Made available in DSpace on 2015-08-18T17:47:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andrea Souza.pdf: 5959600 bytes, checksum: ea168d4b0ff7099475b633c1cb1748bb (MD5) Previous issue date: 2013-02-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A pesquisa consiste no levantamento e análise dos catálogos de exposições de arte ocorridas na cidade de São Paulo entre 1912 e 1950. O objetivo é resgatar esses catálogos com pouco registro histórico e reapresentá-los como objetos do design gráfico. Há uma grande carência bibliográfica quanto à história do design brasileiro. Assim, consideramos importante contribuir com uma pesquisa que objetiva preencher determinada lacuna temporal histórica e, ao mesmo tempo, favorecer o reconhecimento da linguagem do design do passado. Delimitam-se como área de investigação aos catálogos de exposições artísticas paulistanas do período citado acima, tendo como base de análise o processo de identificação das estruturas visuais destas publicações, a partir dos elementos gráficos presentes nestas peças gráficas, tais como imagens, tipografias, fios e brasões.

O presente trabalho investigou o processo artístico de diferentes vocalidades a partir de histórias reais, experimentando aproximações e verticalizações entre duas linguagens: a cênica e a radiofônica. O objetivo principal da pesquisa foi encontrar na vocalidade de cada depoimento pessoal e em suas palavras o impulsionador criativo de um processo radiocênico. Durante o processo, foi investigada a ideia de um caminho radiocênico, bem como: de que forma este caminho contribui para o trabalho de atriz; de que maneira os dispositivos cênicos e radiofônicos entram em comunhão; e quais são suas especificidades. O conceito “radiocênico” foi criado pela pesquisadora durante a construção deste trabalho. A reflexão teórica e prática deste memorial artístico deu-se de maneira conjugada, a partir de ensaios práticos e percepções acerca dos conceitos operatórios trabalhados. São eles: escuta, vocalidade e radiocênico. Desta forma, lembranças e memórias de mulheres desconhecidas foram a matéria-prima para um trabalho de atuação que se propôs a construir, a partir de diferentes vocalidades, uma dramaturgia que contemplou personagens inspirados em histórias reais. Os quatro depoimentos que compõem este trabalho foram coletados em um espaço público da cidade de Porto Alegre: o Brique da Redenção, através da intervenção ESCUTO SUAS HISTÓRIAS. O intuito foi descobrir na riqueza do dia a dia o mundo sonoro de poesias e tragédias que cada um carrega em formato de histórias. / El presente trabajo investigó el proceso artístico de diferentes voces a partir de historias reales. Experimentando aproximaciones y verticalidades entre dos lenguajes: la escénica y la radiofónica. El objetivo principal de la búsqueda es encontrar en la vocalidad de cada testimonio personal y en sus palabras el impulso creativo de un proceso radioescénico. Durante el proceso se investigó la idea de un camino radioescénico, y de qué forma contribuye al trabajo de actriz, de qué manera los dispositivos escénicos y radiofónicos entran en comunión y cuáles son sus especificidades. Este conceito, radiocênico, foi criado pela pesquisadora durante la construcción desse trabajo. La reflexión teórica y práctica de ese memorial artístico se dio de manera conjugada, a partir de ensayos prácticos y percepciones a cerca de los conceptos operativos trabajados. Son ellos: escucha, vocalidad y radioescénico. De esta forma, recuerdos y memorias de mujeres desconocidas fueron la materia prima para un trabajo de actuación que se propone construir, a partir de diferentes voces, una dramaturgia que contempló personajes inspirados en historias reales. Los cuatro testimonios que componen ese trabajo fueron recogidos en un espacio público de la ciudad de Porto Alegre: El Brique de la Redención, a través de la intervención ESCUCHO SU HISTORIAS. Con el fin de descubrir en la riqueza del día a día el mundo sonoro de poesías y tragedias, que cada uno lleva en formato de historias.

