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La fabrication de la scène et les pratiques qui favorisent la composition de dramaturgies pluriellesPerosa Soldera, Natalia 25 March 2024 (has links)
Titre de l'écran-titre (visionné le 6 septembre 2023) / L'étude s'inscrit dans le champ de la recherche-création en pratiques théâtrales, plus précisément j'examine les processus de création scénique d'une modalité de composition dramaturgique qui a été identifiée et nommée comme dramaturgies plurielles. Les dramaturgies plurielles cherchent à créer des scènes à plusieurs composantes, qui se caractérisent par la non-convergence, l'hétérogénéité, une hiérarchie variable, la préservation de la complexité et de la différence. Ceci afin de partager avec les spectateurs plusieurs lignes de composition, plusieurs chemins potentiels de sens, compréhension et sensation, parmi lesquels le spectateur doit naviguer et créer son propre montage. Cette approche défie les pratiques traditionnelles et dominantes de fabrication de la scène, qui ont été conçues pour répondre à un besoin d'unité dramatique et de sens. Les écritures scéniques plurielles, donc, demandent de nouvelles procédures, stratégies et postures de création pour être réalisées. Dans la quête d'offrir des chemins de réaction à ces défis, l'étude se base sur l'observation de deux laboratoires de recherche-création (réalisés entre 2018 et 2020) et du processus de création du spectacle Assemblée Générale Extraordinaire : l'effondrement de la compagnie Bureau de l'APA (entre avril 2019 et avril 2021). Les notes de ces observations sont mises en dialogue avec les références théoriques pour constituer un inventaire des pratiques qui peuvent favoriser la création de dramaturgies plurielles pour la scène. L'aboutissement de la recherche dans la forme d'un inventaire de pratiques de création est une tentative d'établir une base de recherche qui pourrait être approfondie ensuite, par la chercheure ou d'autres recherches. Aussi, l'inventaire promeut le maintien d'un certain degré d'ouverture et de fragmentation qui favorise la manipulation et la recombinaison de ces éléments, pouvant ainsi répondre aux besoins d'artistes et étudiantes en formation ou dans leurs propres processus de création. / The study is part of the field of practice-based research in theatrical practices, more precisely I examine the creative processes of a modality of dramaturgical composition that has been identified and named as plural dramaturgies. Plural dramaturgies seek to create multi-component scenes, which are characterized by non-convergence, heterogeneity, variable hierarchy and the preservation of complexity and difference. This, in order to share with the spectators several lines of composition, several potential paths of meaning, understandings and sensations, among which the spectator must navigate and create his own edit. This approach challenges traditional and dominant stage-making practices, which were designed to respond to a need for dramatic unity and meaning. Plural dramaturgies, therefore, require new procedures, strategies and postures in their creative processes to be produced. In the quest to offer some paths to these challenges, the study is based on the observation of two practice-based laboratories (carried out between 2018 and 2020) and the creative process of Assemblée générale extraordinaire: l'effondrement from the company Bureau de l'APA (between April 2019 and April 2021). The notes from these observations are put in dialogue with the investigation and the theoretical references to constitute an inventory of the practices which can support the creation of plural dramaturgies for the stage. The culmination of the research in the form of an inventory of creative practices is an attempt to establish a base of research that could be further developed later, by the researcher or others. Also, the inventory promotes the maintenance of a certain degree of openness and fragmentation that favors the manipulation and recombination of these elements, thus being able to meet the needs of artists and students in training or in their own creative processes.
