Cette thèse analyse quelques récits audiovisuels sur les religions afro-brésiliennes, à savoir le Candomblé et le Tambour de Mina dans les États de Bahia et de Maranhão, situés au nord-est du Brésil, qui ont été diffusés dans les télé-journaux des chaînes affiliées du Réseau de Télévision Globo, dans le cadre de programmation locale du plus grand conglomérat médiatique privé du Brésil contemporain. Basé sur un échantillon de onze (11) reportages diffusés entre 2011 et 2012, y compris une émission spéciale, il a été possible de remarquer que ces récits renforcent la perception festive et l’aspect de mélange et de syncrétisme culturel et religieux, qui est la base de l'idéologie dominante façonnée dans les relations de classes sociales et ethniques concevant la culture comme un croisement dépourvu de conflits. C’est-à-dire une vision conservatrice émergeant de la production d'un modèle de journalisme télévisuel qui se maintient en accord avec l'ordre social actuel, en tant que promesse de service public et culturel. La relation entre le télé-journalisme et les lieux de culte de Candomblé et de Tambour de Mina, que ce soit l'État, des intellectuels ou des intérêts socio-économique-culturels faisant le médiateur, s’établit également comme stratégie de survie et de renouvellement poétique pour les groupes qui font partie de la culture populaire afro-brésilienne. Par conséquent, cette étude essaie de comprendre et de déterminer les stratégies d'insertion du Candomblé et du Tambour de Mina dans le télé-journalisme, aussi bien que les significations de la culture populaire diffusées par les voix, les images et les sonorités des récits audiovisuels sur des festivals, des événements et des personnages liés aux religions afro-brésiliennes. / This thesis investigates audiovisual narratives on African-Brazilian religions, namely Candomblé and Tambor de Mina in the Brazilian northeastern states of Bahia and Maranhão, which were aired on TV news of Rede Globo de Televisão’s affiliated stations, as part of the local programming of the largest private media conglomerate of contemporary Brazil. Based on a study sample of eleven (11) news, including one special coverage, it was noticed that such narratives, stories broadcast between 2011 and 2012, reinforce the festive perception and the mixed nature of cultural-religious syncretism, foundation of the dominant ideology shaped in social classes and ethnic relations that conceives culture as intercrossing as well as conflict-free. This is a conservative view emerging in the production of a type of TV journalism that remains as part of the present social order, while promising to provide a public and cultural service. The relationship between TV journalism and Candomblé / Tambor de Mina temples, be it mediated by the State, intellectuals or social, economic and cultural interests, are also survival and poetic renewal strategies for groups pertaining to the African-Brazilian popular culture. Therefore, this study attempts to understand and place the insertion strategies of Candomblé and Tambor de Mina in TV journalism, and the meanings of popular culture brought out through voices, images and sounds of audiovisual narratives of festivals, events and characters related to the African-Brazilian religions. / Esta tese analisa narrativas audiovisuais sobre cultos afro-brasileiros, especialmente, candomblé e tambor de mina, nos estados Bahia e Maranhão, da região nordeste do Brasil, que foram veiculadas em jornais televisivos de emissoras afiliadas da Rede Globo de Televisão, como parte da grade de programação local do maior conglomerado midiático do segmento privado de comunicação do Brasil contemporâneo. Observou-se, na mostra de onze (11) reportagens, incluindo uma edição de telejornal com cobertura especial, que tais narrativas, difundidas em diferentes datas entre os anos 2002 e 2013, reforçam a visão festiva e o caráter de mistura e de sincretismo cultural-religioso, base do pensamento dominante forjado em relações de classes sociais e raciais que concebe cultura como entrecruzamento e esvaziada de conflitos. Visão conservadora que emerge na produção de um jornalismo televisivo que se mantém como parte da ordem social vigente, enquanto promessa de prestação de serviço público-cultural. A relação entre jornalismo televisivo e terreiros de candomblé e de tambor de mina, mediada pelo estado, por intelectuais ou por interesses sócio-econômico-culturais, constitui-se também como estratégias de sobrevivência e de renovação poética para grupos participantes da cultura popular afro-brasileira. Buscou-se, nesse sentido, compreender e situar as estratégias de inserção do candomblé e do tambor de mina no telejornalismo e os sentidos difundidos de cultura popular por intermédio de vozes, de imagens e de sonoridades de narrativas audiovisuais sobre festas, eventos e personagens alusivos aos cultos afro-brasileiros.

