Ce travail de thèse est consacré aux images murales de la vie terrestre de la Vierge, une séquence iconographique composée de l’histoire de la jeunesse de Marie et des épisodes de la vie du Christ auxquels la Vierge est associée, jusqu’à la Pentecôte. La recherche s’inscrit dans un cadre chronologique étendu, depuis le premier art chrétien jusqu’au concile de Trente. Elle repose sur une abondante documentation iconographique qui comporte plus de 2300 images, peintures et mosaïques murales, conservées en France et en Italie. La première partie du mémoire est consacrée à l’analyse quantitative de la documentation iconographique, selon un triple point de vue. Une analyse thématique permet de déterminer trois séquences chronologiques dans le déroulement de la vie terrestre de la Vierge, tout en précisant l’importance quantitative de chacun des thèmes iconographiques étudiés. Une analyse de la répartition géographique des différents sites de conservation répertoriés révèle des caractéristiques spatiales propres à chacun des territoires étudiés, en lien avec l’histoire locale. Enfin, une analyse chronologique permet d’intégrer les images murales recensées aux grandes phases de l’histoire de l’art, tout en mettant en lumière les décors les plus emblématiques. La seconde partie du mémoire est dédiée à l’enquête iconographique à proprement parler. En forme de préambule, les différentes sources textuelles utilisées dans le cadre de cette recherche sont présentées. Elles ont été regroupées en trois catégories : les sources canoniques, les évangiles apocryphes et les textes médiévaux. L’analyse iconographique des différents thèmes qui composent la vie terrestre de la Vierge s’organise autour des trois séquences qui ont été déterminées : les épisodes qui précèdent la naissance du Christ (jeunesse de Marie et Incarnation), ceux de l’Enfance de Jésus (de la Nativité à Jésus parmi les Docteurs) et ceux de l’âge adulte du Christ dans lesquels Marie joue un rôle (des Noces de Cana à la Pentecôte). Cette analyse a pour objectif de déterminer les éléments constitutifs des différents thèmes iconographiques étudiés, de mettre en place une typologie propre à chacun, en soulignant les constantes et les points de rupture. La mise en exergue des liens qui existent entre les images et les sources textuelles constitue également un enjeu prioritaire de cette recherche. Des questions transversales, relatives au développement d’une iconographie proprement mariale, aux processus de diffusion des images, à la perception de la figure mariale comme un modèle édifiant et à l’étude du rapport entre les images et les textes ou leur emplacement dans l’espace ecclésial sont présentées sous la forme de réflexions conclusives. En parallèle, une sélection d’images murales de la vie terrestre de la Vierge, choisies pour leur exemplarité par rapport à l’argumentation de l’analyse, est présentée sous la forme de trois catalogues correspondant aux séquences narratives déjà évoquées. Ils s’accompagnent d’une bibliographie sélective concernant les différents sites de conservation présentés dans chacun des catalogues. D’autres outils bibliographiques sont mis à disposition dans un volume d’annexes. Un répertoire thématique, récapitulant toutes les images murales qui appartiennent à la documentation iconographique de l’étude, est également fournit en annexe. / This thesis is devoted to wall images of the Virgin’s earthly life, an iconographic sequence composed of the young Mary’s history and episodes from Christ’s life which are related to the Virgin, until Pentecost. This research comes within the extended framework from the early Christian art to the Council of Trent. It is based on an abundant iconographic documentation which includes more than 2300 pictures, wall paintings and mosaics, preserved in France and Italy. The first part of the thesis is dedicated to the quantitative analysis of the iconographic documentation, according to a triple point of view. A thematic analysis identifies three phases in the chronological sequence of the Virgin’s earthly life, while specifying the quantitative importance of each of the studied iconographic themes. An analysis of the geographical distribution of different listed conservation sites reveals spatial characteristics which are specific to each territory studied, in connection with local history. Finally, a chronological analysis allows to integrate wall images from great phases of the art history, as well as to highlight the most emblematic decorations. The second part of the thesis is devoted to the iconographic investigation itself. As preamble, the various textual sources used in this research are presented. They are grouped into three categories : canonical sources, apocryphal gospels and medieval texts. The iconographic analysis of different themes about the Virgin’s earthly life are organized around three sequences : episodes preceding Christ’s birth (youth of Mary and Incarnation), those of Jesus’ Childhood (from the Nativity to Jesus among the Doctors) and those of adult Christ in which Mary plays a role (from Wedding at Cana to Pentecost). This analysis’ objective is to determine the different components of studied iconographic themes and to establish their specific typology, while stressing constants and breakpoints. The highlighting of the links between images and textual sources is also a priority of this research. Cross-cutting issues related to the development of Marian iconography itself, the process of images diffusion, the perception of the Marian figure as an edifying model and the study of the link between images and texts or their location in the ecclesial space are presented in the form of concluding reflections. In parallel, a selection of wall images of the Virgin’s earthly life, chosen according to the analysis arguments for their exemplary nature, is represented as three catalogues matching narrative sequences mentioned above. The selective bibliography on the various conservation sites is presented in each catalogue. Other bibliographic tools are provided in appendices volume. A thematic directory, listing all the wall images that belong to the iconographic documentation of the study, is also provided in appendix.

