Dans cette recherche, nous présentons le concept de "Réalité Évoquée" (" Evoked Reality ") afin d'essayer de relier différentes notions entourant la présence et la réalité au sein d'un cadre commun. Nous introduisons et illustrons le concept en tant que " illusion de la réalité " (Réalité Évoquée) qui évoque un " sentiment de présence " (Présence Évoquée) dans nos esprits. Nous distinguons les concepts de " Réalité Média-Évoquée " et " Réalité Auto-Évoquée " et nous les définissons clairement. Le concept de " Réalité Évoquée " nous permet d'introduire un modèle tripolaire de la réalité, qui remet en cause le modèle classique des deux pôles. Nous présentons également un modèle graphique appelé " Reality-Presence Map " (Carte Réalité-Présence) qui nous permet de localiser et d'analyser toutes les expériences cognitives concernant la présence et la réalité. Nous explorons également les qualia et la subjectivité de nos expériences de Réalité Évoquée. Deux expériences ont été réalisées : l'une dans le domaine de la Réalité Média-Évoquée et l'autre dans celui de l'Auto-Évoquée. Les expériences nous ont permis de valider nos hypothèses et de réaliser que nos recherches empiriques pouvaient encore être poussées plus loin encore. Enfin, nous illustrons les différentes implications et nous examinons les applications et les utilisations possibles de notre concept, en particulier dans le domaine de la recherche sur la présence. En outre, nous proposons d'étendre la recherche sur la présence au-delà du domaine de la réalité virtuelle et des moyens de communication et de l'étudier dans une perspective plus large que celle des sciences cognitives. Nous sommes convaincus que ce concept de Réalité Évoquée et le modèle proposé peuvent avoir des applications significatives dans l'étude de la présence et dans l'exploration des possibilités qui dépassent la réalité virtuelle.

La machine hollywoodienne se distingue par son emprise sur la consommation internationale de cinéma. Notamment, la récurrence des figures présentées dans le cinéma issu des grands studios de production influencerait non seulement les attentes du public relativement à la forme (durée, structure scénaristique, effets spéciaux), mais aussi la perception de l'histoire, des valeurs, de « l'Amérique » et du trépas. Une de ces figures tient dans les représentations de la mort du héros dans le finale hollywoodien, à laquelle cette recherche se consacre, et ce, à travers la récurrence des figures et leur portée idéologique. C'est sur cette question principale que s'adosse la structuration conceptuelle du mémoire qui est traduite en cadre d'interprétation. Celui-ci s'inspire des concepts de l'École de Francfort sur l'industrie culturelle, des travaux sur l'idéologie du cinéma américain d'Anne-Marie Bidaud, et d'un certain nombre d'auteurs sur les aspects du mythe (Joseph Campbell) et de la représentation de la mort (Louis-Vincent Thomas, Edgar Morin). Nous avons constitué un corpus de 12 films issus de la production hollywoodienne (300, Avatar, Easy Rider, Gladiator, lnglourious Basterds, Pearl Harbor, Public Enemies, Saving Private Ryan, Scarface (1932), Scarface (1983), Titanic, Troy). Ces films, choisis pour leur succès à l'échelle internationale et/ou leurs caractéristiques particulières en regard de la production des grands studios, s'avèrent pertinents pour une analyse s'effectuant sous l'angle des représentations de la mort du héros, particulièrement éloquentes de l'idéologie inscrite dans le finale. On sait que Hollywood produit des films en fonction de marchés donnés, que les productions sont formatées selon des genres précis déclinant leurs propres codes (historique, gangster, drame, péplum, action, fantastique, guerre) et que les finales hollywoodiens, surtout ceux des blockbusters, sont reconnus pour recourir au happy end. Ce schéma récurrent, manifeste dans l'analyse film à film du corpus, est exploré dans la dynamique « mythidéologique » à l'œuvre, mettant en relief des ressorts idéologiques précis, qui traversent les procédés de représentation de la mort et ce qu'en tirent les vivants. Il nous est apparu évident en conclusion qu'en esthétisant la mort, Hollywood renforce une certaine vision de la vie humaine. Peu importe les détours scénaristiques, les films et les héros, les grands studios nous ramènent à une impitoyable finalité : le monde dans lequel nous vivons doit être préservé tel qu'il est. Ceux qui sauront donner leur vie à la reconduction de ce projet de société seront récompensés et les autres, sanctionnés et privés de la rétribution symbolique réservée aux héros. En fait, il ressort nettement que dans les films à l'étude, il n'y a pas de sacrifice du héros sans que la mise en scène le compense par des dispositifs pour évoquer la survivance symbolique du sacrifié, illustrer son immortalité ou justifier son amortalité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Cinéma, Happy end, Mort, Mythe, Rêve américain