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Le statut du dessin dans l'œuvre de Sergueï M. Eisenstein. Mise en scène, montage, intermédialité / The status of the drawing in the work of Sergei M. Eisenstein. Mise en scène, montage, intermedialityKataeva, Olga 09 January 2018 (has links)
Cette thèse étudie le statut du dessin dans l'œuvre de Sergueï M. Eisenstein, à partir de l’étude des rapports entre dessin et montage, entre dessin et mise en scène et de l’examen de la nature intermédiale de l’œuvre d’Eisenstein. Dans le système de ce réalisateur le dessin est au cœur de son processus créatif et devient un milieu-médium à l’intérieur duquel des transferts, passages, transportations de formes, d’images et d’idées sont possibles. Eisenstein s’intéresse au dessin, à la fois, comme processus et comme méthode visuelle universelle de la créativité.On constate l’analogie entre la structure globale du film Ivan le Terrible et les axes essentiels de sa réflexion théorique, en particulier les principes de sa méthode créatrice (la pars pro toto, le MLB, la plasmaticité et le montage). Subordonnée à une architectonique spatio-temporelle rigoureuse, la structure du film est en même temps une structure ouverte, vivante en évolution perpétuelle, et cela tant à l’étape de sa conception qu’au niveau de sa perception et de sa post-analyse.Les analyses conduites dans cette thèse sur la production graphique d’Eisenstein, et à partir de celles-ci sur l’ensemble de ces travaux et de ces concepts, démontrent clairement la corrélation entre la structure de l’œuvre d’Eisenstein, en particulier pour celle du film Ivan le Terrible, et le fondement de son processus de pensée créative, processus qui traduit son propre rythme intérieur et la structure de sa conscience, les deux donnant l’impulsion à son expression artistique. Le dessin devient pour Eisenstein le milieu de réflexion sur lequel il s’appuie pour exposer la problématique du médium, mais aussi celle de l’histoire du cinéma en son lien avec l’histoire des médiums expressifs. Les dessins préparatoires constituent le médium visuel d’élaboration, de vérification et de mise en pratique de ses concepts théoriques dans une situation réelle de création de film.Eisenstein a ainsi constitué, à travers ce projet transversal et intermédial du film, un dispositif sphérique d’écriture de la méthode et de l’histoire générale du cinéma, en réalisant ainsi un modèle du « livre sphérique ». / This thesis studies the status of drawing in the work of Sergei M. Eisenstein, based on the study of the relationship between drawing and montage, between drawing and staging and the examination of the intermedial nature of Eisenstein’s work. In the system of this film director, the drawing is at the heart of his creative process and becomes an environment-medium in which transfers, passages, transportations of shapes, images and ideas are made possible. Eisenstein is interested in drawing, both as a process and as a universal visual method of creativity. An analogy exists between the overall structure of the film Ivan the Terrible and the essential axes of his theoretical reflection, in particular the principles of his creative method (pars pro toto, MLB, plasmaticity and montage). Subordinated to a rigorous spatial and temporal architectonics, the structure of the film is at the same time an open, living structure, in perpetual evolution, this as much at the stage of its conception as at the level of its perception and its post-analysis.The analyzes led in this thesis on the graphic production of Eisenstein, and from them on all his works and concepts, clearly demonstrate the correlation between the structure of the work of Eisenstein, and in particular that of the film Ivan the Terrible, and the foundation of his creative thought process, a process that reflects his own inner rhythm and the structure of his consciousness, both giving an impetus to his artistic expression. Drawing becomes for Eisenstein the medium of reflection on which he relies to develop the problematic of the medium, but also the one of history of cinema in its connection with the history of expressive mediums. The preparatory drawings constitute the visual medium of elaboration, verification and putting into practice of his theoretical concepts in a real situation of film creation.Eisenstein thus constituted, through this transversal and intermedial film project, a spherical system of writing of the method and the general history of the cinema, thus realizing the model of the "spherical book".
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Teatros de um só instante: O vivo e o não-vivo na mise en scène fotográfica de Bernard FauconAndrade, Patrícia Mourão de 10 May 2007 (has links)
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Previous issue date: 2007-05-10 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Between 1976 and 1981 Bernard Faucon staged window mannequins of children
for photographic mise en scènes. These mise en scènes present celluloid dummies with
glass eyes arranged in scenes constructed to appear natural and familiar (such as outdoor
promenades, games and picnics) and belong to the series called Les Grandes Vacances.
