O que a experiência estética ensina aos psicanalistas? Essa pergunta ampla dá início às investigações deste trabalho sustentado pela hipótese de que há uma dimensão estética na experiência analítica. Configuramos as problemáticas da análise do estético e da sublimação, a partir de Freud, para em seguida recolher as influências da estética e reanalisar certas conceitualizações da psicanálise. Consideramos que experiência estética e experiência analítica são vizinhas e enfrentam problemas homólogos ligados: 1- à contiguidade entre sensibilidade e inteligibilidade; 2- a não hierarquia entre o regime representativo e o regime estético (apresentativo) nos processos de significação; 3- à dimensão de ruptura de sentido no estético. As relações entre experiência estética e os processos de sublimação, a partir da reciprocidade entre atividade e passividade na experiência de apreciação e de criação, sugerem que esses processos sejam estudados de modo adjacente. A partir da análise estética da formatividade (Pareyson) e das relações intrínsecas entre conteúdo e forma, é investigada a metapsicologia das relações, sempre fugidias, entre imagem e palavra, e os processos de figurabilidade/apresentação (Darstellung). Resgata-se a legitimidade de se reconhecer os processos oníricos como um dos modelos de análise do estético e da criatividade em psicanálise. Em outra dimensão do estético, estabelecemos aproximações entre a estética do sublime e o estranhofamiliar de Freud, como experiências de ruptura de sentido. A ruptura, sob certas condições, está na base das experiências de ressignificação, nas bordas do irrepresentado e do irrepresentável da experiência. A figurabilidade/apresentação é compreendida como transformação de inscrições psíquicas mudas em formas eloquentes e tem efeitos na interpretação e no manejo na clínica com destaque para as construções em análise. No que toca a sublimação, articulada à experiência estética, levamos adiante a formulação de Freud de que há uma relação entre os processos criativos e o brincar da criança. A experiência estética e o brincar da criança retiram as análises de Freud sobre a sublimação de uma perspectiva adaptativa e deserotizada. Destacamos, não o suposto conteúdo recalcado dessas atividades, mas a transformação da pulsão, articulada aos elementos formais que participam tanto do brincar quanto do trabalho do artista. Propusemos uma relação de coconstituição entre processos sublimatórios, instâncias psíquicas (id, ego, superego) e a organização da pulsão, através de jogos constituintes de ausência e presença, continuidade e descontinuidade, identidade e alteridade. Brincar e sublimar são jogos constitutivos de prazer e luto que articulam objeto subjetivo e objeto objetivo na área transicional da experiência. Reconhece-se, por outro lado, os limites dos processos sublimatórios e a participação das forças de desligamento pulsional. As implicações no manejo e interpretação também são abordadas na análise com crianças, privilegiando a construção dos processos de figurar e ficcionar. Consideramos que a reanálise das relações entre a experiência estética e sublimação contribui para destacar a dimensão estética e criativa da clinica psicanalítica contemporânea / What does the aesthetic experience teach psychoanalysts? It is this wide question that opens the investigations in this work, which is supported by the hypothesis of an aesthetic dimension in the psychoanalytic experience. After setting up aesthetics and sublimations analysis problems, following Freud, aesthetics influences are gathered and some psychoanalytical concepts reanalyzed. The aesthetic and the analytical experiences are considered to be neighbors, facing homologous problems, related to: (1) contiguity between sensibility and intelligibility; (2) non-hierarchy between the representative regime and the aesthetic regime (presentative) in the signifying processes; (3) the rupture of meanings dimension within aesthetics. The relations between the aesthetic experience and the sublimation processes, according to activity and passivitys reciprocity in the creation and appreciation experience, suggest that these processes be studied in an adjacent manner. Following Pareysons formativitys aesthetic analysis and the intrinsic relations between form and content, the ever escaping relations between image and word, as well as the figurabilty/presentation (Darstellung) processes are investigated. The oniric processes legitimacy in the analysis of aesthetics and creativity in psychoanalysis is then recovered. In another dimension of aesthetics, an approximation between the sublime and Freuds Unheimlich, as an experience of rupture of meaning, is established. This rupture, under certain conditions, is at the bottom of re-signification experiences, on the verge of what is not represented and of what is non representable in experience. Figurablity/presentation is understood as transformations of mute inscriptions into