Cette recherche part de la problématique concernant les puissances des rencontres entre l’art et l’enfance afin de penser le soi. Pour ce faire, nous nous appuyons sur la perspective théorique des dernières études de Michel Foucault, où l’auteur s’est penché sur la constitution du sujet dans l’Antiquité Classique. C’est ainsi donc – à partir de l’étude des techniques de soi gréco-romaines, notamment celles liées à l’écriture de soi – que l’on vise à penser les formes de rapport à soi actuellement possibles à travers les liens entre l’art et l’enfance. Plus précisément, nous avons pour but de discuter les manières dont il est possible de parler, penser, écrire et créer des images de soi aujourd’hui dans un contexte scolaire – particulièrement en ce qui concerne l’école maternelle – tout en dialoguant avec des oeuvres d’artistes contemporains insérées dans des pratiques pédagogiques et méthodologiques de recherche. Pour cela, nous avons sélectionné certains artistes qui réalisent, en quelque sorte, un travail sur eux-mêmes à partir de la création d’images, à savoir José Leonilson, Arthur Bispo do Rosário, Anna Bella Geiger et Rosana Paulino. Le choix de ces artistes est en effet dû au fait que tous ont en commun une relation particulière avec eux-mêmes, basée sur le geste comme un moyen d’enregistrement de soi dans les matières ordinaires de tous les jours. Méthodologiquement, dans un processus de composition en tant qu’enseignante et chercheuse, sept propositions pédagogiques et méthodologiques ont été organisées ayant pour base des oeuvres produites par ces artistes. Ces propositions ont été ensuite déployées et mises en service dans 12 regroupements avec un groupe de 13 enfants, âgées entre 5 et 6 ans, dans une école publique à Porto Alegre, de septembre jusqu’à décembre 2015. J’ai attribué à ces regroupements – situés à la confluence de l’art et de l’enfance – le nom d’imagialogues (images + dialogues, conversadorias en portugais): ce concept a été pensé à la lumière du processus de constitution en tant que curateur éducatif, c’est-à-dire de transposition de l’activité de curateur artistique au contexte éducationnel. Cela consiste à mettre en débat de différents objets artistiques, ainsi que de documents visuels, d’oeuvres d’art et même ce qui est produit en salle de classe dans le but de faire ressortir des relations encore inexistantes entre eux. Le matériel produit a été analysé à partir de deux discussions: la première portait sur la façon dont les images photographiques pourraient, dans leurs lacunes, représenter l’absence d’images. Contrairement à ce qui pourrait se définir comme quelque chose de négatif ou encore sur le point d’être achevé, ces absences ont été prises comme une métaphore pour la réflexion sur les relations particulières entre les enfants, le soi et l’autre : un autre absent, mais pas moins actif. La deuxième discussion a dégagé les moyens possibles d’établir des relations avec le temps et les images dans la contemporanéité, exprimée dans les gestes des enfants et dans leurs façons de se rapporter aux matières et événements quotidiens, axés sur le lien entre le tangible et l’intangible, entre l’éphémère et le permanent. Pour conclure, nous avons parié sur la puissance de l’art pour la production d’images uniques qui permettent la création et l’intensification des relations des enfants avec eux-mêmes et avec les autres: autrement dit, des images de soi. / A presente investigação parte do questionamento a respeito das potências dos encontros entre arte e infância para pensar o si mesmo. Para tanto, temos com horizonte teórico os últimos estudos de Michel Foucault, nos quais o autor se debruça sobre a constituição do sujeito na Antiguidade Clássica. É, portanto, a partir do estudo das técnicas de si greco-romanas, precisamente aquelas ligadas à escrita de si, que se busca pensar as possíveis formas de relação consigo hoje, por meio das relações entre arte e infância. Mais precisamente, o objetivo desta pesquisa é discutir de que maneiras é possível, hoje, falar, pensar, escrever e criar imagens de si no contexto escolar – particularmente, no da educação infantil – em diálogo com obras de artistas contemporâneos inseridas em práticas pedagógicas e metodológicas de pesquisa. Para isso, foram selecionados alguns artistas que, de certa forma, realizam um trabalho sobre si mesmos a partir da criação de imagens: José Leonilson, Arthur Bispo do Rosário, Anna Bella Geiger e Rosana Paulino. A escolha desses artistas se deve ao fato de que todos eles têm em comum uma