Cette thèse étudie l’apparition, dans la mise en scène picturale des récits bouddhiques du début du 18e siècle, d’hommes et de femmes du peuple, discutant, se querellant, s’aimant, ou simplement dépeints dans leur quotidien, sans rapport avec ces récits dont ils occupent pourtant le premier plan. En parallèle à des personnages hauts en couleurs (fumeurs de narguilé, amateurs d’alcool et de femmes) d’origine indienne, portugaise et métisse, dont les noms propres figurent dans le cartouche des légendes des scènes, et qui caractérisent la production picturale de la région de la Chindwin, des quidams dépeints dans leur quotidien (cavaliers, vachers, chasseurs d’oiseau de mauvais augure, enfants accourus voir le Bodhisatta, hommes montant à un palmier) illustrent, eux, la place de plus en plus grande prise par le cadre de la transposition des récits, c’est-à-dire par la société des peintres. Les premiers donnent lieu à une série de portraits, souvent caricaturaux, et de scènes de genre d’un humour paillard qui témoignent d’un sens de l’observation de la nature humaine, d’autant plus aigu qu’il s’agit d’étrangers. Le propos de ces peintures n’est plus seulement d’édifier le spectateur mais de le surprendre et de le divertir. Les seconds illustrent le goût des peintres pour un quotidien perçu comme exotique du simple fait de sa représentation. Finalement, ce n’est pas à une sécularisation du propos des récits bouddhiques que nous assistons, mais au contraire à leur appropriation, à leur birmanisation, comme le prouveront dès la fin du 18e siècle, les séries de monuments bouddhiques régionaux. / This doctoral thesis studies the appearance, in the pictural mise en scène of early 18th century Buddhist narratives, of ordinary men and women discussing, quarelling, loving, or simply depicted in their everyday life, and who occupy the foreground of the narratives though they are not part of them. Together with characters hauts en couleurs (narghile smokers, alcohol and women lovers) of Indian, Portuguese and half-breed origin, whose proper names appear in the cartouche of the captions of the scenes, and who characterize the pictural production of the Chindwin region, are everyday fellows depicted in their daily life (horsemen, cowherds, hunters of ill-omen birds, children running to see the Bodhisatta, men climbing a palm tree). These fellows illustrate the increasingly large place given to the society by the painters. The characters hauts en couleurs give rise to a series of portraits, often of a caricatural inspiration, and to genre scenes of a bawdy humour that reflect a sense of observation of the human nature, all the more accurate as it depicts foreigners. The purpose of the paintings is not just to edify the audience, but also to surprise and amuse it. The fellows illustrate the tendency of the painters to represent life scenes as exotic. Finally we are not witnessing a secularization of the purpose of the Buddhist narratives but, on the contrary, their appropriation and their Burmanization, as shown by the series of regional Buddhist monuments starting from the late 18th century.

L’apparition de l’image du Mongol dans les peintures italiennes est un phénomène particulier et marginal aux XIIIe et XIVe siècles. Notre thèse s’interroge et analyse comment les artistes représentent cette nouvelle image de l’autre, si étrangère et siimpensable, et considère la formation et la transformation des images dans différents contextes. L’image du Mongol s’inscrit dans l’histoire transculturelle qui correspond à la période de la Pax Mongolica s’étendant entre 1250 et 1350. Après la conquête mongole, l’Empire mongol construisit une période de paix dans le vaste territoire de l’Eurasie. L’autorité mongole fit un grand effort pour faciliter les routes commerciales, elle construisit un réseau de routes qui permit aux marchands, ambassadeurs et missionnaires de circuler facilement entre l’Europe et l’Asie. A partir de ce moment, les figures mongoles, comme image d’altérité, pénètrent, d’une manière anachronique, dans les narrations évangéliques, comme l’Adoration des mages, la Crucifixion, la Pentecôte et la Résurrection. Elles ne jouent pas toujours un rôle péjoratif, mais changent leur image selon les contextes et les moments : elles ont été représentées comme Gog et Magog à la fin des temps, soldat partageant la tunique du Christ, spectateur et témoin devant le martyr et la Crucifixion, et rois orientaux adorant l’enfant Jésus. Tout cela constitue, dans une certaine mesure, une image oscillatoire qui crée une tension entre la terreur et l’espoir. Notre thèse tente de penser cette complexité du contexte dans la représentation de la figure mongole et dans ce processus, de démontrer comment l’image donne, à son tour, une visibilité des mentalités de la fin du Moyen Âge. / The appearance of Mongol images in Italian paintings is a particular and marginal phenomenon in the late 13th and 14th centuries. My thesis examines and analyses how artists represent this new image of the Other, so foreign and so unthinkable, and