eloquent forms. From these, effects on interpretation and clinical handling are implied, with a stress on constructions in analysis. Concerning sublimation, when articulated to the aesthetic experience, Freuds formulation that there is a relation between creative processes and childrens play is furthered developed. The aesthetic experience and childrens play aid Freuds analysis of sublimation from an adaptive de-erotized perspective. What is emphasized is not the supposed repressed content of such activities, but drives transformation, articulated to formal elements which participate both in childrens play and in artists work. A co-constitution relation among sublimation processes, psychic instances (ego, id, superego) and drives organization is proposed, through elementary games of presence and absence, continuity and discontinuity, identity and otherness. To play and sublimate are constitutive games of pleasure and mourning that articulate both the subjective object and the objective object in the experiences transitional area. On the other hand, limits of the sublimation processes and the participation of unlinking drive forces are recognized. The implications on analysis handling and interpretation in childrens analysis are also approached, with a privilege on the construction process of figures and fiction. It is considered, then, that this re-analysis of the relations between the aesthetic experience and sublimation contributes to highlight the aesthetic and creative dimension of contemporary psychoanalytical clinic

Orientador: Mauro Pedrine Santamaria / Banca: Michel Reis Messora / Banca: Maria Aparecida Neves Jardini / Resumo: A recessão gengival é um problema altamente prevalente, podendo atingir até 100% dos indivíduos com mais de 50 anos de idade. A presença da recessão pode implicar no aparecimento de outros problemas, como hipersensibilidade dentinária, queixas estéticas, acúmulo de biofilme, cáries radiculares, lesões cervicais não-cariosas entre outros. O objetivo do presente estudo foi comparar, do ponto de vista clínico, estético e de parâmetros centrados no paciente, dois tipos diferentes de retalho para o enxerto de tecido conjuntivo no tratamento de recessões gengivais. Foram selecionados 42 pacientes apresentando recessão gengival, divididos nos grupos teste: cirurgia periodontal para recobrimento radicular por meio de retalho em túnel e enxerto de tecido conjuntivo e grupo controle: cirurgia periodontal para recobrimento radicular por meio de retalho trapezoidal e enxerto de tecido conjuntivo. Foram avaliadas a taxa de recobrimento, estética e conforto dos pacientes aos baseline, 3 e 6 meses após o procedimento. Após 6 meses, o grupo controle apresentou uma média de recobrimento de 87,2±27,1 % enquanto o grupo teste alcançou uma média de 77,3±20,4 % com diferença significante entre os grupos. O recobrimento radicular completo foi alcançado em 71.42 % das recessões tratadas com o retalho trapezoidal e em 28,57 % das recessões tratadas com retalho em túnel, com diferença estatisticamente significante entre os grupos. A média da RES foi 8,42±1,5 para o grupo controle e 7,81±1,91 para o grupo teste após o tratamento sem diferença entre os grupos. A análise da escala VAS mostrou uma menor morbidade associada ao retalho em túnel (p= 0,04). Pode-se concluir que o a técnica de retalho trapezoidal foi mais eficaz que a técnica de túnel em alcançar o recobrimento radicular. Entretanto a técnica de túnel foi associada a uma melhor textura gengival e maior conforto do paciente sendo uma valiosa opção de tratamento / Abstract: Gingival recession is a highly prevalent problem and can reach up to 100% of individuals over 50 years of age. The presence of the recession may result in the occurrence of other problems such as dentin hypersensitivity, esthetic complaints, biofilm accumulation, root caries, non-carious cervical lesions among others. The aim of this study was to compare clinically, esthetically and patient-centered parameters, two types of flap designs for connective tissue graft in the treatment of gingival recession. Were selected forty two patients presenting with gingival recession divided in the test group: periodontal surgery for root coverage using the tunnel flap and graft of connective tissue and control group: trapezoidal flap and graft of connective tissue. Clinical, esthetics, and comfort of patients parameters were assessed at 45 days, 2, 3 and 6 months after the procedure. After six months, the control group presented mean root coverage of 87.2±27.1 % while the test group presented a mean of 77.3±20,4 % with significant difference between groups. The complete root coverage was achieved in 71.42 % of recessions treated with trapezoidal flap and 28.57 % of recessions treated with tunnel flap, with a statistically significant difference between groups. The average of RES was 8.42 ± 1.5 for the T + CTG group and 7.81 ± 1.91 for the E + CTG group after treatment with no difference between groups. The VAS scale analysis showed a lower morbidity associated to tunnel technique (p = 0.04). It can be concluded that the trapezoidal flap technique was more effective than the tunnel flap technique in achieve the root coverage. However tunnel technique was associated with better gingival texture and patient comfort being a valuable treatment option / Mestre