In some images, and disturbing the fictions, a living child is seem naked among the
manequins.
This research focus on the relation between verisimilitude and inverisimilitude as
found between the living child and the non-living ones in this series. It also deals with the
relation between the experience of time and the photographic gaze.
As far as methodology is concerned, our study is based in authors such as Roland
Barthes, Maurice Blanchot e Sigmund Freud, who approach, each of them in his own
field of reaserch, the connections of the gaze with life and death, as well as with
verisimilitude and inverisimilitude.
The conclusions indicate that, in these photographs, life and truth are not to be
searched in reality, for they ermerge from the non-living and the inverisimilitude. It is the
mannequin, rather than the living body, that concentrates the power of guiding the gaze to
places where it can experience true affections and fictionalize possible lifes. The true and
living body is impossible / Entre 1976 e 1981, Bernard Faucon realizou mise en scènes fotográficas com
manequins de vitrine infantis. Reunidas na série que viria a se chamar Les Grandes
Vacances, elas apresentam bonecos de cera e olhos de vidro em cenas construídas para
parecerem naturais e familiares como passeios ao ar livre, jogos e piqueniques. Em
algumas imagens, um menino vivo, de corpo descoberto, aparece em meio aos
manequins, para abalar as ficções.
Esta pesquisa se debruça sobre a questão da verossimilhança e da
inverossimilhança, pautada na relação entre a criança viva e a não-viva nestas imagens.
Também buscamos explorar como nelas se articula a experiência do tempo e o olhar
fotográfico.
Metodologicamente, este trabalho parte de um diálogo com um conjunto de autores,
como Roland Barthes, Maurice Blanchot e Sigmund Freud, que tangenciam, cada qual
em seu próprio campo de estudo, a relação do olhar com a vida e a morte, bem como com
a verossimilhança e a inverossimilhança.
As conclusões às quais chegamos indicam que em Les Grandes Vacances a vida e a
verdade não são buscadas pelo lado da realidade, mas emergem do não-vivo e do
inverossímil. Percebemos que é o manequim que concentra todas as potências de
conduzir o olhar a experienciar afetos verdadeiros e a fabular vidas possíveis. O corpo
vivo e verdadeiro é impossível
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La figure de l'En-Quête : l'inscription du savoir dans les romans policiersFreytag, Aurélie 09 1900 (has links)
Cette thèse examine l’importance de la figuration dans le récit policier et ce sous le signe de l’En-Quête – figure centrale de cette étude – qui se développe en deux parties, chacune divisée en trois chapitres. La première partie se penche sur le roman policier en tant que genre et analyse la pertinence, voire la nécessité de s'en extraire afin de saisir l'importante charge des récits policiers. La deuxième partie reprend les éléments soulevés dans la première en plongeant cette fois dans les récits, dans les textes, dans le littéraire. La division en chapitres, quant à elle, permet d'identifier les engrenages de cette pensée en construction, de placer les bornes importantes au déploiement de l'argument.
C'est en créant, en plaçant au centre de la pensée la figure de l'En-Quête, que j'invente petit à petit au fil de la réflexion, que j'aborde les récits policiers en tant que textes mettant en scène la quête du savoir par la mise en mots, la mise en figures de la pensée. En commençant par l’analyse des textes policiers classiques, pour ensuite me diriger vers ceux de la modernité, il s’agit de réfléchir sur la figure de l’En-Quête et la manière dont elle se place comme un potentiel de création dans ces textes – abordés d’abord et avant tout comme des récits –, opérant comme une sorte d’auteure dans le texte qui, par les figures qu'elle crée, invente ou découvre, réfléchit à l'objet même qui la fait advenir, soit le littéraire, en tant qu'accès aux savoirs.