Ce travail est une analyse du concept de représentation tel qu'il peut s'élaborer à partir de la symbolique des quatre éléments (air, terre, eau, feu) dans des textes aussi bien religieux ou littéraires que philosophiques. A travers les notions voisines de participation, d'analogie, de pli ou de chair qui posent le problème du rapport de l'âme au corps, nous cernons peu à peu la représentation comme une prise de conscience saisissante qui, paradoxalement, correspond à un acte de distanciation du sujet par rapport à son monde. Quel est le statut de cette "présence-absence"? C'est non seulement le rapport du subjectif à l'objectif qui est interrogé mais aussi de façon plus générale celui de l'intimité à l'altérité. Nous tentons de montrer comment ces matières premières que sont les quatre éléments, "hormones de l'imagination" selon Gaston Bachelard, figurent concrètement la problématique d'une médiation entre le sensible et l'intelligible. Ils articulent en effet nos perceptions à diverses symbolisations par un recours à l'image. En ce sens, on peut les définir comme de véritables métaphores d'un processus de représentation ouvert sur la réflexion et la création. Au-delà de l'analyse d'une articulation entre la sensation et l'idée, c'est bien la question du sens qui est posée : que se joue-t-il, affectivement, dans notre attention au monde ? Comment la littérature utilise-t-elle la symbolique des éléments afin d'extérioriser la subjectivité et de partager une spiritualité commune ? Pourquoi les hommes ont-ils besoin de mettre leur vie en scène et de lui accorder une dimension sacrée ? / Confronting different philosophical, religious and literary pieces of work, this thesis studies the concept of representation through the use of the four elements: Air, Earth, Water and Fire. Through the similar notions of participation, analogy, fold or flesh which bring up the question of relationship between body and soul, we realize that the representation, or staging, is an obvious way to understand this relationship, and is also, paradoxically, a way for the subject to put a distance between himself and the world. How can we understand this "presence-absence" ambivalence? In order to do it we have to question the relationship between objectivity and subjectivity and furthermore the one between intimacy and otherness. We want to demonstrate that these four elements, these raw materials also known as "hormones of the imagination" in Gaston Bachelard's work, are, in practical terms, a link between our senses and our mind. Using the medium "image" they help us to understand how we perceive different symbolisms. Therefore, they are metaphors of a representation process open upon the thinking and the creative worlds. Beyond studying the connection between feelings and thoughts, we are interested in the senses themselves: how do they affect our perception of the world? How does literature use the symbolic nature of the elements in order to express a subjectivity and to share a common spirituality? Why do human beings need to dramatize life and add a sacred dimension to it?

Cette thèse se propose d’analyser les manifestations oniriques (rêve, hallucination, projection mentale) dans six films de Terry Gilliam réalisés entre 1985 et 2009 : Brazil, Fisher King, L’Armée des douze singes, Las Vegas parano, Tideland et L’Imaginarium du docteur Parnassus. Après avoir déterminé l’étendue et les limites de l’espace onirique, la première partie en décrit les principales caractéristiques sur le plan dramatique (organisation et place des manifestations dans les films) et sur le plan formel (effets oniriques). La deuxième partie s’intéresse plus particulièrement au corps du héros "gilliamien", qui sert d’interface entre le réel et l’onirisme, en insistant sur trois points : le mouvement du corps, l’importance accordée au regard et la capacité de dédoublement. Enfin, la troisième partie aborde les manifestations oniriques sous l’angle de la dimension critique à l’œuvre dans ces six films. À partir d’une vision pessimiste de l’existence tempérée par des notes d’espoir, Gilliam remet en cause les sociétés occidentales contemporaines, leur matérialisme et leur idéologie libérale. / This Ph.D. attempts to analyse the numerous dreamlike scenes (dreams, hallucinations, mind projections) to be found in six films directed by Terry Gilliam from 1985 to 2009: Brazil, The Fisher King, Twelve Monkeys, Fear and Loathing in Las Vegas, Tideland, and The Imaginarium of Doctor Parnassus. The first part delineates the range and limits of the dreamlike occurrences as well as their main characteristics, both on the dramatic side (the organisation and distribution of dreamlike scenes) and on the formal side (dreamlike effects). The second part deals with the main character’s body as an interface between the “real world” and the dream world depicted by the films, laying emphasis on three aspects: the body language, the all-important gaze and the hero’s ability to split himself in two. Finally, the third part studies how the dreamlike scenes contribute to build up Gilliam’s critical stance toward the modern world. Informed by a pessimistic view on human life barely alleviated by some glimpses of hope, Gilliam challenges the contemporary occidental societies, which he sees as suffused with materialism and a free-enterprise ideology.