Submitted by Thiago Bronzeado de Andrade (thiago@ch.uepb.edu.br) on 2018-06-04T15:49:05Z No. of bitstreams: 1 PDF - Benedito Olinto da Silva.pdf: 23860914 bytes, checksum: 7fb9324f237ec911231d2c2cc9100a0a (MD5) / Approved for entry into archive by Milena Araújo (milaborges@ch.uepb.edu.br) on 2018-06-04T18:05:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PDF - Benedito Olinto da Silva.pdf: 23860914 bytes, checksum: 7fb9324f237ec911231d2c2cc9100a0a (MD5) / Made available in DSpace on 2018-06-04T18:05:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PDF - Benedito Olinto da Silva.pdf: 23860914 bytes, checksum: 7fb9324f237ec911231d2c2cc9100a0a (MD5) Previous issue date: 2018-02-28 / CAPES / In view of the need to find viable alternatives for teaching and learning the reading and writing of the literary text, in order to train critical readers in elementary education II, this study aims to: (a) discuss the importance of dramatic text in the formation of "Literary readers" at school and (b) propose didactic alternatives that stimulate the productive use of these genres in Portuguese Language classes. In order to base the research, the theoretical reference used brought the contributions of Roubine (2003), Stalloni (2001), D'Onofrio (2001), Magaldi (1998), Piqué (1997), Cabral (1995), Brandão (1990) and Aristotle (1975) on discussions about the dramatic text. For the discussions about the reading and writing of the literary text - interpretation, comprehension and production - the contributions of Cosson (2014), Solé (1998), and Marcuschi (2008) among others. The research was anchored in a qualitative, documentary and action-research perspective. This work resulted in the perception that the dramatic text appears superficially in the Portuguese Language Didactic Book (LDLP), that the reading and the production of the dramatic text in the elementary school brings the students closer to literature, perceiving it as a possibility to reflect on of our reality using theatrical language as a discursive modality. / Diante da necessidade de se buscar alternativas viáveis para o ensino-aprendizagem da leitura e escrita do texto literário, com vista à formação de leitores críticos, no ensino fundamental II, este estudo objetiva: (a) discutir a importância do texto dramático na formação de “leitores literários” na escola e (b) propor alternativas didáticas que estimulem o uso produtivo desses gêneros nas aulas de Língua Portuguesa. Para fundamentar a pesquisa, o referencial teórico utilizado trouxe as contribuições de Roubine (2003), Stalloni (2001), D’Onofrio (2001), Magaldi (1998), Piqué (1997), Cabral (1995), Brandão (1990) e Aristóteles (1975) sobre discussões acerca do texto dramático. Para as discussões acerca da leitura e escrita do texto literário – interpretação, compreensão e produção – buscou-se as contribuições de Cosson (2014), Solé (1998), Marcuschi (2008) entre outros. A pesquisa ancorou-se em uma perspectiva qualitativa, de cunho documental e pesquisa-ação. Resultou-se com esse trabalho a percepção de que o texto dramático aparece superficialmente no Livro Didático de Língua Portuguesa (LDLP), que a leitura e a produção do texto dramático no ensino fundamental contribuem para aproximar os alunos da literatura, percebendo-a como possibilidade de refletir acerca de nossa realidade utilizando a linguagem teatral como modalidade discursiva.