considers the formation and transformation of images in different contexts. The Mongol image inscribed in a transcultural history corresponds to the period of the Pax Mongolica between 1250 and 1350. After the Mongol conquest, the Mongol Empire built a period of peace in the vast territory of the Eurasia. The Mongolian authority made a great effort to facilitate the trade routes, and built a network of roads that allowed merchants, ambassadors and missionaries to circulate easily between Europe and Asia. From this moment, the Mongol image, as an image of otherness, penetrates into evangelical narrations in an anachronistic way, such as the Adoration of the Magi, the Crucifixion, Pentecost and the Resurrection. The role of Mongol is not univocally negative. It changes according to the moments and contexts: they were represented as Gog and Magog at the end of time; as soldier dividing the tunic of Christ; as spectator and witness watching the crucifixion or martyrdom scenes; as oriental kings worshiping the newborn Christ-child. All of this constitute, to some extent, an oscillating image that creates a tension between terror and hope. My thesis aims to consider the complexity of the context in the representation of the Mongol image and to demonstrate how, in this process, the image gives, in turn, a visibility of the mentalities of the end of the Middle Ages.

Ce mémoire de maîtrise s’intéresse à la construction du sens des jugements esthétiques dans Le Côté de Guermantes, troisième volume d’À la recherche du temps perdu de Marcel Proust. Le narrateur de ce texte, qui admire des créateurs comme Elstir, Wagner et Hugo, tout en méprisant les Vibert, Auber et autres Bornier, développe un riche discours esthétique qui entre en contradiction avec la plupart des goûts affichés par les personnages du roman, opinions artistiques majoritairement énoncées lors de longues scènes mondaines qui constituent autant un contexte favorable aux conversations artistiques qu’un obstacle à ce que Kant appelle la « pureté » des jugements. Le sens de ces derniers repose sur la présence plus ou moins voilée d’un code esthétique qui, traversant la Recherche, fournit au lecteur des instructions concernant la valeur des différentes unités esthétiques jugées ainsi que la manière de porter un bon jugement. L’analyse de la structure de ce système (que nous décomposons en unités, prédicats, modalités, paramètres et procédés) constitue l’un des aspects de notre travail, qui vise en outre à répondre à des questions suscitées par deux axes de recherche. L’axe esthétique, d’abord, interroge la position de ces jugements entre deux pôles : celui de l’ « esthétique pure » inspirée de la Critique de la faculté de juger de Kant, attitude qui cherche à émettre un jugement libre et désintéressé en priorisant les caractéristiques formelles des œuvres, et celui d’une « esthétique populaire » décrite par Bourdieu dans La Distinction, qui tend à juger les œuvres d’art à partir de critères employés dans l’appréciation des objets dans la vie de tous les jours. Notre axe narratif nous porte quant à lui à nous interroger sur les fonctions caractériologique et sociologique des opinions artistiques. Nous explorons ces questions en étudiant successivement les jugements picturaux, musicaux et littéraires du Côté de Guermantes. / This master explores the production of meaning through aesthetic judgments in The Guermantes Way, the third volume of Marcel Proust’s In Search of Lost Time. The narrator of this text, who admires creators like Elstir, Wagner and Hugo while despising Vibert, Auber and other artists like Bornier, develops a rich aesthetic discourse that contradicts the taste of most of the novel’s characters, whose artistical opinions are mostly exposed in the long social scenes that constitute a good context for artistic conversations as well as an obstacle to what Kant calls the « purity » of judgment. The signification of these passages relies on the presence of a code that, across In Search of Lost Time, provides instructions to the reader about the value of the different aesthetic unities to be judged as well as about the right way to appreciate a work of art. The analysis of this system’s structure (broken down in units, predicates, modalities, settings and processes) is an aspect of our work, which also consists of two lines of research. First, the aesthetical aspect is related to the position of the judgments between two poles : the one of the « pure aesthetic » inspired by Kant’s Critique of Judgment, which is a way of trying to make free and disinterested judgments prioritizing formal characteristics, opposed to the one of a « popular aesthetic » developed in Bourdieu’s La Distinction, which tends to judge a work with the same criteria used in judging an object in everyday life. Then, our narrative line of research explores the character building and the sociological function of artistic opinions. We answer those questions by analysing successively the pictorial, musical and literary aesthetical judgments in The Guermantes Way.

