L’Atelier contemporain recueille la plupart des textes sur l’art de Francis Ponge. Malgré sa réputation de « poète des choses », celui-ci n’y écrit pourtant pas avant tout sur les œuvres finies (les tableaux), mais plutôt sur les artistes mêmes. S’appuyant sur un approfondissement de la conceptualisation de la poétique pongienne comme érotique entre le sujet et l’objet, ce mémoire cherche à découvrir, à travers les questions particulières que la peinture pose à l’écriture de Ponge, les raisons du déplacement du regard de l’écriture de la chose muette à la personne parlante. Il semble que Ponge, face à des œuvres artistiques non verbales, soit à la recherche d’une signifiance qu’il ne peut trouver, ce qui l’oblige à se tourner vers les personnes. Mais ces personnes finissent toujours par céder la première place, dans L’Atelier contemporain, au « je » du poète. / Francis Ponge’s L’Atelier contemporain is a collection of most of his texts on art. In those texts, despite Ponge’s reputation of “poet of things”, his primary focus is not put on the finished works (the paintings), but rather on the artists themselves. Supported on a deepening of the conception of Ponge’s poetic as an erotic relation between the subject and the object, this master’s thesis aims at discovering, through the specific questions that painting asks to writing, the reasons of the shifting of the look from the mute things to the talking persons. It seems that Ponge, facing non-verbal artistic works, is seeking a power of significance that he cannot find, which forces him to turn towards the persons. However, these persons always yield, in L’Atelier contemporain, to the poetic subject.

Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de certains documents visuels et audio-visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal / Ce mémoire s’intéresse à l’art pratiqué par des Jésuites ayant vécu chez le peuple agnier au 17e siècle. L’analyse du travail de deux peintres, les pères Jean Pierron et Claude Chauchetière, nous permet de définir l’environnement socioculturel et politique susceptible d’avoir influencé leur production artistique. Ces artistes ont pour point commun d’avoir œuvré exclusivement chez les Agniers et ce, à seulement une décennie d’intervalle. Pierron destine son art, majoritairement composé d’illustrations didactiques, à un public autochtone non christianisé. Nous avons déterminé que son œuvre témoigne d’une transition idéologique, notamment par l’utilisation de thèmes eschatologiques, le recours à l’image à des fins didactiques et l’intégration de quelques éléments d’écriture dans son œuvre, annonçant ainsi les pratiques apostoliques et artistiques futures. Quant à l’art de Chauchetière, il reflète la continuation du changement perceptif jésuite, notamment en plaçant l’Autochtone comme héros du récit, mais également en l’introduisant au cœur du genre littéraire hagiographique, avec la figure de Catherine Tekakwitha. Toutefois, une transition s’effectue par rapport à l’usage de l’image, qui passe d’un statut didactique à cultuel. / This thesis concerns the art developed by Jesuits living with the Mohawk people in the 17th century. By the analysis of the works of two painters, Father Jean Pierron and Father Claude Chauchetière, we define the sociocultural and political environment that influenced their artistic production. These artists share in common the experience of working exclusively with the Mohawk indigenous community, in two consecutive decades. Pierron’s art can be characterized by didactic illustrations aimed towards a secular indigenous audience. We have determined that this painter indicates an ideological transition, in particular by the representation of eschatological theme, the utilisation of imagery in didactical purposes, and by the integration of a few elements of writing into his illustrations. We think that this heralds the apostolic and artistic practices of the generation to follow. The art of Chauchetière reflects the continuation of Jesuit perceptual change by placing the Aboriginal as the hero of the narrative, but also by the introduction of a new character to the heart of hagiographic literature, the character of Catherine Tekakwitha. We can nevertheless observe that a transition takes place with respect to the use of the image, which transforms from a didactical status to that of worship.