relação particular consigo calcada no gesto, como forma de inscrição de si nas matérias ordinárias do cotidiano. Metodologicamente, no processo de se compor como professora e investigadora, foram organizadas sete proposições pedagógico-metodológicas com base em obras produzidas por esses artistas. Tais proposições foram desdobradas e postas em funcionamento em 12 encontros com um grupo de 13 crianças, em idades entre 5 e 6 anos, em uma escola de municipal de ensino fundamental da rede pública de Porto Alegre, de setembro a dezembro de 2015. Atribuí a esses encontros – radicados no cruzamento entre arte e infância – o nome de conversadorias: são desdobramentos de um conceito de curadoria educativa e consistem em colocar em debate distintos objetos artísticos, materiais visuais, obras de arte e o próprio material que é produzido em sala de aula, no intuito de dar a ver relações ainda inexistentes entre eles. O material produzido foi analisado a partir de duas discussões: a primeira delas tratou das formas pelas quais as imagens fotográficas poderiam, em suas lacunas, dar a ver imagens de ausências. Menos do que se configurarem como algo negativo ou em vias de ser completado, as ausências foram tomadas como metáfora para pensar as relações particulares entre as crianças, o si mesmo e o outro: um outro ausente, mas nem por isso menos atuante. A segunda discussão privilegiou as possíveis formas de estabelecer relações com o tempo e com as imagens na contemporaneidade, expressas nos gestos das crianças e nos modos de se relacionarem com as matérias e com os eventos cotidianos, pautados no elo entre o tangível e o intangível, entre o efêmero e o permanente. Como conclusão, o trabalho de pesquisa apostou em favor da potência da arte para a produção de imagens singulares que permitam a criação e intensificação das relações das crianças consigo e com os outros: em outras palavras, imagens de si.

Submitted by Viviane Lima da Cunha (viviane@biblioteca.ufpb.br) on 2016-04-22T12:24:05Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 9724522 bytes, checksum: d2c0b02bab1dd94865a1464ca433e2ad (MD5) / Made available in DSpace on 2016-04-22T12:24:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 9724522 bytes, checksum: d2c0b02bab1dd94865a1464ca433e2ad (MD5) Previous issue date: 2015-12-03 / Cette recherche a réalisé une étude de l’enseignement de l’art dans trois Pontos de Cultura de la région du Portal do Sertão, dans l’État de Bahia : l’ONG Pé de Arte, Cultura e Educação (PACE, à São Gonçalo dos Campos, la Cooperativa de Teatro para Infância e Juventude da Bahia (CTIJB), à Feira de Santana, et le Sindicato dos Trabalhadores Rurais de Santa Bárbara (STRSB), à Santa Bárbara, entre 2009 et 2015. Pendant cette étude, le profil socioprofessionnel des éducateurs a été défini, avec un accent sur leur rôle dans les pratiques et sur l’importance de l’enseignement de l’art en tant que mécanisme de reconstruction sociale. Diverses propositions éducatives liées aux arts ont été identifiées, adaptées de méthodes consacrées, ou créés pour recevoir un public dans un lieu spécifique. Pour obtenir ces informations, plusieurs enquêtes ont été réalisées : analyse des documents relatifs à l’histoire des trois Pontos de Cultura, à leur fondation, aux prix qu’ils ont reçus, aux professionnels engagés, aux languages proposés ; entretiens, questionnaires et accompagnement des ateliers de cirque, de théâtre, de théâtre demarionnettes, d’arts visuels, d’artisanat et de couture. Ceux-ci ont permis de mieux comprendre les méthodes utilisés, qu’ils soient connus ou nouvellement développés, de découvrir les espaces éducatifs, et le profil des différents éducateurs, administrateurs et coordinateurs. Le travail a un caractère qualitatif et propose une étude de cas. L’approche théorique est basée sur des auteurs qui ont contibué au débat sur les sujets suivants : trajectoire, définition et contexte de l’éducation non formelle (Freire, Gohn, Trilla) ; concept et organisation des Pontos de Cultura (Rocha, Silva, Turino) ; enseignement de l’art de ses fondements (Barbosa, Carvalho, Duarte, Forquin, Hernández, Richter). / A presente pesquisa realizou umestudo sobre o ensino de artes em três Pontos de Cultura do Portal do Sertão da Bahia: a ONG Pé de Arte, Cultura e Educação (PACE), de São Gonçalo dos Campos; a Cooperativa de Teatro para Infância e Juventude da Bahia (CTIJB), de Feira de Santana e o Sindicato dos Trabalhadores Rurais de Santa Bárbara (STRSB), de Santa Bárbara, no período de 2009 a 2015. Durante este estudo, o