Cette thèse montre qu’il y a lieu de s’interroger sur l’extension et les différentes phases de construction de la première résidence augustéenne du Palatin et en particulier sur une partie de celle-ci: la maison de Livie. Actuellement, j'ai établi quatre phases de construction pour la Maison de Livie, la première peut être datée aux alentours de 70 av. J.-C. en raison des similitudes entre le type de ses murs et ceux des substructions du théâtre de Pompée, construit entre 61 et 55 av. J.-C. et aussi à cause d’une estampille de tuile trouvée dans la substruction du complexe sud-est, datée par Margareta Steinby autour de 79 av. J.-C en raison des vestiges souterrains, je suppose l'existence au premier étage, aujourd’hui disparu, d'un oecus corinthius du côté sud-est et d'une basilique du côté nord-ouest du bâtiment. Les trois autres phases relèvent de l’initiative d’Auguste, qui a acheté plusieurs maisons sur la colline de Palatin afin de construire un complexe résidentiel sur le modèle des palais hellénistiques. Les peintures de la Maison de Livie datées auparavant d'environ 30 av. J.-C. sont datées actuellement au tour de 40 avant J.-C. par Eugenio La Rocca qui a démontré que la maison avait été construite et décorée beaucoup plus tôt. Selon son hypothèse, la « rupture » stylistique entre la première phase et la deuxième phase du second style peut être attribuée à la présence de Cléopâtre à Rome entre 46 et 44 av. J.-C. La reine était très probablement accompagnée d'artistes travaillant pour elle dans les ateliers royaux d'Alexandrie. Il est donc probable que l'élite romaine aurait reproduit les styles et les goûts de César et de Cléopâtre. / This thesis show that there is cause to question the extension and the different construction phases of the House of Augustus and in particular, of a part of it, the House of Livia as recently Irene Iacopi and Giovanna Tedone published an important paper about the accuracy of dating of the construction phases in the Augustan palace. Currently I established four construction phases for the House of Livia, the first one can be dated around 70 B.C. because of the similarities between the type of its walls and the ones of Pompey’s theatre, built between 61 and 55 B.C. and also because of a tile’s stamp found in the substructure of the south-east complex, dated by Margareta Steinby around 79 B.C. Because of the underground remains I suppose the existence at the first floor, actually destroyed, of an oecus corinthius in the south-east side and a basilica in the north-west side of the building. The three more phases should have been linked to Augustus, who bought several houses on the Palatin hill in order to build a Hellenistic palace styled complex. La Rocca demonstrated that the decoration of the House of Livia started from 40 BC due to the presence of Cleopatra near Rome between 46 and 44 BC. The queen very probably was accompanied by artists working for her in the royal Alexandrian workshops. It is likely, therefore, that the Roman elite would have replicated the styles and tastes of Caesar and Cleopatra

La présente thèse a comme sujet les icônes hagiographiques exécutées du début du XVe à la fin du XVIIe siècle dans l'île de Crète qui était sous domination vénitienne depuis 1210. La prise de Constantinople par les Ottomans en 1453 a privé l'empire byzantin de son centre et la Crète, où plusieurs peintres constantinopolitains se sont réfugiés, a développé, sous leur influence, l'art du chevalet dans des ateliers organisés sur le modèle des ateliers occidentaux. La présente étude inclut 74 icônes de 26 saints. Dans l'introduction, la présentation du sujet est suivie de l'intégration des œuvres dans leur contexte historique et artistique, de la présentation de l'état de la recherche et de J'approche méthodologique. Le texte s'articule en quatre chapitres. Le premier inclut une présentation de la fréquence de l'illustration des saints sur les icônes, de la répartition des œuvres par siècle, de la localisation des peintres connus et des commanditaires d'après des inscriptions dédicatoires. Le deuxième aborde l'évolution de la typologie quant à la disposition du cycle hagiographique du saint par rapport à la représentation centrale, au nombre des compartiments et le rapport avec celui des épisodes illustrés, les modes de délimitation des compartiments et la mise en place des épisodes illustrés. Le troisième chapitre étudie en détail l'évolution de l'iconographie des scènes, de la constitution des cycles et de la diffusion des formules iconographiques, avec comme point de départ les cycles des saints Georges et Nicolas. L'étude de l'évolution iconographique des cycles des toutes les icônes, suivant l'ordre chronologique des œuvres, est abordée dans le quatrième chapitre. / The present thesis is about vita icons