Dans cette étude nous nous proposons de mettre au jour ce qui assure la cohérence du texte dans quatre récits autobiographiques d’André Breton : Nadja, Les Vases communicants, L’Amour fou et Arcane 17. Nous proposons de les appeler « tétralogie » bretonienne. Après avoir montré que les approches en narratologie ne sont pas adaptées à cette fin, nous verrons que l’argumentation ayant pour but de transmettre l’idée du surréalisme donne un cadre intégrateur à ces récits pour en assurer la cohérence. Chaque texte doit selon nous être considéré comme une situation de communication entre le lecteur et l’auteur, c’est-à-dire dans sa dimension pragmatique et énonciative. L’illustration photographique, présente dans trois récits de la « tétralogie », fait partie des moyens mis en œuvre par l’acte d’argumenter. Elle contribue au mieux à cette communication-argumentation. Nous démontrons que ces récits doivent être considérés comme des « livres illustrés » modernisés par la photographie. Dans cette optique, nous examinons le rôle et l’évolution de la photographie à travers la « tétralogie ».Nous montrons que la situation de communication est figurée dans chacun des quatre récits comme un espace théâtral car chacun d’eux est construit comme un théâtre virtuel et fantasmatique. La théorie freudienne du rêve et du théâtre nous permet d’explorer la théâtralité de la « tétralogie » tout en résolvant le paradoxe du théâtre chez BRETON. / This study aims at clarifying the textual coherence in four autobiographical narratives of the Surrealist Poet André Breton: Nadja, Les Vases communicants, L’Amour fou and Arcane 17, which we propose to call “bretonian tetralogy”. Our main thesis is the central importance, in this “tetralogy”, of acts and means of convincing the reader of the genuineness of Surrealism. And the author succeeds in establishing a dynamic tête-à-tête relation with his reader, which endows each narrative with its inward coherence. Photography plays a key role in this rhetoric scheme, and we put forward the interpretation of “bretonian tetralogy” as a variation of 19th century’s illustrated book modernized by the medium and visualization device. On the basis of Freud’s theory about dream and theatricality, we demonstrate that these narratives must be considered as virtual theatres since incorporated theatricality is a way of reminding and exploiting, in the shape of a text, the discourse situation underway between communication partners; Breton and his reader.