Ce mémoire s’intéresse à la structure du recueil de poésie en prose Le Cornet à dés (1917) de Max Jacob. À la lecture de l’ensemble, on remarque qu’il est sans cesse question de choses ou d’évènements auxquels renvoient les diverses significations du mot tableau : œuvres picturales, descriptions imagées, cadres de fenêtre ou de porte, vieillards (vieux tableaux), tableaux vivants, subdivisions de pièces de théâtre ou encore tableaux d’école. Subdivisé en trois chapitres, ce travail s’attachera dans un premier temps au fait que tous ces homonymes sont traités, dans les poèmes, comme des peintures. Entre fixité et mouvement, les descriptions et les narrations rapprochent la littérature de l’art pictural, ce qui contribue à l’esthétique du doute caractéristique de l’œuvre de Max Jacob. Le deuxième chapitre s’intéresse aux procédés de reprise et à la manière dont ils permettent de faire des liens entre les poèmes. À partir des théories du mouvement et de la répétition, nous verrons comment les divers motifs forment, à la manière des dés, différentes combinaisons d’une pièce à l’autre. Inspiré par les peintres cubistes qui présentent simultanément tous les angles d’un même objet, l’auteur fait le tour du mot tableau. Dans le dernier chapitre, il ressort que la juxtaposition des poèmes donne accès à un surcroît de signification : certains éléments arbitraires comme des titres obscurs prennent soudainement sens. Une réflexion sur la lecture vient compléter ce travail puisque les nombreuses répétitions sont traitées dans la mémoire. Ce travail s’inscrit dans le champ des études sur le recueil et s’appuie principalement sur l’analyse de poèmes. / This dissertation treats the structure of Le Cornet à dés (1917), a collection of prose poems written by Max Jacob. Upon reading this collection, one notices that things and events referring to the different definitions of the word “tableau” are repeatedly employed : paintings, visual descriptions, window and door frames, elders (vieux tableaux), living pictures (tableaux vivants), theater scenes and also blackboards. This dissertation, divided into three chapters, starts by exploring how these homonyms are employed as paintings in the poems. In-between fixity and movement, the descriptions and the narrations bring literature closer to pictorial art. This contributes to the aesthetic of doubt found in Max Jacob’s written work. The second chapter analyzes different kinds of repetitions and the way they build links between the poems. By employing the theories of movement and repetition, this dissertation demonstrates how the various motifs, similarly to a pair of dice, form different combinations from one poem to another. Inspired by the cubist painters who simultaneously show all the angles of an object, Jacob thoroughly examines the word “tableau”. In the last chapter, it becomes evident that the juxtaposition of the poems gives access to additional significance: certain arbitrary elements, such as obscure titles, suddenly make sense. A reflection on the act of reading concludes this dissertation, since the numerous repetitions are stored in the reader’s memory. This work falls within the field of collection studies and mainly relies on poetry analysis.

Comment définir ces peintures ou rondes-bosses que sont les portraits japonais figurant des moines ? Par leur forme spécifique qui, issue d’un prototype continental qui n’a pas été remis en question, est demeurée stable à l’exception de brèves périodes. Cette constance s’explique par l’importance accordée à la Chine, l’usage de modèles iconographiques (zuzō) et le recours à une réplique qui n’est jamais dénigrée. Le portrait est de plus une image au bénéfice des sectes qui la produisent. En fournissant une représentation qui ne se dégrade pas, il est aussi la preuve d’un état de sainteté, voire de bouddhéité. Quant à la fonction de certificat des portraits Zen (chinzō), elle semble rare. Portrait de groupe, rouleaux illustrés (emaki) et littérature ont également décrit des personnages à leur façon, autorisant des comparaisons. Le portrait aurait pu inventer sa propre représentation ; il a préféré emprunter aux images sacrées : figurations de vénérés, maṇḍala et illustrations de jātaka. / How can one define these paintings and sculptures in the round that make up Japanese portraits of monks? Through their specific form that derives from a continental prototype which has never been reappraised and which remained stable except for short periods of time. Such a consistency results from a strong influence of China, and from the use of iconographic models (zuzō). Furthermore, copying a work of art has never been undervalued. Portraits are also images which benefit the sect that produces them. By providing an image or representation that never decays, they bear testimony to a monk's holiness, even buddhahood. Lastly, the Zen portraits (chinzō) are often seen as a kind of certification; however, this function seems quite rare. Group portraits, scrolls (emaki) and literature also describe people in their own way, allowing comparison with portraits. Portraiture could have followed its own path; it has preferred to borrow from holy images: deities, maṇḍala and jātaka illustrations.