Resumo: Esta dissertação analisa a gastronomia como objeto estético. Assim, considerando a mesma como um campo da estética, recorri da memória gustativa, de fotos de pratos desenvolvidos pelos chefs brasileiros Henrique Fogaça, Rafael Despirite e Helena Rizzo e da linguagem visual de cada um dos restaurantes para construir o que entendo por estética do gosto. Essa pesquisa fundamentou-se na concepção de que o belo não está presente no objeto em si, mas é uma construção do observador, ou do degustador: o fato sensível fundamental para a experiência estética é a vivência pessoal de cada um. A comida une o chef e o degustador através da estética do gosto, do despertar do paladar. Trata da arte de produzir sabores e da recepção desses e suas extensões. Quer pontuar aspectos do papel da alimentação, desde o achamento do Brasil e do desenrolar desse processo no ritual alimentar, que acompanha as mudanças comportamentais ocorridas principalmente na Europa e no Brasil: da necessidade ao requinte, até atingir um mundo de delícia, que chegou a ser aproximado dos pecados da gula e da luxúria. É feita uma narrativa histórica da alimentação desde a Antiguidade clássica até o início da Era moderna, e enfoca o Brasil, com seu sincretismo, e as influências primeiras dos portugueses, dos negros e dos índios, que compõem a nossa originalidade. A argumentação se funda no trabalho dos chefs nominados e na forma como desenvolvem sua linguagem. Do preparo dos ingredientes à apresentação dos pratos, até o ambien- te do restaurante. Considerou-se como ponto de partida a percepção para a apreciação de diversos aspectos dos pratos desses chefs, tais como cor, forma, textura, cheiro, gradações de calor que, aliados às evocações da memória - enfim, a experiência de quem prepara e de quem come - desencadeia o que se considera a estética do gosto / Abstract: Thus, considering it a field of aesthetic, utilizing dishes created by Brazilian chefs Henrique Fogaça, Rafael Despirite and Helena Rizzo and the visual language of their restaurants to make up what I understand as the aesthetic of taste. This research was based on the concept that beauty is not present in the subject itself, but it is a construction of the observer (beauty lies in the eyes of the beholder) or the taster in this case, the most critical and sensitive fact to the aesthetic experience is one's own experience. Food unifies the chef and the taster through the aesthetics of taste, the awakening of the palate. It is about the art of producing flavors and the response to these flavors and their extensions. This will point out some aspects of the role of food since the discovery of Brazil and the unfolding of this process in the eating ritual that follow the behavioral changes, mainly in Europe and Brazil: from the necessity to the exquisiteness, to the point of reaching a world of delight that was very close to the sins of gluttony and luxury. The author makes a historical narrative of food from the ancient world to the early modern age and focusses in Brazil with its syncretism, and the first influences of the Portugueses, africans and native Indians which make up our originality. The argument is based on the work of renown chefs and how they develop their language. From the preparation of the ingredientes and the presentation of the dishes to the ambiance of the restaurant. It was considered as a starting point the perception of the appreciation of various aspects of the dishes such as color, shape, texture, smell, temperature variation, allied to the evocation of memory - in short, the experience of those who cook and those who eat - initiates what is considered the aesthetic of taste / Orientador: Geralda Dalglish / Coorientador: Mariza Bertoli / Banca: Sandra Ramalho e Oliveira / Banca: Omar Khouri / Mestre

Esta tese tem como objetivo estudar a noção de identidade narrativa em Robert Musil, concentrada, sobretudo, em O homem sem qualidades. Para alcançá-lo, parte-se do exame dos escritos musilianos, publicados como obras completas, a fim de reconhecer, na dissolução da identidade do personagem, a contribuição emblemática ao problema da identidade mutante do homem, desde o advento da modernidade. Compreendido o lugar reservado da identidade ética figurada pela manutenção de si, compreende-se como a falta de qualidades retira-lhe todo o ponto de apoio. O drama da dissolução da identidade do personagem de Musil deixa aberta a questão: pode o não-sujeito permanecer uma figura do sujeito, mesmo que fosse sobre o seu modo negativo? A ficção literária de Musil opera no duplo