executed from the beginning of the 15th to the end of the 17th c. on the island of Crete which was under Venetian rule since 1210. The capture of Constantinople by the Ottomans in 1453 deprived the Byzantine empire of its center and Crete, where several Constantinopolitan painters have taken refuge, has developed, under their influence, the art of the icons painting in workshops organized on the mode] of Western workshops. This study includes 74 icons of 26 saints. ln the Introduction, the presentation of the subject is followed by the integration of the works in their historical and artistic context, the presentation of the state of the research and the methodological approach. The text is divided into 4 chapters. The 1st includes a presentation of the frequency of illustration of saints on icons, the distribution of works by century, the location of known painters and sponsors based on dedicatory inscriptions. The 2nd deals with the evolution of the typology as to the disposition of the hagiographic cycle of the saint in relation to the central representation, the number of compartments and the relationship with that of the illustrated episodes, the modes of delimitation of the compartments and the establishment of the illustrated episodes. The 3d chapter studies in detail the evolution of the iconography of the scenes, the constitution of the cycles and the diffusion of the iconographic formulas, with as starting point the cycles of saints Georges and Nicolas. The study of the evolution of the iconography of the cycles of ail the icons, according to the chronological order of the works, is addressed in the 4th chapter.

C. D. Friedrich est le plus souvent présenté, dans l’historiographie traditionnelle, comme un peintre oublié durant les décennies qui ont suivi sa mort à Dresde, en 1840. Peu connu en dehors de son Allemagne natale, il n’aurait été redécouvert que grâce à cette grande rétrospective de l’art allemand que fut la Berliner Jahrhundert Ausstellung de 1906. La première biographie du XXe siècle que lui consacre l’historien norvégien Andreas Aubert, Dieu, liberté, patrie (Gott, Freiheit, Vaterland, 1915) attire l’attention sur l’orientation politique et patriotique de certaines de ses peintures. Cette thèse propose de reconsidérer divers aspects de la réception de l’œuvre du peintre, en la plaçant, non plus dans le seul contexte allemand mais dans celui, européen, du XIXe siècle. Si Friedrich a été longtemps méconnu des historiens d’art, il devint, de par sa culture poméranienne germano-scandinave, une référence aux yeux d’artistes scandinaves, qui entrèrent personnellement en contact avec lui ou par l’intermédiaire de son voisin d’atelier, le peintre norvégien J C. C. Dahl. Sujet d’intenses débats, non exempts de considérations politiques, la peinture de paysage est également devenue un enjeu patriotique en Allemagne et dans les pays scandinaves. L’objectif est de préciser la place de l’esthétique de Friedrich dans l’instauration de traditions picturales nordiques, au-delà des affinités et résonances pouvant unir les œuvres entre elles. Le suivi de cette trajectoire, passant par les pays nordiques et parvenant en France, permet également de relancer la question de la réception de Friedrich dans les milieux artistiques français, où il n’a pas exposé. / According to traditional historiography, Caspar David Friedrich was almost forgotten during several decades following his death in Dresden in 1840. Little known outside his native Germany, it is often said that he was rediscovered through the great retrospective of German nineteenth century art, the Berliner Jahrhundertausstellung, in 1906. The first biography of the artist published in the twentieth century, God, Freedom, Fatherland (Gott, Freiheit, Vaterland, 1915) by the Norwegian art historian, Andreas Aubert, draws attention on the patriotic orientation of some of his paintings. This thesis proposes to discuss different aspects of the reception of his oeuvre, not only in the German, but in the European context of the 19th century. If the painter was not recognized by the historians, he emerged, mainly thanks to his German-scandinavian Pomeranian culture, as a model among Scandinavian artists, who came largely through personal contact with Friedrich himself or via his neighbour and friend, the Norwegian painter J. C. C. Dahl. In the heart of intense debates in Germany and Scandinavia, landscape painting became a subject of political interest. This thesis is pointing the heritage of Friedrich aesthetics in the birth of Nordic painting traditions, beyond resonances and visual affinities between works. Following this itinerary through Nordic countries, reaching France, permits to question again the reception of Friedrich in French artistic milieux, where he never was on public display.