Cette thèse a pour objectif de suggérer des lignes directrices pour observer les rencontres entre des arts, des matières et des techniques artistiques distincts et caractériser les passages possibles entre le sonore et le visuel. Dans un premier temps, nous étudierons les différences entre les arts et les manières de les organiser dans des systèmes classificatoires. Ensuite, nous nous tournerons vers l’étude de la notion de ressemblance entre les arts et de l’esthétique comparée et nous présenterons quelques liens et interactions entre les phénomènes musicaux et visuels. Les ressemblances seront exposées plus loin à travers leurs traits spécifiques, que nous appellerons « similitudes ». À partir de ces dernières, présentées sous les noms de sympathie, d’émulation, d’analogie et de convenientia, nous proposerons des façons d’observer des rencontres entre le sonore et le visuel. De la sympathie provient la notion de résonance, qui se fonde dans la liberté du récepteur d’établir des correspondances entre des paires d’œuvres d’art distinctes. Les reflets trouvent leur fondement dans les similitudes émulation et analogie, et s’adressent à des œuvres dont les créateurs ont tenté d’appliquer dans leur propre art des éléments provenant d’un autre art. Dans le troisième, consacré aux confluences, nous inclurons des œuvres qui contiennent dans leur structure propre des matières sonores et visuelles. À l’origine des confluences se trouve la convenientia, similitude qui traite de la coexistence des éléments hétérogènes. Picasso, Stravinsky, Ligeti, Rothko, Dutilleux et Klee sont parmi les artistes qui illustrent les résonances, reflets et confluences de cette recherche. / The main objective of this thesis is to suggest guidelines in observing meetings between arts, materials and separate art techniques and to characterize some of the possible passages and interactions between the sonorous and visual. First we talk about the differences between the arts and the ways to organize them into classification systems. Then we turn to the study of the concept of resemblance between the art forms, introduced in Comparative Aesthetics and present some links and intersections between the musical and visual phenomena. Their similarities will be exposed, later, through specific traits, which we call “similitudes”. From these latter, presented by the names: sympathy, emulation, analogy and convenientia, we propose ways of observing encounters between the sonorous and visual. From sympathy comes the notion of resonance, which is based on the liberty of the receiver to establish correspondences between pairs of distinct art works. The reflections address the art works whose artists sought to apply in their own art, elements coming from another art and find their bases in the similitudes of emulation and analogy. Finally, the confluences. In this third group are included the art works that contain, in their own structure, sonorous and visual materials. At the origin of the confluences is the convenientia, similitude that deals with the coexistence between heterogeneous elements. Picasso, Stravinsky, Ligeti, Rothko, Dutilleux and Klee are the artists whose works illustrate the resonances, reflections e confluences of our research. / Esta tese tem como principal objetivo sugerir diretrizes para se observar encontrosentre artes, matérias e técnicas artísticas distintas e caracterizar algumas das passagenspossíveis e interações entre o sonoro e o visual. Primeiramente, discorremos sobre asdiferenças entre as artes e as maneiras de organiza-las em sistemas classificatórios. Emseguida, nos voltamos ao estudo da noção de semelhança das mesmas, à Estética Comparadae apresentamos algumas elos e interseções entre os fenômenos musicais e visuais. Assemelhanças são expostas, mais à frente, através de traços específicos, aos quais chamamos de“similitudes”, de acordo com o entendimento de Michel Foucault. A partir dessas últimas,apresentadas pelos nomes de simpatia, emulação, analogia e convenientia, propomosmaneiras de se observar encontros entre o sonoro e o visual. Da simpatia provém a noçãoressonância, que se baseia na liberdade do receptor de estabelecer correspondências entrepares de obras de arte distintas e fertilizar mutuamente seus entendimentos. Os reflexos seendereçam às obras cujos artistas procuraram aplicar em sua própria arte elementos provindosde uma outra arte e encontram suas bases nas similitudes de emulação e analogia. Finalmente,as confluências. Neste terceiro grupo incluem-se obras que contém em sua própria estruturamatérias sonoras e visuais. Na origem das confluências está a convenientia, similitude quetrata da coexistência entre elementos heterogêneos. Pablo Picasso, Igor Stravinsky, GyörgyLigeti, Mark Rothko, Henri Dutilleux, Paul Klee, Alban Berg e Serguei Eisenstein são osartistas cujas obras ilustraram as ressonâncias, reflexos e confluências de nossa pesquisa.