A proposta dessa dissertação é analisar as peças The Children´s Hour e The Little Foxes, de Lillian Hellman, pela primeira vez encenadas nos Estados Unidos em 1934 e 1939 respectivamente. A análise discute a forma da peça bem feita e a forma do melodrama nessas obras, assim como o conteúdo delas, a fim de identificar como a crítica social e as formas teatrais propostas pela dramaturga estão intrincadas. Com base em autores como Peter Szondi, essencial para se entender a dialética entre forma e conteúdo, Jean Marie Thomasseau, teórico do melodrama, e de outros que escreveram sobre a peça bem feita, procurou-se entender como Hellman valeu-se das próprias formas correntes da cultura dominante e da indústria cultural para investigar a sociedade capitalista norte-americana. Para a compreensão ampla de tais questões, foram analisados os textos dramatúrgicos, encenações, adaptações para cinema e televisão, tanto nos Estados como no Brasil. Hellman foi constantemente criticada pelas opções formais de suas obras, algo que é revelado pela fortuna crítica mais relevante que foi coletada e é apresentada nessa dissertação, servindo de suplemento para as análises. Lillian Hellman examinou o conservadorismo arbitrário e as estratégias de manutenção do capitalismo criticando a classe dominante através da utilização das formas teatrais privilegiadas por essa classe. / This work aims to analyze Lillian Hellman\'s plays The Children´s Hour and The Little Foxes, which were first performed in the United States in 1934 and 1939 respectively. In addition to the content of these works, the analysis discusses the well-made play and the melodrama in order to identify how social criticism and these theater forms are interrelated, as proposed by her. Based on authors such as Peter Szondi, whose work is fundamental to understanding the dialectics between form and content, and Jean-Marie Thomasseau, a melodrama theorist, as well as others who wrote about the well-made play, this dissertation searches for a comprehension of how the playwright made use of the dominant culture\'s own forms to investigate North-American capitalist society. For a comprehensive understanding of such issues, the dramaturgical texts, performances, as well as film and television adaptations in both the United States and Brazil have been analyzed. Hellman was constantly criticized for the formal choices of her plays, something revealed in articles and essays by relevant critics. These criticisms are presented in this dissertation in order to supplement the analysis. Lillian Hellman criticized the dominant class\' arbitrary conservatism and the strategies of capitalist maintenance by employing theater forms which were endowed by that class.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:46:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silvana Aparecida de Almeida Zanini.pdf: 1980823 bytes, checksum: 3e805d3805ea56c4d1d498707c438de0 (MD5) Previous issue date: 2007-12-06 / In this project, some advertising pieces of the beers Bohemia, Kaiser, Schincariol, Brahma, Skol, Primus and Santa Cerva have been analyzed in order to investigate the social class of people these beers are target at and how the messages interact with the consumer to persuade him to consume a determined product depending on the social class he belongs to. A verbal and non-verbal study was proceeded to prove the difference between the Bohemia advertising and the other beers. The analysis relies on the proposal of several scholars such as Bahktin, Barthes, Pierce, Halliday, Maingueneau, and Vestergaard among others. In this analysis the aim was to show as the Bohemia beer messages fix themselves in its superiority, marking itself for the setting in a target-public of people with a refined taste, who aren t influenced by the easy and rude appeals but who bear in mind the qualities, the tradition and the sophistication. In the selected pieces of these two groups the genre, the interaction between the enunciator and the enunciate, the language functions, the language figures were analyzed. After the analysis, several features that strongly differentiate the publicity nature of the two groups were distinguished. Firstly, Bohemia puts itself as a queen, the most perfect in every sense in its preparation, in its layout, always exalting its supremacy and the elegance of its consumer, investing in more subtle, discreet, with sober colors