La thèse s’intéresse aux usages de l'épopée chez Rabelais et les histoires comiques du XVIIe siècle (Sorel, Furetière, Scarron, Tristan L’Hermite, d’Aubigné). Elle cherche à dépasser l’interprétation parodique, souvent mobilisée par la critique moderne, et à montrer comment ces auteurs semblent rivaliser avec les poètes héroïques de la même époque (Ronsard, Chapelain, etc.) en tentant de refonder le récit comique long. Tout d’abord, on tente d’évaluer la présence de l’épopée dans ces œuvres comiques par un relevé des références et des citations, et une redéfinition de l’héroïsme tel qu’il apparaît dans les récits. Dans un deuxième temps, on cherche à expliquer l’usage de ces références par les auteurs comiques, autrement que par le concept moderne et trop souvent plaqué de « parodie » : on s’intéresse donc aux usages sociologiques de l’épopée, qui sert à la satire politique, religieuse, mais aussi savante. Les historiens sont, par exemple, des cibles privilégiées, car ils se servent de l’épopée pour cautionner leurs projets d’historiographie nationaliste et mythologique. Ce travail doit enfin permettre de mesurer le rôle du genre épique dans le renouvellement de l’écriture comique, tel que l’a instauré Rabelais, et tel qu’il fut poursuivi par ses successeurs. Cette analyse permet de revenir sur la réception de Rabelais au XVIIe siècle, encore peu étudiée, autant que d’appréhender l’influence de ces longues histoires comiques en prose, dans les siècles suivants : romans d’aventures, romans de cape et d’épée – autant de genres qui ont bénéficié des innovations héroïques et vraisemblables de ces longs récits comiques d’une époque disparue. / This dissertation focuses on the various uses of epic in Rabelais’ Books and in the comic novels of the XVIIth century (d’Aubigné, Sorel, Tristan L’Hermite, Scarron, Furetière). It attempts to go beyond the parodic interpretation commonly adopted by modern criticism towards this corpus, and to underline how these authors compete with the epic poets of that time (Ronsard, Chapelain etc.), as they try to renew the comic narrative. The first part of the study assesses the presence of epic features in the works: using a list of references and quotes, it strives towards a redefinition of heroism, as the paradigm appears in the texts. It then delves into the reasons why the authors so often refer to epic: as an efficient tool for their satiric discourses. The dissertation focuses on the sociological uses of epic that target political, religious and intellectual groups that appropriate epic models for their own purposes. Historians appear as privileged targets because they use epic to validate their historiographic projects, often imbued with nationalist and mythological tendencies. Finally, the work gauges the role of epic in the renewal of comic writing, as established by Rabelais, and continued by his epigones. This analysis sheds light on Rabelais’ reception in the XVIIth century, a topic that has scarcely been studied yet, and offers explanations for the lasting influence of these long comic and prosaic stories in the following centuries: adventure novels, swashbucklers and historical novels are some of the genres that may have taken advantage of the realistic and heroic innovations brought forth by these comic stories of a bygone age.