sentido de definir a condição de ipseidade e voltar à vida, quando se procura uma definição para identidade. Dessa análise se depreende que o si representado pela narrativa é confrontado com a hipótese de seu próprio nada. Certamente esse nada não é o nada do qual não se tem nada a dizer. Essa hipótese dá, ao contrário, muito o que dizer, como disso é testemunha a imensidade da obra analisada. Dessa análise reconhecem-se como não faltam à hipótese verificações existenciais sobre as transformações da identidade pessoal à prova desse nada de identidade que aparece nos momentos de desenraizamento como extremo despojamento dos valores da cultura, deixando a resposta negativa à pergunta quem sou eu? exposta não mais à nulidade da própria condição do homem verdadeiro, mas à nudez da própria questão. A análise do caso de um homem sem qualidades expõe que a identidade pessoal não é o que importa; levando ao apagamento não apenas a identidade do mesmo, mas a identidade de si. Ao revelar a negação do si, o homem sem qualidades expõe a passagem do Quem sou eu? ao que sou eu? como perda de pertencimento aos valores da cultura; tal perda é o caráter, isto é, o conjunto das disposições adquiridas e das identificações sedimentadas pela cultura. O personagem expõe a condição de impossibilidade atual de reconhecer a alguém sem uma maneira durável de pensar, de sentir, de agir, que, outrossim, seria impensável. Se há identidade no fluxo mutante da sociedade atual, esta só é praticável no fracasso de uma sucessão indefinida de tentativas de identificação as quais constituem a matéria de narrativas com valor interpretativo a respeito da contração do si. Manter-se no plano ético um si que, no plano narrativo, pode apagar-se é o desafio e um limite para encontrar, no indivíduo, a distância entre identidade narrativa e identidade moral em benefício da dialética viva entre uma e outra. Eis aqui como se vê tal oposição transformar-se em uma tensão frutuosa. / This thesis is meant as a study of the notion of narrative identity in Robert Musil, especially as concentrated in The man without qualities (O homem sem qualidades). With this in mind, the starting point are Musils writings, published as his collected works. The aim is to recognize in the dissolution of the character´s identity the emblematic contribution to the question of mans changing identity, since the dawn of modernity. If we understand the place of represented ethical identity as the preservation of the self, we realize that the absence of qualities deprives it of all support. The drama of the dissolution of identity in Musils character leaves open the question: can the nonsubject remain a figure of the subject, even though in a kind of negative way? As one searches for a definition of identity, Musils negative fiction operates in a twofold way, both as a definition of the condition of ipsidity (ipsidité) and as a return to life. From this analysis one gathers that the self represented in the narrative is confronted with its own nothingness. Of course this nothingness is not the nothingness about which there is nothing to say. On the contrary, there is a great deal to be said about that hypothesis, as witnessed by the immensity of the work here analyzed. From this analysis one acknowledges that the hypothesis does not lack existential evidence about the transformations of a personal identity which is proof against the nothingness which, in moments of uprooting, shows up as an extreme emptying of cultural values, offering a negative answer to the question What am I? which is no longer exposed to the nullity of the real mans own condition but to the nakedness of the question itself. The case analysis of a man without qualities leads to the conclusion that personal identity is not what matters; it leads to the erasure not only of the identity of the same, but of the identity of the self. As he exposes the negation of himself, the man without qualities discloses the passage from Who am I? to what am I? as the loss of his belonging to the values of culture. Such a loss is what character consists in, that is, the blend of acquired dispositions and of identifications consolidated by culture. The character lays bare the present impossibility of recognizing any one without a durable way of thinking, feeling, behaving, which, otherwise, would prove unthinkable. If in the changing flux of present-day society there is such a thing as identity, it is only feasible in the failure of an indefinite succession of attempts at identification which make up the material of narratives with an interpretive value about the contraction of the self. To keep on an ethical plane a self which, in the narrative plane, can erase itself, is the challenge and a limit to find, in an individual, the distance between narrative identity and moral narrative for the sake of a living dialectics between the two. Hence one can see how this opposition can be metamorphosed into a fruitful tension.

