Si le miroir en bronze apparaît dans le pourtour méditerranéen au IVe mill. av. J.-C. les groupes culturels égéens ne semblent l’adopter que tardivement par rapport aux régions limitrophes (vers 1600 av. J.-C.) avec lesquelles ils ont pourtant tissé des liens étroits régulièrement matérialisés par l’introduction de produits manufacturés. L’objet de cette thèse est l’étude des miroirs en bronze et de leurs usages durant le deuxième millénaire (âge du Bronze récent) en Grèce et dans ses îles. Des références aux productions limitrophes (Sardaigne, Sicile, Chypre) sont également considérées dans le cadre d'une histoire générale du miroir protohistorique en première partie.L'analyse prend également en compte le contexte et le mobilier associé quand ceux-ci sont documentés. Ces découvertes, majoritairement réalisées dans des ambiances sépulcrales, offrent des pistes de réflexion sur le statut fonctionnel qui leur était accordé et qui restait méconnu :accessoire du package cosmétique ?instrument lié à des pratiques funéraires particulières ?à des codes de représentation sociale ?Alors qu’aucun miroir de production égyptienne ou mésopotamienne ne semble avoir franchi l'Égée avant le VIIIe s. av. J.-C. les résultats de l’analyse montrent clairement l’adoption locale de traits méridionaux sous forme d’emprunts iconographiques (sphinx, génie, etc.). Le savoir-faire (technologique) est, lui, pourtant fondamentalement local, sous la forme d'un système d'emmanchement tout à fait original en Méditerranée. Malgré tout, ce type d’objet reste rare en domaine minoen et mycénien, ce qui soulève des interrogations. Ainsi, à quels phémonènes est lié l’usage du miroir ?Malgré un corpus demandant à être enrichi par des fouilles non publiées (La Canée, Palaikastro, Zakros, etc.), les miroirs égéens présentent une relative homogénéité techno-stylistique illustrant la diffusion d’un artisanat spécialisé et permettent de proposer une réflexion sur l’existence d’un effet de mode doublé d’un reflet méditerranéen, toutefois exprimé par la résurgence d’un vocabulaire stylistique profondément local. / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Ce travail est une étude mythologique portant principalement sur deux figures héroïques grecques, Pélops et Hippodamie, couple fondateur de la lignée des Pélopides. Inscrivant ma démarche dans la lignée des travaux de Marcel Detienne, Claude Calame et Charles Delattre sur la notion de mythe, non pas catégorie indigène mais objet construit a posteriori par les chercheurs actuels, je définis, sur la base des critères minimaux que sont les noms propres des héros et leurs types figurés, un corpus fait de textes grecs et dans une moindre mesure romains et d'œuvres figurées grecques, étrusques et romaines, que j'étudie ensuite systématiquement pour y mettre en évidence les possibles critères d'unité ou de discontinuité dans les représentations de ces figures héroïques, en me montrant attentif à la grande variété des contextes (cultuels, génériques, historiques) dans lesquels elles sont évoqués. J'étudie ainsi tant les cultes héroïques rendus à Pélops et Hippodamie à Olympie que les représentations figurées de ces héros et les différentes formes de discours qui les mentionnent, d'Homère à Nonnos de Panopolis. Je tente enfin de fournir les principaux éléments d'une étude globale de cet ensemble dans une perspective informée par l'anthropologie historique. Si l'ensemble général des évocations de Pélops n'a qu'une cohérence limitée, plusieurs sous-ensembles s'avèrent plus pertinents, le principal étant celui formé par les représentations de la course de chars qui aboutit à l'union des deux époux aux dépens d'Oinomaos, père récalcitrant d'Hippodamie. / This is a mythological study concerning mainly two heroic figures of ancient Greece: Pelops and Hippodameia, ancestors of the heroic genos of the Pelopids. In the continuity of the works of Marcel Detienne, Claude Calame or Charles Delattre about the notion of myth, no more considered as an « indigenous category » but as a construct built a posteriori by contemporary scholars, I define, on the basis of the minimal criterias that are the proper nouns of the heroes and their iconographical types, a corpus composed of Greek (and also in some measure Latin) texts and of Greek, Etruscan and Roman figurative works, which I then study systematically in order to find out more precise criterias of unity or discontinuity in the representations of these heroic figures, paying special attention to the great variety of contexts (cults, genres, historical eras) in which they are evoked. I thus study the heroic cults devoted to Pelops and Hippodameia in Olympia, the visual representations of these heroes, and the different forms of speech which mention them, from Homer to Nonnos of Panopolis. I lastly try to provide the main elements for a global study of this corpus in a perspective informed by historical anthropology. If the widest corpus, composed of the mentions of Pelops, has only a limited coherence, several subsets appear more pertinent, mainly that which is formed by the representations of the chariot race that allows the union of two spouses, despite the reluctance of Hippodameia's father, Oinomaos