Cette thèse est une recherche interdisciplinaire entre care et littérature, basée sur l'hypothèse d'un lien d'interdépendance entre les deux perspectives. Mon travail s’appuie sur l'idée que la littérature peut être un instrument particulièrement adéquat de recherche sur le travail et la relation de care justement parce que les romans racontent des histoires ordinaires. En effet, le care n’est pas un principe ontologique général, il est lié à des situations particulières, concrètes. De même, les récits littéraires de Slow Man de John M. Coetzee et Maria de Lalla Romano, sur lesquels va porter mon analyse, inversent la condition d'invisibilité sociale qui dans notre société touche les travailleuses de care. Dans les romans et les ouvrages sociologiques analysés les femmes care-givers occupent la scène principale : elles sont des héroïnes, non pas dans le sens de l'héroïsme universel masculin, mais de celui qui émerge des récits de care au prisme du genre. Enfin l'analyse des romans Maria et Slow Man a aussi nourri la réflexion sur le Unheimliche. En effet, le personnage de la care-giver est source d'inquiétante étrangeté, parce qu'elle est une femme, et que son travail consiste à s'occuper de ce qui est familier, mais aurait dû rester caché : la vulnérabilité humaine. De plus, très souvent la care-giver est une femme étrangère qui trouble l’espace de la domesticité et de l’intime. À travers la double perspective de la critique littéraire féministe et de l’éthique du care nous proposons une nouvelle lecture genrée de l’inquiétante étrangère familière au niveau des représentations sociales, littéraires et symboliques. / This thesis is an interdisciplinary research between care and literature, based on the assumption of an interdependence between the two perspectives. My work relies on the idea that literature can be a research instrument particularly suitable on work and care relation, precisely because novels can recount ordinary stories. Indeed, care is not a general ontological principle, it is related to specific situations, concrete. Then, literary narratives Slow Man by John M. Coetzee and Maria by Lalla Romano, basis of my analysis, reverse the condition of invisibility that affects care workers in our society. In novels and sociological works analyzed, care-givers occupy the main stage : they are heroines, not in the sense of universal male heroism, but in one that emerges from the care stories read from a gender perspective. Finally, the analysis of novels Maria and Slow Man has also inspired reflection on the Unheimliche. The character of the care-giver is a source of uncanny, because she is a woman, and that her job is to take care of what is familiar, but should have remained hidden: the human vulnerability. Moreover, very often the care-giver is a foreign woman who disturbs the space of domesticity and intimacy. Through the double perspective of feminist literary criticism and ethics of care we propose a new gendered reading of the uncanny in social representations, literary and symbolic.

La question de l’influence primordiale de Carlyle sur Proust n’a jamais été abordée de manière profonde. Cette thèse a pour objet de combler cette lacune. Nous analysons en particulier le dialogue continu que tient Proust avec Les Héros et Sartor Resartus. Nous identifions à quel point ses réflexions sur ces lectures carlyliennes - dont le sujet principal est la recherche d’une nouvelle foi ou mythe créateur pour ces temps modernes et incroyants - sont présentes dans le portrait de l’artiste, et du monde, qu’il nous offre dans À la recherche du temps perdu. Le parcours du Narrateur qui se termine avec la redécouverte de « la foi dans les lettres » se construit dans un tissage dialogique où, (souvent s’inspirant de Ruskin), Proust réécrit les événements historiques, biographiques, et éthiques qui préoccupent Carlyle dans sa recherche de la « vérité », en leur donnant une plus grande valeur esthétique. S’inspirant du coté expérimental de Sartor Resartus, ainsi que des essais carlyliens sur l’histoire et la biographie, Proust refait de manière imaginaire le parcours littéraire de Carlyle même dans la construction de son Narrateur, qui ressemble par plusieurs aspects à un Carlyle transplanté dans un pays qu’il considérait, comme l’épitomé de la décadence. Ainsi, Proust peut réhabiliter l’aspect « romancier manqué » de Carlyle, qui s’est refugié dans les vies des « grands hommes » et l’histoire des « grands événements », quand le Narrateur prend conscience de la réconciliation entre la vie et l’art. Toutefois, c’est la justesse et la profondeur des observations carlyliennes sur l’art et sur la nature de l’artiste ainsi que l’incitation donnée par la description du développement d’une conscience artistique dans Sartor Resartus avec son ambigüité, son ironie, son dédoublement de la voix narrative et son affirmation que « l’idéal » se trouve « dans le méprisable actuel » qui inspire Proust le plus dans sa présentation du « portrait de l’artiste » qu’est À la recherche du temps perdu. / In this thesis we attempt to treat for the first time the hitherto largely