Penser l’île de manière théorique, comme espace de la finitude, de l’isolement, mais aussi lieu comme espace primordial pour l’étude du changement, est nécessaire ; même si à première vue la théorie ne semble pas souvent être en phase avec la "réalité". Cette recherche proposera donc une traversée du XXe siècle, afin de mener une observation des changements majeurs ayant marqué les espaces insulaires (principalement les îles intégrées dans le giron de l’Union Européenne), et les progressives prises de conscience des déséquilibres créés. Deux archipels servent de supports à cette réflexion : les Açores (Portugal) et les Hébrides (Ecosse, Royaume-Uni). Une idée centrale teinte ce voyage : même face à un passé marqué par les dépendances (économique, politique, énergétique…), par la déprise et des problèmes environnementaux, subsiste toujours un potentiel permettant de réinventer ces îles, les faisant évoluer vers des logiques nouvelles. Ce potentiel surgit en s’appuyant sur l’image idéelle et rêvée de l’île que nous portons tous en nous ; nos représentations d’une île qui n’existe souvent plus (ou qui n’a jamais existé), mais qui vit dans les esprits et nous fait rêver. En ce début de XXIe siècle n’est-on pas en train d’assister à l’émergence d’une nouvelle insularité, où île réelle et île rêvée peuvent enfin coïncider ? / Theoretically considering the islands as ended and isolated spaces but also as important spaces for studies of changes is a necessity, even if theory does not seem to match reality at first sight. This work provides an understanding of the major changes that marked islands spaces, and the progressive awakening of consciousness about the imbalances caused by these changes all through the XXth century. It is based on the study of two archipelagos: the Azores (Portugal) and the Hebrides (Scotland, UK). One major idea units this work: despite a past marked by various dependences (economy, politics, energy, etc.), environmental problems and land abandoning, islands can still evolve by using completely new ways of thinking. This capacity to evolve easily rises from perceptions and dreams we all have concerning islands, sometimes based on ideas of islands that often exists no more (if they had ever existed) but persist in our mind and make us dream. Nowadays, at the beginning of the XXIst century, are we not witnessing the rise of a new way of thinking islands, where real island and dreamed island can be combined?

Cette thèse se propose d'étudier les aspects de la relation entre littérature, illusion et sens dans le corpus d'Alessandro Baricco, comprenant aussi bien son travail d’essayiste que ses œuvres de fiction. Nous convoquons de la sorte ses recueils de Barnum (1995) à Una certa idea di mondo (2013), des essais comme Next ou I barbari (2002 et 2008) et ses romans de Castelli di rabbia (1991) à La Sposa giovane (2015) – qui peuvent être analysés de différentes manières, stylistiquement, thématiquement, de manière détaillée ou partielle selon les besoins de l’argumentation. Compte tenu de l'ampleur du sujet, relevant tout autant de problématiques philosophiques que de questions sémiologiques, l’étude est focalisée sur la dialectique entre illusion de (la) réalité et vérité fictionnelle, à travers plusieurs prismes. Nous parcourons ainsi les illusions de la postmodernité en tant que nouvelle ère culturelle et littéraire, les remises en cause de l’illusion référentielle, notamment par le biais de l’aspect figural, soit l’exemplarité des personnages baricchiens. Symptomatiques de la tension entre fiction et réalité, eux-mêmes porteurs de thématiques dialoguant avec l’illusion, telles que le désir, le rêve, l’idée de destin, ils nous permettront d’ouvrir la réflexion sur les influences, la résistance, voire la subversion d’une voix narrative qui répond au réel, le conteste ou le diffracte jusqu’à l’émergence d’une autre signifiance. / This thesis intends to study the aspects of the relationship between literature, illusion and meaning in Alessandro Baricco’s corpus, including both essays and novels. We take interest in his collections, from Barnum (1995) to Una certa idea di mondo (2013), as well as his essays such Next or I barbari (2002 and 2008) and his novels from Castelli di rabbia (1991) to La Sposa giovane (2015) – which can be analyzed in various manners, stylistically, thematically, in detail or partially according to the argumentation’s needs. Given the extent of the subject, raising as many philosophical problems as semiotic questions, the study is focused on the dialectic between illusion of (the) reality and fictional truth, through several prisms. We traverse this way the illusions of postmodernity, as a new cultural and literary era, the reassessment of the referential illusion, especially through the figural aspect, that is the exemplary nature of baricchiens characters. Symptomatic of the tension between fiction and reality, they carry themselves themes relating to the illusion, such as desire, dream, the idea of fate. They will enable us to open reflection on the influence, resistance, even the subversion of a narrative voice that responds to reality, contests it or diffracts it until the emergence of another significance.