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Les premiers discours sur l’art en Haïti ont été envisagés à partir de la question de l’autre. Il s’agissait de savoir comment la littérature aiderait à définir une identité haïtienne. Ce travail interroge la littérature et la peinture sur la problématique de l’autre, l’autre du dedans, où l’altérité se joue entre les membres d’une même société. Les productions artistiques et culturelles populaires sont analysées à travers le prisme de l’art naïf qui est à la base de la réflexion sur le rapport entre littérature et peinture. Dans un premier temps, les représentations du monde rural par le mouvement indigéniste sont explorées dans les discours littéraires et picturaux, afin de voir si la pratique a su répondre aux objectifs théoriques énoncés par les penseurs du mouvement. Dans un second temps, le dialogue entre la littérature et peinture est traité à partir de plusieurs points de vue : culturel, social, esthétique, en nous appuyant sur les romans suivants, La contrainte de l’inachevé d’Anthony Phelps, L’Énigme du retour de Dany Laferrière et Yanvalou pour Charly de Lyonel Trouillot. Tandis qu’en peinture nos analyses se réfèrent aux toiles de André Normil, Wilson Bigaud, Wilbert Laurent ou Pétion Savain, entre autres. / The first writings on art in Haiti were based on the questioning of otherness - the aim was to know how literature could help define a Haitian identity. This dissertation uses literature and painting to explore this issue of otherness – an otherness inside, in which otherness lies between the members of a same society. The popular artistic and cultural productions are analyzed through the perspective of Naïve Art which gives birth to this reflection on the interaction between literature and painting. The representations of the rural world by the indigenous movement are first explored in literary and pictorial works, in order to see if practice could match the theoretical objectives established by the thinkers of the movement. The dialogue between literature and painting is then explored through several perspectives – cultural, social, esthetic ones, while studying the following novels, La contrainte de l’inachevé by Anthony Phelps, L’Énigme du retour by Dany Laferrière and Yanvalou pour Charly by Lyonel Trouillot. In painting, our analyses notably refer to the works of André Normil, Wilson Bigaud, Wilbert Laurent or Pétion Savain among others.