Cette thèse est une enquête sur les peintures murales et sur panneaux représentant l’archange Michel en Italie, entre 1200 et 1518. Elle propose une large mise au point historiographique et un panorama du développement du culte et de l’iconographie michaélique des origines à 1200. À travers un corpus de plus de 500 images, les représentations de l’archange sont étudiées dans les moindres détails, et leur évolution générale est située dans un cadre spatio-temporel, propre à en faire ressortir les spécificités. Au niveau formel et iconographique, la figure de Michel est partagée entre évocation de la spiritualité de sa nature et monstration de sa force physique, à forme humaine, alors que son image se simplifie par une cristallisation autour du guerrier dès le milieu du Trecento. Cette étude considère en outre la peinture en tant qu’objet fabriqué, pensé, reçu et utilisé. Les évolutions iconographiques participent à une sanctification de l’archange et sont au cœur d’expériences visuelles mêlant images peintes, représentations et visions miraculeuses de l’archange. Symbole universel du bien contre le mal et de la justice divine, et acteur efficace de l’au-delà intermédiaire, organisé et géré par l’Église, l’iconographie michaélique est un outil de son système pénitentiel. Mais Michel est un être sans apparence réelle et sa représentation est donc un reflet de sa perception par les hommes. Les représentations du plus humain des anges et du plus céleste des saints, sont ainsi un moyen de penser l’homme, dans sa relation avec l’Église, avec Dieu, et surtout dans la perception de l’homme par lui-même, de son rôle et de sa responsabilité au moment même du salut. / This work is an investigation into murals and panel paintings depicting Archangel Michael in Italy, between 1200 and 1518. It presents a broad historiographical update and an overview of the development of the michaelic cult and iconography from its origins to 1200. With a corpus of over 500 paintings, the images of the Archangel are scrutinized in their finest details and their general evolution is put back into a spatiotemporal framework, so as to bring out its specificities. On both formal and iconographical levels, Michael's figure is split between evoking his spiritual nature and showing his physical strength, in human form, and it crystallises around the image of the warrior in the middle of the fourteenth century. This study considers a painting to be a manufactured object, a thought-through object, a received object, an used object. The iconographic developments play a role in the archangel's sanctification and are at the heart of visual experiences using painted images, representations and miraculous visions of the archangel. Universal symbol of the fight of Good against Evil or divine justice, and efficient agent in the intermediate afterlife, organised and managed by the Church, the michaelic iconography is a tool of its penitential system. But Michael has no real figure, therefore his representation is a reflection of how men perceive him. The representations of the most human of angels and the most heavenly of saints, are no less than a way of thinking Man itself, in his relationship with the Church, with God, and especially in the way Man perceives himself, perceives his role and his responsibility when time of salvation arises.