overlooked question of the primary importance of Carlyle as an influence on Proust. Basing our research on the dialogical relationship which Proust has continually with Heroes and Sartor Resartus, we trace the presence of his reflections on Carlyle’s writings, which are essentially concerned with the search for a new faith or creation myth in modern secular times, in the portrait of the artist in the world which is the subject of À la recherche du temps perdu. The Proustian Narrator becomes reunited with his faith in literature which he has lost over the years and eventually reconciles life and art. His journey to this point has been largely constructed on rewritings (inspired very often by Ruskin) of Carlylean texts dealing with History, Biography, and Ethics, where Proust redresses the importance of the aesthetic element which Carlyle increasingly renounces. Taking his inspiration from the experimental nature of Sartor Resartus, and from Carlyle’s historical and biographical writings, Proust also rewrites Carlyle’s personal trajectory in his portrait of his Narrator who bears a strong resemblance to a virtual Carlyle transplanted into a country which he considered, rather playfully, as the epitome of decadence. Proust can therefore, by purely literary methods, show that a writer’s reservoir of impressions comes not from the constant pursuit of “Truth”, or by writing the lives of others, but from having lived life, familial, intimate, and indeed social life. Even if Carlyle can be considered as a failed novelist, it’s the impact of his profound and heartfelt writings on what art is and on the nature of the artist, along with his innovative Sartor Resartus with its constant ironic undertones, its doubling of the narrative voice, its affirmation of the ideal in the everyday, which most inspires the imitative and spiritual portrait of an artist which is À la recherche du temps perdu. .

Cette thèse propose une synthèse autour des différents rôles de la lumière et de l'obscurité dans les Argonautiques d'Apollonios de Rhodes. Ce sujet comporte une forte composante lexicale, qui fait l'objet d'une étude dans la première partie, où les vocabulaires de la lumière et de l'obscurité chez Apollonios sont comparés aux emplois homériques. Ce thème interroge également les catégories de l'espace et du temps dans la mesure où lumière et obscurité structurent la narration autant qu'elles la déstructurent et proposent un itinéraire placé à la croisée de la barbarie et de la civilisation, état d'entre-deux qui reflète bien les craintes de l'époque alexandrine. La dialectique de la lumière et de l'obscurité permet aussi de mettre en perspective la notion d'héroïsme placée au cœur de l'épopée : la brillance des armes homériques fait alors place à l'éclat de la séduction, arme principale de Jason dont la valeur se mesure surtout dans le domaine érotique. Ce transfert des valeurs traditionnelles de la lumière sur le plan masculin s'accompagne d'une affirmation des pouvoirs féminins en contexte nocturne. Une quatrième partie interroge enfin le statut littéraire des Argonautiques à l'aune de la dialectique entre lumière et obscurité : l'épopée au long cours dénigrée par Callimaque peut en effet être lue comme un recueil poétique de pièces autonomes et une galerie de tableaux correspondant aux canons de l'esthétique hellénistique. Le dieu Apollon, dieu de la lumière et de la poésie placé au centre de l'oeuvre d'Apollonios, se fait le porte-parole privilégié d'un auteur au nom si proche du sien et devient le destinataire d'une sorte d'hymne atomisé qui mêle célébration poétique et réflexions métapoétiques. / Through this thesis, we aim to prove the various roles played by light and darkness in Apollonius Rhodius'Argonautica. In the first part, a lexical study specifically explores the terms expressing the ideas of light and darkness, in comparison to the Homeric references. Our thematic also tackles the issue of the construction of space and time, a notorious one in the Hellenistic period. The epic's structure is indeed based on the light and darkness' duality, but the threat of darkness symbolizing chaos is never far from the Argonauts who constantly struggle with barbarians and on the contrary symbolize Greek enlightment and civilization. The light and darkness'couple also allows us to give a new perspective on heroism, which is a central issue in Apollonius'poem. Whereas Homeric warriors project martial light due to their armour's glistening, Jason appears as love-hero shining with his purple cloak, an Hellenistic artefact replacing Achilles'shield described in the Iliad. At the same time, we can observe a kind of empowerment on the feminine side during the scenes occuring at night. In the fourth and last part, light and darkness endorse a metapoetical value, as they build a new kind of epic, like a collection of brief literary pieces joined together by a common celebration of Apollo, god of both poetry and light. Apollonius'Argonautica can therefore be seen as a prefiguration of Philostratus'Imagines, as it is built around a succession of vivid poetical paintings.