advertising pieces, which are directed to intelligent and cultured people who don t get satisfied with the trivial. The aim focused is the quality of the consumer. The other beers, resort to half-naked women, strong colors, easy pleasure atmosphere which persuades to the idea that everyone can and must drink the product the focus is clearly to achieve the mass of the beer consumers. / Nesse trabalho procurou-se analisar algumas peças publicitárias das cervejas Bohemia, Kaiser, Schincariol, Brahma, Skol, Primus e Santa Cerva para investigar a que classe de pessoas essas cervejas são direcionadas e de que forma as mensagens interagem com o consumidor, a fim de persuadi-lo a consumir determinado produto, dependendo da classe social a que pertence. Procedeu-se a um estudo verbal e não-verbal, para comprovar a diferença entre a publicidade da Bohemia e a das outras cervejas. A análise apóia-se na proposta de vários estudiosos como Bahktin, Barthes, Peirce, Halliday, Maingueneau, Vestergaard, entre outros. Nessa análise objetivou-se mostrar como as mensagens da cerveja Bohemia se fixam na sua superioridade, marcando-se pela fixação em um público-alvo de pessoas de gosto apurado, que não se deixam levar por apelos fáceis e grosseiros, mas que levam em conta a qualidade, a tradição e a sofisticação. Nas peças selecionadas desses dois grupos de cerveja analisou-se o gênero, a interação entre enunciador e enunciatário, as funções da linguagem, as figuras de linguagem e outros recursos de valorização da linguagem. Após a análise, distinguiram-se vários traços que diferenciam marcadamente a natureza da publicidade dos dois grupos. Primeiramente, a Bohemia se coloca como a rainha, a mais perfeita em todos os sentidos seja no seu preparo, seja no seu layout sempre exaltando a sua supremacia e a elegância de seu consumidor, investindo em peças publicitárias mais sutis, discretas, com cores mais sóbrias, voltadas para pessoas inteligentes, cultas e que não se contentam com o banal. A meta em foco é a qualidade do público consumidor. As outras cervejas, apelando para mulheres seminuas, cores fortes, ambientes de prazer fácil, induzem à idéia de que todos podem e devem beber o produto. A meta em foco é nitidamente atingir a massa dos consumidores de cerveja.

Made available in DSpace on 2016-04-28T18:22:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Debora Ruiz Omaki.pdf: 579875 bytes, checksum: 7390c8eb383a09cc2b765e2aedf52359 (MD5) Previous issue date: 2013-04-11 / The aim of this research is to critically evaluate Gianfrancesco Guarnieri's play A Scream Holding in Mid-air ( Um grito parado no ar , 1973) in the light of Systemic Functional Grammar (SFG). The play centers in the efforts of a theater group of accomplishing its goal, and offering - as many critics point out - a portrayal of the isolation to which Brazilian society was confined to the sixties. In this research I tried to understand how the author could sketch this portrait, and relay a message that was against the ruling order. It should be noted that the text of A Scream Holding in Mid-air , does not contain, in the surface, a trope of figurative language, defined as a word or sentence to cause semantic tension; and there are no metaphors as understood in 'Metaphors We Live By'. In this context, I decided to go another way, the way of the allegory, of an "extended metaphor . An allegory is a rhetorical figure of speech that produces meaning by virtually conveying one or more meanings beyond the mere literal comprehension. This process has been called cryptoargumentation or secret argumentation, established through rhetorical devices that are employed at the interpersonal level as unobtrusive vehicles for conveying an argument at the level of 'the unsaid', the level of the underlying coherence of the text. It is in this level that the goal of Guarnieri's text lies. The research answers the following questions: (a) How are the allegories constructed in A Scream Holding in Mid-air ? (b) What are the lexico-grammatical choices made by the author in said constructions? The research is based on Critical Linguistics, interested in questioning the relationship between sign, meaning and the social-historical context, which govern the semiotic structure of discourse and attempts to relate the macro notion of ideology to the micro notions of discourses and social practices of members of a group, establishing