Cette thèse porte sur l'étude approfondie des représentations de l’un des plus grands rois de l’Ancien Testament : le Roi David. Ce travail doctoral s’efforcera d’étudier cette figure biblique dans les arts de la fin du Moyen Age et de la Renaissance en Europe. Les Saintes Écritures relatent la vie mouvementée de cet illustre homme et roi qui devint, au fil des siècles, un modèle de référence pour les souverains chrétiens. En effet, celui-ci correspondait parfaitement aux aspirations des princes qui souhaitaient prendre exemple sur ce royal personnage et s’approprier son prestige. Dans cette problématique, la figure de David s’est révélée être d’une incroyable richesse : successivement petit pâtre, oint du Seigneur, valeureux guerrier, musicien d’excellence et psalmiste, souverain d’Israël, amoureux transi, pécheur puis pénitent. Toutes les facettes de ce personnage si complexe ont inspiré, chacune à leur manière, la pensée spirituelle, politique et artistique. / This thesis focuses on the in-depth study of representations of one of the greatest kings of the Old Testament: the King David. This doctoral work will try to explore the biblical figure in the arts of the late Middle Ages and the Renaissance in Europe.The Holy Bible recounts the eventful life of this famous king who became, through centuries, a model for the christian princes. In fact, it fit perfectly with the aspirations of the princes who wanted to follow the example of this royal personage and appropriate his prestige. In this issue, the figure of David appears to be incredibly wide, successively little shepherd, anointed, brave warrior, musician and psalmist, king of Israel, women lover, sinner and penitent. Every facets of this complex character inspired, each in its own way, spiritual, political and artistic thought.

After Chairman Mao's death, in the late 1980's, Mao was removed from official government communications and his iconography transformed from having a specific meaning generation role linked to Maoist ideology, to becoming available for use as a commodity. In this research I use cultural theorist Jacques Derrida's theory of Hauntology and the deconstruction method to analyse a representative Chinese Propaganda poster, "Melody of Youth, Beautiful Soul", in order to ascertain the effect Mao's death had on the Iconography of Chairman Mao, and how Mao is ideologically transformed during this period. Analysing the painting I found specific symbols associated with the iconography of Mao that had been adopted and transformed for the purposes of the CCP. These symbols both suggested the presence of Chairman Mao, as well as negated that presence through being co-opted for other purposes. Using these symbols and writings about the period I deduced that during this period the CCP had to rely on existing symbols of power and authority in order to communicate and legitimise regime change whilst maintaining the semblance of continuity. At the same time they had to decouple these symbols from their original meanings in order to distance themselves from the past and redefine the ideology of China. In the process, Mao's iconography was decoupled from its Maoist ideological heritage and transformed into abstract symbols of power, doctrine and so on. This means that the transformation had made them available to use as an "open basket" into which new, related meanings could be placed – including serving as a commodity. / 中文摘要:毛主席是中国历史上最有名的文化偶像之一。他的思想是中国共产党的根本基础。作为一个偶像，毛泽东在中国现代文化中是一个很重要的象征意义成分，代表着权力、中国共产党、毛泽东思想等等。 在八十年代，当毛主席死后，毛泽东作为偶像在宣传画中逐渐消失，同时也被商品化了。为了解释毛泽东作为文化偶像的影响,以及毛泽东思想在此时期的转变，本文会运用文化理论家雅克·德里达的?幽灵学?（Hauntology)和解构主义学的方法，对一具代表性的宣传画《青春的旋律，优美的心灵》进行分析。 通过分析，我们可以发现一些与毛主席有关的符号,例如：书，原子符号，光等等。这些与毛主席有关的符号，为了满足中国共产党的宣传目的，已经被转变了。而由于这些符号与毛主席有关，它们便意味着毛主席仍存在于文本中，但是因为这些符号被转变了，他们也意味着毛主席在文本中的缺席。 分析这段时间所使用的这些符号，以及阅读关于?四个现代化?的文章， 我发现，在?四化?时期，为了传达政权转换的合法性，以及保持其政权连续性的假象，不得不依靠已经存在的政治符号。同时为了把实用主义放在政治理论的核心中， 他们也要从旧的思想限制中解放出来，所以他们需要把某些与毛泽东有关的符指从符征里分离出来。 在过程中，偶像毛泽东转变成一种开架商品，各种意识形态都可以藉由毛泽东来贩卖。

Les statues et les reliefs narratifs bouddhiques du Gandhāra présentent des points communs qui justifient la désignation d’un « art du Gandhāra » : le matériau, le sujet et la nature composite. Malgré cette évidente homogénéité, il existe d’importantes variations iconographiques et stylistiques. Cette thèse de doctorat tend à mettre en évidence ces variations afin de produire la première identification et caractérisation des langages stylistiques de l’art du Gandhāra. Les réflexions liminaires sur les contextes géographique, historique et religieux dans lesquels l’art du Gandhāra s’est développé sont suivies de prolégomènes sur les cadres historiographiques et théoriques de la recherche. Ils soulignent l’utilité d’une méthodologie et d’une terminologie appropriées ainsi que la nécessité d’un corpus des sculptures correctement documentées sur lequel une étude stylistique peut se fonder. L’inventaire des sculptures a permis d’identifier et de rassembler dans une base de données électronique environ 5000 oeuvres dont la provenance est attestée. La dernière partie se concentre sur l’identification des écoles, des foyers artistiques, des centres de production et des ateliers gandhāriens ainsi que sur leur caractérisation iconographique et formelle. La présentation suit une progression géographique qui permet de montrer la corrélation entre les niveaux stylistiques et la géographie gandhārienne et de déceler des réseaux d’interaction. Cette thèse propose en conclusion une reconstruction provisoire des routes anciennes de la région, un réexamen des chronologies fondées sur l’étude des styles et une réflexion sur la normalisation géographique des iconographies