perfil socioprofissional dos educadores foi traçado, enfatizando o papel desses diante as práticas, ressaltando a importância do ensino de arte como um mecanismo de reconstrução social. Foi possível identificar a diversidade de propostas educativas em artes, adaptando metodologias consagradas ou criando novos métodos de ensino para atender um público e local específico. Para chegar a estes dados, foram realizados diferentes levantamentos: análise documental que apontou o histórico dos três Pontos de Cultura estudados, trazendo informações sobre fundação, premiações, profissionais envolvidos, linguagens oferecidas; entrevistas, aplicação de questionários e observação das oficinas de circo, teatro, teatro de bonecos, artes visuais, artesanato e costura que permitiram a compreensão dos métodos adotados, dos mais conhecidos aos inovadores, conhecer os espaços educativos e o múltiplo perfil dos educadores, gestores e coordenadores. A pesquisa teve caráter qualitativo, sendo adotado como procedimento metodológico o estudo de caso. A base teórica esteve fundamentada em autores que contribuíram com a discussão dos seguintes pontos: trajetória, definição e contexto da educação não formal (Trilla, Gohn, Freire); conceito e estadualização de Ponto de Cultura (Turino, Rocha, IPEA); o ensino da arte e sua fundamentação (Barbosa, Carvalho, Duarte Jr., Forquin, Hernández, Richter, entre outros).

Submitted by Fabio Sobreira Campos da Costa (fabio.sobreira@ufpe.br) on 2017-04-05T14:42:55Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Jane.tese.PPGS.UFPE.2016.pdf: 3873895 bytes, checksum: 230d7c50d1b47047119d9bb2118ad462 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-05T14:42:55Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Jane.tese.PPGS.UFPE.2016.pdf: 3873895 bytes, checksum: 230d7c50d1b47047119d9bb2118ad462 (MD5) Previous issue date: 2016-06-30 / Esta investigação, desenvolvida na Linha de Pesquisa ‘Identidades Coletivas e Representações Sociais’, do Programa de Pós-graduação em Sociologia, da Universidade Federal de Pernambuco/UFPE, na modalidade DINTER, fundamentou-se na Sociologia Reflexiva (BOURDIEU, 2001), em seu aspecto racional e relacional (VANDENBERGHE, 2010), por meio de uma abordagem qualitativa (DENZIN e LINCOLN, 2006). O objetivo principal foi de investigar a relação entre formação, concepções estéticas e práticas culturais dos professores que lecionam Arte nas escolas públicas de duas cidades localizadas no submédio do rio São Francisco, Petrolina/PE e Juazeiro/BA. Para produzir os dados, utilizamos quatro instrumentos, a saber: entrevistas semiestruturadas realizadas com 28 professores de escolas públicas municipais e estaduais; diário de campo; Jogo das Preferências e análise documental dos livros didáticos utilizados por esses professores e as orientações curriculares, estaduais e municipais. Os dados foram produzidos entre outubro de 2015 e fevereiro de 2016 e submetidos à Análise de Conteúdo proposta por Bardin (1988). O referencial teórico ancorou-se nos conceitos bourdieusianos de campo, habitus e, especialmente, disposição estética, que consideramos como uma importante ferramenta analítica para se compreender o problema do capital cultural dos professores que lecionam Arte. Vimos que a posse ou não dessa disposição expressa nas práticas de consumo cultural dos professores nos forneceu subsídios para identificar quais as concepções de arte estão sendo legitimadas por esses profissionais. Os dados analisados mostraram que a maior parte dos professores que lecionam Arte nos municípios investigados não tem formação especializada nem disposição estética constatada a partir do predomínio do gosto popular em suas preferências estéticas. Essa situação difere daqueles que têm formação especializada ou participam efetivamente da produção cultural das cidades, seja em dança ou teatro, e que demonstraram mais propriedade e familiaridade com a cultura legítima. Assim, no contexto analisado, o ensino de Arte se pauta no reconhecimento sem o conhecimento da arte legítima, pois a maioria dos professores, devido aos processos sociais de aquisição da cultura, seja por meio de herança familiar ou da que é adquirida na escola, não tiveram a oportunidade de aprender os códigos que compõem o campo artístico e acabam promovendo a manutenção de modelos canônicos de arte que obstruem o acesso ao conhecimento artístico, sobretudo, de vanguarda, nas escolas e fora dela. Apesar de o contexto parecer desanimador, por causa das desigualdades culturais postas pela realidade educacional