Cette recherche a pour but de comprendre comment certains danseurs-créateurs peuvent se distinguer par rapport aux pratiques dominantes de la danse contemporaine. Pour en rendre compte, j'analyse la pratique artistique de trois danseurs-créateurs: Andrew de Lotbinière Harwood, Lin Snelling et Pamela Newell. J'ai observé leurs processus de création et leurs spectacles au cours de l'automne-hiver 2006-2007 à Montréal. Les cinq créations analysées dans cette étude se nourrissent de la performance, de l'interdisciplinarité, de la collaboration, et surtout de l'improvisation en danse. Cette thèse présente un examen de pratiques soutenu par un certain nombre de livres et d'articles dans le domaine des arts, du théâtre et de la danse. Toutefois, les sociologies du corps et plus spécifiquement l'appareillage conceptuel de Pierre Bourdieu m'offrent des voies afin de scruter sous cet angle les pratiques des trois danseurs-créateurs, angle qui vient enrichir mon expérience et ma formation en art en tant qu'artiste et enseignante. Afin d'atteindre mon objectif de recherche. je m'inspire d'une approche ethnographique comme méthodologie, et de l'étude de cas comme démarche. Les données ont été essentiellement collectées à travers des observations, des entretiens, des enregistrements vidéo et divers documents tels des programmes de spectacle, des coupures de presse, ainsi que des articles et des ouvrages spécialisés en danse contemporaine. Pour l'analyse et J'interprétation des données, je m'inspire des principes de Paillé (1994), qui propose une théorisation ancrée construite, entre au tres, par le biais de la comparaison entre 1a théorisation en construction et la réalité empirique. Une analyse thématique et son interprétation ont été accomplies en gardant un contact permanent entre les données brutes et le cadre théorique. Dans les pratiques des trois danseurs-créateurs analysées, l'improvisation sur scène proche des techniques somatiques a une importance fondamentale et résulte de certains aspects récurrents telles que la réduction de la valorisation des mouvements virtuoses et la recherche d'un rôle plus actif pour le spectateur. En outre, les aspects de collaboration rencontrés dans des créations offrent une alternative face au binôme chorégraphe-interprète, valorisant de cette façon le danseur en tant que créateur, capital symbolique primordial dans le champ de la danse. L'interdisciplinarité offre également des voies de création pour un renouvellement de la notion de chorégraphie, non seulement comme art de composition du mouvement, mais aussi comme art qui intègre d'autres éléments et langages. Ces caractéristiques suggèrent J'évolution, le dynamisme et les modifications en ce qui concerne l'habitus du danseur au sein de la danse contemporaine. Face aux pratiques dominantes qui privilégient un rapport instrumental du corps, les pratiques analysées des trois études de cas proposent des échanges, perceptions et gestions des créations renouvelées ainsi que de nouvelles sociabilités en danse contemporaine qui résultent en un rapport au corps plus réceptif, interactif et participatif.