bouddhiques. / Buddhist statues and narrative relieves from Gandhāra share common characteristics thus justifying the designation of “Gandhāran art”. The homogeneity of Gandhāran art is certainly manifest in its material, its subject and its composite nature, yet it is possible to distinguish important iconographic and stylistic variations. This doctoral thesis aims to highlight these variations in order to provide the first identification and characterisation of the various stylistic languages of Gandhāran Buddhist art. The introductory reflections on the geographical, historical and religious contexts within which Gandhāran Buddhist art developed, are followed by prolegomena of the historiographical and theoretical frameworks of the research. These emphasise the need for an appropriate methodology and terminology and the necessity for a corpus of correctly documented pieces on which a stylistic study can be founded. The preliminary inventory of Gandhāran sculptures has identified approximately 5000 pieces of known provenance gathered in an electronic database. The last part focuses on the identification of Gandhāran schools, artistic zones, production centres and workshops and on their characterisation in terms of iconography and form. The review is geographically organised, thus revealing the existing correlation between the stylistic levels and Gandhāran geography and allowing the recognition of various interaction networks. The thesis concludes with an attempt to identify ancient routes, a reassessment of old stylistically based chronologies and a reflection on the geographical normalisation of Buddhist iconographies.

Consacrée aux représentations de l’Ascension du Christ en Occident entre le 9e et le 13e siècle, la thèse entreprise propose une analyse de l’épisode de la montée du Christ au ciel d’après son iconographie. Cette analyse comporte plusieurs séquences. S’agissant d’un sujet religieux, nous avons d’abord présenté les sources canoniques, puis les commentaires qui en ont été faits. Une mise au point sur la liturgie a également été nécessaire. En méthode, selon les principes de l’analyse sérielle visant à repérer les récurrences et les particularités d’un sujet iconographique, un corpus de 325 œuvres a été constitué. Le nombre conséquent d’œuvres recensées a permis d’utiliser différentes méthodes statistiques, comme l’analyse factorielle multiple (AFM) et l’analyse statistique implicative (ASI) : combinant méthodes quantitative et qualitative, ces outils ont permis de mettre en lien des interactions entre les différents motifs de l’image. Nous avons ainsi dégagé plusieurs types iconographiques dans la manière de représenter le Christ, mettant en avant la mobilité iconographique du sujet. Cette méthode nous a permis de dégager les traits d’interprétation de l’image. Nous avons procédé à l’analyse de l’image à travers l’étude des motifs iconographiques, le schéma de composition du sujet, ou encore l’interprétation d’un programme iconographique. La mise en parallèle avec des commentaires de l’Ascension a offert un nouvel éclairage sur l’interprétation des images : reflet d’une époque, d’une pensée commune, il a été possible d’apporter de nouvelles clés de lecture de certaines représentations ou associations d’images. À travers l’étude de l’iconographie de l’Ascension du Christ, c’est toute la complexité de l’image médiévale qui est apparue. D’abord étudiée pour elle-même dans l’analyse des motifs, elle a mis en lumière la diversité du sujet, d’un point de vue tant iconographique que théologique. Replacée ensuite dans son contexte de création, elle a révélé de nouvelles combinaisons iconographiques, aboutissant à de nouvelles possibilités de comprendre l’image. / This thesis is dedicated to western representations of the Ascension of Jesus Christ between the IX and XIII Centuries and offers an analysis of this episode according to its iconography. This analysis consists of several sequences. As it is a religious subject, we have first the canonical sources, followed by the comments made on them. Clarification on the liturgy was also necessary. For the method, and according to the principles of serial analysis aimed at identifying the recurrences and particularities of an iconographical subject, a corpus of 325 works of art was constituted. The substantial amount of inventoried works of art permitted utilising different methods of statistics, such as the Implicative Statistical Analysis (ISA) and the Multiple Factorial Analaysis (MFA). These tools, combining quantitative and qualitative methods, permitted the establishment of connections between the images’ different motives. Several iconographical types in the representation of Christ were identified, showing the iconographical mobility of this subject.This method also allowed us to reach the main iconographical lines of the image. We proceeded to the images’ analysis through studying the iconographical motives, the subject’s composition and the interpretation of the iconographical programme. The parallel display with the comments on the Ascension shed new light upon those images’ interpretation: reflection of a time, a common belief; it was possible to bring new keys of understanding of certain representations or associated images. Through the iconographical study of Christ’s Ascension, the whole complexity of medieval image was brought highlighted. Firstly studied for itself during the motives analysis, it showed the diversity of the subject from iconographical and theological points of view. Later replaced in its context of creation, it revealed new iconographical combinations, leading to new possibilities of interpreting the image.