Le Vieux Dieu serait une divinité du feu qui apparaît dès le IXe siècle avant notre ère et qui serait encore présente dans le panthéon des anciens Mexicains à l'arrivée des Espagnols, où elle adopterait alors les noms de Xiuhtecuhtli ou Huehueteotl. L'intérêt de cette thèse est d'entreprendre une étude diachronique, à travers l'ensemble des Hauts Plateaux mexicains, de ce ou de ces dieux et d'en comprendre les évolutions et les interactions afin de répondre à une question principale : sommes-nous en présence d'une seule et même divinité du feu depuis le Préclassique Moyen (-1200 – 500 av. J.-C.) jusqu'à l'arrivée des Espagnols en 1521 ? L'aspect diachronique et pluridisciplinaire de ce travail oriente notre approche et notre méthodologie puisque les données de la période Postclassique Récent seront analysées à la lumière des informations ethnohistoriques et ethnographiques. Le corpus des époques précédentes sera traité de façon systématique par une approche structurelle, technique, iconographique et, finalement, symbolique. / The Old God would probably be an igneous divinity, appeared since 9th century BC and which would have been already present in the Pantheon of the former Mexicans upon the arrival of the Spaniards. There, it would have adopted the names of Xiuhtecuhtli or Huehueteotl. The interest of this thesis is to undertake a diachronic study, through all the mexican Highlands, about this or these gods, to understand the evolutions and the interactions and finally to answer a main question : is there only one and the same divinity of fire since Middle Formative until the arrival of the Spaniards in 1521 ? The diachronic and multidisciplinary aspect of this work directs our approach and our methodology as the data of Late Postclassic will be analysed thanks to ethnohistorical and ethnographic information. The corpus of former times will be handled in a systematic way by a structural, technical, iconographical and finally symbolic approach.

Depuis la moitié du XXe siècle, de nombreux chercheurs se sont penchés sur les objets et images laissés par les peuples précolombiens comme les Mochicas afin d’essayer de reconstruire ces anciennes cultures. Avec cette recherche, nous nous inscrivons dans la lignée de ces chercheurs en tentant de reconstruire le portrait de l’ontologie analogique telle que développée par les Mochicas (250-900 EC) en utilisant les représentations de crabes réalistes comme mythologiques sur le médium céramique comme sujet d’étude. Nous employons les théories de Philippe Descola, autant en ce qui concerne une définition du concept d’ontologie analogiste que pour les formes traditionnelles d’expression figurative de cette ontologie, afin d’établir une base théorique pour notre analyse. Notre étude se concentre sur un corpus de 251 céramiques que nous avons analysé pour leurs qualités formelles, iconographiques et techniques chacune de ces trois catégories nous ayant permis de mettre en lumière de riches relations ainsi qu’une panoplie d’analogies complexes. La forme des céramiques nous permet de mettre en évidence l’omniprésence visuelle de la structure analogique de l’univers mochica dans leur quotidien ainsi que les réseaux d’objets établis à travers l’espace et au coeur des différentes traditions stylistiques. L’iconographie des crabes se présente particulièrement appropriée pour cette recherche car ces êtres se situent au coeur d’un espace liminal où de nombreuses dualités se croisent. En effet, les dualismes se révèlent comme une base permettant à l’analogisme d’éclore. Les crabes sont aussi des êtres entretenant un certain nombre de relations complexes avec différents animaux et personnages mythologiques comme le Dieu à ceinture de serpents pour n’en nommer qu’un. Ainsi, les crabes occupent une place particulière au sein de la chaîne des analogies caractérisant le cosmos mochica, une chaîne qu’ils parviennent à naviguer de manière très fluide. C’est finalement avec l’étude des techniques de traitement de l’iconographie que nous parvenons à mettre en avant les analogies et relations consciemment entretenues par les potiers mochicas, ceci fait dans le but d’orienter la lecture des objets dans un sens bien précis. Ainsi, en employant ces trois catégories, nous décortiquons les différentes composantes de l’expression de l’analogisme au coeur des traditions stylistiques mochica. Avec cette recherche, nous cherchons notamment à mettre en valeur l’importance d’étudier l’art mochica de manière holiste, soit en analysant toutes les composantes de l’objet ensemble et non simplement l’image présentée dessus et ce, en lien avec différents facteurs culturels et environnementaux. / Since the mid-twentieth century, many