La réminiscence et l’apparition des images par des facteurs affectifs déclencheurs font partie inhérente du processus de création picturale qui est issue d’une nécessité intérieure. Les affects inscrits dans les souvenirs alimentent la force créatrice en s’actualisant par l’acte de réminiscence. C’est dans cette dynamique de l’intériorité que le langage pictural se forme en engageant la mémoire où le surgissement des images est soumis à l’affect. La métaphore de la nuit nous a permis d’interroger davantage l’incertitude de la mémoire et de l’état après le rêve, où les images d’intimité sont enfouies. La revalorisation de la subjectivité, de l’intime et du désir témoigne de l’intention d’une archéologie émotionnelle qui ramène la peinture à ses origines premières. Travaillant à partir des images d’images, les artistes contemporains explorent l’articulation du souvenir au présent. Nourrie de cet usage qui repose sur une interaction de l’ordre du « toucher » avec l’image, la « durée » picturale correspond à la réminiscence.La peinture, comme une forme intériorisée du réel, se déploie dans une mise en scène des multiples temporalités par une stratification de la matière picturale. Dans cet espace, le souvenir s’actualise dans la sensation de la couleur. En tant que qualité affective, la couleur permet d’exprimer le climat émotionnel attaché à un souvenir et de rendre visible l’affect. La surface du tableau est un tissu chaotique, mais également génératrice d’ « accidents proustiens », de retrouvailles et d’énigmes. Ici, la mémoire est la source d’où émane l’imagination. / The reminiscence and the appearance of images triggered by the emotional factors are inherited in the process of pictorial creation that comes from the inner necessity. By becoming actualized by the act of reminiscence, the affects inscribed in the memories nourish the creative force. In these dynamics of interiority, pictorial language is formed by the engagement of the memory. The emergence of images is subject to affect in the memory. The metaphor of the night has allowed us to question further the uncertainty of the memory and the after-dream state, where the images of intimacy are buried.The increase of subjectivity, the intimacy and desire reflect the intention of an emotional archaeology that brings the painting back to its origins. The use of images of the images in the contemporary artist’s works explores the connection of remembrance with the present. The pictorial time length, nurtured by this use based on an interaction between the emotional “touch” and the image, corresponds to the reminiscence.Painting, as an internalized form of the real, spreads out in a staging of multiple temporalities by a stratification of pictorial matter. In this space, memory refreshes itself in the sensation of the colour. As an affective quality, the colour enables the expression of the emotional climate attached to a remembrance and makes the affect visible. The surface of the painting is a chaotic material, but also source of "Proustian accidents," reunions and enigmas. Here, memory is the origin from which emanates the imagination.

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Cette recherche étudie la possibilité pour les enseignants d’arts plastiques au secondaire de permettre à leurs élèves de créer des oeuvres à partir de questions plus sensibles, comme le feraient de véritables artistes. Elle part de l’hypothèse que certains enseignants hésitent à approuver les intentions sensibles soumises spontanément par leurs élèves, allant même jusqu’à les interdire, ne sachant pas comment y répondre de façon satisfaisante. Elle souligne le fait que ce type de questions peut favoriser la création d’oeuvres pertinentes, authentiques et signifiantes, mais que cela exige des pratiques de régulation capables d ’amener les élèves à créer dans un contexte scolaire où le regard du public compte. Elle mise ainsi sur la possibilité de découvrir, de comprendre et de décrire le phénomène de la pratique de régulation des enseignants face aux questions sensibles soumises par leurs élèves afin de cibler les gestes susceptibles d’amener les élèves à développer une posture similaire à celle d’artistes professionnels. Elle s’appuie sur six composantes inhérentes à ce type de régulation : les questions sensibles, l ’enseignant, l’adolescent, la création, le contexte et le public. Il s’agit d ’une recherche descriptive, qui emprunte des éléments à la recherche phénoménologique et qui adopte un parcours en partie heuristique. Elle fait état de l’expérience de régulation des questions sensibles de la chercheure et de celle de cinq autres enseignants participants oeuvrant auprès d’élèves du secondaire dans un établissement scolaire du