Cette recherche vise à analyser la organisation et réorganisation des groupes culturels populaires. Mes sujets et interlocuteurs sont des groupes de danse de Saint Gonçalo situés entre les villes de Buritizeiro et de Várzea da Palma et des groupes de Folias de Reis entre les villes de Pirapora et São Francisco. Il s'agit de gérer la création de la représentation des formes de culture populaire de toutes sortes (traditionnel, du patrimoine, etc.) par ces acteurs-auteurs dans leurs relations et leurs dialogues auprès de différentes instances et personnes de la société civile : les institutions, les agences locales et le gouvernement, etc. Auprès d'eux et grâce à leurs confidences, j'ai tenté de mieux comprendre comment ils développent différentes stratégies: comment préserver les racines de leurs traditions d'origine; comment certains groupes succombent et disparaissent pratiquement dans ces « temps nouveaux»; comment certains groupes également traditionnels et locaux à l'origine, «entrent vers la modernité» (ou «postmodernité») tout en préservant le contexte de leurs performances rituelles. Je vais élaborer pour bien conceptualiser le par et le pour le peuple pour ensuite présenter comment se fait la représentation. Suivra une réflexion sur les concepts de culture, la culture populaire et le patrimoine culturel. Je compte parmi les acteurs : Raymond Williams, Michel de Certeau, Carlos Brandão, Terry Eagleton, les discours et les témoignages de guides et Santos Reis et fêter, danseurs et musiciens de Saint Gonçalo. Chacun des groupes a cherché une façon de conserver les traditions et s'est ouvert aux innovations de protection, certains allant même accepter des subventions provenant d'entités extérieur à la communauté tel que l État ou des entreprises privées. Alors que certains groupes restent organisés en fonction de leurs modèles plus traditionnels et communautaires, d'autres ont suivi la tendance de plus en plus "moderne" d'institutionnaliser les normes et standards officiels moins importants ou seconds. / Esta pesquisa objetiva analisar as diferentes estratégias de arranjos e re-arranjos de grupos tradicionais de cultura popular no que tange à gestão de suas criações e representações, através da ação de seus autores-atores. Meu foco recai sobre como os autores-atores de cultura popular dialogam entre agentes diretos de criação, as diferentes instituições, pessoas da sociedade civil, do mundo agenciador local e do poder público. Para tanto, meus sujeitos e interlocutores foram grupos de Dança de São Gonçalo entre as cidades de Buritizeiro e Várzea da Palma, e grupos de Folias de Reis entre as cidades de Pirapora e São Francisco. Junto a eles e a partir de seus depoimentos procurei compreender como eles procuram, através de diferentes estratégias, e aprendem a gerenciar o que eles criam e apresentam, de modo a preservarem o contexto de suas representações rituais e a ampliar o contexto social de suas apresentações. Tratarei aqui dos caminhos entre o fazer do povo e o fazer para o povo, do apresentar e do representar, a partir de uma reflexão sobre os conceitos de cultura, cultura popular e patrimônio cultural. Baseio-me em autores como Raymond Williams, Michel de Certeau, Carlos Brandão, Terry Eagleton, assim como nas falas e depoimentos dos guias e foliões de Santos Reis e tocadores e dançadores de São Gonçalo com quem estive e pesquisei. Veremos que cada um dos grupos, sobretudo através de seu dirigente, buscou um caminho próprio, entre fincar o pé na mais pura tradicionalidade mineira, e o abrirse a inovações e/ou à proteção e ao subsídio de entidades de fora. Alguns grupos mantiveram-se organizados segundo os seus padrões mais tradicionais e comunitários, na mesma medida em que outros seguiram a tendência crescentemente moderna de se institucionalizarem segundo normas e padrões oficiais. / Mestre em Geografia