Le but de ce projet est d'étudier la mise en récit de l'exécution du roi d'Angleterre Charles Ier (1649), en prenant pour point de départ un texte publié la même année, au moment même de la mort du roi, Eikon Basilike. Ce texte singulier se présente à l'origine comme une autobiographie spirituelle du roi, mais les nombreuses éditions, adaptations, ou traductions dont il fait l'objet au cours du XVIIe siècle, en Angleterre et dans le reste de l'Europe, transforment peu à peu cette publication, par des ajouts successifs d'auteurs divers, des commentaires, en une mise en récit singulière du discours politique et religieux aussi bien que de la représentation du roi, c'est-à-dire « l'image royale », ou eikon basilike. C'est cette « mise en récit » qui est l'objet principal de la recherche : comment se raconte l'histoire royale à travers ces diverses publications ? L’enjeu de l’étude est de comprendre comment l’image du roi s’adapte face à 1649 et ce que cette transformation nous révèle sur la société anglaise de la première modernité. Le projet de thèse entend étudier l'écriture, la réception, et l'impact de ce texte sur la représentation du roi et de la Monarchie. / The aim of the project is to study the representations of King Charles I (1649), starting with a book published a few days after his execution, Eikon Basilike. First, this text seems to be a spiritual autobiography of the king, but all the editions, translations and reviews, published in the seventeenth century in England and in the rest of Europe, transformed the view we had on this text. It became a representation of the political and religious problems of that time and a representation of the king, that is to say 'the royal portrait', or Eikon Basilike. It is this representation which is to be studied here: how the Royal history is told through these numerous publications? The purpose of this work is to understand how the king’s image is changing in order to respond to 1649, and to see what those changes reveal about the Early Modern English society. The aim is to study the writing, the reading and the impact of this text on the representation of the king and of the Monarchy.

Dans la France de l’Ancien Régime, si les représentations de la condition féminine légitiment les valeurs d’une traditionnelle phallocratie, on note néanmoins que le dogme chrétien accorde aux femmes une place dans l’économie du salut. Dans un contexte de Contre-Réforme, celle-ci déterminera notamment, sur le plan socio-littéraire, les modalités de l’expérience mystique et de l’héroïsme au féminin : l’éthique chrétienne érige paradoxalement en modèle des figures féminines qui transcendent leur humanité dans le sacrifice et la mort. Mais au XVIIe siècle, l’évolution des notions d’abnégation et d’amour-propre éradique ce triomphe éphémère. En nous intéressant plus particulièrement aux remaniements de l’hypotexte euripidien dans l’Iphygenie de Rotrou (1640) et dans l’Iphigénie de Racine (1674), nous verrons comment les deux pièces traduisent ce déclin. Au premier chapitre de notre mémoire, nous nous intéresserons à l’espace de liberté que le discours chrétien confère aux femmes à travers le culte de la virginité et l’hypothétique transfiguration des corps célestes. Réintégrant ces données théologiques, la mystique marque l’essor d’un charisme féminin que la notion d’amour-propre déconstruira à l’ère classique. Dans un second chapitre, nous explorerons les développements de l’éthique héroïque qui ont servi à l’essor d’un héroïsme au féminin. Le troisième chapitre portera enfin sur l’échec d’une héroïne mythique qui, mettant à profit le dogme chrétien, menace dangereusement l’équilibre d’un ordre patriarcal. La critique littéraire convient généralement de l’irréfutable vertu de l’héroïne de Rotrou et de Racine. Au terme de notre analyse, nous entendons démontrer qu’Iphigénie est, a contrario, tragiquement reconnue coupable d’amour-propre par les deux dramaturges. / In the French Ancien Régime, the representations of the condition of women justify the values of male chauvinism. Nevertheless, in its economy of Salvation, Christianity gives women an important place. In the social context of Counter-Reformation, this situation defines the terms of a mystical experience of God exemplified, in literature, by a model of feminine heroism, as Christian ethics set up a feminine figure transcending her human