Toute cette recherche se concentre sur le portrait en peinture comme possibilité de la rencontre, de moments d’amitié. Il s’agit d’en analyser les enjeux en utilisant la philosophie et la psychanalyse comme outils théoriques. Comprendre combien cette pratique de corps-à-corps, de présence à présence s’inscrit dans le temps, le déploie, le relate. La rencontre, tout comme ma pratique, a pour origine le désir de l’Autre. Chacune de mes peintures est une réponse à cette demande : «Comment désires-tu être peint ?». Mes pinceaux, guidés par les paroles livrées dans mon atelier, tentent de s’approcher au plus près de ce qui est dit : quête impossible !... tant le langage implique une perte, nous divise. Nous nous percevons comme uniques car nous sommes séparés de l’autre, nous sommes entourés de vide. L’autre et le vide ne sont pas seulement extériorités, ils sont en nous, et pour la psychanalyse c’est par l’imaginaire que nous trouvons notre unité. La psychanalyse, la méditation, l’alchimie et la peinture ont ceci de commun qu’elles sont toutes des disciplines construites à partir de la pratique et chacune d’entre elles aborde l’introspection à sa manière, qui peuvent s’enrichir les unes les autres. / The present research work focuses on the painted portrait and the opportunity it offers to meet people and exchange moments of friendship. It aims at analyzing what is at stakes in this process by means of theoretical tools such as psychology and psychoanalysis. It is also concerned with the understanding of how this «hand to hand» and «presence to presence» practice gets its anchorage in time and how it unfolds it and refers to it. The get together process, as well as my own practice, are the expression of desire – desire of the Other. Each of my paintings is an attempt to answer this single question: «How would the person posing for me like to be painted?». Then, as if guided by his or her wish, my brushes enter into action in order to fulfill it to the best of my abilities – the task is of course impossible, because language implies a loss and gets us apart from one another. Each of us sees oneself as unique, for we are separated from each other: we are indeed surrounded by emptiness. The Other and emptiness don’t belong to the outside, they are part of ourselves. In the field of psychoanalysis, we manage to find our unity through imagination. Psychoanalysis, meditation, alchemy and painting have all in common to be based on practice. Each of these disciplines deals with insight in its own way: in the end they all benefit from each other.

L’œuvre plurielle de Max Schoendorff (1934-2012) est approchée au regard du lieu de sa création : l’atelier de l’artiste. Ce lieu foisonnant de matériel, d’images, d’objets et de livres est emblématique de sa pensée. Il livre les traces de ses multiples activités. La monographie de l’artiste est fondée sur l’archéologie de ce laboratoire. Formé à la littérature classique,imprégné de culture allemande, rompu à la transgression, Schoendorff s’engage dès le milieu des années 1950 à Lyon aux côtés de Roger Planchon et d’un petit groupe d’intellectuels et de créateurs. Il s’affirme en tant qu’initiateur d’une décentralisation de la culture. Il trouve ensuite dans la peinture matière à se forger son propre langage, nourri de l’imaginairesurréaliste, de Max Ernst, des tourments métamorphiques d’une matière essentiellement organique. Sa pensée singulière s’exprime dans une œuvre protéiforme qui traverse les champs de la peinture, de la gravure, du livre et de la scénographie de spectacle. Libertaire et utopiste quant à ses convictions sociales et politiques, il s’engage en fondant la MAPRA, Maison des arts plastiques Rhône-Alpes, et l’URDLA, Centre international estampe et livre à Villeurbanne. / The study of MS’s multivocal work is carried out through an on-site investigation of his workshop. The place, which reflects his philosophy, is full of materials, images, objects, and books. It bears testimony to his numerous activities. Indeed writing a monograph of the artist amounts to performing archeological fieldwork and excavation in his studio. Schoendorff studied classical literature, was well-versed on the subject of German culture, and enjoyed transgressing boundaries. As early as 1950, he was labelled as a committed artist together with RP and a small group of intellectuals and creators/designers from Lyon. Heconsidered himself as the initiator of cultural decentralization. He later devoted himself to painting and managed to create his own artistic language based on the surrealist imaginary world, Max Ernst’s production, and the metamorphic alteration of predominantly organic matter. His personal conception of art is expressed in his protean works which include paintings, engravings, books, and spectatorial scenography. A socio-political libertarian and utopian, he founded the MAPRA (Maison des arts plastiques Rhône-Alpes), the R-A Fine Arts Agency and the URDLA, the International Book and Lithography Centre (Centreinternational estampe et livre) in Villeurbanne.