Doctorat en Sciences politiques et sociales / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Cette thèse explore dans quelle mesure la comptabilité peut jouer un rôle dans le dévoilement et la remise en cause publics d’une situation de domination, et ainsi contribuer à une certaine forme d’émancipation. Au plus près des interprétations des acteurs, cette thèse suit les voix libérales dévoilant et remettant en cause la domination des discours et des principes de rationalisation et de régulation financières à l’œuvre dans le football professionnel français. La comptabilité du football français est particulièrement exposée, du fait de la médiatisation et de la financiarisation intenses de ce secteur. Cette thèse s’appuie sur la sociologie pragmatique de la critique (à travers les travaux de Luc Boltanski) et considère les acteurs comme capables de critiques et de dévoilements. Au sein de trois essais, nous montrons 1/ comment des chiffres comptables préalablement divulgués par les clubs peuvent être mis en scène, par des acteurs débattant au sein d’une émission de radio, pour promouvoir une vision libérale ou une vision régulée du football français, 2/ comment les contrôleurs de gestion d’un club se saisissent de la critique pour dévoiler et remettre en cause la domination institutionnelle du régulateur financier du football français, et 3/ comment les pratiques d’accountability de managers d’un club, en réponse à la critique publique, leur permettent de légitimer leur organisation en justifiant sa non-conformité. Si la comptabilité, dans le sillage de la sociologie critique, a souvent été décrite comme un outil au service de dominations à l’œuvre, nous montrons dans cette thèse qu’elle peut également favoriser dévoilement et émancipation. / This dissertation explores to what extent accounting can play a role in how actors publicly unveil and denounce a situation of domination, thereby contributing to a form of emancipation. Listening to the actors’ interpretations, this dissertation follows the liberal voices which unveil and denounce the domination of the discourses and principles on financial regulation and rationalization for French professional football. French football accounting is particularly exposed, due to the high media coverage and financialization of the sector. This dissertation builds on the “pragmatic sociology of critique” (through the work of Luc Boltanski), and sees actors as having critical and unveiling competences. In three essays, we show 1/ how clubs’ disclosed accounting numbers can be staged by actors debating in a radio talk-show, to promote a liberal or regulated vision of French football, 2/ how management accountants in a club use their critical competences to unveil and denounce the institutional domination of the French football financial regulatory body, and 3/ how accountability practices of club’s managers undertaken to respond to public criticism, enable them to legitimize their organization by justifying its non-conformity. While accounting has often been described as serving dominant interests following the “critical sociology” tradition, our dissertation shows that accounting can also favor unveiling and emancipation.

L’adaptation existe depuis les débuts du cinéma. Dès lors, le nombre de versions filmiques d’œuvres littéraires ne cesse de croître et l’adaptation reste au cœur de la production cinématographique partout dans. Toutefois nous constatons que l’adaptation se trouve dans une situation quelque peu paradoxale. Ce qui motive sa conception est également à l’origine de la majeure partie des critiques. D’une part, le bénéfice économique est évident. La notoriété d’un roman à succès garantit un public nombreux. D’autre part, le contexte créatif se révèle difficile car, du point de vue ontologique, l’adaptation préserve la comparaison traditionnelle en s’appuyant sur un paradigme oppositionnel des arts où le film se doit de se justifier face au texte source. Se situant à la croisée des arts, l’adaptation focalise un débat sur une hiérarchie notionnelle des arts où la narration à travers des images serait toujours perçue comme inférieure aux autres formes. Dans cette thèse, nous étudions ce phénomène dans le contexte de la résurgence de la fantasy lors des années 2000. Ce fait culturel du monde anglophone atteindra un niveau inattendu au cinéma avec le succès des adaptations des romans de J. R. R. Tolkien et de J. K. Rowling tandis que la réception des versions filmiques des œuvres de C. S. Lewis peut paraître mitigée. À partir de ces constats, nous nous interrogeons parallèlement sur le processus et le produit de l’adaptation en plaçant notre corpus au centre du débat à travers une approche descendante de comparaison. Nous espérons ainsi pouvoir apporter quelques éléments de réflexion sur l’engouement du public pour ces histoires et sur l’adaptation comme domaine d’étude. / Adaptation has been a part of cinema since its very beginning. Since then, the number of film versions of literary works which appear on screen has never ceases to increase and adaptation is still at the heart of cinematic production around the world. Adaptation actually exists in a rather paradoxical situation. What motivates