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Ce travail de doctorat a été rédigé dans le cadre d’une cotutelle internationale de thèse, établie entre l’Université de Limoges et l’Université de Montréal. Nous examinons quatre romans québécois contemporains : Hadassa de Myriam Beaudoin, La Logeuse d’Éric Dupont, Le Fou d’Omar d’Abla Farhoud et Côte-des-Nègres de Mauricio Segura. Les romans ont été publiés entre les années 1998 et 2006. Le plus important objectif est l’étude du lien entre l’hétérolinguisme du roman québécois des années 1995-2010 et la pratique langagière des protagonistes. Nous plaçons les héros littéraires au cœur de notre recherche. Nous procédons par induction, parce que nous décryptons la conception du monde des personnages principaux à partir de leur pratique langagière. Cela nous permet de déterminer les facteurs qui motiveraient le changement de registre et de variété de langue dans des situations spécifiques. Nous nous servons des théories littéraires, linguistiques et sociolinguistiques. L’analyse de la diégèse s’inspire de la théorie de Gérard Genette. Nous nous servons de cinq procédés de différenciation de Philippe Hamon et de deux procédés d’individualisation de Boris Tomachevski pour établir la hiérarchie des personnages. Les résultats de l’analyse diégétique sont reproduits sur le schéma graphique de l’énonciation, qui est notre création. Rainier Grutman décrit l’hétérolinguisme comme « la présence dans un texte d’idiomes étrangers, sous quelque forme que ce soit, aussi bien que de variétés (sociales, régionales ou chronologiques) de la langue principale ». Nous recourons aux travaux de Rainier Grutman (1997) et de Chantal Richard (2004) pour analyser les formes et fonctions de l’hétérolinguisme dans notre corpus. L’approche sociolinguistique s’inspire du modèle variationniste de l’alternance et de l’emprunt de Shana Poplack (1988). / This doctoral degree dissertation has been written for a joint PhD, established between the Université de Limoges and the Université de Montréal. We examine four contemporary Quebecois novels: Myriam Beaudoin’s Hadassa, Éric Dupont’s La Logeuse, Abla Farhoud’s Le Fou d’Omar and Mauricio Segura’s Côte-des-Nègres. The novels were published in Montreal between 1998 and 2006. The most important objective is the study of the link between the heterolingualism of the Quebecois novel during the years 1995-2010 and the linguistic practice of the protagonists. We place literary heroes at the heart of our research. We make an interpretation by induction, as we decrypt the worldview of this literary heroes from the linguistic practice. This will allow us to determine the factors that could motivate the change of register and variety of language in specific situations. We use literary, linguistic and sociolinguistic methods. The analysis of the diegesis is based on Gérard Genette’s narratology theory. We use Philippe Hamon’s five differentiation processes and Boris Tomashevsky’s two individualization processes to establish the hierarchy of the literary characters. The results of the analysis of the diegesis are reproduced on a diagram. This type of diagram is our creation. Rainier Grutman define the heterolingualism like “the use of foreign languages or social, regional and historical varieties in literary texts” (translated by Nicole Nolette). We refer to the works of Rainier Grutman (1997) and Chantal Richard (2004) to analyse the form and function of hetorolingualism in our corpus. A sociolinguistic approach is based on Shana Poplack’s works and her variationist model of code switching and of borrowing (1988).

Marqué par l’afflux des emprunts d’origine anglaise jusqu’à « La Révolution tranquille », l’état de la néologie lexicale québécoise reste aujourd’hui à découvrir. C’est dans cette optique que cette étude cherche à situer la néologie lexicale québécoise à partir d’un corpus des mots récents dont l’analyse démontre que la néologie lexicale québécoise connaît des sources d’enrichissement variées et que sa productivité est différente suivant le type, procédé de formation, origine, etc. du néologisme. Afin de mesurer l’efficacité de la néologie lexicale québécoise, elle s’intéresse également à son actualisation, c'est-à-dire, à sa reconnaissance et fréquence d’usage dans la langue à travers un sondage linguistique réalisé au Québec.Ce travail ouvre des perspectives pour une étude comparée des susdits aspects de la néologie lexicale québécoise avec le français de France. / Marked by the influx of English borrowings until “The Quiet Revolution”, the state of the lexical neologisms in Quebec French today has yet to be researched. In this context, this study seeks to classify lexical neologisms in Quebec French taken from a corpus of words which was recently analyzed and shows that Quebec lexical neologisms have varied sources of enrichment and their difference in productivity dependent on their type, formation process, origin, etc. In order to measure the effectiveness of lexical neologisms in Quebec French, this paper is also interested in its actualization that is its recognition and frequency of use in the language monitored in a linguistic survey conducted in Quebec.This work provides news perspectives and ideas for a comparative study on the aforementioned aspects of lexical neologisms in Quebec French and the French language of France.