O que a experiência estética ensina aos psicanalistas? Essa pergunta ampla dá início às investigações deste trabalho sustentado pela hipótese de que há uma dimensão estética na experiência analítica. Configuramos as problemáticas da análise do estético e da sublimação, a partir de Freud, para em seguida recolher as influências da estética e reanalisar certas conceitualizações da psicanálise. Consideramos que experiência estética e experiência analítica são vizinhas e enfrentam problemas homólogos ligados: 1- à contiguidade entre sensibilidade e inteligibilidade; 2- a não hierarquia entre o regime representativo e o regime estético (apresentativo) nos processos de significação; 3- à dimensão de ruptura de sentido no estético. As relações entre experiência estética e os processos de sublimação, a partir da reciprocidade entre atividade e passividade na experiência de apreciação e de criação, sugerem que esses processos sejam estudados de modo adjacente. A partir da análise estética da formatividade (Pareyson) e das relações intrínsecas entre conteúdo e forma, é investigada a metapsicologia das relações, sempre fugidias, entre imagem e palavra, e os processos de figurabilidade/apresentação (Darstellung). Resgata-se a legitimidade de se reconhecer os processos oníricos como um dos modelos de análise do estético e da criatividade em psicanálise. Em outra dimensão do estético, estabelecemos aproximações entre a estética do sublime e o estranhofamiliar de Freud, como experiências de ruptura de sentido. A ruptura, sob certas condições, está na base das experiências de ressignificação, nas bordas do irrepresentado e do irrepresentável da experiência. A figurabilidade/apresentação é compreendida como transformação de inscrições psíquicas mudas em formas eloquentes e tem efeitos na interpretação e no manejo na clínica com destaque para as construções em análise. No que toca a sublimação, articulada à experiência estética, levamos adiante a formulação de Freud de que há uma relação entre os processos criativos e o brincar da criança. A experiência estética e o brincar da criança retiram as análises de Freud sobre a sublimação de uma perspectiva adaptativa e deserotizada. Destacamos, não o suposto conteúdo recalcado dessas atividades, mas a transformação da pulsão, articulada aos elementos formais que participam tanto do brincar quanto do trabalho do artista. Propusemos uma relação de coconstituição entre processos sublimatórios, instâncias psíquicas (id, ego, superego) e a organização da pulsão, através de jogos constituintes de ausência e presença, continuidade e descontinuidade, identidade e alteridade. Brincar e sublimar são jogos constitutivos de prazer e luto que articulam objeto subjetivo e objeto objetivo na área transicional da experiência. Reconhece-se, por outro lado, os limites dos processos sublimatórios e a participação das forças de desligamento pulsional. As implicações no manejo e interpretação também são abordadas na análise com crianças, privilegiando a construção dos processos de figurar e ficcionar. Consideramos que a reanálise das relações entre a experiência estética e sublimação contribui para destacar a dimensão estética e criativa da clinica psicanalítica contemporânea / What does the aesthetic experience teach psychoanalysts? It is this wide question that opens the investigations in this work, which is supported by the hypothesis of an aesthetic dimension in the psychoanalytic experience. After setting up aesthetics and sublimations analysis problems, following Freud, aesthetics influences are gathered and some psychoanalytical concepts reanalyzed. The aesthetic and the analytical experiences are considered to be neighbors, facing homologous problems, related to: (1) contiguity between sensibility and intelligibility; (2) non-hierarchy between the representative regime and the aesthetic regime (presentative) in the signifying processes; (3) the rupture of meanings dimension within aesthetics. The relations between the aesthetic experience and the sublimation processes, according to activity and passivitys reciprocity in the creation and appreciation experience, suggest that these processes be studied in an adjacent manner. Following Pareysons formativitys aesthetic analysis and the intrinsic relations between form and content, the ever escaping relations between image and word, as well as the figurabilty/presentation (Darstellung) processes are investigated. The oniric processes legitimacy in the analysis of aesthetics and creativity in psychoanalysis is then recovered. In another dimension of aesthetics, an approximation between the sublime and Freuds Unheimlich, as an experience of rupture of meaning, is established. This rupture, under certain conditions, is at the bottom of re-signification experiences, on the verge of what is not represented and of what is non representable in experience. Figurablity/presentation is understood as transformations of mute inscriptions into eloquent forms. From these, effects on interpretation and clinical handling are implied, with a stress on constructions in analysis. Concerning sublimation, when articulated to the aesthetic experience, Freuds formulation that there is a relation between creative processes and