its conception is also the source of the majority of criticism against it. On one hand, the economic advantage is clear. The fame of a popular novel guarantees a large audience. On the other hand, its creative context can prove to be difficult since ontologically adaptation serves to preserve the traditional comparison based on an oppositional paradigm of the arts where the film has to justify itself in front of the source text. Standing at a crossroads between the arts, adaptation is the focus of a debate on a notional hierarchy within the arts where narration through images could still be perceived as inferior compared to other forms.We wanted to study this phenomenon within the context of the resurgence of fantasy witnessed in the 2000’s in this thesis. In the English-speaking world this cultural event reached an unexpected level with the success of the adaptations of J. R. R. Tolkien and J. K. Rowling’s novels while the film versions of C. S. Lewis’ works were less well received. With these points in mind, we consider the process and the product of adaptation in order to situate our corpus in the debate through a top down approach of comparison. We thus hope to bring some elements of reflections on the craze for these stories and the domain of adaptation studies.

La représentation de Satan et de ses différentes dénominations a constitué un sujet majeur de l’histoire de l’art occidental chrétien des premiers siècles de notre ère jusqu’au début du vingtième siècle. Alors que nous estimions le thème définitivement abandonné suite au fort recul de la pensée religieuse – notamment de la croyance au Diable – dans les sociétés actuelles, nous relevons que l’art contemporain lui accorde une place prépondérante dans sa production et ses manifestations. Le constat de ce décalage ostensible est à l’origine de la volonté d’étudier les raisons, les expressions et les conséquences qui accompagnent la présence de Satan dans l’art d’aujourd’hui. Pour rendre compte de cette discordance, cette thèse se scinde en trois mouvements : une étude comparative de l’histoire de la figure entre son passé et son présent, puis de sa disparition relative à sa réincarnation effective ; une analyse du traitement de l’imagerie diabolique par les artistes, et des messages qu’ils transmettent à travers elle ; une réflexion sur la survie théorique de la figure, et sur le silence du monde de l’art face à l’omniprésence de sa représentation. Le «retour» du Diable s’explique par deux raisons principales : détaché de ses racines théologiques, il est devenu aisément manipulable ; héritière de son glorieux passé, son image possède une force symbolique irremplaçable. La figure de Satan dans l’art contemporain est le reflet de nos sociétés, de nos angoisses, et de nos espoirs de libération – symptôme et possible remède. Vouloir l’ignorer revient à refuser d’affronter la préoccupante situation sociopolitique du monde : un vœu pieux potentiellement dangereux. / The representation of Satan in his various denominations has constituted a major topic for Western Christian art history, from the first centuries A.D. to the beginning of the twentieth century. While, following the large decline of religious thought and of the belief in the Devil, the theme was considered as permanently obsolete in our present day societies, we notice that contemporary art provides it a leading place in its productions and expressions. The genuine will to study the reasons, the manifestations and the consequences accompanying the presence of Satan in today’s art comes from the observation of this blatant discrepancy. In order to figure out this discordance, this thesis is divided in three parts: a comparative study of the figure between its past and its present, then from its relative disappearance to its effective reincarnation; an analysis of the diabolical imagery as it is treated by artists, and of the messages they deliver through it; a reflection on the theoretical survival of the figure, and on the art world’s silence in the face of his omnipresent representation. The Devil’s “come back” can be explained by two main reasons: cut from his theological roots, this character is easily maneuverable; his image possesses an irreplaceable strength inherited from his glorious past. The figure of Satan in contemporary art mirrors our societies, our fears, our hope for liberation – a symptom and a possible remedy. To try to avoid it is to refuse to contend with the worrying socio-political situation of the world: a potentially dangerous vain wish.