Fernand Léger a vilipendé la peinture "littéraire" et "narrative", mais n'a jamais cessé de côtoyer la poésie. En cela, il s'inscrit dans une tradition qui, depuis Manet, a affirmé l'autonomie de l'art par rapport à une culture reçue pour développer une attention extrême aux manifestations de la vie qui lui est contemporaine. C'est sur cette base, dans la séparation nette de l'art avec la culture bourgeoise, que s'est épanoui le rapprochement des peintres et des poètes depuis cette époque. Mais la "vie moderne" dont parle Léger est différente de celle à laquelle sont confrontés les artistes du XIXe siècle. Guerre, chaîne de montage et métropoles industrielles sont la toile de fond de sa collaboration avec Blaise Cendrars, de son interprétation des Illuminations de Rimbaud, ou encore de la création de son propre livre illustré, Cirque, que la thèse propose d'analyser. / Fernand Léger has long reviled "literary" and "narrative" painting, but never has ceased to cross words with poetry. In that regard he falls within a tradition in which, since Manet, the autonomy of art has been clearly asserted in relation to the imposed hierarchy and values of bourgeois culture, so that it can wholly focus on the manifestations of life of its time. It is on that basis, in the clear split separating art and bourgeois culture, that the bond between poets and painters has flourished since then. But what Fernand léger refers to as "modern life" has nothing to do with what the 19th century artists were exposed to. War, assembly lines and industrial metropolis compose the background of his collaboration with Blaise Cendrars, his rendering of Rimbaud's Illuminations or the making of his own illustrated book, Cirque, that this thesis proposes to study.

L’objet de ce travail est l’étude de la peinture au Karnataka depuis l’école de Vijayanāgar jusqu’à celle de Mysore, du XVIème au XIXème siècle. Nous avons tenté de réunir le corpus le plus large possible afin d’avoir une vision globale de l’art du Karnataka à travers ses peintures murales, ses manuscrits illustrés et ses images mobiles.Notre objectif était de mieux comprendre l’évolution de la peinture au Karnataka durant les trois cents ans qui séparent l’école de Vijayanāgar de celle de Mysore. Les seuls vestiges de l’école de peinture de Vijayanāgar se trouvent dans les peintures murales des temples Vīrabhadra de Lēpākṣī et celles du temple Virūpākṣa de Hampi. Nous présentons ces deux sanctuaires avant d’aborder l’école de peinture de Mysore et son iconographie, qui doit son rayonnement au roi Kṛṣṇarāja Woḍeyar III. A la même époque naissait aussi l’école de Surpur, inconnue jusqu’à aujourd’hui. Deux collections non publiées de miniatures provenant de Mysore et de Surpur nous ont permis de mieux comprendre l’évolution de ces écoles. La thèse prend aussi en compte d’autres développements spécifiques de l’art du Karnataka. Nous présentons en particulier les peintures murales du palais d’été de Tipu Sultan, qui se démarquent nettement des autres réalisations contemporaines, et des manuscrits d’un type original, nommés Uddharane, destinés à l’instruction des dévots adeptes du courant vīraśaiva. / The aim of this work is to study the paintings of Karnataka from the school of Vijayanagar to that of Mysore. It covers the period from the XVIth to the XIXth century. Our goal was to better understand the evolution of painting in Karnataka during the three hundred years that separate both schools. The only remains of the Vijayanāgar School of Painting can be found in the murals of the Vīrabhadra Temples of Lēpākṣī and those of the Virūpākṣa Temple in Hampi. We discuss these two temples before evoking the school of painting of Mysore through its murals, manuscripts and miniatures. This school is closely connected to King Kṛṣṇarāja Woḍeyar III. Contemporarily to the school of Mysore appeared the school of Surpur, unknown until now. Two unpublished collections of miniatures from Mysore and Surpur have allowed us to better understand the evolution of these schools. Other pictorial achievements present specific developments in the art of Karnataka. We present the mural paintings of Tipu Sultan's summer palace, which stands out clearly from the previous era, as well as the Uddharane manuscript intended for the teaching of the devotees.We have tried to bring together in this work the widest possible corpus of murals, manuscripts and miniatures in order to have a global vision of painting in Karnataka.