O presente estudo tem por objeto o processo de tradução e suas dificuldades a partir da análise da obra La Chasse-Galerie, do escritor franco-canadense Marie-Louis-Honoré Beaugrand (1848-1906). Nosso objetivo é mostrar as diferentes marcas culturais e linguísticas presentes na citada obra e os caminhos percorridos para encontrar uma tradução capaz de transpor, a partir da língua alvo, os mesmos significados e os mesmos sentimentos expressados na língua de partida, sem que a obra parecesse estrangeira aos olhos do leitor. Para atingir esse objetivo, tomamos por base os conceitos teóricos de Eco (2007) sobre a tradução que afirma que quando se traduz nunca se diz a mesma coisa, mas quase e Berman (2002), porque o seu posicionamento é o de que, uma tradução só é boa ou bem sucedida quando o tradutor deixa nela as marcas do estrangeiro, isto é, deixa entrar a cultura do estrangeiro (do texto de partida) para dentro da sua cultura (texto de chegada). / The object of study of the present research is the translation processes and their difficulties. Based on La Chasse-Galerie, the piece of the French-Canadian writer Marie-Louis-Honoré Beaugrand (1848-1906), we aim at demonstrating the various cultural and linguistic aspects present in the mentioned work as well as the methods we used to reach a translation capable of transmitting to the target language the same meanings and feelings expressed in the original language of the tale without making the piece strange to the readers eyes. To meet this goal, we used the translation theory by Eco (2007), according to which something translated never says the same thing, but nearly, and by Berman (2002), because he believes an effective translation is the one which allows the reader to recognize traces of the source text, that is, traces of the original culture.

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Cette thèse de doctorat en études théâtrales propose d’étudier les modèles et pratiques d’écriture du personnage dans les écritures théâtrales québécoises des années 2000, et, à partir de cette analyse à la fois dramaturgique (études de pièces et définition d’une typologie des personnages) et génétique (entrée dans la fabrique de plusieurs auteurs pour comprendre comment ils créent leurs personnages), de définir la ou les figures de l’auteur dramatique dans ce contexte de création. La dramaturgie québécoise présente des survivances du personnage, quand d’autres ne cessent de le remettre en question. Mais loin de perpétuer un réalisme psychologique américain, les auteurs québécois des années 2000 mettent en scène des êtres profondément déterritorialisés dont la profondeur psychologique disparaît au profit d’une profondeur intertextuelle ou métathéâtrale. Ces personnages-créatures invitent à entrer dans la fabrique des auteurs pour interroger le partage des voix qu’ils opèrent afin de détourner un réalisme encore majoritaire dans les dramaturgies d’Amérique du Nord. À partir des pôles d’écriture du personnage que sont la langue, le corps, l’intertexte et la scène, la thèse analyse les pratiques d’écriture de plusieurs auteurs issus de générations et de formations différentes : Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Étienne Lepage et Larry Tremblay. Ces auteurs, qui doivent négocier sans cesse avec une altérité, qu’elle soit réelle (le contexte de production québécois invite les auteurs à échanger avec les autres actants du processus théâtral) ou fictive (les auteurs sont profondément habités par des autres qui parlent à travers eux), se trouvent démultipliés dans le processus d’écriture. Il semble alors que, face à cette démultiplication et à la difficulté de plus en plus grande pour l’auteur de faire entendre sa voix, les auteurs québécois choisissent le chemin de l’autopoïétique et exploitent dans leurs dernières créations leur moi d’auteur comme un matériau et comme un hyperpersonnage surplombant la fiction. C’est alors une voix de l’écriture unifiée, toujours aux limites de l’autofiction et de l’autobiographie, qui habite des dramaturgies qui ne seraient plus capables de faire advenir l’autre, un personnage entièrement détaché de la voix de son créateur. / The purpose of this doctoral thesis in drama studies is to investigate the models and practices in character writing in Quebecois drama in the years 2000, and from this investigation, which will have both a theatrical approach – through the study of plays and the elaboration of a typology of characters – and genetic – by entering into the authors’ factory to understand how they