Jean Cousin a suscité différentes formes de réception, révélatrices des enjeux discursifs des historiographes. De même, l’analyse critique des textes qui ont été produits sur l’Eva prima Pandora a fait émerger plusieurs problématiques inhérentes au processus de l’interprétation des œuvres d’art, au discours produit sur la peinture. À partir d’un contexte documentaire lacunaire, qui concerne autant le peintre que son tableau, les auteurs ont crée des fictions révélatrices de leur orientation méthodologique et des attentes de leur époque d’expression.Nous porterons donc un regard critique sur la construction mythique de l’image de l’artiste qui s’est opérée dans les différents textes consacrés à la vie et à l’œuvre de Jean Cousin. De même, à travers les propositions sémantiques qui ont été faites de la peinture, nous mettrons en évidence les présupposés théoriques et méthodologiques du discours produit par les interprètes, afin de montrer les limites de leur démarche. Partant de ce constat, prenant en compte les différentes pistes de réflexion récemment ouvertes par l’histoire de l’art, nous étudierons l’Eva prima Pandora, en portant notre attention sur le VOIR, sur le processus de création picturale, sur la nature des intentions de Jean Cousin alors qu’il peignait l’Eva prima Pandora. / Jean Cousin has generated various forms of reception, reveling the discursive stakes in the historiographers. Also, the critical analysis of the texts which were produced on the Eva prima Pandora brings to the foreground several problematics inherent to the process of the interpretation of works of art, to the discourse produced on painting. From an incomplete documentary context, which concerns as much the painter as his painting, the authors created revealing fictions of their methodological orientation and of the expectation of their period of expression. We will thus wear a critical look at the mythical construction of the image of the artist that took place in the differents texts devoted to the life and the works of Jean Cousin. In the same way, through the semantic propositions that have been made on the painting, we will highlight the theoretical and the methodological presuppositions of the discurse produced by the interpreters, in order to show the limits of their approach.Leaving of this report, taking into account the differents tracks of reflexion recently opened by the history of art, we will study the Eva prima Pandora by paying our attention to de SEE, to the process of picturial creation, to the nature of intentions of Jean Cousin while painting the Eva prima Pandora.

Cette étude se concentre sur l’Ecole de New York en poésie (« The New York Poets ») de la première génération (surtout John Ashbery, Frank O’Hara, Kenneth Koch, James Schuyler, et Barbara Guest) et de la second génération (surtout Bill Berkson, Alice Notley, Ted Berrigan, Eileen Myles, Anne Waldman, Ron Padgett, et Joe Brainard) – à travers la production de ces poètes (poèmes, pièces de théâtre, romans, essais, peinture-poèmes, collages, etc.). Les parallèles entre la peinture et la poésie de l’époque sont probants. Pour le poème, la peinture est à la fois un élément significatif du contexte et un facteur important d’inspiration. L’optique en examinant les textes est triple : d’abord, l’influence de l’évolution de l’art et particulièrement des stratégies des plasticiens d’avant-garde ; puis, l’influence du milieu social et du contexte des quartiers bohêmes de New York des années 1950 et 1960 ; et enfin, tout ce qui peut traduire un positionnement chez les poètes vis-à-vis de la politique et la société et le désir d’une progressivité. Ces trois facteurs s’additionnent pour s’inscrire avec une grande complexité dans les textes. / This study focusses on the poets of the New York School (« The New York Poets ») of the first generation (especially John Ashbery, Frank O’Hara, Kenneth Koch, James Schuyler, et Barbara Guest) and the second (especially Bill Berkson, Alice Notley, Ted Berrigan, Eileen Myles, Anne Waldman, Ron Padgett, et Joe Brainard) – taking into account the textual production of the poets (including poems, plays, novels, essays, poem-paintings, collages, etc.), and making a parallel study of the painting of the period, to help evoke the precise context and show relevant strands of inspiration. Works are discussed through three lenses : an idea of the evolution of art leading up to the present and particularly avant-garde artistic strategies, the influence of the social sphere including the relevance of the New York bohemia in the 1950s and 1960s, and all that conveys a sense political positioning with the desire for progress. Those three factors combine to create complexity in the texts.