Inscrit dans une approche croisant iconographie, anthropologie et histoire, ce travail porte sur les peintures de castes au Mexique au XVIIIe siècle. Ce genre – unique au sein de l’art colonial et plus largement occidental – narre le métissage entre Espagnols, Amérindiens et Africains en Amérique coloniale. Il s’agira ici d’étudier les représentations sociales et raciales engagées dans les œuvres, de dégager leurs logiques, tout en explorant leurs arrière-plans historiques et anthropologiques. Nous tenterons de démontrer que cette mise en image du métissage se nourrit d’un imaginaire aristocratique européen qui structure un rapport à l’animalité dont la famille consanguine est le parangon, mais également d’un mode de pensée indigène qui conçoit une certaine fluidité entre les ontologies humaine et animale. En même temps, nous mettrons en relief la manière dont ce genre pictural articule la classification spontanée du Nouveau Monde qui se donne libre cours aux prémices de la Colonisation et la classification savante caractéristique du Siècle des Lumières. Nées de l’interpénétration de ces différents cadres civilisationnels, les peintures de castes constituent un objet fondamentalement « métis ». / This study explores the paintings of castes in 18th century Mexico, combining iconography, anthropology and history. This type of painting, of a unique kind within colonial and even Western art, tells the story of the interbreeding between Spaniards, American Indians and Africans in colonial Central America. The research focuses on the social and racial representations that appear in the artistic productions and the logic that they reflect. The historical and anthropological background is also examined. We will attempt to show that the graphic presentation of miscegenation feeds on a European aristocratic fantasy that shapes a relationship to the animalistic nature symbolized by consanguineous family, and also on an indigenous pattern of thought that allows some fluidity between human and animal ontology. Moreover, we shall point out the way in which this pictorial genre expresses the spontaneous classification of the New World that flows freely during the premises of the colonization and the scientific classification specific to the Enlightenment. These caste paintings are the produces of two cultural surroundings and form an inherently cross-bred subject.

Cette étude aborde les relations intersémiotiques qui se sont nouées entre la peinture cubiste et les poètes qui fréquentaient les artistes de ce mouvement. La proximité de leurs questionnements montre que, en dépit du fait que l’histoire littéraire française ne reconnaisse pas de mouvement cubiste en poésie, il existe de nombreux points de concordance entre ces deux domaines. En tant que critiques, les poètes ont beaucoup écrit sur le mouvement, dont ils ont entrepris de se faire les défenseurs, même s’ils ont eu des difficultés à rendre compte de la richesse du cubisme. Cette peinture se présente en effet comme un obstacle au langage et à l’herméneutique, ce que l’on constate tout particulièrement avec la question de l’ekphrasis. De sorte que seule la puissance figurale du langage poétique permet au langage de rendre compte de celle de la peinture cubiste.Ce travail s’interroge sur la spécificité de ce mouvement pictural et sur les conditions de possibilités d’une analyse conjointe de cette peinture et de la poésie qui lui est contemporaine. Il s’agit aussi d’analyser les aspects du cubisme qui ont intéressé les poètes, ainsi que la manière dont ils ont surmonté la résistance qu’oppose la peinture au langage. L’utilisation d’un même métalangage pour la peinture cubiste et la poésie permet en fin de compte de travailler, malgré les limites inhérentes à cet exercice, sur la correspondance des arts et de trouver des similarités en ce qui concerne le mode d’apparition des œuvres, de leur structure et de la poïétique qu’elles incarnent. / This thesis studies the intersemiotic relationship that links cubist painting and the poets who were in relation with the artists of this movement. The proximity between their creative interrogations shows that, despite the fact that the French literary history doesn’t recognize a cubist movement, there are nevertheless some concordance between these two artistic fields. As critics, the poets wrote a lot about cubism, being its defenders, however, they had some difficulties to translate into word the full measure of cubism, this art movement being an obstacle to language and to hermeneutic, as evidenced by the question of ekphrasis. Only the figural power of poetry can respond to that of this art.This study aims at wondering about the specificity of this pictorial movement and of the conditions of possiblity of a joint analysis of the cubist painting and the poetry wich is contemporary of it. Then, the aspects of cubism wich interested the poets are analyzed, as well as how they overcomed its resistance to language. At last, the fact that the same metalanguage can be use for both poetry and art allows to work, inspite of the limits inherent to this exercise, on the correspondance of the arts, to find junction points as regards the mode of appearance of the works, their structure, and the poietic they embody.

