorités espagnoles. / This thesis aims to analyse the way pictorial practices of the colonial Andes are formed and dissolved around a “European matter”. The nature of a painting complies with occidental political requirements (the evangelisation of the Indigenous) but its function will be progressively “dismembered” in favour of a painting which is becoming Americanised.The regional dimension being one of the factors of these changes, we will first study the artistic context of Europe in the 16th and 17th centuries. Through the study of its practices and also its human and material transfers in the Peruvian viceroyalty, we can thereafter judge of the differences, the innovations, but also the transgressions of the artworks made on site. The mediators of this circulation, the social actors and the carriers of new codes, redefine the qualities of the Indian painter who put a definitive end to his condition of “labour” to become an independent artist.While we could be led to believe that Spain refuses the Americanisation of this form of painting, yet the theoretical foundations of Western art are at the starting point of forms and new themes which essentially characterise Andean’s 18th century. The adoption of a European iconographic system, mostly by mixed-race and Indian painters, paradoxically allows the reapropriation of a medium used for a long time by the Spanish authorities, as an object of domination, submission, and control.

C. D. Friedrich est le plus souvent présenté, dans l’historiographie traditionnelle, comme un peintre oublié durant les décennies qui ont suivi sa mort à Dresde, en 1840. Peu connu en dehors de son Allemagne natale, il n’aurait été redécouvert que grâce à cette grande rétrospective de l’art allemand que fut la Berliner Jahrhundert Ausstellung de 1906. La première biographie du XXe siècle que lui consacre l’historien norvégien Andreas Aubert, Dieu, liberté, patrie (Gott, Freiheit, Vaterland, 1915) attire l’attention sur l’orientation politique et patriotique de certaines de ses peintures. Cette thèse propose de reconsidérer divers aspects de la réception de l’œuvre du peintre, en la plaçant, non plus dans le seul contexte allemand mais dans celui, européen, du XIXe siècle. Si Friedrich a été longtemps méconnu des historiens d’art, il devint, de par sa culture poméranienne germano-scandinave, une référence aux yeux d’artistes scandinaves, qui entrèrent personnellement en contact avec lui ou par l’intermédiaire de son voisin d’atelier, le peintre norvégien J C. C. Dahl. Sujet d’intenses débats, non exempts de considérations politiques, la peinture de paysage est également devenue un enjeu patriotique en Allemagne et dans les pays scandinaves. L’objectif est de préciser la place de l’esthétique de Friedrich dans l’instauration de traditions picturales nordiques, au-delà des affinités et résonances pouvant unir les œuvres entre elles. Le suivi de cette trajectoire, passant par les pays nordiques et parvenant en France, permet également de relancer la question de la réception de Friedrich dans les milieux artistiques français, où il n’a pas exposé. / According to traditional historiography, Caspar David Friedrich was almost forgotten during several decades following his death in Dresden in 1840. Little known outside his native Germany, it is often said that he was rediscovered through the great retrospective of German nineteenth century art, the Berliner Jahrhundertausstellung, in 1906. The first biography of the artist published in the twentieth century, God, Freedom, Fatherland (Gott, Freiheit, Vaterland, 1915) by the Norwegian art historian, Andreas Aubert, draws attention on the patriotic orientation of some of his paintings. This thesis proposes to discuss different aspects of the reception of his oeuvre, not only in the German, but in the European context of the 19th century. If the painter was not recognized by the historians, he emerged, mainly thanks to his German-scandinavian Pomeranian culture, as a model among Scandinavian artists, who came largely through personal contact with Friedrich himself or via his neighbour and friend, the Norwegian painter J. C. C. Dahl. In the heart of intense debates in Germany and Scandinavia, landscape painting became a subject of political interest. This thesis is pointing the heritage of Friedrich aesthetics in the birth of Nordic painting traditions, beyond resonances and visual affinities between works. Following this itinerary through Nordic countries, reaching France, permits to question again the reception of Friedrich in French artistic milieux, where he never was on public display.