Cette réflexion permet de voir combien riches sont ces textes souvent ignorés par l'institution, combien importantes sont les réflexions présentées sous la forme de personnages, de mises en scène, puisque celles-ci donnent accès à un langage riche, une mise en mots toujours nouvelle, qui réfléchit le pouvoir du littéraire dans les figures. La figure de l'En-Quête, figure génératrice de figures, d'un savoir indissociable de la rhétorique, permet quant à elle de voir ce qui unit les textes dits policiers tout en déplaçant le focus pour insister non plus sur les thèmes, mais bien sur la construction des savoirs dans le littéraire et, par la mise en scène, la mise en figure justement. / This dissertation examines the importance of figuration in crime fiction, under the sign of the In-Quest, the central figure of this study which is developed into two parts, each one divided in three chapters. The first part looks into the notion of “detective novel” understood as a genre and analyses the relevance, and even the necessity of thinking outside of this category in order to grasp the full significance of this kind of fiction. The second part revisits these observations, this time diving into the texts and stories and into their literary components. The division in chapters enables us to get a glimpse of the key elements of this thought-in-process and to set the conceptual groundwork needed for deploying the argument.
Focusing my reflection on the In-Quest figure, which I invent and create progressively through the course of the essay, I address crime fiction as texts that stage a quest for knowledge in their recourse to words and figures of thought. I begin by analysing classic detective tales and continue with more modern texts in order to observe how the In-Quest figure places itself as a potential of creation within those narratives, working through the literary device it is creating as a sort of author in the text reflecting upon the object from which it arises, namely the literary as a way of knowing.
This conceptual drive allows us to see the richness of these texts frequently ignored by the institution and the importance of the reflections they embody in the form of characters and mises-en-scène; these elements give access to a diversity of language that creates renewed forms of writing showcasing the power of the literary, in and through figuration. Thus, the In-Quest as a figure of figuration, of knowledge that is inseparable from rhetoric, enables us to see what unifies the texts known as “detective novels” by changing the focus and insisting not on the themes, but on the construction of knowledge within their literary form, through figures of speech and their particular mises-en-scène.
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"Se mettre en scène" dans les adaptations contemporaines de textes classiques : un point tournant dans l'art de la mise en scène ? / “Staging Oneself” in Contemporary Adaptations of Classic Texts : a Turning Point in the Art of Mise en Scène?Özer-Chulliat, Sibel 06 December 2016 (has links)
Depuis quelques années, certains metteurs en scènes européens prennent des initiatives particulièrement audacieuses dans leurs adaptations de textes classiques, coupant le texte, modifiant l’ordre des monologues et allant jusqu’à injecter des morceaux de textes écrits par eux ou bien issus d’autres oeuvre littéraires. Ils n’hésitent plus à "se mettre en scène", c’est-à-dire à traiter avant tout leurs propres questions existentielles par l’intermédiaire des textes classiques, se libérant ainsi de toute pression exercée sur eux par les interprétations textuelles faisant autorité ou bien par les représentations de ces textes dans l’imaginaire collectif, et emmenant les textes classiques dans un "ailleurs" très personnel. Leurs mises en scène dépassent la fragmentation et le désordre propres au théâtre postmoderne et s’attachent au contraire à raconter une histoire cohérente, centrée sur les préoccupations intimes du metteur en scène. Ce nouveau type de mises en scène s’appuie sur des influences diverses, depuis André Antoine jusqu’à Heiner Müller, en passant par Stanislavski, Artaud et Brecht, et constitue une nouvelle étape dans le processus d’autonomisation de l’art de la mise en scène à l'oeuvre depuis le XIXème siècle. Le corpus de cette thèse comprend quatre récentes adaptations (réalisées entre 2008 et 2011) de textes classiques : Hamlet de Thomas Ostermeier, Hamlet de Nikolaï Kolyada, Roméo et Juliette d’Olivier Py et Un tramway de Krzysztof Warlikowski (à partir de Un tramway nommé Désir de Tennessee Williams). Il comprend également une mise en pratique sous la forme d’une adaptation, Pygmalion - J’ai créé une femme (à partir de Pygmalion de George Bernard Shaw), réalisée par l’auteur de la thèse en 2014 au sein des Théâtres Nationaux de Turquie, et ayant permis de tester les arguments et conclusions tirés des analyses précédentes. / In recent years, some European directors are taking particularly bold initiatives in their adaptations of classic texts, cutting the text, changing the order of