Mémoire en recherche-création / Ktf, la première partie de ce mémoire, est un récit au « je » qui tente de reproduire le parler des jeunes québécois. Il présente une vision des relations amoureuses au temps des nouvelles technologies à travers les yeux d’une jeune femme de 20 ans souffrant de dépendance affective. Le discours se double d’une réflexion sur l’endoctrinement par les discours sociaux qui poussent à accorder une grande importance au paraître. La narratrice, par son point de vue à la fois sarcastique et aliéné, s’attarde à raconter son banal quotidien, tout en reconduisant une multitude de stéréotypes et en pigeant allègrement dans le répertoire du kitsch et des pensées préconçues. Toutefois, grâce à son sens de l’autodérision, la narratrice insuffle à son récit une bonne dose de ridicule ce qui a pour effet de dévoiler le vide de sens qui sous-tend cette culture du paraître. La seconde partie de ce mémoire est un essai qui s’intéresse la culture populaire et au rire comme instruments de détournement des discours dominants et de la culture consacrée dans Borderline et La brèche de Marie-Sissi Labrèche. Cet essai en trois parties s’attarde d’abord à faire ressortir les références au tragique dans les deux récits de l’auteure, afin de montrer comment leurs héroïnes Sissi et Kiki sont oppressées par les grands discours du système officiel. Ensuite, les parties deux et trois portent sur le détournement que les narratrices font subir au tragique en le confrontant à diverses manifestations de la culture populaire comique, dont le kitsch, le grotesque, le ridicule, le carnavalesque et le trash. / Ktf, the first part of this M.A. Thesis, is a narrative that attempts to reproduce the orality of young people in Quebec. It presents a vision of love relationships in the age of new technologies through the eyes of a 20-years-old girl suffering from emotional dependence. The discourse is coupled with a reflection on indoctrination by social discourses that give great importance to appearing. The narrator, from her sarcastic and alienated point of view, dwells on her banal daily life, while reiterating a multitude of stereotypes and while gleefully pumping into kitsch repertoire and preconceived thoughts. However, thanks to her sense of self-deprecation, the narrator infuses her story with a good dose of ridicule, which has the effect of revealing the meaninglessness that underlies this culture of appearances. The second part is an essay on popular culture and laughter as instruments for diverting dominant discourses and consecrated culture in Borderline and La brèche by Marie-Sissi Labrèche. This three-part essay focuses first on highlighting references to tragedy in the author's two narratives, in order to show how their heroines Sissi and Kiki are oppressed by the great rhetoric of the official system. Then, parts two and three analyze how Labrèche turns away the tragic by confronting it with various manifestations of comic popular culture, including kitsch, grotesque, ridiculous, carnivalesque and trash.

Depuis la fin des années 1960 se sont développées différentes pratiques artistiques délibérément bêtes, assumant et parfois même revendiquant leur bêtise. Dans une approche ancrée à la fois dans l'histoire culturelle et la théorie esthétique, prenant en compte les paramètres que sont les modalités d'exposition, l'industrie du divertissement et le rôle des collectionneurs, il s'agit de comprendre comment un phénomène à l'origine excentré, marginal et parfois contestataire, est devenu une donnée centrale de la production artistique contemporaine. Le premier mouvement revient sur la tradition de la bêtise en histoire de l'art. Partant de l'expression « bête comme un peintre », y est proposé une relecture du « retour à la peinture» du début 1980 (Figuration Libre, Mülheimer Freiheit à Cologne, bad painting américaine). Le deuxième moment porte sur les mécanismes de diffusion, d'expansion, de légitimation et d'institutionnalisation de l'art bête dans les années 1990 et 2000, abordant notamment les pratiques Martin Kippenberger, Jeff Koons, Paul McCarthy, Mike Kelley, Richard Jackson, Gelitin, Wim Delvoye ou encore Damien Hirst. Le troisième et dernier temps consiste en une généalogie alternative de cette histoire de la bêtise en prenant la Californie comme paradigme. On y développe l'hypothèse qu'à Los Angeles sont en germe, depuis le milieu des années 1960, les formes de bêtise artistique qui s'imposent à l'échelle internationale depuis les années 1990 : l'industrie du divertissement et le culte du succès, de la célébrité et de