O trabalho analisa, na obra Grande Sertão: Veredas de João Guimarães Rosa (1956), elementos discursivos indicadores de um modo de narrar que ficcionaliza, tanto na forma quanto no teor de sua mensagem, manifestações do sagrado originárias da Antiguidade grega e da tradição judaico-cristã. A partir da analogia entre a obra de Guimarães Rosa e a Odisseia de Homero, tornam-se evidentes vestígios do épico e de modelos clássicos de narrativa que, revestidos do peculiar trabalho da linguagem rosiana, adensam a complexidade do romance. O paralelismo com as Sagradas Escrituras, mais difuso, projeta as ações num patamar dramático, em que se decidem o destino das personagens e a solenidade do discurso memorável. A fundamentação teórica articula o pensamento de Erich Auerbach, André Jolles, Rudolf Otto e também de estudiosos que se dedicaram à obra do autor mineiro, como Kathrin Rosenfield. Esse recorte mostrou a presença do sagrado em microcélulas entretecidas ao emaranhado de histórias e causos que costuram a obra prima de Rosa. A cicatriz da Tatarana alude à cicatriz de Ulisses, sinal revelador da identidade do herói grego e que, no caso do jagunço Riobaldo, desoculta um amor negado por meio da purgação do passado, elaborada numa conversa "unilateral com um suposto interlocutor. Em linguagem mítica e mágica, a figura nebulosa de Diadorim funciona como índice de ambiguidade e, ao mesmo tempo, da revelação alcançada através da morte. A pesquisa, por seu turno, segue as veredas abertas pelo estudo de Tereza Virgínia Ribeiro Barbosa a respeito das mulheres vestidas de sol, metáfora relacionada a Medeia, mas que se projeta na Virgem Maria e numa linhagem de figuras femininas da América Latina ligadas ao sagrado. Verificamos, na perspectiva das transferências culturais do tipo passado místico-mistérico/posteridade fabular, que o discurso de Riobaldo é atravessado por micronarrativas de longa tradição que sincretizam diferentes símbolos exotéricos. O trabalho encerra sua investigação desvendando a dualidade do sertão rosiano, onde impera o embate entre fé e ceticismo, a dúvida e a razão, o amor e o ódio, o masculino e o feminino, que resulta no inacabado, na travessia, a vida como metáfora, no campo das infinitas possibilidades do homem humano / The Dissertation analyzes, in the work Grande Sertão: Veredas by João Guimarães Rosa (1956), speech elements appointing to a narrative format which fictionalizes, both in the form and in the content of its message, expressions of the sacred dated as of the Ancient Greek and the Judeo-Christian tradition. From the analogy between Guimarães Rosas work and Homers Odyssey, it is clear the traces of the epic and of narrative classic models which, vested by Rosas particular language work, thicken the complexity of the novel. The parallelism with the Holy Scriptures, which is more diffuse, casts the actions to a dramatic ground, in which it is decided the fate of the characters and the solemnity of the memorable speech. The theoretical grounding articulates the thoughts of Erich Auerbach, André Jolles, Rudolf Otto and also of great academics who devoted their efforts to study the work of the author from Minas Gerais state, such as Kathrin Rosenfield. This excerpt showed the presence of the sacred in microcells interwoven to the entanglement of stories and tales which joins Rosas masterpiece together. Tataranas scar is a reference to Ulysses scar, a revealing mark of the Greek heros identity and which, in the case of the gunman Riobaldo, exposes a denied love by means of purging of the past, constructed in a "one-sided conversation with a supposed interlocutor. In a mythical and magic language, Diadorims misty figure functions as an indication of ambiguity and, at the same time, the disclosure reached through death. The research, in turn, follows the paths opened by Professor Ribeiro Barbosas studies regarding the women clothed with the sun, a metaphor related to Medea, but which is projected in the Virgin Mary and in a lineage of Latin Americas female figures who are related to the sacred. It can be observed, under the perspective of cultural transfers of the fable mystical-mysterious/posterity past type, that Riobaldos speech is crossed with micro-narratives having a long tradition which combine different exoteric symbols. The Dissertation ends its investigation by disclosing the duality of Rosas backlands, where the fight between faith and skepticism, doubt and reason, love and hate, male and female prevails, resulting in the unfinished, in the crossing, life as a metaphor, of the field with countless possibilities for the human man