create their characters –, to identify the figure(s) of the playwright in this creative context. In Quebecois playwriting, characters still survive, while they are constantly questioned in other writing contexts. However, far from perpetuating realism as it prevails in American character writing, Quebecois authors in the years 2000 create deeply deterritorialized characters whose psychological depth disappears to make room for intertextual and metatheatrical profoundness. These creature-characters invite us into the authors’ factory to examine the sharing of voices they perform so as to circumvent North American drama’s still dominant realism. The four poles of character writing – language, body, intertext and stage – will then allow us to analyze the writing practices of several authors who belong to different generations and followed different trainings: Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Etienne Lepage and Larry Tremblay. These authors, who constantly have to deal with an otherness whether it is real – the production contexts in Quebec lead authors to interact with the other actors of drama’s creative process – or fictional – authors are deeply inhabited by others who speak through them –, find themselves demultiplied inside the writing process. It then seems that, when facing this demultiplication and the growing difficulty to make their voice heard, authors in Quebec are chosing the path of autopoiesis and using their “I” as authors in their latest creations as a material and as a supercharacter which dominates fiction. The act of writing then acquires a unified voice, constantly on the fringe of autofiction and autobiography, which inhabits plays that would may no longer be able to bring forth the other, a character which would be entirely separated from its creator’s voice.

Cette thèse trace et interroge le passage qui s’est opéré au cours des quarante dernières années dans la dramaturgie québécoise, soit le passage d’une écriture de l’identitaire à celle de l’individu. La lecture privilégiée sera de l’ordre de la sociocritique du texte dramatique et elle permettra d’identifier les stratégies discursives et poétiques autoréflexives d’une pratique théâtrale qui puise ses tropes aux littératures de l’intime. Ainsi, les pièces à caractère biographiques et les relectures historiques sont étudiées au même titre que celles qui se revendiquent de l’autobiographie, de l’autofiction et de l’autoreprésentation. Ces dernières caractérisent la production théâtrale québécoise récente. Après avoir été résolument politique et axée sur la langue, la dramaturgie québécoise, longtemps considérée écriture-miroir d’un peuple dont la nation est en perpétuel devenir, aujourd’hui s’intéresse d’abord à elle-même, à sa littérarisation, voire à ses praticiens préoccupés par la place qu’ils occupent dans un milieu plus exiguë, plus marginalisé dans l’ensemble de la société québécoise. Le devenir sociétal a-t-il été substitué par la préoccupation du devenir individuel, non pas comme exemplum, mais comme manifestation d’un sentiment d’unicité? La thèse examine l’émergence d’une dramaturgie tributaire des pratiques autographiques de ses praticiens. Le discours théâtral est à nouveau en accord avec le discours social, sauf que cette fois, le reflet que renvoie le miroir est celui d’une société d’individus préoccupés par leur propre devenir. / This thesis traces and investigates the transition in Quebec drama over the last forty years from writing driven by collective identity to writing driven by the individual. The reading of the dramatic texts draws on a socio-critical approach, identifying discursive strategies and the poetics of self-representation in a theatrical tradition seen to be borrowing its devices from intimate literature. Consequently, biographically inflected plays and epic plays reinterpreting history are studied alongside the more explicitly autobiographical, autofictional, and self-reflective works that have come to typify recent Quebec theatre production. After having been resolutely political and language-based, Quebec drama—long considered reflective of the national aspirations of a people in a state of ongoing redefinition—is now interested primarily in itself as a literary trope. Theatre practitioners have become preoccupied with the narrowing space they occupy in Quebec society. Has the social process of becoming [“le devenir” in the Deleuzian sense] been replaced by an overwhelming preoccupation with the individual sense of becoming, not as a stated exemplum, but rather as the manifestation of a sense of uniqueness? The thesis examines the emergence of a self-reflective dramaturgy celebrating the autobiographical practices its artists are engaged in. Thus theatrical discourse is again in step with social discourse in Quebec, except that the dramatic mirror is reflecting a society of individuals preoccupied with their own personal sense of accomplishment.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