Les pièces peintes de pièces extérieures automobiles doivent être réalisées en matériaux respectueux de l’environnement qui combinent à la fois fluidité, propriétés mécaniques et aspect visuel. Dans ce contexte, un polypropylène homopolymère conventionnel (PP) a été extrudé et mélangé de manière homogène avec un PP extrêmement fluide, contenant des espèces réactives dans le but d’augmenter la fluidité du mélange final. Ce procédé réactif a ensuite été appliqué à une formulation commerciale automobile de « PP choc » contenant un copolymère d’Ethylène Propylène Rubber (EPR). Une étude rhéologique a permis de modéliser l’évolution de la viscosité en fonction de la composition du mélange. Néanmoins, l’augmentation de la fluidité s’accompagne d’une diminution de la résistance au choc. De manière à faire face à la perte de propriétés mécaniques, l’utilisation d’élastomères thermoplastiques spécifiques a permis d‘augmenter la résilience au choc et l’allongement à la rupture tout en obtenant une fluidité quatre fois supérieure à celle du matériau original. Les aspects rhéologiques, thermomécaniques et morphologiques ont été soigneusement étudiés afin d’établir des relations entre la structure et les propriétés. Dans un second temps, une étude de la mise en peinture des pièces en polyoléfines injectées a été réalisée. Comme la nature hydrophobe du polypropylène ne permet pas une bonne adhésion du revêtement sur sa surface, son activation par flammage est requise. Les effets de différents paramètres (comme la vitesse, la hauteur ou le rapport air-gaz de la flamme) sont étudiés en termes de mouillabilité et d’adhésion du feuil de peinture. Ensuite, des essais aux échelles laboratoires et industrielles ont révélé un défaut du système peint lorsque le polymère possède une quantité importante de talc. L’impact de cette charge sur les propriétés rhéologiques, thermiques et mécaniques du matériau a été étudié. Il a été observé que le cisaillement sur une formulation dont la matrice polymère n’a pas d’affinité particulière avec la surface du talc est responsable d’un délaminage dans le substrat. Pour améliorer l’interface talc-matrice, l’ajout de copolymères fonctionnalisés d’anhydride maléique a permis d’augmenter le niveau d’interactions. Cet effet a été mis en évidence grâce à l’étude des propriétés rhéologiques et mécaniques du système. / Automotive painted exterior car parts have to be made of eco-friendly materials combining fluidity, mechanical properties and visual aspects. In this context, a conventional polypropylene (PP) homopolymer has been extruded and homogeneously blended with an extremely high flow PP, containing reactive species to increase the fluidity of the resulting material. The reactive process was then applied to an automotive high impact PP/Ethylene Propylene Rubber (EPR) formulation and rheological studies allowed us to model the evolution of viscosity as a function of the blend composition. Nevertheless, the increase of fluidity induces a lack of impact resistance. In order to cope with the loss of mechanical properties, the use of a specific thermoplastic elastomers allowed to successfully emphasize impact resilience and strain at break while reaching a viscosity four times lower than the one of the original material. Rheological, thermomechanical and morphological aspects were examined carefully to establish structure-properties relationships. In a second time, a study of the painting of automotive car parts, made of injected polyolefins was carried out. As the hydrophobic nature of polypropylene does not allow a good adhesion between the coating and the polymer surface, the surface activation by flame treatment is required. The effects of different parameters (such as speed, height or air to fuel ratio of the flame) were studied in terms of wettability and coating adhesion. Then, lab-scale as well as pre-industrial experiments revealed defaults of the painted systems when the polymer was highly filled with talc. Then, the impact of the filler on the rheological, thermal and mechanical properties was studied. It was observed that the effects of shear on a formulation where the polymer matrix has no particular physical affinity with the talc surface are responsible of delamination. To enhance the talc-matrix interface, the addition of maleated copolymers pointed out that maleated copolymers increase the level of interactions and lead to a more homogeneous behavior, as revealed by studying both rheological and mechanical properties.