links between the social and the individual, the macro and the micro, the social and the cognitive, thanks to the resources provided by the SFG. This theory, through the contributions it has received, allows dealing with implicit evaluations through tokens of attitude that include subjects as 'dog whistle' or the 'smuggling of information' / O objetivo desta pesquisa, de cunho crítico, é examinar, sob o enfoque da Gramática Sistêmico-Funcional (GSF), a peça teatral Um grito parado no ar, de Gianfrancesco Guarnieri (1973). A peça está centrada nas tentativas de um grupo teatral de levar a termo sua realização, oferecendo por meio de metáforas - como afirmam vários autores - um retrato da situação de isolamento a que foi confinada a sociedade brasileira nos anos sessenta. Nesta pesquisa, tento entender o modo como o autor pôde traçar esse retrato, para transmitir uma mensagem que contrariava a ordem vigente. Notemos que o texto de Um grito parado no ar, não traz, na sua superfície, esse tropo da linguagem figurativa, definido como uma palavra ou frase que causa tensão semântica; e não há a ocorrência de metáforas como as tratadas em Metaphors We Live By. Diante desse contexto, decidi-me a seguir outro caminho, o da alegoria, uma "metáfora continuada". Uma alegoria é uma figura de linguagem de uso retórico, que produz a virtualização do significado, que consiste em transmitir um ou mais sentidos além da simples compreensão literal. Esse processo tem sido chamado de "crypto-argumentação", a argumentação secreta, construída por meio de instrumentos retóricos empregados no nível interpessoal como veículos discretos para expressar um argumento do nível do "não dito", o nível da coerência subjacente do texto. É nesse nível que estaria a meta do texto de Guarnieri. A pesquisa deverá responder às seguintes perguntas: (a) Como é construída essa alegoria em Um grito parado no ar? (b) Quais são as escolhas léxico-gramaticais feitas pelo autor para essa construção? A pesquisa, apoia-se na Linguística Crítica, interessada no questionamento das relações entre signo, significado e o contexto sócio-histórico, que governam a estrutura semiótica do discurso, e tenta relacionar a noção macro da ideologia às noções micro dos discursos e das práticas sociais de membros de grupo, estabelecendo um elo entre o social e o individual, o macro e o micro, o social ao cognitivo, graças aos recursos oferecidos pela GSF. Essa teoria, através das contribuições que tem recebido, permite tratar das avaliações implícitas, por meio dos tokens de Atitude, que envolvem assuntos como 'o apito do cão' ou o 'contrabando de informação'

Este trabalho estuda a censura da peça e das canções de Calabar: o elogio da traição, de Chico Buarque e Ruy Guerra, ocorrida entre 1973 e 1980, durante o regime militar. A partir dos documentos armazenados no Arquivo Nacional, em Brasília, referentes ao acervo da Divisão de Censura de Diversões Públicas (DCDP) – subordinada ao Departamento de Polícia Federal (DPF) e responsável pela censura de peças teatrais, canções e filmes –, é possível recuperar a história dessa obra nos bastidores dos órgãos repressores. Com a análise dos papéis relacionados ao texto teatral e às canções, juntamente com o exame do LP lançado por Chico em 1973, Chico Canta, observamos que a DCDP fez cortes ao script e a algumas canções, além de proibir a gravação de outras músicas. Apesar dessas determinações, a Divisão emitiu o certificado liberatório para a encenação em 16 de maio de 1973, permitindoa ao público maior de idade. Entretanto, em 15 de janeiro de 1974, a montagem foi proibida em todo o território nacional pelo DPF. Meses antes do veto, o DPF avocara o script para reexame impedindo a estreia do espetáculo. Assim, Calabar ganhou os palcos somente em 1980, após o estabelecimento do Conselho Superior de Censura (CSC), composto por quinze membros – provenientes do governo e da sociedade – com objetivo de rever os vetos proferidos pela ditadura. O CSC avaliou o percurso da peça na censura e concluiu que o veto do DPF não seguiu a recomendação de liberação da DCDP. Por meio do estudo desse e de outros documentos, verificamos que os censores avaliavam tanto o conteúdo político quanto o moral. Percebemos, inclusive, casos em que os profissionais do veto identificaram o teor de crítica política do texto ou das canções, mas optaram pela liberação. Em algumas músicas, provavelmente, por