Victor Hugo fait partie des écrivains étrangers les plus publiés et les plus lus en URSS. Ce travail revient sur la diffusion et la réception de ses œuvres en Russie, en URSS et en Russie postsoviétique, et notamment sur l’entrée de l’écrivain dans le panthéon littéraire russe puis soviétique des écrivains étrangers, qui permet une large diffusion de ses œuvres.La méthodologie s’inspire de celle adoptée dans l’étude des transferts culturels (M. Espagne) et place au centre de l’attention les processus d’appropriation par la culture d’accueil. On s’intéresse à la création, à travers les traductions, de ce qu’on peut décrire comme l’« œuvre russe » de Victor Hugo ainsi qu’à la formation d’une figure de l’auteur. Alors que les travaux soviétiques affirment que les œuvres de Victor Hugo sont poursuivies par la censure avant la révolution de 1917 malgré l’intérêt des grands écrivains et penseurs russes, puis mises en avant à la période soviétique, on s’aperçoit que Victor Hugo entre dans le panthéon littéraire russe dès le tournant des XIXe et XXe siècle et ne fait que consolider sa place après la Révolution. La réinterprétation de l’œuvre et de la figure de l’auteur à la période soviétique est bien plus superficielle qu’il n’y paraît au premier abord. / Victor Hugo was one of the most published and well-known foreign writers in USSR. We will analyse the dissimination and the reception of his works in Russia, USSR and post-soviet Russia. We will pay a special attention to the way Victor Hugo joined the Russian (and then the Soviet) literary pantheon of foreign writers, which made it possible for his works to be widely published.Our methodology is based on the one proposed in the cultural transfers studies (M. Espagne). Thus, we will focus on the process of inclusion of Victor Hugo in the Russian/Soviet culture. The translations, especially the most published ones, came to form what can be described as Victor Hugo’s “Russians works”. The Russian image of Victor Hugo created by translations and critical works also differs from the French one.Soviet works on Victor Hugo in Russia state that Hugo’s works were censored until the Revolution in 1917, although Russian writers showed interest for them, and that they began to be widely published only after 1917. However, Victor Hugo joined the Russian literary pantheon as early as the turn of the 20th century, consolidating his place after the Revolution. In Soviet times Victor Hugo and his works underwent a process of reinterpretation that might seem cardinal at first sight, but occurs to be quite superficial indeed.

Au coeur de la culture et de l’histoire européennes depuis plus de deux mille ans, le Rhin faitl’objet d’une abondante littérature. La fascination qu’il exerce s’accompagne généralementd’une focalisation sur certains secteurs de son cours dont la Suisse semble exclue, alors que lefleuve prend sa source dans ce pays et qu’il le traverse ou le longe sur environ 250 kilomètres.La Suisse étant, surtout depuis le milieu du XVIIIe siècle, une destination de voyage trèsprisée, l’objectif de notre recherche a été de savoir si l’intérêt apparemment limité pour leRhin helvétique valait également dans le domaine de la littérature de voyage. Basé surl’analyse de guides, d’ouvrages descriptifs et iconographiques et de récits de voyage, leprésent travail a pour objet de mettre en lumière les représentations du fleuve depuis sessources jusqu’à Bâle telles qu’elles ont été véhiculées par la littérature viatique européenne duXVe au XIXe siècle. Notre corpus ne se limitant pas à la sphère germanophone, nous abordonsl’image du Rhin suisse sous un angle comparatiste et proposons un panorama européen desreprésentations en question. Par ailleurs, notre enquête s’inscrit dans l’évolution de laperception du paysage, tant dans ses manifestations naturelles que culturelles, et s’efforce defaire ressortir l’influence de notions comme le sublime et le pittoresque sur les écrits que nosauteurs ont consacrés au tronçon helvétique du fleuve. / The Rhine, which has been in the heart of European culture and history for twothousand years, is the subject of a rich literature. The fascination it exerts goes generallytogether with a focus on some parts of its course of which Switzerland seems to be excluded,although the river springs up in this country and runs across it or along it for 250 km. AsSwitzerland has been a prized destination, particularly since the middle of the 18th century, thepurpose of this study was to know if the apparently limited interest for the Swiss Rhine alsoapplies to Travel literature. Based on the analysis of guide books, descriptive andiconographical books and travel accounts, the present work intends to bring out therepresentations of the river from its spring to Basel, and to show the way European Travelliterature from the 15th to the 19th century conveyed them. As our corpus is not limited to theGerman speaking area, we take up the Swiss Rhine with a comparative point of view andpropose a European panorama of the representations in question. Furthermore, ourinvestigations lie in the evolution of the perception of the landscape in its natural as much asin its cultural expressions, and try to show how notions such as the sublime and thepicturesque influenced the writings our authors consecrated to the Swiss part of the river.