Québec. Les résultats de la recherche mettent en relief la nature et les finalités des gestes de régulation recensés par les participants et ils démontrent l ’importance de certains de ces gestes, dont ceux favorisant l’action conjointe ainsi que ceux servant à identifier les conditions favorables au travail des questions sensibles. La recherche prouve l’importance de la réflexion en continu dans le processus de régulation de ce type de questions, processus soutenu à la fois par les élèves et l ’enseignant qui travaillent de concert afin de faire progresser les intentions sensibles initiales qui s’actualisent et se précisent au fur et à mesure que progresse le travail de création. Elle montre également l ’importance de mettre en place une régulation qui tienne compte du public, de la diffusion des oeuvres sensibles faites en classe ainsi que des visées d ’exposition. / This research questions the possibility for secondary school visual arts teachers to allow their students to create artworks dealing with sensitive issues, the way real artists would. It is based on the hypothesis that some teachers are reluctant to accept sensitive intentions that are spontaneously submitted to them by their students, even going so far as to forbid them, because they do not know how to address these issues properly. The research emphasizes that exploring these issues can promote the creation of relevant, authentic and meaningful artworks, however, this requires regulatory measures capable of engaging students creating in a school context where public perception matters. The research is committed to the possibility of discovering, understanding and describing teachers’ regulatory measures when dealing with sensitive issues proposed by their students. It aims to identify actions that may help them develop a personal point of view, similar to those of professional artists. The study is based on six components that are inherent to these types of regulations: sensitive issues, teachers, teenagers, creation, context and audience. This research is descriptive, drawing from elements of phenomenological studies and adopting a partly heuristic approach. It reports on the researcher’s own experience addressing sensitive issues with these regulatory measures, as well as the experiences of five other participating teachers working with students in a secondary school in Quebec. The results of this research highlight the nature and purposes of the regulatory measures identified by the participants and reveal the significance of some of these measures, including those that promote joint action and those that help identify the most conducive conditions for working with sensitive issues. It proves that continuous reflection is essential during the process of regulating these types of questions. This process is carried out by both students and teachers, working together to develop the initial sensitive intentions that are actualized and clarified as the creative work progresses. The study also illustrates the importance of implementing regulations that consider the audience, the display of sensitive work in class and the objectives of the exhibit.

Le corps est être-au-monde. Le corps est l'être-vivant-de-l'image et, ainsi, le corps est image habitée. L'image-corps donne lieu à l'espace sensible lors de son apparition. L'Être comme Nature, peut-il se rendre visible à travers les images ou dans les gestes ? Y a-t-il une spécificité de certains fragments filmiques ou performatifs de la figure du corps et des formes de la persona ? Si cette spécificité a lieu, par quelles voies de la création esthétique ces images ou ces gestes se créent-ils et de quelles manières en imprègnent-t-ils l'œuvre ? Selon quels dispositifs de partage sensible de l'espace matériel et immatériel établi par l'œuvre le spectateur peut-il vivre l'expérience du surgissement de l'être dans l'image ou dans le geste dont il est témoin ? Cette étude est fondée sur l'expérience de recherche pratique et théorique des œuvres. Le sens de cette recherche est ancré dans l'expérience de la création de la danse performative et du cinéma du corps et, plus largement, du cinéma de danse. La quête d'une théorie du sensible est ici fondée, d'une part, sur l'étude du processus de création transdisciplinaire mettant en jeu le corps et les images / les images et les corps en mouvement, d'autre part, sur l'étude d'images mouvantes donnant lieu à une expérience de la présence du corps considérée comme spécifique à la matière de l'humain. Il s'agit, par cette perspective, dans un processus de création performatif, d'étudier les conditions qui donnent lieu au surgissement de ce que nous qualifions de corps d'images et, dans une œuvre filmique, de saisir et de décrire