monologues and even injecting pieces of texts written by them or from other literary works. They do not hesitate to "stage themselves", that is to say, to treat primarily their own existential questions through the classic texts, thus releasing any pressure exerted on them by the authoritative textual interpretations or by the representations of these texts in the collective imagination, and taking the classic texts in a very personal "elsewhere". Their stagings exceed the fragmentation and disorder specific to postmodern theater and focus instead on telling a coherent story, centered on the intimate concerns of the director. This new type of staging draws on diverse influences from André Antoine to Heiner Müller through Stanislavski, Brecht and Artaud, and represents a new stage in the empowerment process of the art of staging at work since the nineteenth century. The corpus of this thesis includes four recent adaptations (conducted between 2008 and 2011) of classic texts: Thomas Ostermeier’s Hamlet, Nikolai Kolyada’s Hamlet, Olivier Py’s Romeo and Juliet, and Krzysztof Warlikowski’s A Streetcar (from A Streetcar Named Desire by Tennessee Williams). It also includes a practical application in the form of an adaptation, Pygmalion - I Created A Woman (from Pygmalion by George Bernard Shaw), directed by the author of the thesis in 2014 in the Turkish State Theatres and having tested the arguments and conclusions from previous analyzes.
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Etude de l'adaptation cinématographique des textes de Hayashi Fumiko par Naruse Mikio / Study of the film adaptation of Hayashi Fumiko's texts by Naruse MikioMahmoudian, Eléonore 14 May 2018 (has links)
Au début des années 1950, le cinéma japonais achève de se remettre des restrictions d'abord imposées par le régime militariste, puis entraînées par la défaite du pays. L'industrie cinématographique prospère rapidement et puise dans la littérature des histoires pour les films qu'elle doit produire à une cadence toujours plus élevée afin de répondre à la demande des salles de cinéma. C'est dans ce contexte que Naruse Mikio (1905-1969) a réalisé six films inspirés de textes de Hayashi Fumiko (1903-1951). Ces films sont représentatifs tout à la fois des relations que les institutions littéraires et cinématographiques entretenaient à l'époque où les films ont été réalisés, du rôle joué par la littérature dans la politique de production des studios de cinéma et de la façon dont l’adaptation était perçue par la critique de cinéma.Mais outre la présentation de ces aspects contextuels et historiques, l'objectif de cette thèse est de dégager des pistes qui aideraient à appréhender l'œuvre de Naruse Mikio à travers l'examen des choix qu'il opère lors du processus d'adaptation, que ce soit au niveau du sujet, de la construction du récit, ou encore de la mise en scène. Naruse parvient à trouver un équilibre entre ses ambitions formelles et les exigences du récit en élaborant avec virtuosité un style effacé ou « invisible ». Pour tenter d'en faire ressortir les particularités, notre effort s'est concentré sur l'analyse des éléments de notre corpus (films, textes et scénarios). Dans cette entreprise, les textes de Hayashi constituent un référent précieux qui aide à déterminer les rapports que le cinéaste entretient avec son sujet, avec le scénario ou encore avec les contraintes inhérentes au cadre dans lequel il travaille. / In the early fifties, the Japanese film industry had almost recovered from the restrictions imposed first by the military regime and then from Japan’s defeat in the Pacific War. The industry then prospered rapidly and found in literature the stories needed in order to produce enough movies to comply to the always growing demand of the cinemas. It was in this context that Naruse (1905-1969) realized six movies inspired by Hayashi Fumiko's (1903-1951) works. These movies are exemplary of the relationship between literary institutions and the film industry at the time they were shot. They are also typical of the importance of literature in the production policy of the diverse film studios as well as the manner movie critics received these screen adaptations.Besides the presentation of the contextual and historical aspects, our objective is to identify ways which would help to discover Naruse Mikio's works through the filter of choices made by him at the time of the adaptation, be it when choosing the topic, the story construction or the stage direction. Naruse was able to find a balance between his formal ambitions and the requirements of the story by skillfully elaborating a subdued or “invisible” style. In order to highlight the singularities of his personal style, we have concentrated our effort on the analysis of the diverse elements of our corpus: the films, texts and scripts. In this endeavour Hayashi’s writings are a precious point of reference helping us to determine the precise nature of the relationship the film director had with his subject, with the script as well as the constraints imposed by the frame he was working in.