La punition divine est un phénomène récurrent dans la mythologie grecque. L’hybris, commise par des individus vaniteux et orgueilleux aspirant à se comparer aux dieux ou même à se succéder à eux à la domination du Cosmos, provoque une série de châtiments atroces, imposés par les Olympiens à des hommes et à des femmes, à des humains et à des êtres mythiques, à des héros, à des rois et même à d’autres dieux sans discrimination. L’étude actuelle examine l’iconographie de divers types de châtiment divin dans l’art gréco-romain et la peinture occidentale (XVe-XIXe siècles). Elle analyse l’interaction entre les œuvres d’art et les sources littéraires antiques, médiévales et modernes, ainsi que les points communs remarqués entre les thèmes antiques du châtiment divin et certains épisodes bibliques ou chevaleresques. Elle se focalise enfin sur l’influence que l’iconographie de la punition divine antique a exercée sur la politique, la société et la religion aussi bien dans l’Antiquité qu’à l’époque moderne. / Divine punishment constitutes a recurrent phenomenon in Greek mythology. The hubristic behaviour of vain and selfish individuals, who aspire either to compare themselves to the gods or to succeed them to the domination of the Cosmos, provokes a series of atrocious tortures inflicted by the Olympians to men and women, to humans and mythical creatures, to heroes, kings and even to other gods equally.The present PhD study examines the iconography of a variety of types of Divine Punishment in the Greek and Roman art and the occidental painting (15th-19th centuries). It analyses the interaction between the various works of art and the ancient, mediaeval and modern literary sources. It pinpoints the resemblances between the ancient themes and certain biblical or chivalrous episodes. It focuses finally on the influence wielded by the iconography of divine punishment in politics, society and religion, both in Antiquity and in modern times.

Le mouvement Supports/Surfaces se singularise, dans le contexte artistique de la fin des années soixante et du début des années soixante-Dix, en se présentant comme une avant-Garde à la fois picturale et théorique avec une importante production de textes qui accompagnent l’exposition des œuvres. Cette étude interroge le statut singulier de ces pratiques discursives développées par une avant-Garde qui revendique un faire pictural. Elle questionne le processus d’autodéfinition de Supports/Surfaces à travers ses textes en regard des œuvres des artistes. Faire l’histoire du groupe implique en effet d’analyser les dimensions productrices ou inhibitrices qu’ont pu avoir ces écrits. Gestes majeurs de cette avant-Garde, les discours des artistes procèdent à une mise en lumière et à un aveuglement. Étudier ce geste, opérer une lecture analytique de ces textes en relation avec les œuvres, c’est finalement répondre à l’injonction de ce mouvement pour la retourner contre elle-Même. Cette problématisation permet de penser les transformations formelles qui s’élaborent chez les artistes rassemblés sous l’appellation Supports/Surfaces à l’intérieur d’un ensemble de relations où se croisent champs artistique et littéraire, théorique et politique. Elle donne au “moment Supports/Surfaces” son contenu dense et multiple et appréhende la place du mouvement dans l’histoire de la peinture et de l’art de cette période. / In the artistic context of the late sixties and early seventies, Supports/Surfaces distinguishes itself by being both a pictorial and theoretical avant-Garde, the exhibition of artworks being accompanied by texts that were produced in considerable quantity. This study questions the singular situation of these discursive approaches developed by an avant-Garde claiming a pictorial process. It therefore questions how Supports/Surfaces self-Defines through its texts and the works produced by the artists. To constitute the history of the group involves to analyse the productive or inhibitive aspects that these writings may have had. The discourses of the artists, as a key action of this avant-Garde, proceed to a bringing to light and simultaneously to a blindness. The study of this action, the analytic reading of these texts in relation to the artworks, finally constitutes an answer to the injunction of this movement by turning it back on itself. This approach allows to consider the formal transformations, as elaborated in their works by the artists gathered under the name Supports/Surfaces, inside a whole combination of relations between literary and artistic fields as well as political and theoretical fields. It gives to the “Supports/Surface time” its dense and plural content, and it allows to consider the place of the movement in the history of painting and of art of that period.