brasileira, um sopro de esperança ecoa, quando constatamos que alguns professores buscam por formação e se engajam nas produções e nas políticas culturais locais, além de verificar a importância das experiências culturais na aquisição de uma competência estética desses profissionais. Concluímos que pensar em que consiste o capital cultural dos professores que lecionam Arte é inexorável às políticas de formação docente, uma vez que são eles os responsáveis por mediar a experiência estética de seus alunos e alunas como também fomentar ao aumento do consumo cultural. Com base nessas análises, evidenciou-se a necessidade de ampliar espaços de formação e diálogos entre as instituições de formação superior e as Secretarias Municipais e Estaduais de Educação para que possamos promover mudanças qualitativas na formação inicial e continuada dos professores da Educação Básica. / Cette recherche, développée sur la ligne de recherche «Identités collectives et représentations sociales» du programme d’études supérieures en Sociologie, de l’Université Fédérale de Pernambuco / UFPE en mode DINTER, a étée basée sur la Sociologie Réflexive (Bourdieu, 2001), dans un aspect rationnel et relationnel (VANDENBERGHE, 2010), à travers d’une approche qualitative (DENZIN et LINCOLN, 2006). L'objectif principal était d'étudier la relation entre la formation, les conceptions esthétiques et les pratiques culturelles des profésseurs qui enseignent l'art dans les écoles publiques de deux villes situées dans le sousmilieu du fleuve São Francisco, Petrolina/PE et Juazeiro/BA. Pour générer les données, nous avons utilisé trois instruments, à savoir: des entretiens semi-structurés avec 28 profésseurs des écoles publiques municipales et de l’état; le journal de terrain et l’analyse documentaire des manuels utilisés par les profésseurs et des lignes directrices du programme de l'état et de la municipalité. Les données ont été produites entre Octobre 2015 et Février 2016 et soumis à l'analyse du contenu proposé par Bardin (1988). Le cadre théorique ancré aux concepts bourdieusiens de champ, habitus et, en particulier, de la disposition esthétique, que nous considérons comme un outil analytique important pour comprendre le problème du capital culturelle des profésseurs qui enseignent l'art. Nous avons vu que la possession ou non de cette disposition exprimée dans les pratiques de consommation culturelle des enseignants nous fourni des subventions pour identifier quelles conceptions d'art sont légitimés par ces professionnels. Les données analysées ont montré que la plupart des professeurs qui enseignent l'art dans les municipalités étudiées ne possèdent pas une formation spécialisée ni une disposition esthétique, constatée a partir de la prédominance du goût populaire dans leurs préférences esthétiques. Cette situation diffère de ceux qui ont reçu une formation spécialisée ou qui participent efficacement à la production culturelle des villes, que ce soit dans la danse ou le théâtre, et qui ont montré une plus grande appropriation et familiarité avec la culture légitime. Ainsi, dans le contexte analysé, l'éducation artistique est guidée dans la reconnaissance sans la connaissance de l'art légitime, puisque la plupart des enseignants, en raison des processus sociaux d'acquisition de la culture, que ce soit à travers le patrimoine de la famille ou de ce qui est acquis à l'école, n’ont pas eu la possibilité d'apprendre les codes qui composent le domaine artistique et finissent par promouvoir le maintien des modèles canoniques de l'art qui bloquent l'accès à la connaissance artistique, principalement d'avantgarde, dans les écoles et au-delà. Bien que le contexte semble décourageant, en raison des inégalités culturelles posées par la réalité éducative brésilienne, un souffle d'espoir résonne lorsque nous avons constaté que certains enseignants cherchent une formation et participent à la production et dans les politiques culturelles locales. Nous concluons que penser à quoi consiste le capital culturelle des profésseurs qui enseignent l'art est inexorable aux politiques de formation des enseignants, car ils sont responsables pour la médiation de l'expérience esthétique de leurs élèves. Basé sur ces analyses, il est évident la nécessité d'élargir les espaces de formation et le dialogue entre les établissements d'enseignement supérieur et les services d'éducation municipaux et de l'État afin que nous puissions promouvoir des changements qualitatifs dans la formation initiale et continue des enseignants d'éducation de base.