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Visuella linjer i Parasite (2019) : En form- och semiotisk analys / Visual lines in Parasite (2019) : A form- and semiotic analysisDavidsson, Sara January 2023 (has links)
I den här undersökningen studeras hur visuella linjer används i den sydkoreanska filmen Parasite (2019) och hur dessa tillsammans med filmens mise-en-scène och bildkomposition bidrar till att förstärka de sociala teman som finns. Detta görs genom en semiotisk- och formanalys med hjälp av filmvetenskapliga begrepp. Teorier som används är främst Pierre Bourdieus kapitalteori men också filmvetenskapliga begrepp som mise-en-scène och dess underkategorier så som; setting, kostym och smink samt ljus. Dessutom ligger kameraarbetet och bildkomposition i fokus. Fyra olika scener där visuella linjer är närvarande valdes ut och analyserades, och samtliga semiotiska tecken i scenerna tolkades på en denotativ och konnotativ nivå. Genom att de kopplas till Pierre Bourdieus kapitalteorier om kulturellt, socialt och ekonomiskt kapital samt habitus och fält visar resultatet av undersökningen att de visuella linjerna, tillsammans med scenernas mise-en-scène och bildkomposition bidrar till att förstärka de sociala och ekonomiska skillnaderna. / This study examines the use of visual lines in the South Korean film Parasite (2019) and how they, together with the film’s mise-en-scène and composition, contribute to reinforce its social themes. A semiotic and form analasys is used, utilizing film theoretical concepts. The primary theory used is Pierre Bourdeu’s capital theory, as well as film studies concepts such as mise-en-scène and its subcategories, including setting, costume and makeup and lighting. Additionally, camera work and composition are emphasized. Four scenes featuring visual lines were selected and analyzed and semiotics signs in the scenes were interpreted both denotatively and connotatively. By connecting them to Pierre Bourdieu’s theories of cultural, social, and economic capital as well as habitus and fields, the results of the study demonstrate that the visual lines, along with the mise-en-scène and the visual composition of the scenes, contributes to reinforce social and economic divisions.
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Avatar : une application de réalité virtuelle utilisable comme nouvel outil de mise en scène collaborativeDompierre, Christian 12 April 2018 (has links)
Une des plus importantes lacunes des outils actuels de mise en scène est que la collaboration en temps réel est très difficile à réaliser. En fait, les metteurs en scène doivent actuellement être situés au même endroit pour collaborer, ce qui n'est pas toujours possible. Les logiciels actuels de mise en scène ne permettent généralement pas la collaboration en temps réel. De plus, ces systèmes sont souvent très dispendieux et complexes d'utilisation. Une solution plus adaptée combinant des concepts de réalité virtuelle, technologie réseaux et vision numérique a ainsi été spécifiquement développée pour combler ces lacunes. Ce mémoire présente l'application de réalité virtuelle permettant la mise en scène collaborative résultant de nos travaux de recherche. Les défis les plus importants étaient d'assurer une synchronisation en temps réel entre une scène réelle et une scène virtuelle partagée et de minimiser les coûts tout en offrant un système multi-plates-formes et convivial. / One of the more important limitations of actual tools for performing arts design is that collaboration between designers is hard to achieve. In fact, designers must actually be co-located to collaborate in the design of a show, something that is not always possible. Actual software tools for performing arts design do not generally provide real-time collaboration and are not really convenient for collaborative work. In addition, these Systems are often expensive and complex to operate. A more adapted solution combining concepts from virtual reality, network technology, and computer vision has then been specifically developed to solve these issues. This master thesis presents the virtual reality application for supporting distributed collaborative production of theater shows resulting from our research. Challenges were to ensure real-time synchronization between a real and a shared virtual scene and to keep System cost as low as possible while offering platform independence and user-friendliness.