Cette recherche s’articule autour de la notion de « biofiction » dont l’importance est expliquée à partir des notions de « biographie », « hagiographie », « autobiographie », mais aussi de « récit mythique », d’« autofiction » et de « vulgarisation ». La biofiction, une fiction biographique, permet d'aborder des phénomènes littéraires contemporains dans lesquels l'exemplarité de certaines figures est centrale. Le corpus littéraire à l’étude se compose de bio\hagio fictions postmodernes sur la visionnaire du XIIe siècle Hildegarde de Bingen et le peintre baroque de la fin du XVIe et début du XVIIe siècle Le Caravage (Nobécourt, 2013; Tancredi, 2012; Fernandez, 2002; Haenel, 2019). Comment (et pourquoi) des auteurs abordent-il aujourd'hui selon une perspective transculturelle et transhistorique de telles figures? À partir de quatre romans qui (ré)adaptent la vie de ces deux figures, je montrerai de quelle façon l’exemplarité et la singularité de leur existence est cristallisée par le roman et peut franchir les carcans du « biographique » en leur permettant de passer de personnage de fiction à lieu de mémoire (Nora, 1993). Pour ce faire, il sera question de sonder les spécificités de l’écriture biographique et hagiographique et le cas du personnage de roman tel que considéré dans les théories de la narratologie (Dosse, 2011) : qu’est-ce qui forme le fictif, de quelle manière se met-t-il en opposition (et en adhésion) avec le biographique? L'analyse du corpus se concentrera aussi sur des éléments narratologiques qui sont souvent mis de l'avant dans la recherche-création en biofiction : des expérimentations narratives où s’enchaînent et s’alternent les narrations extra, intra, hétéro et méta diégétique, ainsi que les focalisations interne, externe et zéro. Il sera question de démontrer de quelle manière les jeux narratifs servent le récit biofictif et quelles stratégies et méthodologies les auteurs utilisent pour conférer à leurs romans crédibilité, singularité et légitimité biographique. Ce mémoire a pour but de disséquer, sous plusieurs angles, (littéraire, sociologique, narratologique, médiatique, culturel, historique) la biofiction comme forme (Viart, 2001) dans toute son hybridité, telle qu'elle a été pratiquée (dans les pays occidentaux) au cours des dernières années (2000 à 2020). / This research revolves around the notion of "biofiction", the importance of which is explained from the notions of "biography", "hagiography", "autobiography", but also "mythical narrative", "autofiction" and "popularization". Biofiction, a biographical fiction, makes it possible to approach contemporary literary phenomena in which the exemplarity of certain figures is central. The literary corpus under study consists of postmodern bio\hagio fictions about the 12th century visionary Hildegard of Bingen and the late 16th - early 17th century Baroque painter Caravaggio (Nobécourt, 2013; Tancredi, 2012; Fernandez, 2002; Haenel, 2019). How (and why) do authors today approach such figures from a transcultural and transhistorical perspective? Based on four novels that (re)adapt the lives of these two figures, I will show how the exemplarity and singularity of their existence is crystallized by the novel and can cross the shackles of the "biographical" by allowing them to pass from fictional character to place of memory (Nora, 1993). To do this, we will probe the specificities of biographical and hagiographical writing and the case of the novel character as considered in the theories of narratology (Dosse, 2011): what forms the fictional, in what way does it stand in opposition (and in adhesion) with the biographical? The analysis of the corpus will also focus on narratological elements that are often put forward in biofiction research-creation: narrative experiments where extra, intra, hetero and meta diegetic narratives, as well as internal, external and zero focus, are linked and alternated. It will demonstrate how narrative games serve the biofiction narrative, and what strategies and methodologies the authors use to give their novels credibility, singularity, and biographical legitimacy. This dissertation aims to dissect, from several angles (literary, sociological, narratological, media, cultural, historical) biofiction as a form (Viart, 2001) in all its hybridity, as it has been practiced (in Western countries) in recent years (2000 to 2020).