condition through sacrifice and death. In the seventeenth century, however, the concept of abnegation and pride eradicates the short-lasting triumph of feminine heroism. Through Rotrou and Racine’s theatrical reorganization of Euripides’ Iphigenia in Aulis, we will see how both authors convey its end. In our first chapter, we will consider the space defered to women by Christianity through the cult of virginity and the transfiguration of celestial bodies. Reinstating these theological data, the mystics will mark the rise of a feminine charisma which will be deconstructed by the notion of pride in the late seventeenth century. In the second chapter, we will see how the development of heroism favours the expansion of a feminine heroic figure. In the last chapter we will analyse the failure of a mythical heroine who, by taking advantage of the Christian dogma, dangerously compromises the patriarcal order. While critics often assert the truthfull virtue of Iphigenia in Rotrou and Racine’s plays, we will intend to prove that she is, on the contrary, tragically convicted of pride by both authors.

La purification est une métaphore désignant le moteur de la philosophie de la religion de Hegel. Elle est d’abord à l’œuvre dans la création de la Nature qui se consume pour produire la conscience de soi divine à travers l'esprit humain. En second lieu, elle s’opère dans l’objectivation des productions spirituelles de l’homme qui sont purifiées jusqu'à ce que l’Esprit soit auprès de soi dans le christianisme. La troisième purification est morale et trouve son fondement dans la Genèse, le judaïsme étant le premier à avoir identifié l'unité des natures humaine et divine. Le mythe témoignera également de la culpabilité en tant que l'homme n'exprime pas immédiatement sa divinité, mais sa finitude. La réalisation du divin impliquera donc la purification de la naturalité au profit de la substantialité. Le christianisme explicitera cette tâche par l’héroïsme de Jésus et cet héroïsme se perpétuera jusqu’à ce qu’émergent un individualisme moderne et une religion assurant la cohésion sociale : le protestantisme luthérien. Cet individualisme sera toutefois défectueux puisqu’il produira éventuellement davantage d’égoïsme que de réconciliation, ce qui donnera lieu à certaines critiques de l’analyse hégélienne du christianisme. En effet, Hegel croit toujours que la vitalité religieuse est nécessaire au fonctionnement de l’État, bien qu’elle soit dorénavant incapable de diffuser les sentiments de culpabilité et de responsabilité dans le corps social. Néanmoins, comme les valeurs du christianisme ont été épurées de leur contingence en passant dans les mœurs et dans l’État, il s’avérera que le corps social peut se passer d’une tradition religieuse vivante / Purification is what moves the content of Hegel’s philosophy of religion. It is first active in the creation of Nature, which consumes itself in order to liberate the divine self-consciousness through human spirit. Secondly, it is active in the process of the objectivation of human spiritual productions, which are purified until Spirit comes to know itself in the world. The third form of purification is moral and gets its theoretical foundation in the Genesis. According to Hegel, Judaism was the first belief system to identify the unity between divine and human natures; however, the myth is also about the birth of guilt as man does not immediately express his divinity, but his finiteness. As such, the divine process implies purification from naturality in favour of substantiality. Christianity will explicit this task through Jesus’s heroism and heroism in general will maintain itself until the rise of modern individualism and the rise of a religion capable of producing social cohesion—Lutheran Protestantism. However, individualism will eventually show its defectiveness since it will create more egoism than reconciliation. This problem will be the opportunity to criticize Hegel’s analysis of Christianity. Indeed, it seems that Hegel came to believe that religious vitality was necessary to the State's proper functioning, even though Christianity is no longer capable of creating guilt and responsibility by itself. Nevertheless, as Christian values are now purified forms their contingencies and are now recuperated by customs and the State, it appears that society can now function without such a tradition.