considerar a crítica política sutil e de difícil compreensão pelo público. No caso da encenação, por preferirem esperar o ensaio geral para avaliar a montagem da cena e, se julgassem necessário, proferirem novos cortes. O trabalho visa compreender por que Chico e Ruy buscam um episódio do século XVII para questionar o regime ditatorial vigente e porque Polícia Federal se incomodou tanto com a obra composta pela dupla. / This work presents an analysis of the censorship applied upon both the play itself and the songs that compose Calabar: o elogio da traição (Calabar: the compliment on betrayal, free translation), written by Chico Buarque and Ruy Guerra. The object of this work is the censorship which took place between the years of 1973 and 1980, during Brazil’s military regime. From the documents that were filed in the National Archive, in the city of Brasilia, which former belonged to the Divisão de Censura de Diversões Públicas’ (DCDP) – an organ linked to the Brazilian Federal Police, in charge of censoring public entertainment such as plays, songs and films – collection, it is possible to reconstruct the history of Calabar from inside the repressive organs. By studying the documents related to the play and its songs, as well as the LP released by Chico Buarque in 1973, Chico Canta (Chico sings, free translation), we could observe that the DCDP removed parts of the script and songs, and prevented the artist from recording some other songs. Furthermore, the DCDP issued a certificate releasing the play on May 16th, 1973, but only allowing people over 18 years of age to attend to it. However, on January 15th, 1974, the play was forbidden in all national territory by the Brazilian Federal Police (DPF). Months before the veto, the DPF asked the script back for reexamination, which prevented the play’s debut. Calabar was staged only in 1980, after the Censorship Council (CSC) was created. The CSC had 15 members – from both the government and the society – and the purpose of reviewing the vetos from the military. They examined the play and concluded that the veto did not follow DCDP’s recommendation for releasing it. After analyzing the documents, we verified that the censors evaluated both the political and moral contents. Remarkably, there were even some cases in which the censors could see the political content within the text or songs, but chose to release them. It is possible that they released some songs because they considered the criticism to be very subtle and difficult for the public to understand. In the case of the play itself, we believe they chose to wait for the dress rehearsal to judge the scene and, if necessary, make further cuts. This work aims to clarify why Chico Buarque and Ruy Guerra resorted to an 18th century episode to question the dictatorial government and why their work bothered so much the Federal Police.

Este trabalho apresenta o rádio, mais especificamente a peça radiofônica, como uma experiência pedagógica para atores que assim ampliam seu repertório e tornam a voz protagonista da ação. Entendendo a linguagem radiofônica como linguagem artística e o rádio como um meio expressivo, o estudo pretende um conhecimento vocal voltado para o efeito da voz, sua dimensão temporal e espacial e o estatuto de corpo que ela assume nessas condições. Traz a perspectiva da pedagogia do ator, considerando o ouvinte como interlocutor, sem o que a ação do ator não se concretiza. Utiliza como objeto de pesquisa, a investigação O trabalho do ator voltado para um veículo radiofônico, realizada no âmbito do Departamento de Arte Dramática, Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, e busca sistematizar para o exercício radiofônico as práticas desenvolvidas pelos atores em seu processo de criação. Para tanto, articula diálogos com as vozes e idéias de Rudolf Arnheim, Werner Klippert, Eduardo Meditsch, Constantin Stanislavski, João Francisco Duarte Junior e Jorge Larrosa, entre outros. Como desdobramento, mostra a possibilidade de promover a oralidade e o exercício radiofônico como expressões individuais e como experiências criativas coletivas e pedagógicas, em atividades para a sala de aula em todos os níveis de ensino, para a oficina e para a ação cultural. Demarca, ainda, a busca por uma expressão radiofônica contemporânea, uma linguagem que faça sentido hoje, abrindo espaço para a escuta ainda que num mundo coberto de imagens.