Cette présente étude propose d’éclairer l’apport de la France durant la première étape du développement de la galerie impériale de peintures, qui donna naissance au Musée de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg. C’est durant cette période que se constitue et se sanctuarise, comme nous tenterons de le démontrer, la galerie des souverains russes au sein d’un nouveau complexe palatial adossé au palais d’Hiver – siège du pouvoir –, en un établissement qui prend rapidement le nom – français – d’« ermitage ». Ce travail se divise en trois parties. Après une présentation de l’apport de la France sous Catherine II (1729-1762-1796), à travers l’étude de la construction des bâtiments de l’Ermitage d’une part, et la formation des collections d’autre part, nous traiterons ensuite des règnes de Paul Ier (1754-1796-1801) et surtout de son fils Alexandre Ier (1777-1801-1825), afin de déterminer comment ils ont géré cet héritage, en soulignant ce que ces souverains ont puisé en idées et en œuvres en France. Il reste enfin à établir, dans un troisième temps et au terme de cette première étape de l’évolution de l’Ermitage, comment la France a stimulé la mutation de la galerie impériale en un établissement tendant de plus en plus vers le musée. / This study proposes to clarify the contribution of France during the first stage of development of the Imperial Gallery of Paintings, which gave birth to the State Hermitage Museum, in Saint Petersburg. It is during this period that the gallery of the Russian sovereigns, within a new palatial complex, is gathered, organized and housed immediately just next to the Winter Palace – the seat of power – in an establishment which is quickly given the – French – name, “Hermitage.”This study is divided in three parts. First, the study will present the contribution of France under Catherine the Great (1729-1762-1796), by examining both the construction of the Hermitage’s building and the formation of the collections. Secondly, we will delve into the reigns of Paul I (1754-1796-1801) and especially his son, Alexander the Great (1777-1801-1825), in order to determine how they managed this inheritance, by highlighting how these sovereigns used the ideas and artworks from France. Finally, the study will establish, how, at the end of this first stage of the evolution of the Hermitage, France stimulated the transformation of the Imperial Gallery into an institution whose trajectory arced towards becoming a museum.

La simulation de matériaux physico-réalistes est un processus demandant beaucoup de calcul. Les images de synthèse étant destinées aux observateurs humains, nous pouvons utiliser les limitations de notre système visuel pour simplifier le modèle de rendu, en évitant le calcul d’information invisible. Cela s’appelle le réalisme perceptif. Nous nous intéressons à la simulation de peintures d’automobiles, en particulière aux peintures scintillantes à paillettes métalliques. Nous essayons d’améliorer le réalisme perceptif de deux manières : en utilisant de la visualisation stéréoscopique pour apporter de l’information de profondeur additionnelle à partir de la disparité binoculaire ; et en conservant autant d‘information perceptive de la luminance originale que possible. La gamme dynamique illimitée d’une scène réelle est réduite lorsqu’une image est traitée dans des dispositifs à une gamme dynamique plus basse dans la chaîne d’acquisition et de visualisation. Pour assurer un réalisme perceptive, nous proposons une méthodologie reposant sur la caractérisation des dispositifs, l’acquisition d’information radiométrique, et des validations visuo-perceptives. En remplaçant l’œil humain par un appareil photo numérique, en tant qu’intégrateur tristimulaire d’information radiométrique, nous réalisons des comparaisons visuelles entre des échantillons réels et des photographies pour estimer la valeur d’exposition qui maximise le réalisme perceptif dans un environnement d’observation contrôlé. Ces résultats sont ensuite contrastés avec plusieurs méthodes de reproduction tonale, afin d’analyser les effets perceptifs de certains attributs d’image tels que l’exposition, la gamme dynamique, la brillance, et le contraste. Nous proposons également une méthodologie complète pour simuler