Le 16e siècle est une époque de changement où la famille se restreint et devient une projection d’idéal, symbolisant aspirations dynastiques et prestige pour les familles vénitiennes. Parallèlement dans l’iconographie religieuse, la Sainte Famille s’impose comme motif iconographique autour d’une cellule familiale succincte constituée de Marie, de Joseph et de l’Enfant Jésus. La famille et la Sainte Famille deviennent des sujets de choix dans la peinture, et ce tout particulièrement dans la production artistique vénitienne. La valorisation visuelle de la femme est un point commun entre ces représentations, aspect plutôt surprenant si l’on pense à la société et la religion catholique qui sont éminemment patriarcales. Le présent travail s’intéresse à cette position féminine névralgique et au constat que l’on en établit, et s’appuie sur un corpus d’œuvres vénitiennes du 16e siècle. / The 16th century was a time of change where the family decreases and becomes an ideal projection, symbolizing the dynastic aspirations and prestige to the Venetian families. Meanwhile, in religious iconography the Holy Family stands out as ideal iconographic motif, around a brief family unit constituted by Mary, Joseph and Jesus. The family and the Holy Family became prime subject in painting, and especially in Venetian artistic production. The visual promotion of the women is common point between these representations, aspect rather surprising if we think of the society and the catholic religion, which are highly patriarchal. This work is interested in this feminine position and what can be deduct from it, and lean on a corpus of Venetian works of the 16th century.

L’économie a toujours fait partie des productions artistiques. En effet, que ce soit par les commandes des mécènes, par les coûts des matériaux utilisés ou encore par la mise en vente des œuvres, l’art et l’argent sont deux entités inséparables. Toutefois, les artistes qui représentent et qui s’entretiennent de l’argent et de l’économie dans leurs œuvres se font plus rares. Des représentations du commerce adviennent avant le modernisme. Toutefois, ce n’est que récemment que les artistes se sont mis à s’intéresser aux manifestations de l’économie en les intégrant dans leur pratique. Existe-t-il actuellement une place dans le monde de l’art pour ce type particulier de production conceptuelle qui réfléchit à des questions économiques ? Notre recherche tourne autour de cette réflexion et explore la vente des productions artistiques à caractère économique sur le marché. C’est sous les termes d’économies imaginaires que nous retrouverons ces productions tout au long de ce mémoire. Nous nous pencherons plus spécifiquement sur la définition de cette pratique particulière, ainsi que sur sa vente dans les galeries et maisons de vente aux enchères. / Economy has always been a part of artistic productions. Indeed, whether it be through patronage or by the cost and worth of the materials employed, or even by the selling of the artworks, art and money have always been two inseparable entities. However, artists who represent and deal with money and economy in their work are still quite scarce. We are able to find some representations of trading in ancient artworks, but it is only recently that the artists began to address the various expressions of economy by integrating them into their practice. Is there currently a place in the art world for this particular type of conceptual production that reflects on economic issues? Our research is guided by this topic and explores the sales of this type of artistic productions on the markets. This type of production will be referred to as “imaginary economics” throughout this master’s thesis. We will explore its definition as well as its sales in galleries and auction houses.