les modalités de l'apparition de ce que nous définissons comme une image corporelle. En ce qui concerne la recherche pratique, nous avons intégré l'équipe de création de l'installation performative Sketches / Notebook de Meg Stuart et, ainsi, constitué un corpus documentaire que, tout au long de notre recherche théorique, nous avons analysé et comparé avec un corpus complémentaire constitué d'œuvres performatives et, surtout, filmiques (on compte, parmi elles, Die Klage der Kaiserin, de Pina Bausch ou Sátántángo de Béla Tarr). Cette recherche nous a permis d’évoquer de nombreux liens entre diverses perspectives philosophiques et esthétiques et d'approfondir l'élaboration du concept janus bifrons d'image corporelle / de corps d'images en relation à la manifestation de la persona dans un environnement de dispositifs et de symboles que nous proposons de penser comme propre à une esthétique organique. En effet, nous reconnaissons à certains fragments de ces œuvres filmiques ou scéniques la puissance de création de l'espace sensible; une organisation de dispositifs dans l'image ou dans le geste capable de générer une mutation de l'espace de signes et de leur réception. De ce fait, nous comprenons qu'en terme de processus de création, certains fragments performatifs et certaines images semblent témoigner de protocoles d'expérience de créations qui - de manière plus propices que d'autres - permettent de donner lieu, voire de faire surgir, des images du corps comme images de la persona : par la présence particulière et universelle à la fois de l'être humain, signe ana-chronique d'une présence mortelle. / The body is being-in-the-world. The body is the image's-being-alive, and thus, the body is an inhabited-image. The image-body gives place to the sensitive space within its advent. Can the Being, as Nature, be visible through images or gestures ? Is there a specificity in certain filmic or performative fragments about the figure of the body and forms taken by a persona ? If this specificity is proven, through which means of the aesthetic creation can these images or gestures be created and how do they impact the artwork ? What are the devices of material and immaterial sensitive sharing of space, as settled by the artwork, that allow the onlooker to live the experiment of the emergence of being through the image or the gesture which he is witnessing ? This study is based upon the experience of practical and theoretical research on artworks. The meaning of said research is rooted in the experience of creation concerning performative dance, cinema of the body and, in a wider perspective, dance cinema. The quest for a theory of the sensitive, in our work, has its foundations, first in the study of the process involved in transdisciplinary creation involving body and images / images and body in motion ; second, in the study of moving pictures generating an experience of the body's presence, considered as specific to human matters. In light of this point of view, our project, through the process of performative creation, is to study the conditions which give birth to the upsurge of what we call a body of images and, in filmic artwork, to grasp and describe the modalities through which what we define as a corporeal image appear. Concerning practical research, we have taken part in the creative team of Meg Stuart's performative setup, Sketches / Notebook, and thus assembled a set of documents which we have analysed and compared, all along our theoretical research, to a complementary set made of performative and, most of all, filmic artworks (among which are included Pina Bausch's Die Klage der Kaiserin and Béla Tarr's Sátántángo). This research gave us the opportunity to call to mind the numerous links existing between different philosophical and aesthetical points of view, as well as to deepen our construction of the janus bifrons concept of corporeal image / body of images, as related to the expression of the persona in an environment made of setups and symbols which our research designates as specific to an organic aesthetic. In fact, we recognize in specific fragments of these filmic or scenic artworks the creative power of sensitive space ; the arrangement of setups within the image or within the gesture, able to operate a mutation of the space of signs and their reception. Therefore, it is our understanding that, regarding the creation process, some performative fragments and some images appear to participate in protocols in creative experience which, in a more suitable manner than others, lead, or even give birth to images of the body as images of a persona, through the presence, all together individual and universal, of the human being as the anachronistic sign of a mortal presence.