childrens play is furthered developed. The aesthetic experience and childrens play aid Freuds analysis of sublimation from an adaptive de-erotized perspective. What is emphasized is not the supposed repressed content of such activities, but drives transformation, articulated to formal elements which participate both in childrens play and in artists work. A co-constitution relation among sublimation processes, psychic instances (ego, id, superego) and drives organization is proposed, through elementary games of presence and absence, continuity and discontinuity, identity and otherness. To play and sublimate are constitutive games of pleasure and mourning that articulate both the subjective object and the objective object in the experiences transitional area. On the other hand, limits of the sublimation processes and the participation of unlinking drive forces are recognized. The implications on analysis handling and interpretation in childrens analysis are also approached, with a privilege on the construction process of figures and fiction. It is considered, then, that this re-analysis of the relations between the aesthetic experience and sublimation contributes to highlight the aesthetic and creative dimension of contemporary psychoanalytical clinic

Este trabalho se propõe como um breve tratado sobre as relações entre os discursos vigentes da arte contemporânea e o pensamento mágico ocidental. No cruzamento entre o ensaio poético, a antropologia da arte, a estética e a bruxaria, desenha-se um círculo no qual se desenvolve a pesquisa sob o signo da \"besta\" acadêmica: a interdisciplinaridade. A partir disso, estudam-se uma série de projetos curatoriais recentes que lidam com magia, ocultismo, xamanismo ou animismo, prestando atenção aos preconceitos que se manifestam em alguns desses discursos curatoriais. Entretece-se esta reflexão com referências históricas que servem de marco explicativo para a queda em desgraça do pensamento mágico ocidental e, junto com ele, do status da imaginação e da imagem como formas de conhecimento. Uma vez definida a situação em que ficou esta tradição depois de sucessivas campanhas de desprestígio, introduzem- -se uma série de figuras que serviram depois à construção de uma nova (mas talvez sobretudo velha) teoria mágico-estética. Seguindo a esteira de pensadores contemporâneos ligados ao realismo especulativo e à ontologia objetual, o trabalho se reconecta com uma esquecida tradição mágico-estética (ocidental) não isenta de uma dimensão mítica e animista (ou vitalista, se se prefere). Faz-se questão de colocar a \"palavra do artista\" no mesmo nível que a \"palavra do filósofo\", mas evitando converter os artistas citados em objeto de pesquisa. O trabalho defende que existam - apesar dos séculos em que a elite intelectual ocidental vem predicando contra a possibilidade de uma ontologia mágico-estética - indíviduos e coletivos que desenvolvem sua atividade à margem dos preconceitos dicotômicos que hoje alguns pensadores acadêmicos de vanguarda se empenham, não sem dificuldades, em transcender. Nesse sentido, o trabalho argumenta que muitos artistas eram já materialistas vibrantes e realistas especulativos antes da valorização, em voga hoje, dessas correntes filosóficas. / This work intends to be a brief treatise on the relations between contemporary art and western magical thinking. At the crossroads between poetic essay, anthropology of art, aesthetics and witchcraft, a circle is drawn under the sign of the academic \"beast\": interdisciplinarity. From this point of departure, we study a series of recent curatorial projects that deal with magic, occultism, shamanism or animism, paying close attention to the prejudices that surface in some of these curatorial discourses. This reflection is intertwined with historical references that serve as an explanatory framework for the fall of western magical thinking and, along with it, the loss of status of both imagination and image as respected sources of knowledge. After having defined the state of neglect this (magical) tradition was left in after successive smear campaigns, we introduce a series of figures that will serve to construct a new (but perhaps rather ancient) magical-aesthetic theory. Following the trail of contemporary thinkers linked to speculative realism and object-oriented ontology, the work reconnects with a forgotten magical-aesthetic (western) tradition with a mythical and animistic (or vitalist, if you prefer) dimension. We also emphasize the importance of put-ting the \"artist\'s word\" on the same level as the \"philosopher\'s word\", whilst at the same time carefully avoiding to turn the cited artists into an object of study. We claim that - in spite of the centuries in which the Western intellectual elite has been preaching against the possibility of a magical-aesthetic ontology - there are individuals and groups that are active in the margins of the dichotomous prejudices that today some avant-garde academic thinkers are trying to transcend with much difficulty. In this sense, the work argues that many artists were already vibrant materialists and speculative realists much before the new on-to-materialistic philosophical currents which are very much in vogue nowadays.