Ce projet vise à reconstruire le développement du portrait peint à Rome et l’utilisation de ce type de support figuré à Rome, à partir de la République jusqu’à la fin du IIIe siècle après J.C. Le portrait peint dans l’art romain suit les changements culturels et les limites de l’Empire, en se mêlant avec des traditions artistiques de différentes aires culturelles. L’étude de ce sujet, qui présente de profondes difficultés, est souvent considéré à tort comme un sous-argument de la thématique du portrait statuaire à Rome. Or le portrait peint mérite une étude comme sujet indépendant car, dans l’Antiquité, la peinture a été « l’arte guida ». La peinture ancienne est aujourd’hui peu connue car la plupart des œuvres ont été perdues, ce qui rend le portrait peint difficile à reconstruire. Le manque de sources archéologiques relatives à la genèse de cette forme d'art est comblé par certaines sources littéraires grecques et romaines. Pour la période impériale, les témoignages archéologiques sont plus abondants, comme dans le cas des portraits du Fayoum, qui, cependant, sont limités à la province de l'Egypte, ou des fresques trouvées dans un certain nombre de sites archéologiques importants en Méditerranée (les plus précieux ont été trouvés à Herculanum, Pompéi et Stabies, mais aussi en Syrie). / This project aims to reconstruct the development of painting portraits in Rome and the use of these types of image employed for Romans, from the Republic until the end of the third century AD. The portrait painted in Roman art follows the cultural changes and the limits of the Empire, mingling with artistic traditions from different cultural areas. The study of this subject, which presents profound difficulties, is often wrongly considered as a sub-argument of the theme of the statuary portrait in Rome. The painted portrait deserves a study as an independent subject because in Antiquity the painting was "l’arte guida". The old painting is now little known because most of the works have been lost and it makes the painted portrait difficult to reconstruct. The lack of archaeological sources relating to the genesis of this art form is filled by some Greek and Roman literary sources. For the imperial period archaeological evidence is more abundant, as in the case of Fayum portraits, which, however, are limited to the province of Egypt, or frescoes found in several important archaeological sites in the Mediterranean (the more valuable were found at Herculaneum, Pompeii and Stabies, but also in Syria).

Le roman de César Aira, l'un des plus grands écrivains argentins actuels, Un episodio en la vida del pintor viajero (Un épisode dans la vie du peintre voyageur), publié en 2000 en Argentine et traduit en français en 2001, constitue le fil conducteur de notre recherche. Dans cette fiction inspirée d'un fait réel, Aira raconte le premier voyage en Argentine de Johann Moritz Rugendas, peintre romantique allemand de la première partie du XIXe siècle, qui sillonna l'Amérique latine durant vingt ans et rapporta de ses voyages des milliers de dessins et de peintures. Inspiré par les théories du savant Alexandre de Humboldt, et en particulier par la pensée de la « physionomie de la nature », Rugendas fit également partie de ces artistes naturalistes dont l'art servit la science. En 1838, accompagné du peintre Robert Krause, il traversa les Andes puis la pampa argentine, mais il fut victime d'une grave chute de cheval avant d'arriver à San Luis. Durant le trajet de retour vers le Chili, il aurait approché les Indiens de la région du sud de Mendoza. C'est cet épisode de la vie de Rugendas que Aira relate, à sa façon. La première partie de cette thèse consiste en l'analyse littéraire approfondie du roman, à travers ses différentes thématiques. Parmi celles-ci, figurent l'art en voyage, les liens entre écriture et peinture, art et science, la perception de la beauté et de la laideur. Ce périple fait d'épreuves et de découvertes se révèle être finalement un véritable voyage initiatique pour l'artiste. Dans la deuxième partie, nous adoptons un point de vue historique pour confronter le roman aux faits vécus, tels qu'ils sont racontés dans les biographies de Rugendas ou dans les témoignages de ses contemporains, et réfléchissons à la dialectique entre fiction et réalité. Tout cela nous amène à réfléchir, dans une troisième partie, à l'activité de peintre voyageur. Nous retraçons l'itinéraire des deux artistes en mettant en parallèle les peintures de Rugendas et le récit de Krause, puis nous nous intéressons à chacune des caractéristiques de la pratique de l'art en voyage à travers les expériences de ces deux peintres mais aussi à travers celles d'autres artistes ayant voyagé en Amérique latine au XIXe siècle, tels Léon