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Musique pure et parole : le problème de l’opéra au dix-neuvième siècle. Pour une esthétique de la compromission / Pure music and words : the problem of the opera in nineteenth century Germany. Towards an aesthetic of compromiseLabia, Julien 28 November 2011 (has links)
Malgré les efforts des différents travaux philosophiques sur la musique, il manque toujours une philosophie de l’opéra. Le travail que nous proposons tente de combler cette lacune, en concentrant ses recherches sur une période précise, le dix-neuvième siècle allemand. Ce choix se justifie par l’imprégnation philosophique des différents discours tenus sur la musique à cette époque, ainsi que par l’importance acquise par le répertoire austro-allemand dans la musique effectivement jouée aujourd’hui. Le manque de philosophie traitant de l’opéra de manière directe et sérieuse nous a conduit, dans un geste qui donne l’orientation générale de notre travail, à étudier des auteurs ne faisant pas à proprement parler partie du monde philosophique académique. Les trois guides que nous avons retenus pour ce travail sont successivement E.T.A. Hoffmann, Hanslick et Wagner. Les réflexions développées par ces auteurs permettent en effet à une pensée attentive de remédier à l’impression d’une absence de philosophie de l’opéra. Hors du monde universitaire mais non contre lui, les réflexions des trois penseurs que nous avons étudiés dessinent un cadre que nous avons choisi comme berceau de notre travail sur l’opéra. Nous mobilisons à cette fin les concepts d’impureté et de compromission, et nous nous efforçons de leur donner un sens positif et une valeur effective. La tâche d’élucider ce que fut historiquement l’opéra allemand exige l’aide de la philosophie. Mais la philosophie est également indispensable lorsqu’il s’agit de mettre au jour les forces conceptuelles qui le sous-tendent. Celles-ci permettent de construire une pensée de l’opéra en général, à travers leurs enseignements et leurs apories. C’est alors tout l’enjeu de ce moment où l’opéra est enfin compris comme « problème » qui se met au jour.Le lecteur trouvera également, en annexe de ce texte, la traduction inédite de douze articles de critique musicale d’Eduard Hanslick. / In spite of numerous philosophical works upon music, there is no philosophy of opera. My work aims to fill the gap by concentrating on one specific period, nineteenth century Germany. This was chosen because of the patently philosophical implications of several different views of music at the time, as well as the importance of the Austro-German repertoire in music played today. The lack of philosophy dealing directly and seriously with opera has led me to authors who stood apart from the strictly academic world of philosophy, and this has guided my work’s orientation. The three guides I have chosen are, successively, E.T.A. Hoffmann, Hanslick and Wagner. Carefully considered, their reflections allow us to correct the impression of a lack of philosophy of opera. Although outside the realm of academic philosophy (but not against it), their thinking provides a framework and a basis for my own work on opera. To this end, I take the concepts of impurity and compromise and try to give them a positive meaning and practical value. What German opera was historically needs philosophy to elucidate it, but philosophy also proves indispensable to revealing the conceptual forces that sustain it. The lessons and aporias of the latter allow one to construct a general philosophy of opera. The moment becomes clear when opera is finally understood to be a “problem”, with all the implications of this.The reader will also find, as appendix, the translation of twelve articles of musical criticism by Eduard Hanslick unpublished in French up to now.