Critique et historien de l’art autodidacte, mais aussi éditeur, galeriste, commissaire d’exposition, expert, courtier et infatigable homme de terrain, Julius Meier-Graefe (1867-1935) joua un rôle prééminent dans le monde de l’art européen des trente premières années du XXe siècle. Basé sur l’examination d’archives et de correspondances inédites ainsi que sur une relecture attentive de son vaste corpus d’écrits publiés, ce travail entend retracer la trajectoire d’un passeur téméraire souvent réduit à un rôle de défenseur de l’impressionnisme français dans l’Allemagne de Guillaume II. Si son progressisme francophile tout comme le formalisme de son approche des arts visuels ont parfois été soulignés, l’analyse détaillée de son implication dans le marché de l’art, le monde des musées et plus généralement, dans les débats politico-culturels de son temps, révèle une personnalité plus nuancée. Bien que méfiant envers les fantasmes identitaires des élites allemandes conservatrices, Meier-Graefe lutta sans répit pour un nationalisme d’ouverture, espérant infléchir le cours d’une culture germanique disloquée et hostile aux valeurs de la modernité. En suivant la carrière de cet Allemand cosmopolite, brutalement cisaillée par la Grande Guerre et achevée en France en exil du nazisme, cette thèse entend décrypter les mécanismes d’un projet de régénération culturelle ambitieux, impliquant actes et discours. Alternant entre phases d’enthousiasme intense et de profond désenchantement, Meier-Graefe s’y dévoile comme le chantre d’une modernité idéalisée dont il condamna obstinément les embardées avant-gardistes. / Self-taught art critic and historian, but also publisher, gallery owner, curator, expert, broker and tireless field man, Julius Meier-Graefe (1867-1935) played a prominent role in the European art world of the early 20th century. Based on a close study of numerous archives and letters, as well as a careful rereading of his vast body of published work, this dissertation endeavours to retrace the life of a reckless facilitator, whose career is too often reduced to the role of “importer” of modern French art in Germany. If Meier-Graefe has been frequently identified through his progressive francophile positions and formalistic viewpoints on visual arts, a detailed analysis of his involvement in the art market and institutions—and more broadly, in the political/cultural debates of his time—reveals a richer personality. Wary of the identity concerns shared by conservative elites of the Empire, he vigorously encouraged a “positive” nationalism, hoping to adjust the course of a fragmented Germanic culture hostile to the values of modernity. Tracing the steps of a cosmopolitan German whose path was brutally affected by the outbreak of World War I, this essay examines the mechanisms of his ambitious project of cultural regeneration, involving both action and discourse. Jostled between phases of enthusiasm and deep disillusionment, Meier-Graefe emerges as the champion of an idealized modernism, whose avant-garde experiments he nevertheless severely condemned.