Pallière, Auguste Borget ou Raymond Monvoisin par exemple, et les peintres de l'école artistique humboldtienne. Cette thèse, qui allie littérature, histoire de l'art et esthétique, est à vocation pluridisciplinaire. / This research is focused on the novel Un episodio en la vida del pintor viajero (An Episode in the Life of a Landscape Painter), by César Aira, one of the greatest contemporary Argentine writers. In this novel published in 2000, and translated to french in 2001, Aira relates Johan Moritz Rugendas'first trip to Argentina. Rugendas was a German romantic painter of the first part of the nineteenth century who travelled throughout Latin America during twenty years and made thousands of paintings and drawings. Inspired from Alexander von Humboldt's theories, and more precisely from "the physiognomy of nature", Rugendas was also a naturalist artist and his art could help science. In 1838, he crossed the Andes and the Argentinian pampa with another painter, Robert Krause, but he suffered a fall horse before arriving to San Luis. During the return trip to Chile, he is said to have approached the Indians near Mendoza. This episode of Rugendas' life is the one Aira relates, his own way. The first part of this thesis aims to deeply analyze the novel, through its different themes. Among them are the links between art and travel, writing and painting, art and science, the perception of beauty and ugliness. This trip made of pain and discoveries turns out to be a real initiatory journey for the artist. In the second part, I adopt an historical point of view, comparing the novel with the events related in biographies of Rugendas and in contemporary accounts, and reflecting about the dialectic between fiction and reality. All this leads me to think about the activity of traveller painter, in the third part. I first reconstitute the trip route of the two artists, drawing a parallel between the paintings of Rugendas and the narration of Krause, then I consider each characteristic of the occupation of traveller painter through the experience of these artists and other painters who travelled through Latin America in the nineteenth century, such as Léon Pallière, Auguste Borget or Raymond Monvoisin for instance, and the painters inspired from Humboldt's theories. This thesis, which deals with literature, history of art and aesthetics, is an interdisciplinary research.

Le sujet traite de l'originalité de l'atelier de sculpture des Rosset de Saint-Claude dans le Jura (France) actif du XVIe au XIXe siècle. Original par sa production familiale d'objets d'art en ivoire et en marbre qui connut une diffusion européenne grâce aux portraits de Voltaire. Sculpteurs d'intérieur et «en petit», engagés dans le débat des Lumières, les Rosset sont aussi des statuaires comtois renommés et des peintres locaux. Le sujet est centré sur le XVIIIe siècle autour de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786) âme de l'atelier, créateur de modèles réputés et que ses cinq fils, tous artistes, produiront en série avec lui et, après sa mort de manière indépendante, adaptant leur œuvre à l'évolution des goûts : Jean François alias Joseph Rosset (1734-1783) orfèvre, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) prêtre et peintre, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) peintre voyageur en Turquie d'Asie et sculpteur et Claude-Antoine Rosset (1749-1818) peintre et sculpteur. Le volume I (265 pages). Le premier chapitre retrace l'histoire de l'atelier présent à Saint-Claude depuis le XVIe siècle, analyse le contexte du travail et la position sociale bourgeoise de la famille de Joseph Rosset au XVIIIe siècle. Le chapitre deux présente de manière critique la biographie de Joseph Rosset, dégage les caractères de son œuvre à tête de Janus, le sacré et le profane, à l'image de ses convictions, de sa foi religieuse catholique et de ses idées politiques libérales, qui met son art au service des Lumières. Enfin, un troisième chapitre, analyse l'œuvre de ses fils dans la continuité politique de l'idéal de leur père ; ils participent en citoyens à la mise en œuvre des réformes libérales de la Révolution. Le volume II (587 pages) présente le catalogue raisonné de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786), tome 1, les œuvres religieuses, tome 2, l'œuvre en ivoire de l'atelier Rosset et, tome 3 l'œuvre profane en marbre. Le volume III (491 pages) est le catalogue raisonné de l'œuvre sculpté et peint de ses fils : tome 1, l'œuvre graphique et sculpté de Jacques Rosset (1741-1826) ; tome 2, l'œuvre peint et sculpté de François Rosset (1743-1824) ; tome 3 l'œuvre sculptée d'Antoine Rosset (1749 - 1818). / The subject treats originality of the workshop of sculpture of Rosset of Saint-Claude in the