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Expériences sonores et intersubjectivité dans le spectacle vivant contemporain. L'inter[o]ralité, entre désir et pouvoirs / Sonic experience and intersubjectivity in contemporary theatre. Inter[o]rality, between desire and powerFargier, Noémie 14 December 2018 (has links)
Cette thèse propose une réflexion sur la relation entre scène et salle se tissant à travers l’écoute. Dépassant le modèle activité/passivité auquel pourrait être rattachée l’expérience sonore du spectateur, nous tenterons de cerner les contours de cette relation où l’un émet tandis que l’autre reçoit, mais aussi répond. Le pouvoir semble du côté de la scène, capable de forcer l’écoute du spectateur, d’écraser toute réaction, tandis que le désir serait l’enjeu même de cette relation asymétrique, et circulerait de part et d’autre. Associant la notion d’auralité, qui englobe en un seul terme l’écoute et l’audition, à celle d’oralité, acte d’émettre une parole à l’intention d’un auditeur, la notion d’inter[o]ralité, fusionne les deux pôles, émission et réception, et les deux organes, bouche et oreille. Elle cherche à cerner la dimension intersubjective de la relation d’écoute liant la scène à la salle : si celle-ci prend modèle sur la situation d’énonciation, elle ne se réduit pas à l’écoute muette d’une parole ; elle est jeu d’adresse, intention d’attention.Cette réflexion, mûrie au fil d’une expérience de spectatrice, nourrie de la mémoire, souvent fragmentaire, de spectacles, se fonde sur un corpus d’oeuvres vues et entendues entre 2004 et 2017, créées par des artistes de la scène européenne tels que Joël Pommerat, Romeo Castellucci, Maguy Marin, Vincent Macaigne, Gisèle Vienne, Rimini Protokoll, dont le rapport au sonore est remarquable ou parlant du fait de la relation qu’il engendre avec le spectateur. Aussi cette réflexion invite-t-elle à une appréhension plus large de l’écoute : non seulement comme réception du sonore et de ce qu’il y a à entendre, mais comme réponse à une proposition émise à l’attention d’un autre, attention à cette attention elle-même, à laquelle ce dernier est libre, à tout moment, de se dérober. / This thesis explores the relationship between stage and audience as it arises in listening. Going beyond the activity/passivity paradigm that could be used to describe the audience’s sonic experience, we will try to draw the contours of a relationship in which the one produces while the other not only receives, but also responds. Power seems to belong to the stage in order to enforce listening on the part of the spectator and to prevent any reaction, while desire appears to be circulating back and forth as the purpose of this asymmetrical relationship. Conflating the notion of aurality, which gathers “listening” and “hearing”, and the notion of orality, which is the act of producing speech for a listener, the notion of inter[o]rality combines the two sides, production and reception, and the two organs, mouth and ears. It aims at capturing the intersubjective dimension of the listening relationship between stage and audience : even if it is modeled on the paradigm of enunciation, it is not limited to the mute listening of what is being said ; it is a game of addressing, an intention of attentiveness. This reflection, which has matured along with my experience as a spectator and which relies on the often incomplete memory of the shows I have seen, is based on a corpus of works that I watched and heard between 2004 and 2017. They were produced by European stage directors and artists such as Joël Pommerat, Romeo Castellucci, Maguy Marin, Vincent Macaigne, Gisèle Vienne, or Rimini Protokoll, whose connection to sound is remarkable or significant because of the relationship it creates with the spectator. In this way, this reflection encourages a wider approach to listening, considered not only as the reception of sound and of what is to be heard, but also as a response to what is offered to the attention of an other, and as an attentiveness to this attention itself, which the other is free, at any moment, to relinquish.
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