La première conception de la religion que nous livre Bergson dans Les deux sources de la morale et de la religion semble se réduire à un fait anthropologique. Cette religion, qu'il décrit comme une réalité statique, brouille toute idée de révélation qui se veut pourtant transcendante à l'Histoire. La deuxième conception, par contre, sans être une réflexion systématique sur l'idée d'un Dieu révélé, s'en rapproche par le biais des mystiques. Mais, là encore, se présente une difficulté : pour rejoindre la mystique, Bergson la situe dans le processus évolutif d'une réalité naturelle, l'élan vital dont il suit le cours jusqu'à son achèvement. Ainsi se pose la question de la nature transcendante ou non du fait mystique dans le bergsonisme. La réponse à cette question nécessite, non pas seulement une intelligibilité de l'image la plus controversée du vocabulaire bergsonien, l'élan vital, mais surtout une sympathie avec elle, qui seule permet d'aller au-delà de la rigidité des mots pour découvrir la vie qui les innerve. Par l'intuition, démarche de l'esprit, que le philosophe français recommande comme méthode à la philosophie, l'élan vital se solidarise avec la durée créatrice et devient le langage par lequel l'univers créé se comprend : le langage de l'amour divin. Il peut alors s'allier avec la mystique sans lui faire perdre sa double essence de réalité humaine et transcendante. / The first conception of religion that Bergson offers us in Two Sources of Morality and Religion seems reducible to an anthropological fact. This religion, which he describes as a static reality, obscures any idea of revelation claiming to be transcendent to History. The second conception, however, without being a systematic reflection on the idea of a revealed God, approaches that through the mystics. But, there again, a difficulty arises: to link up with the mystical, Bergson situates it within the evolving process of a natural reality, the élan vital, whose course he follows up to its completion. Thus, the question as to whether or not the mystical is transcendent in nature arises in Bergsonian thought. The answer to this question requires not only the intelligibility of the most debated image in the Bergsonian vocabulary, the élan vital, but rather sympathy with it, which alone enables one to move beyond the rigidity of words in order to discover the life invigorating it. Through this mental exercise, the intuition that the French philosopher recommends as method to philosophy, the élan vital is in solidarity with creative duration and becomes the language by means of which the created universe understands itself: the language of divine love. It can then ally itself with the mystical without causing it to lose its dual essence of human and transcendent reality.

Alors que la post-modernité en avait proclamé la fin, alors que le post-dramatique s’était déployé contre, les grands récits semblent de retour sur les scènes du théâtre public depuis les années 1990, et plus encore les années 2000 et 2010. Cette thèse se propose d’explorer ce mouvement vers l’épique depuis que la création théâtrale n’est plus aussi explicitement tendue par de grands vecteurs politiques et idéologiques, soit, symboliquement, depuis la chute du bloc soviétique avec celle du mur de Berlin. Comment de nouvelles formes épiques s’inventent-elles alors au plateau, dans le souvenir de Brecht mais sans s’adosser comme lui à une téléologie marxiste ? Comment ce nouvel épique théâtral refonde-t-il sa verticalité ou s’invente-t-il sans verticalité ? Quel lien entretient-il avec l’édifice théorique du dramaturge allemand mais aussi quel rapport construit-il aux épopées homériques ? En observant les grandes tendances épiques contemporaines, cette thèse s’attache à dégager un concept d’épique qui soit pertinent dans le contexte démocratique et égalitaire qui est le nôtre. / While post-modernity had proclaimed their end and post-dramatic theatre had unfolded against them, grand narratives seem to have returned to the stages of French public theatre since the 1990s, and even more so in the following decades. This thesis sets out to explore this movement towards the epic genre since dramatic creation is no longer propelled by great political and ideological vectors, given the fall of the Soviet bloc and the fall of the Berlin Wall. How can new epic forms be invented on the set, following the heritage of Brecht but without leaning against a Marxist teleology? How does this new dramatic genre of epic rebuild its verticality or reinvent itself without verticality? What is its relation with the theoretical work of the German dramatist, as well as with the Homeric epic poems? By observing major contemporary epic trends, this thesis seeks to identify a concept of epic that is relevant in the democratic and egalitarian context in which we live.