Cette thèse étudie les processus de création d’activité (PCA) réussis et les pratiques du raisonnement par effectuation (logique effectuelle) combinées ou non avec le raisonnement par causation – logique causale de la théorie des « causes à effet » chez les entrepreneurs. A partir de notre question de recherche : comment crée-t-on une entreprise réussie et comment résout-on les incidents critiques liés à la création d’activité, nous étudions les démarches que les entrepreneurs ont utilisées dans le 10ème arrondissement de Paris pour identifier des données socio-économiques et des caractéristiques territoriales inédites comme ressources et comme contingences pour réussir leurs processus de création d’activité (PCA). Notre problématique de recherche débouche en réalité dans un continuum logique cherchant à comprendre les processus par lesquels ont suivi les projets de création d’activité qui ont réussi ainsi que les méthodes de résolution d’incidents critiques liés à la création d’activité.Par incident, on entend une difficulté (par extension un problème, un obstacle) qui intervient au cours du projet de création et dont les conséquences peuvent être critiques ou graves si elle n’est pas résolue par les créateurs d’activités. Le caractère critique (ou grave) renvoie ici à ce qui n’est pas de leur routine. Cela veut dire que de tel incident peut entraîner l’abandon du processus de création en cours, voire le freiner ou induire à son renoncement. De ce fait, l’on peut supposer que leur survenance peut être liée au contexte du territoire (par exemple, aux facteurs institutionnels ou aux conditions structurelles du lieu d’installation), au type de ressources mobilisées en question ou aux outils et aux méthodes utilisés. Pour répondre à cette question de recherche nous avons retenu trois hypothèses de recherches, à savoir : L’hypothèse H1 qui correspond à la causation (approche décrite comme dominante dans les milieux des créateurs d’entreprise) où elle postule que l’entrepreneur réussit son processus de création d’activité (PCA) s’il est bien formé dans les business schools avec les bons outils (business model) et les bonnes méthodes (analyse de la valeur) qu’il suffit de répliquer ou de dupliquer dans n’importe quel contexte sans tenir compte des situations ou des contingences favorables ou pas. Autrement s’il est suffisamment qualifié et formé dans les milieux académiques. Ensuite vient l’hypothèse H2 de l’effectuation qui fragilise ou caricature l’hypothèse H1 où l’on considère cette fois-ci que l’entrepreneur réussit son (PCA) s’il sait construire une situation d’opportunité inédite ou imprévue du fait des qualités spécifiques qui lui sont propres tel que le charisme, la personnalité et des capacités individuelles rivales (c’est-à-dire des capacités individuelles presque inégales de par leur nature). Ces deux hypothèses H1 et H2 s’inspirent des travaux de Sarasvathy (publication 2001c, a, b et année suivante). Vient enfin l’hypothèse 3 qui intervient dans cette tension entre H1 et H2 pour leur remise en cause. Pour l’hypothèse 3 (Territoire) l’entrepreneur réussit son (PCA) lorsque celui-ci sait intégrer dans son plan de création d’activité le rôle du territoire disposant des ressources facilitantes (et/ou non contraignantes). Autrement dit, un cadre institutionnel habilitant ou des dispositifs facilitants tels que les politiques publiques de développement et de promotion de l’entrepreneuriat sur le territoire ou sur le lieu d’installation des activités en question. Et dans ce cas pour H3, la formation et les qualifications de l’entrepreneur (H1), son charisme et sa personnalité (H2) importent peu. / This thesis examines the business creation process (BCP) and successful practices reasoning effectuation (effectual logic) combined or not with the reasoning by causation - causal logic of the theory of "cause and effect" among entrepreneurs. From our research question: how do you create a successful business and how it solves-critical incidents related to business creation, we study the steps that entrepreneurs have used in 10th arrondissement of Paris to identify socioeconomic data and unpublished resources and territorial characteristics such as contingencies to succeed in business creation process (BCP). Our research problem leads actually in a logical continuum seeking to understand the processes that followed the activity creating successful projects and the methods of resolution of critical incidents related to business creation.By incident means a difficulty (by extension a problem, an obstacle) that occurs during the project creation and whose consequences can be critical or severe if it is not resolved by the creators of activities. The critical nature (or severe) here refers to what is not in their routine. This means that such an incident can result in the abandonment of the creative process in progress or slow down or lead to its cessation. Therefore, we can assume that their occurrence may be related to the context of the territory (eg, institutional factors or structural conditions of the installation place), type of resources mobilized in question or to the tools and methods used.To answer this research question we selected three research hypothesis, namely: The H1 hypothesis that matches causation (described as dominant approach in enterprise environments creators) where it assumes that the entrepreneur succeeds its business creation process (BCP) it is well trained in the business schools with the right tools (business model) and the right methods (value analysis) that simply replicate or duplicate in any context regardless of situations or contingencies favorable or not. Otherwise if it is sufficiently trained and qualifed in academic circles. Next comes the H2 hypothesis effectuation that weakens or caricature H1 should we consider this time that the entrepreneur succeeds his (BCP) if he can build a situation of unusual or unexpected opportunity of made specific qualities of its own such as charisma, personality and rival individual capacities (that is to say almost unequal individual capacities in nature). These two hypotheses H1 and H2 are based on the work of Sarasvathy (publication 2001c, a, b and following year). Finally comes the hypothesis 3 which is involved in this tension between H1 and H2 for their questioning. For hypothesis 3 (Territory) the entrepreneur succeeds his (BCP) when it can integrate into its business plan to create the role of territory with facilitative resources (not binding). In other words, an institutional framework enabling or facilitating of devices such as policy development and promotion of entrepreneurship on the territory or in the place of installation of these activities. And in this case for H3, training and entrepreneur's qualifications (H1), charisma and personality (H2) is irrelevant.