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Cette thèse a pour principal objectif d’étudier la nouvelle configuration de la valeur de l’art moderne et contemporain du Moyen-Orient, et plus précisément la perception qui s’est fait jour à partir du milieu des années 2000, où Dubaï serait devenu le lieu de fixation de la valeur économique et de diffusion de l’art à différents niveaux : national, régional et international. L’art visuel du Moyen-Orient, jusqu’alors limité aux scènes nationales et négligé sur la scène internationale, connaît une évolution locale ainsi qu’un rayonnement international inédit. La mutation innovante du monde de l’art de cette zone géographique repose, en général, sur l’implantation de maisons de vente et sur la formation d’un marché international pour l’art du Moyen-Orient à Dubaï. Ce nouveau dispositif a influencé non seulement l’écosystème du monde national de l’art, mais aussi le choix d’artistes, des commissaires d’exposition autant que des conservateurs des musées internationaux. L’accroissement de champ du marché est l’objet principal de cette étude, et l’ajustement du champ artistique un objet secondaire. En retraçant l’histoire des pays étudiés par une approche sociologique de l’art, il s’agira, d’abord, de cerner l’évolution quantitative et qualitative des galeries d’art visuel, après les avoir identifiées en tant qu’acteur multifonction du monde de l’art, en ce qui concerne trois pays emblématiques de l’art de la région : l’Iran, le Liban et les Émirats Arabes Unis ; ensuite, il s’agira d’analyser leurs activités internationales ainsi que leur rayonnement à la fois régional et international, avant la formation du marché de l’art de Dubaï en 2006 et jusqu’à 2015. La méthodologie employée pour ce travail sollicitera un certain nombre d’outils propres aux sciences sociales et humaines : l’entretien compréhensif, l’enquête quantitative, l’analyse typologique, l’étude documentaire et l’enquête de terrain : l’immersion et l’observation participante. / The main objective of the present doctoral thesis is to study the configuration of the value of Middle Eastern modern and contemporary art. More precisely, we look at how Dubai has emerged in international perceptions as the center for art appraisal and diffusion nationally, regionally and internationally. Middle Eastern visual arts, mainly limited to their national settings, have been overlooked on an international level. Today, we are witnessing their unprecedented emergence and appreciation on the international scene. The innovative mutation of the art world within this geographical zone is mainly due to the implantation of auction houses and the creation of an international market for Middle Eastern art in Dubai. These new measures have not only influenced the ecosystem of the art milieu on a national level, but have also impacted the choice of artists, exhibition commissioners and curators of international museums. The development of this market is the principal object of the present study and as a secondary object, we look at the adjustments made by the art world to adapt to this new art scene. Through the Sociology of Art approach, we retrace the history of three emblematic countries (Iran, Lebanon and the United Arab Emirates) with the aim of understanding the quantitative and qualitative evolution of their visual art galleries identified as multifunctional actors of the art world. We then analyze their international activities as well as their expansion, regionally and internationally, before the creation of the art market of Dubai between 2006 and 2015. Our methodology is based on the research methods of the social sciences: comprehensive interviews, quantitative investigations, typological analyses, documentation review and field work through immersion and participatory observation.

Nous proposons une étude des genitalia masculines dans la production de Michel-Ange afin de saisir ce qu’un tel motif pouvait signifier dans différentes œuvres selon le sujet qu’elles représentent. En nous concentrant principalement sur quatre œuvres de l’artiste florentin nous désirons éclaircir l’impact visuel du dévoilement du sexe masculin et la perception que pouvait en avoir le public italien du XVe siècle et du XVIe siècle. Le Bacchus (1496-1497), Le David (1501-1504), Le Christ Rédempteur (1519-1520) et Le Jugement dernier (1536-1541) ont été choisis pour la diversité des thèmes qu’ils illustrent et pour leurs différents contextes de production et d’exposition. Nous comparons les œuvres religieuses aux œuvres profanes afin d’y relever les problématiques spécifiques qui résultent dans chacun des cas. Le choix de s’en tenir à la production de Michel-Ange implique aussi de se pencher sur un type de figure masculine bien précis, directement inspiré de l’Antiquité. Pour mieux comprendre ce qui résulte du dévoilement des genitalia, nous définissons des notions primordiales comme le nu, la nudité, la sexualité, la masculinité et la virilité dans l’art de la Renaissance. À partir d’une approche historiographique, dont La sexualité du Christ à la Renaissance et son refoulement moderne de Leo Steinberg constitue la référence principale, nous appuyons ses hypothèses quant aux représentations du sexe du Christ. Et selon une approche historique, nous suggérons des hypothèses quant à la nudité intégrale de figures emblématiques de la