la richesse, et son contre-point dynamique, son envers dévoyé, le modèle du bad boy made in L.A. / Stupidity (bêtise) can be apprehended as bodily, vulgar, even regressive. Or it can simply be understood as foolish, silly or childish. I investigate all of these strains of "bêtise" in order to demonstrate the key role it has played in shaping aesthetic styles and debates about contemporary art from the late 1960s to the present day. The dissertation thus traces these fluctuations by looking at the shift from the 1960-l 970s, when dumbness, used as a critical tool, occupied a position at the margins of the art world, to the l 980-1990s when "bêtise" began to constitute an autonomous aesthetics mobilized by the art world's biggest stars. What used to be marginal then became preeminent, what used to be popular culture became high art, while lowbrow turned into highbrow. The first part takes a look back at the tradition of stupidity in art history. Viewed from the popular phrase "stupid as a painter", I propose a reevaluation of the so-called "return to painting" in the early 80s (Figuration libre, Bad Painting, Mülheimer Freiheit Grup in Koln) as an initial step. The second section analyses the mechanisms of diffusion, expansion, legitimation and institutionalization of "dumb art" in the 90s and 2000s, focusing on practices of artists like Martin Kippenberger, JeffKoons, Paul McCarthy, Mike Kelley, Gelitin, Wim Delvoye or Damien Hirst. The third and last part is an attempt to write an alternative narrative to this history of stupidity, in which I propose California as a paradigmatic model. The entertainment industry and the cult of success, fame and wealth, and its dynamic counterpoint, its dark side, the made-in-L.A.-bad-boy model played major roles in that process.

Cette thèse se présente comme une histoire et une analyse de l’émergence de la critique francophone de cinéma à Montréal, entre 1920 et 1931. Elle cherche à comprendre comment se forme le champ de la critique cinématographique au Québec, ainsi qu’à exposer la polysémie du discours à l’intérieur duquel sont formulés ses énoncés. La méthodologie emprunte à la théorie des champs de Pierre Bourdieu, aux principaux historiens de la critique de film, et aux études sur l’histoire culturelle du Québec. L’hypothèse initiale est qu’étant apparue dans les journaux de masse, dans les années 1920, plutôt que dans les revues spécialisées (comme ce fut le cas notamment en France et aux États-Unis), la critique cinématographique québécoise est développée par des journalistes culturels venus d’autres disciplines (principalement de la musique et du théâtre) et qui s’adressent davantage à un public populaire large et varié qu’à un auditoire restreint de cinéphiles. Cette situation particulière favorise ainsi l’émergence d’une critique vernaculaire qui navigue en sortant des étroits paramètres imposés par le clérico-nationalisme, mais dont la liberté est balisée par une presse privée répondant aux lois du marché. Elle doit également osciller entre un intérêt marqué des journalistes pour la culture française, et une presqu’hégémonie du cinéma étatsunien dont la majorité des œuvres visent bien davantage le divertissement populaire que la recherche narrative, artistique ou esthétique. De plus, puisque la production cinématographique canadienne est alors plutôt marginale, les journalistes culturels ne peuvent avoir véritablement d’incidence sur la nature des œuvres presque toutes réalisées aux États-Unis ou en Europe. Ils peuvent toutefois avoir un impact sur les spectateurs et spectatrices, ainsi que sur plusieurs enjeux liés à la diffusion. Ces journalistes développent tout de même une réflexion pertinente sur le cinéma et sur les films, tout en gardant une distance par rapport aux polémiques qui animent la critique étrangère, qu’ils connaissent et lisent pourtant. Il en résulte un discours sur le cinéma propre à cette époque, et révélateur de la situation spécifique du Québec. / This PhD dissertation is a history and an analysis of the francophone film criticism genesis in Montreal, between 1920 and 1931. It aims to understand how the field of film criticism is formed in Quebec, as well as to expose the polysemy of its discourse. The methodology chosen borrows from the Pierre Bourdieu’s theory of fields, from the leading historians of film criticism, and from studies on Quebec’s cultural history. The initial hypothesis is that since it was first published in mass newspapers in the 1920s instead of specialized journals (as it was the case in France and the United States as examples), the