Ce travail se situe dans le cadre de la commande des systèmes à paramètres répartis régis par des équations aux dérivées partielles non linéaires. On cherche ici à élargir l'utilisation de la stratégie de commande prédictive du cadre classique de systèmes décrits par des équations différentielles ordinaires à celui où les systèmes sont décrits par une classe d'équations non linéaires aux dérivées partielles (EDP). L'intérêt de l'utilisation de la stratégie de commande prédictive est de pouvoir résoudre divers problèmes de conduite tout en tenant compte explicitement de diverses contraintes de fonctionnement. Nous avons choisi une démarche qui a consisté à considérer directement des cas réels issus du Génie des Procédés, où de nombreux modèles de connaissance sont décrits par des EDP fortement non linéaires : un procédé de séchage de peinture par infrarouge (donnant lieu à une application réelle), un procédé de fabrication de matériau composite et un procédé de destruction de gaz polluants par catalyse. La particularité de ce travail concerne le fait de proposer une structure adaptée de commande prédictive par modèle interne, celui-ci étant déterminé autour d'une trajectoire soit prédéfinie, soit générée en tenant compte de diverses contraintes de fonctionnement. Dans le contexte de résolution du problème d'optimisation posé par l'approche prédictive, nous proposons un algorithme hors-ligne (génération de trajectoire) et un autre en ligne.

Jusqu'à la fin de la Renaissance le bois est resté le principal support pour la peinture, grâce à ses caractéristiques de relative légèreté, sa facilité de mise en œuvre, sa résistance mécanique (résistance spécifique du peuplier comparable à celle de l'acier), et sa durabilité dans le temps. Outre les aspects historico-artistiques des diverses œuvres, les problèmes techniques liés à la conservation et à la restauration des peintures sur bois sont restées - jusqu'à des temps récents - quasi secrets, par les ateliers de restauration. Depuis peu, ces derniers ont reconnu la nécessité d'une meilleure compréhension des phénomènes mis en jeu et travaillent maintenant en relation avec les scientifiques. Dans le cadre de cette thèse deux approches ont été envisagées. D'une part se trouve le dialogue avec les artisans de la restauration et de la conservation et la formulation de leurs attentes dans le but de leur proposer des solutions en adéquation avec leur besoin. D'autre part, les phénomènes à appréhender sont très complexes ce qui justifie en parallèle le développement d'outils spécifiques prenant en compte la mécanique des structures, l'humidité et les caractéristiques spécifiques du matériau bois. Un des objectifs est la prédiction du comportement des tableaux à long terme de par l'étude de leur état par le suivi de comportement in-situ par l'appareillage (mesures non destructives, éventuellement sans contact : mesures optiques) des tableaux en exposition ou de répliques. Pour cela, il a été nécessaire de développer des essais de caractérisation, des modèles de comportement matériau spécifiques au bois et de technique de couplage de codes ou de méthodes numériques dédiées pour simuler les couplages de structure et de matériau dans ce type de problématique. Les applications de cette étude ont porté sur l'analyse et la prédiction du comportement de la Monna Lisa [del Giocondo], le Couronnement d'épines de l'église saint-Didier en Avignon et de diverses techniques récentes de restauration (châssis à ressorts, par exemple).