Dans cette recherche nous nous intéressons à la genèse de deux pièces du dramaturge colombien Enrique Buenaventura (1925-2003) : Un réquiem por el padre Las Casas (Un Requiem pour le père Las Casas, 1963) et Seis horas en la vida de Frank Kulak (ou La encrucijada – Le Croisement –, 1969). Partant toutes les deux de documents préexistants elles ont néanmoins des processus de genèse différents et contrastés. Ainsi, Un réquiem por el padre Las Casas part de l’Histoire des Indes de Bartolomé de Las Casas et des ouvrages historiographiques sur Las Casas et la conquête des Indes, et Seis horas en la vida de Frank Kulak, d’un article de presse de 1969 sur un ex-marine américain qui a posé une bombe à Chicago, que Buenaventura lit dans le contexte d’un projet sur la guerre du Viet Nam au Teatro Experimental de Cali (TEC).Suivant deux concepts proposés par la génétique des genres narratifs (l’exogenèse et l’endogenèse), nous nous sommes intéressés notamment 1) aux particularités de chaque pièce concernant la relation entre la lecture et l’écriture et les modalités de transformation et d’intégration des documents ; 2) au rôle du collectif dans la genèse, notamment l’influence de la création collective qui commençait à ouvrir à la fin des années 1960 un espace important pour que les comédiens du TEC participent activement à la mise en scène. Un réquiem por el padre Las Casas est écrite du début jusqu’à la fin par Buenaventura dans une écriture qui cherche à transformer et s’approprier les matériaux de départ et elle est ensuite mise en scène par Buenaventura lui-même avec le TEC. La genèse de Seis horas en la vida de Frank Kulak traverse de multiples vicissitudes en raison de ses contacts avec la troupe, d’une part, et de l’actualité du sujet, d’autre part : l’atelier du dramaturge et le plateau convergent de plusieurs manières reformulant le projet et la force du présent produit des bouleversements inattendus. Notre recherche nous permet de formuler un changement dans le statut du scripteur chez Buenaventura ainsi qu’une réinterprétation en termes d’exogenèse et d'endogenèse du modèle dynamique d’Almuth Grésillon et Jean-Marie Thomasseau (2005) pour la genèse théâtrale. / This research takes interest in the genesis of two theater plays by Colombian playwright Enrique Buenaventura (1925 – 2003): A Requiem for father Las Casas, 1963, and Six hours in the life of Frank Kulak or The Crossroad, 1969. Both theater plays originate in previous documents and their genesis processes are different and contrasting. On the one hand, A Requiem for father Las Casas originates in History of the Indies by Bartolomé de las Casas and in historic analysis about Las Casas. On the other hand, Six hours in the life of Frank Kulak, originates in a press article from 1969 about a former American marine who explodes a bomb in Chicago in order to protest against the Vietnam war. This article is read by Buenaventura during the development of a theater project about the Vietnam war at Cali’s Teatro Experimental (TEC).Following two concepts suggested by genetic criticism (exogenesis and endogenesis), this research is concerned with 1) the particularities of each play with respect to the reading – writing relation and the documents’ transformation and integration modes; 2) the role of the Theater group in the origin and, in particular, the influence of collective creation that was beginning to create an important space, by the end of the 1960s, for the TEC actors to play an active role in the development of theater plays. A Requiem for father Las Casas is written by Buenaventura from start to end with a writing style trying to transform and make his own the materials from which it originates and later on is directed by Buenaventura himself. The genesis of Six hours in the life of Frank Kulak takes various twists, in part due to the relation to the theater group and, at the same time, due to the subject topicality: Buenaventura’s studio and the play set converge in different ways reformulating the whole project. Also, the importance of the present takes its toll to produce unsuspected alterations. Through this process this research allows to pinpoint a change in the writing identity of Buenaventura; it also proposes a reinterpretation, in terms of exogenesis and endogenesis, of the theater genesis dynamic model by Almuth Grésillon and Jean-Marie Thomasseau (2005).