Cette thèse propose d’étudier l’entre-deux du rêve et de la veille sous un angle cosmologique. Notre hypothèse est que chacun des textes du corpus véhicule une vision particulière du monde médiée par un plan interstitiel à travers lequel les protagonistes négocient leur identité ainsi que leur rapport au monde, notamment en contexte d’apocalypse culturelle. Dans le chapitre zéro, nous inscrivons notre propos dans le champ discursif contemporain s’attelant à réévaluer le concept de « grand partage » sur lequel se base l’ontologie moderne (Descola, Latour, Morin). Cette déconstruction nous amène à considérer le rapport de médiation que rêve et réel peuvent entretenir dans un contexte de crise de l’imagination (Augé), de sorte à interroger le type de réel porteur d’avenir que cette logique dialectique (Benjamin) permet d’envisager. À l’aune de ce dispositif épistémologique, le premier chapitre s'intéresse au roman La Chouette aveugle (Bouf-e-kour) de l’Iranien Sadegh Hedayat (1936). À travers l’entre-deux du rêve et de la veille, transparaît l’effondrement de la cosmologie perse antique, qu’un ange-femme signifie au narrateur en ve-nant mourir dans son lit ; l’analyse herméneutique et sémantique du texte révèle le basculement d’une vision du monde prémoderne, basée sur le déchiffrement du Réel imaginal par l’« angélophanie » (Corbin), à une perspective spectrale soumettant le présent à l’intempestivité d’une origine irrévocablement morte (Derrida). Dans le second chapitre, l’analyse de Poussière d’or (al-Tibr) du Touareg Ibrahim al-Koni (1990) fait apparaître l’entre-deux comme le socle d’une structure cosmique où les êtres s’opposent et se complètent entre visible et invisible (Claudot-Hawad) ; à travers la descente aux enfers que vit le protagoniste entre rêve et veille, l’étude cosmologique dévoile toute une écologie qui étend le territoire de l’humain à travers celui de l’esprit et de l’animal, de sorte à le faire accéder à « l’unité de l’existence » dont le désert est l’équation. Le troisième et dernier chapitre se consacre à l’analyse du Port intérieur d’Antoine Volodine (1995), et du post-exotisme en général, qui imagine l’entre-deux du rêve et de la veille comme un médium de transmigration ; nous proposons de voir comment l’apocalypse, sans cesse réactivée, lève le voile sur l’horreur du réel que les personnages réélaborent dans une éternelle transition. Enfin, la mise en écho de ces trois œuvres permet de considérer la capacité du rêve à générer du réel au seuil de l’inconnu de l’avenir, que la littérature invite à reconcevoir par le biais d’une refondation cosmologique. / This dissertation aims to study the in-between of dreams and wake from a cosmological angle. We will argue that every text of our corpus conveys a particular vision of the world mediated by an interstitial level, through which the characters negotiate their identity and relationship with the world, notably in a context of cultural apocalypse. In chapter zero, we situate our statement vis a vis the contemporary field of discourse aiming to re-evaluate the concept of ‘‘Great Divide”, on which modern ontology is based (Descola, Latour, Morin). This deconstruction leads us to con-sider the mediation link interrelating dreams with reality in a context of imagination crisis (Augé), so as to interrogate the type of forward-looking reality that the dialectical logic (Benja-min) makes us consider. In light of this epistemological device, the first chapter focuses on the novel The Blind Owl (Bouf-e-kour) by Iranian writer Sadegh Hedayat (1936). Between the states of dream and wake is revealed the collapse of ancient Persian cosmology, signified to the narra-tor by a female angel coming to die in his bed. The hermeneutic and semantic analysis of the text reveals the shift from a premodern vision of the world, based on the deciphering of the Imaginal Real through « angélophanie » (Corbin), to a spectral perspective subjecting the present to an irrevocably dead origin (Derrida). In the second chapter, the Tuareg Ibrahim al-Koni’s (al-Tibr, 1990) Gold Dust shows the in-between as the pedestal of a cosmic structure where beings op-pose and complement each other between the visible and the invisible (Claudot-Hawad). Through the protagonist’s descent into hell between dream and wake, a cosmological study re-veals an ecology extending human territory through the spirit and animal domains, so as to make it reach the ‘‘unity of existence’’ which desert is the equation. The third and final chapter is de-voted to the analysis of Antoine Volodine's Le Port intérieur (1995) and post-exoticism in gen-eral, which describes the in-between as a transmigration medium. We aim to investigate how the apocalypse, constantly reactivated, lifts the veil on the horrific reality that the characters reimag-ine in an eternal transition between life and death, dream and wake. Finally, the echoing of these three works leads us to question the dream's ability to generate reality on the threshold of the future’s unknown, which literature invites us to redesign through a cosmological refoundation.

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Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.