Ce mémoire a pour sujet d’étude Le surréalisme et la peinture d’André Breton. Nous cherchons à montrer de quelle manière Breton redéfinit le mouvement surréaliste à la lumière des arts visuels. Nous avons pour postulat qu’il s’agit du texte central de Breton pour comprendre la peinture surréaliste, et qu’il pourrait même s’agir là d’un manifeste de la peinture surréaliste. Nous étudions de quelle manière Breton s’inscrit dans une lignée d’écrivains qui abordent les arts visuels dans leurs textes, et qu’il fait cela tout en se détachant des critiques d’art de son époque. Nous croyons que Le surréalisme et la peinture est un texte qui allie à la fois un discours critique et poétique. De plus, en nous penchant sur d’autres textes sur l’art de Breton, nous montrons l’évolution de ses idées sur les arts visuels. Nous nous penchons aussi sur des concepts comme le modèle intérieur et l’automatisme pour comprendre avec quels paramètres Breton tente de définir la peinture surréaliste.

La présente étude propose d'approcher la pratique journalistique de Jean Chauvin, auteur québécois des *Ateliers* publiés en 1928. L'ouvrage est profondément novateur pour son époque tant par sa forme que par son contenu. Encore aujourd'hui, il est une référence pour aborder la question des arts au Québec de 1880 à 1930. Personnage résolument moderne, Jean Chauvin côtoie les artistes, les écrivains, les musiciens et autres créateurs dans le but de promouvoir la culture de sa province. Pour se faire, il intègre des regroupements artistiques comme la Tribu des Casoars et devient directeur de *La Revue Populaire*. C'est là qu'il commence à interviewer des peintres et des sculpteurs et qu'il publie les premiers résultats de son enquête. La période d'écriture des Ateliers, de 1916 à 1928, est riche en bouleversements socioéconomiques. C'est une période d'effervescence culturelle et d'affirmation identitaire. Jean Chauvin affirme la présence d'un réseau artistique professionnel au Québec, capable de rompre avec la tradition européenne et de rivaliser avec les peintres ontariens. La visite des ateliers permet au public d'en prendre conscience et d'encourager la production picturale ou sculpturale de sa province. L'enjeu de cette recherche est de souligner l'apport de Jean Chauvin à la construction d'un discours critique sur les arts au Québec. Un discours que nous pouvons qualifier de « moderne » puisqu'il incarne la professionnalisation de la critique d'art et aborde la nouveauté artistique dans un contexte de modernisation sociétal.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2005-2006 / Notre mémoire se concentre sur la collection d'œuvres peintes des Augustines du Monastère de l'Hôpital Général de Québec (1693-1960). À travers l'examen de l'historicité de l'œuvre, il explicite la pluralité de ses statuts et les fonctions multiples que les religieuses lui attribuèrent dans la durée. Il repose sur l'hypothèse principale que l'entrée de l'œuvre au musée en 1930 marque l'aboutissement d'un processus évolutif impliquant à la fois des transformations de sens et des superpositions de plusieurs strates de valorisation. Trois chapitres examinent ce processus. Le premier s'attarde à la triple transition de l'œuvre dans le temps : objet de mémoire, objet d'histoire puis d'esthétique. Le second interroge les motivations ayant déterminé sa (re)contextualisation au musée en 1930. Le troisième évalue les enjeux de cette (re)fondation de l'œuvre en objet de collection sur ses représentations par la Communauté et, ultimement, sur ses modalités actuelles de transmission.