scholars have taken a closer look at the objects and images left by pre-Columbian peoples such as the Moche in an attempt to rebuild the profiles of these ancient cultures. With this research, we follow in the footsteps of these scholars by attempting to reconstruct the portrait of the analogic ontology as developed by the Moche (250- 900 CE) using realistic as well as mythological representations of crabs on the ceramic medium as our subject of study. We use the theories of Philippe Descola, both for a definition of the concept of the analogist ontology and for the traditional forms of figurative expressions of this ontology, to establish a theoretical basis for our analysis. Our study focuses on a corpus of 251 ceramics that we have analyzed for their formal, iconographic and technical qualities, each of these three categories having allowed us to bring to light some rich relationships as well as a panoply of complex analogies. The shape of the ceramics allows us to highlight the visual omnipresence of the analogic structure of the Moche universe as well as the networks of objects established across space and different stylistic traditions. The iconography of the crabs is particularly appropriate for this research because these beings are located in the heart of a liminal space where many dualities cross. Indeed, we will see that the dualisms, particularly important within the Moche cosmovision, reveal themselves as a base allowing the analogism to bloom. The crabs are also beings that maintain a number of complex relations with different animals and mythological characters such as the Snake Belt God, to name but one. Thus, the crabs hold a particular place within the chain of analogies characterizing the Moche cosmos, a place that they manage to navigate in a very fluid way. It is finally with the study of the techniques of treatment of the iconography that we manage to highlight the analogies and relationships consciously maintained by the Moche potters, this with the aim of orienting the reading of the objects in a very precise way. Thus, using these three categories, we unravel the different components of the expression of analogism at the heart of Moche stylistic traditions. With this research, we seek to emphasize the importance of studying Moche art holistically, that is, by analyzing all the components of the object together and not just the image presented on it, in relation to various cultural and environmental factors.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / Ce mémoire est consacré à l'étude d'un manuscrit médiéval qui illustre l'Apocalypse de saint Jean, le manuscrit Lyon, Bibliothèque municipale, ms 439. Cette œuvre réalisée dans le nord de la France au milieu du XVe siècle est unique à la fois dans la tradition exégétique et iconographique du Moyen Age, comme le démontre sa confrontation avec un large corpus de témoins de ces traditions. En effet, aucun autre cycle connu ne contient ni son poème latin ni l'iconographie de ses 48 enluminures. l. Notre étude apporte des indices qui confirment une hypothèse émise récemment par François Avril. Cette œuvre aurait été réalisée par le même artiste qui a enluminé un manuscrit du Champion des Dames de Martin Le Franc (Paris, BnF, fi-. 12476), daté de 1451. D s'agirait d'un artiste artésien-picard ayant probablement œuvré à Cambrai. Nous voulons également démontrer que le copiste de ce manuscrit du Champion des Dames, qui signe Boignare, est le même que celui de l’Apocalypse de Lyon. 2. Le poème latin, connu par ce témoin unique, est destiné à la mémorisation, comme l'atteste son utilisation des procédés mnémotechniques du Moyen Age. Il démarque les Postilles sur l’Apocalypse rédigées vers 1329 par Nicolas de Lyre. Mais ce poème est aussi, à notre connaissance, la seule version rimée d'un commentaire de l'Apocalypse. D paraît avoir été conçu spécialement pour accompagner le cycle d'images du manuscrit, contrairement à ce qui se faisait normalement au Moyen Age, où l'on concevait un cycle d'images pour accompagner un commentaire déjà existant. 3. L'iconographie du manuscrit, dans son ensemble, est originale. Cependant, elle subit l'influence des Apocalypses anglo-françaises, un cycle très populaire à la fin du Moyen Age dans la région où l’Apocalypse de Lyon a été réalisée. Mais cette influence demeure limitée, l'artiste ayant rapidement trouvé sa propre inspiration, et s'émancipant des modèles qu'il avait sous les yeux. Le cycle ainsi créé est unique. Il est strictement fidèle au texte de l'Apocalypse, et tend à donner une importance égale à tous les épisodes du livre saint, contrairement à ce qu'on observe dans les Apocalypse anglo-françaises. Le résultat global est sans équivalent connu; l’Apocalypse de Lyon se situe au carrefour de plusieurs chemins: encore imprégnée des traditions du Moyen Age finissant mais tournée vers la recherche de formes nouvelles. C'est ce qui en fait une œuvre d'un si grand intérêt.