des scènes réelles qui soient comparables, d’un point vue radiométrique et colorimétrique, aux photographies de la même scène. En assurant des images simulées correctes, cette méthodologie établie les bases face à une future intégration de nos observations dans le moteur de rendu. / The simulation of physico-realistic materials is a process that requires a lot of computation. Since the images are meant to be seen by human observers, we can use the limitations of their visual system to simplify the rendering model, avoiding redundant information that will not be seen. This is known as perceptual realism. Focusing on the simulation of automobile paint coatings, with special attention to metallic-flaked coatings with a sparkling appearance, we try to improve perceptual realism in two ways: using stereoscopic visualization, to provide additional depth information from binocular disparity; and preserving as much of the original perceptual luminance information as possible. The unlimited luminance levels, or dynamic range, of a real scene must be reduced as an image is processed by lower-dynamic range media throughout the acquisition and visualization chain. To ensure perceptual accuracy throughout this process, we propose a methodology consisting on device characterization, radiometric acquisition, and visuo-perceptual validations. Replacing the human eye by a DSLR camera, as a trichromatic color integrator of radiometric information, we perform visual comparisons of real samples and photographs to estimate the image exposure that maximizes perceptual accuracy under a controlled observation environment. These results are then contrasted with different tone reproduction methods, in order to analyze the effects on texture perception of specific image attributes like exposure, dynamic range, brightness, and contrast. We also propose a full methodology to produce simulations of a real scene, which are radiometrically and colorimetrically comparable to photographs of the same scene. By ensuring that the simulation produces correct images, this methodology lays the foundations for a future integration of our observations into the rendering engine.

Si de nombreuses études ont envisagé l’importance décisive de l’œuvre de Mallarmé dans la modernité littéraire, poétique et artistique, plus rares sont celles qui se sont attachées aux lectures que les poètes ont pu donner d’elle. Or, il apparaît que, pour beaucoup de poètes après 1945, écrire n’a pas lieu sans que Mallarmé n’y soit présent, à titre d’objet de réflexion sur la poésie et le langage et, plus largement, comme un interlocuteur avec lequel l’écriture chemine et s’invente. L’étude s’articule principalement autour de quatre œuvres qui posent, avec acuité et parfois même gravité, la question de la poésie : Yves Bonnefoy, Michel Deguy, Jean-Michel Maulpoix, Henri Meschonnic. Il s’agira de faire dialoguer les points de vue et de parcourir les discours poétiques sur et avec Mallarmé. Et notre but est de montrer que l’œuvre de l’auteur d’un « Tombeau d’Edgar Poe » parle aussi bien pour elle-même que pour notre temps. Nous serons pour cela attentif à l’idée selon laquelle une œuvre est elle-même parce qu’elle est vécue à travers l’expérience de ses lecteurs. / While many studies have considered the decisive importance of Mallarme's work in literary, poetic and artistic modernity, those who have attached themselves to the readings that poets have given of it are rarer. But it appears that, for many poets after 1945, writing is not done without Mallarme being present, as an object of reflection on poetry and language and, more broadly, as an interlocutor with which the act of writing makes its own way and invents itself. The study focuses mainly on four works that pose, with acuity and sometimes even gravity and deepness, the question of poetry: Yves Bonnefoy, Michel Deguy, Jean-Michel Maulpoix, Henri Meschonnic. It is about making dialogue the points of view and going through the poetic discourses on and with Mallarme’s work. And our goal is to show that the work of the author of "Tomb of Edgar Poe" speaks as well for itself as for our present. For that, we will be attentive to the idea that a work is itself because it is lived through the experience of its readers.