Occupant une place majeure dans les intérieurs, les miroirs se sont progressivement imposés comme un décor d’architecture à part entière dans les pièces privées, puis dans les pièces de réception des grandes demeures aristocratiques européennes aux XVIIe et XVIIIe siècles. Le propos de la présente thèse est d’éclairer non seulement le développement des miroirs en tant que décoration fixe, mais aussi leur utilisation dans de véritables mises en scène architecturales. Envisagé sur un temps long de deux siècles et dans une aire géographique conséquente (France, Italie, Espagne, Allemagne, Autriche, Suède), ce travail débute par une étude du développement de ces décors au XVIIe siècle, en interrogeant le rôle de la France dans la définition et la circulation des modèles en Europe. Puis, dans un second temps sont étudiées les typologies de cabinet et de galerie de glaces, pièces les plus concernées par ce type de décor. Enfin, la place des miroirs dans la pratique architecturale et leur rôle illusionniste dans les intérieurs sont traités dans une dernière partie. / Occupying an important place in the interiors, mirrors have progressively been an architectural decor in its own right in the private rooms, then in the reception rooms of the European great aristocratic houses in the XVII and XVIII centuries. The purpose of this thesis is to enlighten not only the development of mirrors as fixed decoration, but also their use in true architectural staging. Based on a two century scale and a substantial geographic area (France, Italy, Spain, Germany, Austria, Sweden), this work starts by a study of the development of these decors in the XVII century, by questioning the role of France in the definition and the circulation of models in Europe. Then, it focuses on the typologies of mirror cabinet and galleries, the most affected rooms by this kind of décor. Finally, in the last section, the mirror place in the architectural practice and their illusionist role in the interiors are studied.

Quelques critiques universitaires ont été écrites sur des spectacles récents prenant pour thématique le conflit israélo-palestinien, mais il n’existe pas d’étude d’ensemble à ce sujet. Par ailleurs, depuis le début des années 2000, plusieurs recherches se sont attachées à préciser les relations qu’entretiennent le théâtre et la politique. Cette thèse vise à approfondir cette réflexion à partir des transferts culturels d’œuvres israéliennes et palestiniennes vers la France, des années 1970 à nos jours.Pour ce faire la méthodologie mise en œuvre articule historiographie du théâtre, histoire des représentations théâtrales et étude du champ de production culturelle en diachronie. Elle a permis de mettre en évidence la persistance de l’Orientalisme renforcé par le déphasage historique entre la France et Israël et l’inégal développement entre la France et la Palestine. La représentation théâtrale peut offrir un espace de résistance aux assignations identitaires subies par les artistes d’Israël et de Palestine, ou bien reproduire les rapports de domination lisibles à travers le degré de légitimité des dramaturg(i)es. La thèse rappelle la complexité des rapports de domination qui ne sont pas réductibles au racisme ou à un « choc de civilisations » mais relèvent d’une hégémonie culturelle entretenue par les institutions théâtrales et universitaires, et critiques dramatiques. Ces instances de légitimation sont analysées ici en tant que productrices d’un discours idéologique dont l’étude remet en question la posture de neutralité qui accompagne l’autonomie de l’art. / In a limited scope, academic critiques have been written on recent productions on the theme of the Israeli-Palestinian conflict, still there exists no comprehensive study on the subject. Additionally, several studies have focused on clarifying the relationship between theatre and politics since the early 2000s. The thesis aims to expand on this line of thought, deriving from cultural transfers of Israeli and Palestinian works to France, from the 1970s to the present day.The methodology implemented articulates theatre historiography, history of theatrical performances and the study of the cultural production field in diachrony. The methodology allowed for the highlighting of the persistence of Orientalism, reinforced by the historic phase-shift between France and Israel and the unequal development between France and Palestine. The theatrical performance can either offer a space of resistance to the identity assignements suffered by artists from Israel and Palestine, or can reproduce domination relations that are legible through the degree of legitimacy of the theatre performances and performers. The thesis evokes the complexity of relations of dominance that are not reducible to racism or a "clash of civilizations" but are a cultural hegemony maintained by theatrical and academic institutions, and drama reviewer. These instances of legitimation are analyzed here as producers of an ideological discourse, the study of which challenges the posture of neutrality that accompanies the autonomy of art.