Este trabalho tem o objetivo de estudar o personagem Neoptólemo na tragédia Filoctetes (c. 409 a.C.) de Sófocles (c. 496-406 a.C.). Neoptólemo inicialmente é trazido para Lemnos por Odisseu com a missão de auxiliá-lo a reconduzir Filoctetes e o arco de Héracles para Troia. Ao descobrir qual o procedimento proposto por Odisseu, Neoptólemo hesita, propondo que utilizem persuasão aberta para convencer Filoctetes em vez de enganá-lo. Neoptólemo oferece alguma resistência, mas acaba aceitando o sofisma de Odisseu. Ao tomar contato com Filoctetes, Neoptólemo aos poucos aprende sobre o modelo ético de que abriu mão aceitando a proposta de Odisseu. Cria-se um dilema em que o jovem Neoptólemo precisa decidir como irá agir. O próprio ato de decidir é motivo de hesitação para o jovem. Ao optar por uma ou outra atitude, Neoptólemo deverá necessariamente enfrentar todas as consequências de sua escolha, incluindo a impossibilidade voltar atrás, isto é, retroceder ao momento anterior a sua decisão, uma situação infantilizada em que as possibilidades ainda não teriam sido reduzidas por causa de cada escolha feita. Nos momentos finais, antes da chegada de Héracles, Neoptólemo finalmente decide por um caminho aparentemente próprio, intermediário aos que lhe foram apresentados inicialmente e aceita as consequências de sua escolha. / This work aims to study the character Neoptolemus in the tragedy Philoctetes (c. 409 BC) by Sophocles (c. 496-406 BC). Neoptolemus is initially brought to Lemnos by Odysseus with the mission of helping bring Philoctetes and the bow of Heracles back to Troy. Upon discovering the procedure of this mission proposed by Odysseus, Neoptolemus hesitates, suggesting they should openly persuade Philoctetes instead of tricking him. Neoptolemus offers some resistance, but eventually accepts Odysseus' sophistry. Upon making contact with Philoctetes, Neoptolemus gradually learns about the ethical model that he gave up by accepting Odysseus' proposal. This creates a dilemma in which the young Neoptolemus must decide how to act. The act of deciding in itself is cause for hesitation for the youngster. By choosing one attitude or another, Neoptolemus must face all the consequences of his choice, including the inability to go back, that is, back to the moment before the decision was made, a childish situation in which the possibilities have not yet been reduced because of each of his choices. In the final moments before the arrival of Heracles, Neoptolemus finally decides his own path, which is at an intermediate position in relation to the choices that were presented to him and he accepts the consequences of his choice.

La présente étude vise à examiner le processus de création dramaturgique dans Zona Contaminada de Caio Fernando Abreu. Ce travail est centré sur l'analyse et l'interprétation de l'avant-texte de la pièce, composé de quatre versions dactylographiées et de la version publiée. Pour cela, nous nous appuyons sur les principes de la critique génétique ainsi que sur la théorie de la dramaturgie, principalement celle de Bertolt Brecht, concernant la constitution de la mise à distance scénique Le texte théâtral est caractérisé par une nature duelle dont la complétude se donne sur la scène. Nous nous proposons, à travers l'analyse comparative du matériel, de vérifier comment se constitue la théâtralité du texte, en analysant, dans chacune des versions, les éléments qui la constituent. / O presente estudo visa a examinar o processo de criação dramatúrgica em Zona contaminada de Caio Fernando Abreu. A pesquisa em questão está centrada na análise e interpretação do prototexto da peça, que é composto por quatro versões datiloscritas e pela versão publicada. Para tanto, nos valeremos dos pressupostos da crítica genética, bem como de teorias sobre dramaturgia, especialmente as de Bertolt Brecht, no que se refere às suas proposições sobre a constituição do distanciamento cênico. O texto teatral caracterizase por ter uma natureza dual, o que o faz encontrar a sua completude somente no palco. Nossa proposta é, através da análise comparativa do material, verificar a constituição da teatralidade do texto, analisando em cada uma das versões os seus elementos constitutivos.