production de Michel-Ange. En nous concentrant principalement sur les œuvres nommées ci-haut et le détail des genitalia, nous remarquerons que les artistes, y compris Michel-Ange, ne représentent pas ce détail par hasard, mais bien parce que cette partie du corps riche en signification peut servir à exprimer et appuyer plusieurs concepts. / We propose a study on the male genitalia in Michelangelo’s production, in order to grasp the significance in different works of art depending on the subject that they represent. By focusing on four pieces of art of the Florentine artist, we would like to clarify the visual impact of the male genitals unveiled and the perception from the Italian audience of the fifteenth century and sixteenth century. The Bacchus (1496-1497), The David, (1501-1504), The Risen Christ (1519-1520) and The Last Judgment (1536-1541) have been chosen for the variety of the topics they illustrate and for the different contexts of production and exhibition. We compare religious pieces of art to profane pieces of art to identify specific issues that result in every case. The decision to stick to only Michelango’s artistic production also implies looking at a specific type of male figure, directly inspired by the Antiquity. For a better understanding of what results from the genitalia’s unveiling, we define essential notions like nude, nudity, sexuality, masculinity and virility in the Renaissance. With a historiographical approach based on The Sexuality of Christ in Renaissance Art and in Modern Oblivion, written by Leo Steinberg, we support his hypothesis about the representations of Christ’ genitals. And with a historical approach we suggest some hypotheses about the nudity of iconic figures realised by Michelangelo. By focusing mainly on the pieces of art mentioned above and the detail of genitalia, we notice that artists, such as Michelangelo, did not represent this detail by chance, but because this part of the body is rich of signification and can serve to express many concepts.

Depuis 1979, les critiques d'art en Chine ont accompagné le développement de l’art contemporain, participant à la renaissance de la vie intellectuelle durement éprouvée sous le règne de Mao. Les revues d'art reflètent l’évolution de leur réflexion. Dans ma thèse je présente d’une part ce paysage intellectuel dans lequel s’est construite la critique d’art chinoise, et d’autre part, après avoir analysé comment certains concepts passent d’une langue à l’autre, j’aborde les textes théoriques et leur réception dans le milieu académique. Attirés au départ par la pensée occidentale, un champ référentiel qui s’étend de Platon à Danto, les critiques chinois se sont tournés ensuite vers le corpus classique, voire le Livre des mutations, pour forger des outils “propres à la Chine” afin de ré-écrire une histoire de l’art contemporain chinois délivrée du carcan post-colonial, mais au risque de se prendre au piège d’un nationalisme insidieux encouragé par le Parti. Les larges extraits que je propose traitent de la méta-critique, du sort et de l’essor de la modernité et du postmodernisme, de l’art abstrait émanant des gestes et des outils de la calligraphie... 
Récusant les concepts occidentaux jugés inaptes pour interpréter l’art chinois, recourant aux concepts classiques pour fonder l’École du yi, Gao Minglu propose une théorie critique qu’il tente d’appliquer aux œuvres contemporaines. À l’inverse Wang Nanming défend une démarche qui se veut universelle et dénonce les artistes et les critiques qui brandissent leur identité chinoise... Ainsi les démarches étudiées sont variées et parfois antagonistes, mais attestent de la vitalité de la critique d’art contemporaine chinoise. / Since 1979, China Art critics have accompanied the development of contemporary art, participating in the revival of intellectual life which have been hit hard during the reign of Mao. The journals in art reflect changes in their thinking. In my thesis I will present both the intellectual scene in which is constructed criticism of Chinese art, and secondly, after analyzing how concepts move from one language to another, I approach theoretical texts and their reception in academic. Attracted initially by Western thought, a reference field that extends from Plato to Danto, Chinese critics then turned to the classical corpus, or the Book of Changes, to forge tools specific "to China" to rewrite history of Chinese contemporary art delivered from the post-colonial yoke, but at the risk of getting trapped in an insidious nationalism encouraged by the Party. The extensive excerpts I propose deal with the meta-criticism, and the fate of the rise of modernity and postmodernism, abstract art from gestures and tools of calligraphy. Rejecting Western concepts which are unfit to interpret Chinese art, according to the traditional concepts to establish the School of yi, Gao Minglu offers a critical theory he tries to apply to contemporary works. Conversely Wang Nanming defends an approach to be universal and denounces the artists and critics who brandich their Chinese identity ... So the approaches discussed are varied and sometimes conflicting, but attest to the vitality of contemporary Chinese art criticism. Art critics propose theoretical models that are more interpretive tools of interpretation than appreciation.

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