La présente recherche porte sur l’existence d’un décalage entre la création artistique dans l’art contemporain et l’enseignement des arts plastiques au primaire au Québec. Plus précisément, après avoir observée l’importance de l’intention artistique dans les mécanismes de création des artistes en art contemporain, cette recherche étudie la place que les enseignants spécialisés en arts plastiques lui accordent dans leur enseignement. En partant de la question de recherche, « Au Québec, les enseignants spécialisés en arts plastiques au primaire entretiennent-ils ou non le décalage entre la création artistique contemporaine et l’enseignement des arts, en prenant ou non en compte le développement d’intention artistique chez les élèves lorsque ceux-ci réalisent des créations personnelles dans les cours d’arts plastiques? », ce mémoire est constitué de plusieurs ensembles d’analyses. La distinction des principaux paradigmes artistiques dans cette recherche définit des attributs pour comprendre respectivement leurs impacts sur l’enseignement des arts et pour saisir les différentes représentations que les enseignants spécialisés en arts plastiques au primaire ont de la création artistique, et plus particulièrement dans le paradigme artistique contemporain. Cette distinction permet de confronter deux représentations de la dynamique de création : celle présente dans la notion de processus de création et celle présente dans la notion d’intention artistique. Ainsi, les entretiens semi-dirigés de douze enseignants spécialistes en arts plastiques dans des écoles primaires au Québec renforcent l’existence du décalage, mais aussi nous renseigne sur la faiblesse des acteurs à définir les enjeux actuels de la création artistique. De plus, cette recherche démontre une absence dans le Programme de formation de l’école québécoise (PFEQ) des mécanismes de pensée de la création observée dans le paradigme artistique contemporain. / This research focuses on the existence of a gap between artistic creativity in contemporary art and visual arts education in elementary schools in Quebec. More precisely, after observing the importance of artistic intention in contemporary artists’ creation mechanisms, this research analyzes how art teachers incorporate it (artistic intention) in their teaching. Based on the research question: “Are Quebec primary school art teachers – by not taking into account the student artistic intention in the production of individual art work – maintaining the gap between artistic creativity in contemporary art and visual arts education?” this thesis consists of several sets of analysis. This research defines attributes that outline and distinguish artistic paradigms in order to comprehend their impact on arts education and art teachers’ different representations of artistic creation particularly in the contemporary art paradigm. This distinction allows a comparison between two representations of the dynamics of creation: one in the concept of creative process and another in the concept of artistic intention. The results of the semi-structured interviews of twelve primary school visual art teachers in Quebec confirm the existence of the gap between artistic creativity in contemporary art and visual arts education in elementary schools. Furthermore, this paper also shows a lack of thought in the Quebec Education Program (QEP), for the creation mechanisms present in the contemporary art paradigm.