La fin des années 1960 et le début des années 1970 au Québec sont marqués par une ample vague d’affirmation identitaire à laquelle participent les écrivains, dramaturges, chansonniers et monologuistes de l'époque. Durant leur premier cycle de créations (1969-1971), le Grand Cirque Ordinaire et le Théâtre du Même Nom, deux collectifs d’acteurs, chefs de file du Jeune Théâtre, prennent part à ce mouvement. Ce projet de recherche entend analyser la pratique des deux collectifs en tissant des liens avec les traditions théâtrales qui l'ont précédée. Avant l'émergence d'une conscience nationale québécoise durant la fin des années 1960 (québécité), les scènes du Québec sont marquées par deux courants : la francité et l'américanité. L'influence de ces derniers sur la pratique du Grand Cirque Ordinaire et du Théâtre du Même Nom peut être éclairée par les notions de culture première et de culture seconde (Dumont, 1968). Les acteurs des deux troupes sont formés dans les écoles de jeu montréalaises (École Nationale et Conservatoire de Montréal) selon les principes du théâtre d'art français. Au moment de se constituer en collectif, ils rejettent cette culture seconde – qui leur apparaît étrangère, élitiste, universaliste – et se revendiquent de la tradition locale et populaire du burlesque. Dans leur pratique, le GCO et le TMN s'inspirent de l'américanité et renouvellent globalement l'approche du jeu et du théâtre qui leur a été transmise à l'école. Ainsi, deux conceptions du jeu s'opposent, l'une dans laquelle l'acteur répond aux besoins du texte en sa qualité d'interprète, l'autre dans laquelle il apparaît davantage créateur et polyvalent. Sur le plan du contenu, les collectifs québécois renouvellent le réalisme canadien-français de Gratien Gélinas et de Marcel Dubé en questionnant et en critiquant la culture québécoise (famille, religion catholique, condition ouvrière) dans leurs spectacles. D'un point de vue scénique, ils développent une esthétique originale : le « nouveau réalisme québécois ». Largement inspirée des procédés brechtiens, elle se définit comme un condensé de réel, une version dessinée à gros traits de celui-ci. Finalement, cette esthétique scénique se caractérise par son aspect québécois, populaire et critique.

Les nouvelles modalités d’énonciation explorées par le théâtre contemporain remettent en question la notion traditionnelle de dialogue. L’usage plus extensif du monologue, souvent considéré à tort comme s’inscrivant à l’opposé du dialogue et utilisé avec parcimonie dans le théâtre classique, conquiert la scène autant au Québec qu’à l’international et instaure un nouveau rapport entre la scène et la salle. Le volet création, I Sorel, explore comment trois solitudes se rencontrent sans se parler à travers un lieu partagé et par le jeu des croisements entre les monologues. Inspirée par l’art japonais du kintsugi, la pièce cherche à dévoiler la beauté des fissures et des imperfections de la langue, des lieux et des gens. L’essai porte sur l’usage singulier qui est fait des monologues au sein de Billy [les jours de hurlement] et en interroge les modalités et les effets sur l’élaboration de l’action dramatique et sur la construction du rapport au spectateur. / The new modalities of enunciation explored by contemporary theater challenge the traditional notion of dialogue. A more extensive use of the monologue, often mistakenly considered to be the opposite of dialogue and used sparingly in classical theater, is conquering the stage both in Quebec and internationally, establishing a new relationship between the stage and the audience. The creation, I Sorel, explores how, through a shared space and by the way their lonely voices intertwine, three solitudes meet without speaking. Inspired by the Japanese art of kintsugi, the play aims to reveal the beauty in the cracks and imperfections of language, places and people. The essay examines the singular use of monologues in Billy [les jours de hurlement] and questions their modalities and effects on the elaboration of the dramatic action and on the relationship the play establishes with its spectator.