Ce travail de recherche est consacré à l’analyse des évidences directes et indirectes des moyens de navigation en milieu maritime dans la partie occidentale de la Méditerranée, du début jusqu’à de l’âge du Fer Premier. A partir de la révision générale du répertoire iconographique de la période provenant de plusieurs sites colloqués entre l’Adriatique et la péninsule Ibérique, l’étude conduite souligne l’existence de plusieurs traditions locaux, reconnaissables en clé régionale, à partir du moins de l’âge du Bronze. L’identification de ces traditions, bien lisibles à travers les expressions culturelles des peuples locaux, nous permet d’affirmer que plusieurs peuples de cette partie de la Méditerranée antique avaient déjà développé, le long de la préhistoire, des solutions techniques et formelles propres dans le domaine naval. Dans les chapitres, l’analyse de ces éléments techniques et culturels de l’Occident est donc gérée tant à partir de l’iconographie qu’à la lumière des épaves. Même en absence d’un grand nombre de témoignages directs, cela nous permet d’affirmer que les traditions culturelles qu’on reconnaît à partir des premières figures gravée ou peintes dans des sites de région, ont en effet une dimension technologique. Malheureusement, les données archéologiques dont nous disposons ne nous permettent pas d’isoler tous ces éléments, ni de proposer la définition des familles architecturales locales, sauf que pour la période plus tardive, lors de l’arrivée des Grecs et des Phéniciens. / This research deals with the analysis of the evidence of maritime means of transports in use in the Western Mediterranean sea between the birth of the human navigation and the First Iron Age. Starting from a general revision of the local naval iconography of the period, based on a reassessment of the evidence coming from many archaeological sites placed between the Adriatic Sea and the Southern Spanish coasts, the study shed a light the existence of many different regional traditions that date back at least from the Bronze Age. The possibility to identify these traditions, as well as to examine them from a diachronic point of view, allows the author to state that we cannot think about an introduction from the east of the concept of maritime navigation. During the prehistory, particularly from the Bronze Age, the local cultural groups of this area seem in fact to have already developed good naval attitudes and capabilities. Even the analysis of the local iconography in the light of the technological elements that we can isolate on the Mediterranean wrecks of this period seems to confirm the existence of these local traditions. Unfortunately, the lack of a good number of direct evidence pertaining to wrecks do not permit us investigating these technological traditions. Thus, we cannot not identify the architectural families of the earliest phases; we can have an idea of their existence only in correspondence with the presence of Greeks and Phoenicians merchants and ships.