Esta dissertação apresenta um estudo da apreciação estética de jovens e adultos que se encontram na escola com a intenção de concluir seus estudos no Ensino Fundamental. Buscamos revelar o que pensam, o que mexe com sua sensibilidade, enfim, como vêem o mundo. Para isso, fazemos uma breve recapitulação da história do ensino de arte no Brasil, e um apanhado histórico do sentido do termo estética, como forma de situar nosso trabalho. Incluímos também uma reflexão que envolve não só a estética e a arte, mas também a educadora e suas construções, relacionadas a suas vivências, processos de formação, e o papel da educação estética na escola. Constitui-se assim uma dialética que envolve a realidade pesquisada, a pesquisadora e as teorias que dão sustentação ao trabalho. Os referenciais teóricos da construção do conhecimento de Piaget permeiam o texto, aliados a uma concepção socializadora da arte, no sentido de entender e afirmar os processos criativos como possíveis de serem desenvolvidos por todos os homens e mulheres. A apreciação estética dos jovens e adultos mostra-se, através da escolha de imagens, que, quando analisadas, nos surpreendem, pois nos revelam um olhar voltado à realidade e uma apreciação sensível, humana e profundamente ética, uma realidade diferente das hipóteses que tínhamos ao iniciar este trabalho.

Esta pesquisa tem por objetivo fazer uma análise formal dos projetos residenciais de arquitetura de interiores realizados por John Graz em São Paulo, nas primeiras décadas do século XX. Desta maneira, pretende-se mostrar sua importância como introdutor da estética moderna nos interiores das residências paulistas e dar a ele o devido reconhecimento pela importância que prestou as artes e a arquitetura brasileiras. / The main purpose of this research is to carry out a formal analysis of the home interior architecture designs developed by John Graz in São Paulo in the first decades of the 20th century. For that matter, it intends to show his importance as the innovator of modern design for home interiors in São Paulo and acknowledge his contribution to the Brazilian art and architecture.

A presente dissertação tem como objeto a análise do cinema brasileiro contemporâneo ficcional e o modo como ele propõe experiências estéticas do futebol a partir das escolhas temáticas e de que forma estas são tratadas pela linguagem audiovisual. O período de observação é entre 1995 e 2012. Diante dessa proposta é formulado o seguinte problema de pesquisa: que experiências estéticas são propostas pelo cinema brasileiro para o futebol nos últimos dezessete anos? Quais temáticas envolvendo esta modalidade esportiva aparecem nos filmes nacionais e como elas são tratadas pela linguagem audiovisual? A partir desses questionamentos, o trabalho tem como objetivo geral compreender como o cinema brasileiro contemporâneo propõe experiências estéticas para o futebol, pensando esses fenômenos a partir dos conceitos de produção de presença e de sentido, desenvolvidos por Hans Ulrich Gumbrecht. A problematização parte de três eixos – experiência estética, cinema e futebol – a fim de dar conta dos respectivos objetivos específicos: a) Debater a experiência estética a partir da Comunicação e do cinema; b) Contextualizar o cinema e o futebol na cultura brasileira; c) Entender o lugar do futebol no cinema brasileiro contemporâneo; d) A partir do corpus selecionado, mapear quais temáticas do esporte são tratadas nas obras e como elas são encenadas audiovisualmente; e d) Discutir como os filmes analisados propõem experiências estéticas para o futebol. Hans Ulrich Gumbrecht (2010) define a experiência estética como uma oscilação entre efeitos de sentido e de presença. O sentido é o ato interpretativo diante de determinado objeto, enquanto que a presença é a dimensão perceptiva, que diz respeito às emoções, ou seja, tudo aquilo que ultrapassa o sentido. A alternância entre sentido e presença ocorre em momentos de intensidade, salienta o autor alemão. A ideia dos momentos de intensidade é usada nos procedimentos metodológicos para analisar os filmes do corpus, a fim de discutir como determinadas experiências estéticas são potencializadas. As obras estudadas são: Boleiros – era uma vez o futebol (1998) e Boleiros 2 – vencedores e vencidos (2006), ambos de Ugo Giorgetti; Garrincha – estrela solitária (2003), de Milton Alencar; Carandiru (2003), de Hector Babenco; O Ano em que meus pais saíram de férias (2006), de Cao Hamburger; Linha de passe (2008), de Walter Salles e Daniela Thomas; e Heleno (2012), de José Henrique Fonseca. As