Qu’est-ce que jouer au XXIe siècle des musiques de la Renaissance ? Prenant acte de ce que la richesse d’une expérience réside dans sa singularité, cette thèse fait le pari de répondre à cette question générale en s’intéressant à un processus particulier : la répétition et l’enregistrement d’une chanson du XVIe siècle par un ensemble spécialisé. Dès lors que l’on s’efforce de prendre les détails au sérieux, il semble que le suivi rapproché de ces musiciens-là, engagés en 2014 dans la performance réitérée de « Suzanne un jour » de Didier Lupi, présente bien un intérêt en tant que tel. Cela permet d’appréhender non seulement ce qui fait advenir et évoluer une proposition musicale, mais également les modalités de l’expérience collective et individuelle afférente. En outre, cette épistémologie singulariste rivée aux détails s’avère fructueuse à d’autres échelles, qu’il s’agisse de revenir sur cinq semaines de l’élaboration d’un projet discographique ou d’écrire cinq siècles d’histoire de « Suzanne ». / What does it mean to play Renaissance music in the 21st century? Taking into account that the depth of an experience derives from its singularity, the present dissertation looks at this general question by focusing on a specific process: a specialized ensemble rehearsing and recording a 16th century song. A close reading of this process makes it clear that there is inherent value in observing musicians in the year 2014 engaged in repeat performances of “Suzanne un jour” by Didier Lupi. This observation clarifies how a musical performance is created and developed and reveals the modalities of the collective and individual experiences involved. Moreover, this detail-oriented and singularist epistemology is useful in other respects, whether to comprehend a five-week recording project or to write a five-century history of “Suzanne.”

Mémoire en recherche-création. / Ce mémoire est un journal de création intime et introspectif. Il s’intéresse aux doutes et difficultés qui peuvent ponctuer la vie de création. Et cette vie, c’est un ensemble complexe, habité par des préoccupations et phénomènes contradictoires : ombre/lumière, intimité/vie publique, solitude/exposition, émission/réception, dedans/dehors. Le filon, derrière tous ces questionnements, est cette recherche d’unité dans la vie de création ainsi que la pacification du processus créatif. Le premier chapitre de ce mémoire s’intéresse à cette tension entre les aspects intérieurs et extérieurs liés à la vie de création. Le deuxième chapitre décrit les outils musicaux utilisés dans les compositions réalisées pendant cette maîtrise et qui font écho aux réflexions exprimées dans le premier chapitre. Y sont abordés, entre autres choses, la narrativité en musique, le jeu sur les hauteurs, la pulsation, l’écriture filmique. Enfin, le troisième chapitre s’intéresse au processus de création, au propos, ainsi qu’au bilan autour des trois œuvres présentées dans le cadre de ce mémoire Abîmes, Rainbow Odyssey : La rédemption et Flots. À-travers le survol de toutes ces préoccupations sont esquissés les contours d’enjeux majeurs ayant tous influencé à leur manière la musique composée durant cette maîtrise. / This essay is an intimate and introspective creation diary. It is about the doubts and difficulties that can punctuate the artistic life. And this life is a complex whole, inhabited by contradictory preoccupations and phenomena: shadow/light, intimacy/public life, solitude/exposure, emission/reception, inside/outside. The vein, behind all these questions, is this search for unity in artistic life as well as the pacification of the creative process. The first chapter of this essay is about this tension between the interior and exterior aspects linked to the life of creation. The second chapter describes the musical tools used in the compositions made during this master's degree and which echo the reflections expressed in the first chapter. It discusses, among other things, narrativity in music, playing with music notes, pulsation, film writing. Finally, the third chapter focuses on the creative process, the subject, as well as the assessment around the three works presented as part of this essay: Abîmes, Rainbow Odyssey: La Rédemption and Flots. Through the overview of all these concerns are sketched the contours of major issues that have all influenced in their own way the music composed during this master's degree.