Les représentations monumentales de la Mise au tombeau du Christ constituent l’un des sujets de prédilection en sculpture aux XVe et XVIe siècles. Longtemps, leur historiographie s’est contentée d’observations stylistiques sans marquer d’intérêt concernant les raisons de leur popularité. Pourtant, l’émergence de ce motif iconographique bien particulier – sans référent direct dans les Écritures – ainsi que la grande diversité des lieux d’implantation (cathédrale et église paroissiale, chapelle seigneuriale ou d’hôpital), allant de pair avec celle des donateurs, incitent à un examen attentif des contextes de commande, d’un point de vue historique, politique, économique mais aussi intime. À partir de l’examen de dossiers choisis pour leur pertinence et la richesse de leur documentation, cette étude propose plusieurs ensembles de réflexions articulés autour des notions de monument funéraire, de l’image de dévotion et de pèlerinage spirituel. Elle met ainsi en lumière l’exceptionnelle polyvalence de ces remarquables groupes sculptés. / The monumental representations of the Christ’s entombment were one of the most sought after sculpted subjects during the fifteenth and sixteenth centuries. Their historiography has long been confined to mere stylistic observations without tackling the issue of the reasons for their immense popularity. However, the emergence of such a distinctive iconographic motif – one that stems from no direct reference in the Scriptures – as well as the great diversity of its locations (cathedral and parish churches, castle or hospital chapels), one which mirrors that of their donators, should lead us to a careful examination of the command contexts, from a historical, political, economic as well as personal viewpoint. By examining several examples chosen for their relevance and their wealth of documentation, the present study offers several chapters of reflections hinging upon such notions as a funeral monument, a devotion image and a spiritual pilgrimage. It thus casts light upon the outstanding polyvalence of these remarkable sculpted groups.

Ce travail de thèse porte sur l’édition, la traduction et le commentaire de la Description du Tableau représentant le monde par Jean de Gaza. Ce poème de sept cent trente-deux vers (29 trimètres iambiques et 703 hexamètres) écrit en grec est datable de la première moitié du VIe siècle. La nouvelle édition s’appuie non seulement sur l’examen du témoin principal, le Parisinus Suppl. gr. 384, mais aussi sur la mise en perspective des copies apographes et des éditions anciennes. La traduction, en français, est le premier travail de ce type proposé dans une langue moderne. Les notes ont pour finalité d’aider la compréhension de la lettre du texte. Le commentaire, quant à lui, s’organise autour de deux thèmes : d’une part la relation entre la Description rhétorique et l’iconographie qui peut lui être associée, de l’autre des considérations sur la poétique de Jean de Gaza à travers l’étude littéraire, intertextuelle et philosophique du poème. Les Annexes comportent un lexique, la scansion intégrale du poème, les illustrations, la bibliographie, les indices et tables et la table des matières. / The aim of the present doctoral dissertation is to edit, translate and comment the Description of the Depiction of the World by John of Gaza. One can date this seven hundred and thirty two verses poem (29 trimetres and 703 hexametres) written in Greek to the first part of the VIth Century A.D. The new edition of the poem relies on studying the main manuscript (Parisinus Suppl. gr. 384) as well as considering the apograph copies and the ancient editions. The translation into French is the first work of that type ever offered in any modern language.The notes help the direct understanding of the text. The commentary is divided according to two prospective: first, the relation between the rhetorical Description and the associated iconography, second, some considerations about John of Gaza’s Poetic through the literary, intertextual and philosophical study of his poem. The Annexes contain a lexicon, the integral scansion of the poem, illustrations, bibliography, indices and tables and the general table of contents.