Quebec film criticism was developed by cultural journalists from other disciplines than cinema (mainly music and theatre) and was intended to a broad and diverse popular audience rather than to a small audience of cinephiles. This situation has favoured the emergence of a vernacular film criticism that takes its distance from the narrow parameters imposed by the “clerico-nationalism”, and whose freedom is limited by a press dealing with the market laws. It must also waver between the interest of the journalists for French culture and the American cinema hegemony whose movies aimed to be much more popular entertainment instead of being narrative, artistic or aesthetic experimentations. Moreover, since Canadian film production is rather marginal, local cultural journalists cannot really have an impact on the nature of the films mainly produced in the United States or in Europe. However, they can have an impact on viewers, as well as on several issues related to broadcasting. These journalists, nevertheless, developed a relevant reflection on cinema and films, while keeping a distance from the main controversies that were driving foreign criticism, although they know and read them. The result was a discourse on cinema peculiar to that time and revealing the specific situation of Quebec.

Ce travail se penche sur les enjeux de représentation de genre au Brésil, en prenant pour objet d’étude les performances d’artistes queer et trans de couleur sur la scène musicale populaire brésilienne. Je me penche d’abord sur la conjoncture sociopolitique du Brésil, marquée par un contexte paradoxal de popularité croissante d’artistes de la communauté LGBTQ+, associée à une vague de violences symboliques et physiques envers ces groupes minorisés. En m’inscrivant dans les études culturelles et visuelles, je mobilise ensuite des théories et concepts sur la performance (Taylor, 2003) et la performativité du genre (Butler, 2006), notamment au sein des études queer (Muñoz, 1999), selon une approche intersectionnelle. Je m’attache également à replacer les discours d'identité et de résistance ainsi que les réflexions épistémologiques dans le contexte brésilien. Sur cette base, j’étudie les performances des artistes Linn da Quebrada, Liniker, Gloria Groove, Quebrada Queer, Jup do Bairro et Majur, à travers une analyse textuelle de quatre vidéoclips qui est ensuite étendue aux performances dans les réseaux médiatiques et sociaux, avec Instagram. En réfléchissant aux différentes significations et aux affects produits par ces performances, ce travail met en exergue le rôle subversif des intimités queer et trans et la manière dont elles participent à la création d’un monde queer (Muñoz, 2009). Ces performances transgressent ainsi les normes basées sur le genre, la sexualité, la race et la classe, participant à un mouvement de lutte intersectionnelle et culturelle au Brésil. Enfin, ce travail ouvre la voie à une réflexion sur les manières dont les médias numériques permettent et relaient les performances subversives. / This study investigates issues of gender representation in Brazil through a study of performances by queer and trans artists of colour associated with the Brazilian popular music scene. I first examine the socio-political context of Brazil, marked by a paradoxical context where the increasing popularity of artists from the LGBTQ+ community corresponds with a wave of symbolic and physical violence towards these marginalized groups. In this study grounded in cultural and visual studies, I engage with theories and concepts of performance (Taylor, 2003) and gender performativity (Butler, 2006), particularly within queer studies (Muñoz, 1999), using an intersectional approach. I also insist on situating discourses of identity and resistance and epistemological reflections in the Brazilian context. On this basis, I study the performances of artists Linn da Quebrada, Liniker, Gloria Groove, Quebrada Queer, Jup do Bairro and Majur, through a textual analysis of four video clips that is then articulated with performances in media and social networks, notably Instagram. Reflecting on the different meanings and affects produced by these performances, this study highlights the subversive role of queer and trans intimacies and how they participate in queer worldmaking (Muñoz, 2009). I argue that these performances transgress norms of gender, sexuality, race and class, participating in a movement of intersectional and cultural struggle in Brazil. Finally, this work concludes with a reflection on how digital media enable and relay subversive performances.