Cette étude traite de la représentation du soldat dans la culture au Québec pendant la Deuxième Guerre mondiale. A l'aube du nouveau conflit, le gouvernement canadien de William Lyon Mackenzie King invite l'Écossais John Grierson à mettre en place et à diriger l'Office National du Film, principal outil de propagande du gouvernement. Dans les films produits par cet organisme, le soldat sera présenté de façon héroïque, il aura toutes les qualités, pour en faire un modèle et inciter les Canadiens à s'enrôler. Le premier objectif de ce mémoire était de dégager l'image du soldat avant que la Deuxième Guerre mondiale ne commence. Nous voulions voir jusqu'à quel point elle serait récupérée par la propagande. Nous verrons que la représentation de ce soldat sera en accord avec la mémoire officielle de la Grande Guerre que nous dégagerons. Parmi les modèles prônés par la propagande, les figures des soldats-héros de Dollard des Ormeaux et de Madeleine de Verchères seront réactualisées. L'armée canadienne s'emploiera aussi à humaniser le soldat et utilisera un chanteur populaire, le soldat Lebrun, pour parvenir à ses fins. Notre second objectif est de démontrer qu'il y a eu une augmentation de la place du soldat dans la culture au Québec au cours du conflit. La mémoire pancanadienne des autorités ne trouvera pas une adhésion aussi grande au Québec que dans le reste du Canada. La résistance à l'enrôlement obligatoire (la conscription) sera très grande parmi les Canadiens français et forcera le gouvernement fédéral à répondre aux attaques et à intensifier sa propagande, ce qui se traduira par la multiplication des émissions radiophoniques justifiant la guerre et la série de films Les reportages, tournés au Québec en français et visant spécifiquement les Québécois. Le troisième objectif de ce mémoire est de voir jusqu'où l'on pouvait s'éloigner de la ligne officielle de la propagande et si cela portait à conséquences. Les auteurs de romans, qui ne sont pas issus de la propagande, utiliseront plusieurs façons de représenter le soldat. Parfois, certains reprendront en tous points le discours propagandiste. La plupart amèneront cependant des nuances importantes, loin de l'idéalisation du personnage guerrier des films de l'ONF. Le soldat, ce sera souvent un pauvre chômeur qui acquiert son salut par la guerre, forcé de s'enrôler par les circonstances. Un message aux antipodes de la propagande émergera dans deux oeuvres différentes: Mémoires d'un soldat inconnu, d'Adolphe Brassard, la seule oeuvre romanesque censurée de la guerre, et surtout Les Fridolinades, de Gratien Gélinas, qui se moquera de cette propagande dans chaque revue. Toutefois, Gélinas le fera tout en humour et, mis à part un avertissement pour un sketch sur les CWACS, sa façon humoristique le mettra à l'abri de la censure, devenant la soupape d'un peuple contrarié par la conscription. On pourra donc conclure qu'il était possible de s'éloigner de l'image du soldat prônée par la propagande en autant que cela ne nuise pas à l'effort de guerre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Soldat, Image, Propagande, 1939-1945, Guerre, Littérature, Québec, Héroïsme, ONF.