Le règne de Septimius Severus (193-211 apr. J.-C.) se situa entre la période de béatitude des Antonins et la crise de l’Empire romain du IIIe siècle. Cet empereur fut acclamé Auguste par ses légions de la Pannonie Supérieure et il fut contraint de se battre pendant quatre ans afin de demeurer au pouvoir. En y incorporant son origine africaine, ces constats pourraient nous porter à voir dans le règne de Severus les prémices de l’évolution entre le Principat et le Dominat, qui se seraient manifestées entre autres à travers son idéologie impériale. Ce mémoire de maîtrise illustre comment cet empereur adhéra à la tradition iconographique établie depuis le règne d’Auguste, et détermine également l’ampleur de ses innovations sur le plan idéologique. Ainsi, avec l’appui des sources iconographiques, épigraphiques et littéraires, nous nous efforçons à démontrer que l’idéologie de Severus. s’intègre dans une continuité évolutive de la perception du pouvoir impérial. / Septimius Severus reigned from 193 to 211 A.D., between the Golden Age of the Antonine dynasty and the third century crisis of the Roman Empire. He was saluted emperor by his legions of Upper Pannonia but was compelled to fight two civil wars to retain power. From this, and his African origin, it could be interpreted that the imperial rule of Severus was the genesis of the evolution from the Principate to the Dominate, expressed through his imperial ideology. This Master’s thesis examines how an emperor of African origin adhered to the iconographic traditions inaugurated under the reign of Augustus, and establishes the degree and nature of his ideological innovations. Founded on literary, epigraphic and iconographical sources, this research will demonstrate that the ideology of Severus was part of the continued evolution of the Romans’ perception of imperial power.

Ce travail propose une approche novatrice de l’étude des sculptures préhispaniques de l’Altiplano. En nous concentrant sur les pièces de la culture Pucara, c’est toute la vision du monde andin que nous revisitons. Après avoir énuméré les travaux antérieurs et les lacunes qui perdurent, nous procédons à une redéfinition complète du phénomène Pucara. Pour cela, nous utilisons la grande quantité de pièces inédites que nous avons pu inventorier au cours de nos voyages de recherche dans la région. De même, nous réalisons une étude comparative plus globale comprenant l’ensemble des styles affiliés Yaya-Mama, Tiahuanaco ou encore Khonkho Wankane. De la sorte, c’est tout le panorama culturel de cette région des Andes que nous revisitons. Il en découle une description précise des critères d’attributions stylistiques propres à chaque culture, ainsi que l’élaboration de normes de création strictes. Mais dans le même temps, nous mettons en évidence la continuité culturelle qui existe entre les différents phénomènes. Nous aboutissons à une chronologie relative des sculptures Pucara et de l’ensemble du bassin du lac Titicaca, tout en démontrant l’existence de phases de transition. Ces éléments rompent radicalement avec la théorie en place énonçant une disparition soudaine de la culture Pucara. Fort de cette nouvelle vision, nous proposons une lecture symbolique de l’iconographie présente sur ces vestiges. Par cette analyse en profondeur, nous extirpons le phénomène Pucara de son isolement. En fin de compte, nous illustrons comment les sculptures Pucara expriment une tradition pan-andine tout en conservant une forte identité régionale. / This thesis introduces an innovative approach for the Altiplano’s sculptures study of the pre-hispanic times. Focusing on the lithic elements produced by the Pucara culture, our conception of the Andean world is revisited. After the reminder of anterior works and lacks that remain, a complete redefinition of the Pucara phenomenon is given. For that, we use the important quantity of unpublished elements, recorded during our research journeys in this region. In the same way, a more global comparative study is realized, including the whole affiliated styles: Yaya-Mama, Tiahuanaco and also Khonkho Wankane. Thus, we revisit all the cultural overview of this Andean region. Following, we make a precise description of the stylistic criteria specifics to each culture, as well as the elaboration of strict creation standards. However, at the same time, the cultural continuity existing in each phenomenon is highlighted. We come up to a relative chronology of the Pucara sculptures and for the entire Lake Titicaca basin, while demonstrating the existence of transition phases. These elements break radically with the current theory that states a sudden disappearance of the Pucara culture. With this new vision, we propose a symbolical reading of the iconography shown on these artifacts. By our profound analysis, the Pucara phenomenon is taken out of its isolation. In fact, we illustrate how the Pucara sculptures express a pan Andean tradition while keeping a strong regional identity.