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Malgré une iconographie proliférante au XVIIe siècle en France, le prophète iconoclaste a peu attiré l’attention des historiens de l’art. À travers des études de cas menées selon une démarche attentive à la spécificité matérielle et médiale de ces images, et soucieuse de les replacer dans un contexte historique, ce travail explore leur pouvoir transformateur. Par le format de leur œuvre, le choix de l’échelle, du cadrage, de la disposition de ses éléments figuratifs et d’un moment narratif comme par l’imagination du paysage et des parerga, les artistes chrétiens réinventent l’histoire de Moïse au gré d’impératifs tour à tour formels, théologiques et politiques. Sujet de prédilection pour les prix dans les académies, l’histoire de Moïse constitue un opérateur formel identitaire et agonistique qui permet aux artistes de se distinguer de leurs pairs et des littérateurs, et suscite un rééquilibrage de l’ut pictura poesis au profit des beaux-arts dont la singularité commence d’être dégagée théoriquement dans la Kunstliteratur à partir d’images de la vie de Moïse jugées canoniques. Le système de commande prévalant alors, l’iconographie du fondateur du monothéisme juif est captée par les Églises catholique et protestante, en âpre concurrence jusqu’à l’édit de Fontainebleau. Les images destinées aux églises et couvents ou aux temples font alors de Moïse un héros biblique au service de la chrétienté dont il est l’ancêtre prestigieux. Dans des commandes de circonstance, les puissants s’approprient aussi les vertus de celui que Philon d’Alexandrie tenait pour l’archétype du roi-philosophe, du législateur, du grand-prêtre et du prophète élu pour consolider leur autorité personnelle. / So far, art historians have paid little attention to the iconography of the iconoclastic prophet, although it proliferated in 17th century France. This research explores its transformative power through a range of case studies aiming at bestowing attention to the material and medial specificities of the images as well as to their historical context. Through the format of their works, the scale of their figurative elements, their framing and disposition, the chosen narrative moment as well as by imagining their landscapes and parerga, Christian artists reinvented the history of Moses according to formal, theological and political concerns. As a favorite subject for academic prize competitions, it proved to be a formal and agonistic operator that allowed artists to define their identity in relation to their peers and to literary sources. This provoked a re-balancing of the ut pictura poesis doctrine in favor of the visual arts, whose singularity starts to be theoretically defined in the 17th centuryFrench Kunstliteratur on the base of images of Moses’ life. The iconography of the founder of Judaism was employed by Catholics and Protestants alike, who strongly competed right up to the Edict of Fontainebleau providing a framework for which many images were commissioned. The pictures intended for churches, convents, and temples thus present Moses as a biblical hero in the service of Christianity, of which he was a prestigious ancestor. Occasionally, mighty private patrons tried to assume the virtues of one whom Philo of Alexandria used to consider the archetype of the king-philosopher, of the legislator, the high priest and the prophet, to consolidate their personal authority.

La lecture de l'œuvre de Nicolas Bouvier nous aide à mieux "habiter le monde", à mieux en apprécier la beauté, le mystère ou la profondeur grâce aux voyages et aux lectures, grâce à la photographie, à la musique et la poésie, grâce au son, au verbe et à l’image. Son écriture, à la fois érotique et musicale, acquiert de ce fait une dimension universelle à laquelle contribuent son humanisme, son écoute attentive du monde, son humilité. Son œuvre entière est un constant retour aux sens, au corps, à la terre, mais il n’en est pas moins fasciné par le mystère et par la relation particulière avec le monde qui est celle des mystiques.L’"habitation poétique", pour Bouvier, est indissociable de l’ "habitation" de l’écriture et de sa quête de "l’unité du monde". "Habiter" l’écriture, pour lui, consiste à tenter de trouver une "unité" toujours fragile, toujours menacée, mais ressentie comme un bien d’autant plus précieux, entre le moi et le monde. Le détail le plus modeste prend chez lui l'allure d'une apparition, d'une "visite". Bouvier reconnaît que "l'exercice de disparition" lui impose de faire disparaître toute trace d'ego, ce qui lui permet de vivre le sacré de l'intérieur et ainsi d'accéder à la poésie, qui n'est jamais vécue par lui comme une conquête.Habiter poétiquement le monde ce serait unir l’obsession du mystère et la quête du sens, le macrocosme et le microcosme, la douleur et la plénitude, le désespoir et la beauté, l’acte de création et l’exercice de disparition, ce serait rechercher inlassablement l’harmonie. / The reading of the work of Nicolas Bouvier helps us better "living world", to better appreciate the beauty, the mystery or depth through travel and readings, thanks to photography, music and poetry, thanks to the sound, to the verb and image. His writing, both erotic and music, thereby acquires a universal dimension to which contribute its humanism, its attentive listening to the world, his humility. His entire work is a constant return to the senses, to the body, to the Earth, but it is no less fascinated by the mystery and the special relationship with the world is that of the mystics.The "poetic habitation", Bouvier, is inseparable from the "habitation" of Scripture and his quest for "the unity of the world. "Live" writing, for him, is to try to find a "unit" still fragile, still threatened, but felt as a good all the more valuable, between the self and the world. The more modest retail takes home the appearance of an appearance of a "visit". Bouvier recognizes "the exercise of disappearance" imposed to remove any trace of ego, which allows him to experience the sacred from the inside and thus access to poetry, which is never experienced by him as a conquest.Poetically inhabit the world would unite obsession with the mystery and the quest for the meaning, the macrocosm and microcosm, pain and fullness, despair and beauty, the Act of creation and the exercise of disappearance, it would search tirelessly harmony.