Jura (France) active from the XVIth until the XIX th century. Original by its family production works of art in ivory and marble which knews an European diffusion thanks to the portraits of Voltaire. Sculptors of interior and "into small", engaged in the debate of the Enlightenment, the Rosset are also famous sculptors of Franche-Comté and local painters. The subject is centered over the XVIIIth century around the work of Joseph Rosset (1706-1786) heart of the workshop, creator of famous models, whose five sons, ail artists, will produce in séries with him, and in an independent way after his death, adapting their work to the évolution of the tastes : Jean François, alias Joseph Rosset (1734-1783) goldsmith, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) priest and painter, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) traveller painter of Turkey in Asia and sculptor, and Claude-Antoine Rosset (1749-1818) painter and sculptor. Book I. The first section relates the history of the workshop présent in Saint-Claude since the XVIth century, analyses the contex of work and the middle class social position of Rosset's family during the XVIIIth century. The second section shows in a critical way Joseph Rosset's biography, which brings out the characteristics of his Janus headed work, the sacral and the profane, picture of his believes, his catholic faith and his libéral political ideas and offers his art to the service of the Enlightenment. And then, in a third section analyses the works of his sons, in the political continuity of their father's ideals. They take part as citizen in the enforcement of the Révolution's libéral reforms. Book II introduces the reasoned catalogue of Joseph Rosset's work (1706-1786), section 1, the sacred work, section 2, the ivory work of the Rosset's Workshop and the third section the profane marble work. Book III is a reasoned catalogue of the sculpted work of his sons : section 1, the work of Jacques Rosset (1741-1826) ; section 2, the painted and sculpted work of François Rosset (1743-1824) ; section 3, the sculpted work of Antoine Rosset (1749-1818).

Cette thèse porte sur le diagnostic de peintures murales masquées par une couche de chaux ou de peintures avec des repeints.Trois méthodes originales sont présentées et le principe validé expérimentalement.D’abord une nouvelle méthode d’excitation de couches profondes par le rayonnement infrarouge lointain λ>20 μm, qui présente une meilleure efficacité par rapport à la méthode classique d’excitation par conduction thermique. Le fait de filtrer les courtes longueurs d’onde élimine l’échauffement en surface du matériau. La semi-transparence de la couche de chaux dans l’infrarouge lointain permet d’éclairer directement les couches de peintures et d’obtenir des thermogrammes révélant les motifs masqués.Nous avons aussi étudié la transmission des couches de peintures dans l’infrarouge lointain par spectrométrie à transformée de Fourier. Les peintures présentent vers 30 μm dans l’infrarouge lointain des zones d’absorption caractéristiques des groupements fonctionnels. Aussi la mesure directe de l’emission totale dans l’infrarouge lointain à température ambiante de peintures permet leur identification. Nous avons conçu un système qui pourrait être déplacé sur le terrain.Nous avons enfin introduit une nouvelle approche pour le diagnostic des peintures murales masquées par une couche de chaux basée sur la mesure du temps de vol des photons balistiques rétrodiffusés collectés par une caméra à balayage de fente d’une résolution de 2 ps. / This study deals with the diagnosis of hidden paintings by a layer of lime or another paintings.Three original methods are presented and experimentally validated the principle. First, a new excitation method of the deeper layers based on far infrared radiation λ>20 μm, which has a higher efficiency compared to the conventional method of thermal conduction excitement. The fact that the filter removes short wavelength in the heating surface of the material. The semi-transparent layer of lime in the far infrared can illuminate layers of paint directly and get thermograms revealing hidden patterns.We also studied the transmission of the layers of paint in the far infrared by Fourier transform spectroscopy. The painting present in the far infrared 30> μm areas obsorption witch caracteristic of functional groups. Also the measurement of total emission in the far infrared at room temperature allows their identification.Finally, we introduced a new approach for diagnosing murals hidden by a layer of lime based on measuring the time of flight of photons backscattered ballistic collected by a streak camera with a resolution of 2 ps.

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