Si l’iconographie de l’Arbre sec ou arbre sans feuilles de la Légende du bois de la Croix a marqué le Moyen Age, paradoxalement, elle a peu attiré l’attention des historiens de l’art des XXe et XXIe siècles. Afin de combler cette lacune, nous proposons de développer ce thème dans notre thèse de doctorat. Nous montrons l’aspect formel que les images donnent à cet arbre, l’évolution de sa morphologie au fil des siècles, sa période d’apparition, celle de sa disparition, ainsi que le symbolisme qui lui est attaché, un symbolisme puissant, en relation avec la recherche du Salut. Les images qui illustrent un épisode crucial de la Légende du bois de la Croix — la vision de Seth, le fils d’Adam et Eve, avec l’arbre dénudé au centre du Paradis terrestre — constituent le pivot de notre recherche. Viennent se greffer d’autres images de l’Arbre sec, que nous appelons des « variantes » : la représentation de l’Arbre sec de la légende est transposée dans des contextes extra légendaires, tels ceux des romans d’Alexandre le Grand et du Lancelot-Graal, tel celui de la Divine Comédie, ceux du Devisement du monde de Marco Polo et des Voyages de Jean de Mandeville, ou encore du Pèlerinage de l’âme de Guillaume de Digulleville. L’Arbre sec est aussi dans le tableau de Petrus Christus, la Vierge à l’Arbre sec. Les images montrent l’Arbre sec dans un lieu intemporel, ou au Paradis, ou un lieu qui s’apparente au Paradis. Ce végétal est accompagné de la figure du Christ ou de personnages ou d’animaux le symbolisant. Dans tous les cas, le symbolisme fort et multiple de cet arbre sacré est conservé. L’Arbre sec est tout à la fois un rappel de l’arbre de la connaissance du bien et du mal, une évocation de l’arbre de la Croix et de l’arbre de vie. / The iconography of the Dry Tree or leafless tree is present through out the Middle Ages, but paradoxally, its study has only attracted few historians of art of the XXth and XXIst centuries. To compensate for this, we choose to devote our thesis to an extensive study of this tree. We examine the formal aspect given to the Dry Tree depicted in the images, the evolution of its physical form through the centuries, the period when it first appears and when it disappears, as well as the symbolism it carries, a powerful signification related to the quest for Salvation. The core of our research is the images that depict a crucial episod in the Legend of the wood of the Cross — Seth’s vision of the leafless tree of the Earthly Paradise. Other images of the Dry Tree, which we call « variations », are also examined : the theme of the Dry Tree taken from the Legend is transposed in extra-legendary contexts such as in the romances of Alexander the Great and the Lancelot-Graal, the Divine Comedy, the Million by Marco Polo and the Voyages by Jean de Mandeville, as well as the Pilgrimage of the soul by Guillaume de Digulleville. The Dry Tree is also depicted in Our Lady of the Dry Tree by Petrus Christus. The images show the Dry Tree in Paradise or in a place which symbolises Paradise, with Christ in the Dry tree, or figures or animals as symbols of Christ. The powerful and multiple symbolism is present : the Dry Tree is a reference to the tree of the knowledge, to the tree of the Cross and to the tree of life. Therefore, it is no surprise that the images show man in his quest for the Dry Tree, ie in the quest for God.