Cette thèse étudie l’émergence du culte de Rāma à travers l’évolution de son iconographie dans les décors sculptés des temples de l’époque de Vijayanagar. À partir du XIIe siècle, Rāma qui, jusqu’ici, était un avatar de Viṣṇu, se détache de sa tutelle pour acquérir une autonomie de culte, avec ses propres dévots. Nous nous sommes demandé dans quelle mesure le changement de statut de Rāma était perceptible dans les reliefs qui le prennent pour sujet et comment l’étude de ces reliefs pouvait nous éclairer sur ce changement. Notre étude se fonde sur un corpus d’environ 2700 reliefs, relevés dans 47 temples sur tout le territoire de l’empire (Karnataka, Andhra Pradesh, Tamil Nadu). Trois catégories de reliefs se dégagent : les cycles narratifs, les séquences narratives et les reliefs iconiques. En comparant les modes de représentation au sein d’une même catégorie, puis entre catégories, nous avons observé l’importance prise par les images iconiques. Nous avons constaté le faible rôle du régionalisme, mais plutôt une homogénéité à travers l’empire, confirmée par le rapprochement que nous avons fait des reliefs avec six versions du Rāmāyaṇa, et qui démontre que les différentes régions ont toutes eu, de préférence, recours à la même version. Cette analyse s’inscrit dans un examen plus vaste de la place de Rāma dans la culture indienne et aboutit à des conclusions sur la relation entre arts visuels et littérature, les liens entre Rāma et la royauté de Vijayanagar et montre les différents moyens de signifier la divinité désormais accomplie de Rāma. / This thesis studies the emergence of the cult of Rāma through the development of his iconography in the sculpted decoration of temples from the Vijayanagara era. From the 12th century, Rāma, who until then had been an avatar of Viṣṇu, broke away and acquired a separate cult, with his own worshippers. We wondered to what extent the change in Rāma’s status could be observed in the reliefs in which he features and how studying these reliefs could shed light on this change. Our study is based on a corpus of around 2700 reliefs from 47 temples throughout the territory of the Empire (Karnataka, Andhra Pradesh, Tamil Nadu). Three categories of relief can be identified: narrative cycles, narrative sequences and iconic reliefs. When we compared the means of representation within each category, then between categories, we noted the increasingly important role of iconic images. We observed little difference between regions, but rather homogeneity throughout the Empire, confirmed by our comparison between the reliefs and six versions of the Rāmāyaṇa, which showed that the various regions all favoured the same version. This analysis forms part of a broader study of the role of Rāma in Indian culture and leads to conclusions on the relationship between visual arts and literature, the links between Rāma and the Vijayanagara royalty, and the different ways of representing the divine status that Rāma had, by then, acquired.

Tit et djed sont les noms égyptiens de deux signes utilisés à la fois dans le système hiéroglyphique et dans le domaine iconographique, mais qui se matérialisent aussi sous forme d’objets (amulettes) intégrés aux rites funéraires ; ce triple emploi ayant longtemps empêché de définir distinctement leur nature. Leur apparition, remontant aux plus hautes époques de l’histoire de l’Égypte ancienne (Ire dynastie), montre déjà une affectation funéraire marquée des emblèmes, spécialisation qui ne cessera de progresser tout au long de cette vaste période, avec une nette transition au Nouvel Empire, justifiant le cadrage chronologique mais aussi la sélection du contexte funéraire pour notre étude. Celle-ci se propose d’examiner trois catégories principales de documents : les papyri du Livre des Morts, l’iconographie des tombes et les décors du mobilier funéraire, dans le but de comprendre les croyances et fonctions associées à l’emploi combiné des deux emblèmes, en tenant toujours compte des aspects politiques et religieux relatifs à l’institution pharaonique qui pourraient l’éclairer. / Tit and djed are the egyptian names of two signs employed at the same time in the hieroglyphic system and in the iconographic domain, but which materialize too in the form of objects (amulets) into the funerary rites ; this triple use long prevented to define their nature. Their occurrence, which dates from the first dynasty, already shows a funerary affectation of the emblems, specialization which continues to progress during this period, with a transition during the New Kingdom, justifying the chronological framing but also the selection of the funeral context for our study. This one intends to examine three main categories of documents : the Book of the Dead papyri, the iconography of the tombs and the decorations of the funeral furniture, in order to understand the beliefs and functions concerning both signs, always by taking into account political and religious aspects relative to the pharaonic institution, which could enlighten it.