categorias de análise para a problematização dos efeitos de presença e sentido foram estruturadas em aspectos temáticos (futebol do presente e do passado, memória da modalidade, Futebol e exclusão social e Relação entre jogadores e torcedores) e estéticos (mise-en-scène, montagem e som). / This dissertation has as object the analysis of contemporary Brazilian fiction cinema and the way that it proposes aesthetics experiences of football from subject’s choices and how these are treated by audiovisual language. The period of observation is between 1995 and 2012. In the presence of this proposal the research problem is formulated: what aesthetics experiences are proposed by Brazilian cinema for football in the last seventeen years? What subjects involving this sport appear in the national movies and how they are treated by audiovisual language? From these questions, the work has as general objective to understand how the contemporary Brazilian cinema proposes aesthetics experiences for football, thinking these phenomena from concepts of production of presence and sense, developed by Hans Ulrich Gumbrecht. The research problem begins from three topics – aesthetic experience, cinema and football – in order to answer the specific objectives: a) Debate the aesthetic experience from Communication theory and cinema; b) Argue about the context of cinema and football in Brazilian culture; c) Understand the position of football in the Brazilian contemporary cinema; d) Based on the selected corpus, to map what sports subjects are broached and how they are cinematic staged; and d) Discuss how the analyzed movies propose aesthetic experiences for football. Gumbrecht (2010) defines the aesthetic experience as a variation between sense and presence effects. The sense is the interpretation act in front of some object, while the presence is the perceptive dimension, which means the emotion, in other words, everything that transcends the sense. The alternation between sense and presence occurs during intensity moments, argues the German author. The idea of intensity moments is used for methodology procedure to analyze the movies, in order to discuss how some aesthetic experiences are inspired. The works studied are: Boleiros – era uma vez o futebol (1998) and Boleiros 2 – vencedores e vencidos (2006), both directed by Ugo Giorgetti; Garrincha – estrela solitária (2003), by Milton Alencar; Carandiru (2003), by Hector Babenco; O Ano em que meus pais saíram de férias (2006), shot by Cao Hamburger; Linha de passe (2008), by Walter Salles and Daniela Thomas; and Heleno (2012), by José Henrique Fonseca. The analysis categories for the observation of presence and sense effects were structured in subject issues (football of the present and past, sport memory, football and social vulnerability and the relation between players and fans) and aesthetic issues (mise-en-scène, montage and sound).

O presente trabalho pretende investigar como é feita a utilização da teoria psicanalítica no cenário da reflexão estética e da crítica de arte contemporâneas. Para tanto, o recorte se concentra em dois pensadores que se tornaram significativos na atualidade, embora não sejam os únicos: o crítico Hal Foster e o historiador da arte Georges Didi-Huberman. O objetivo da investigação é mostrar em que medida os conceitos gerados na práxis psicanalítica possibilitaram interpretações de ruptura no campo da estética tradicional. Essa modalidade de análise só se torna possível uma vez que se abandona o paradigma da psicanálise aplicada, ainda corrente no cenário extraclínico. Por fim, a proposta visa sustentar que a operação do amorfo, gerada no interior da pesquisa, pode lançar luz a certas experiências estéticas que vão da modernidade à pós-modernidade das artes / This work intends to investigate the use of psychoanalytic theory within the aesthetic and critical contemporary art field. To this purpose, this study focuses on two philosophers who have become significant in our time: the critic Hal Foster and the art historian Georges Didi-Huberman. This study aims to show how far the concepts generated in psychoanalytic praxis allowed interpretations that disrupt the field of the traditional aesthetics. This type of analysis is possible once we abandon the paradigm of applied psychoanalysis, which is still current in non-clinical setting. Finally, the proposal wants to argue that the category of the amorphous, generated in this research, may clarify certain aesthetic experiences that range from the modernity of art through the post-modernity