Le but de cette recherche est de démontrer qu'en présence d'un texte contemporain où souvent le langage est déconstruit, la fable éclatée, le texte fragmenté, le personnage inexistant, les acteurs peuvent se donner des outils de création, en puisant dans l'approche des actions physiques de Stanislavski, pour investir leur interprétation d'une présence forte et constante. Pour réaliser ce mémoire-création, nous travaillerons sur un texte de Falk Richter, Electronic City, qui représente parfaitement les défis auxquels les acteurs sont confrontés avec les nouvelles formes d'écriture. Nous débuterons notre recherche par une identification plus concrète de ces nouvelles formes et des difficultés qu'elles génèrent pour la scène. Identifiée comme théâtre néodramatique, la pièce de Richter est un « théâtre des voix » constituée en majeure partie de textes narratifs divisés entre de nombreux locuteurs non-identifiés. Ce texte nous amènera à faire un travail sur la choralité, le rythme et la musicalité. Au-delà de la fonction de « porte-parole », les acteurs peuvent-ils prendre appui sur la méthode des actions physiques de Stanislavski pour donner un corps à leurs voix? Certains éléments de l'approche stanislavskienne peuvent s'appliquer à tous les genres de textes, peu en importe la nature; d'autres éléments ne fonctionnent qu'en partie ou demandent un travail d'adaptation et finalement, certains principes ne peuvent tout simplement pas se prêter à l'exercice. Nous porterons notre attention sur le superobjectif, les circonstances proposées, les explorations intelligentes, les explorations par études, les événements, l'évaluation des faits et le monologue intérieur. Grâce à des publications récentes en français, on redécouvre un aspect méconnu du travail de Stanislavski centré sur ce qu'il considère le cœur du théâtre : l'action. Cette approche rejoint les pratiques actuelles du théâtre puisque Stanislavski privilégiait la notion d'acteur-créateur et la présence vraie de l'être humain sur scène. Nous souhaitons donc travailler dans le sens de la vérité scénique, de l'effet de réel, à travers une approche qu'utilise aussi Falk Richter, l'écriture de plateau. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Stanislavski, analyse-action, dramaturgie contemporaine, acteur, jeu.

L'utilisation de systèmes multi-caméras est de plus en plus populaire et il y a un intérêt croissant à résoudre les problèmes de vision par ordinateur dans ce contexte particulier. L'objectif étant de ne pas se limiter à l'application des méthodes monoculaires mais de proposer de nouvelles approches intrinsèquement orientées vers les systèmes multi-caméras. Le travail de cette thèse a pour objectif une meilleure compréhension du problème de segmentation multi-vues, pour proposer une nouvelle approche qui tire meilleur parti de la redondance d'information inhérente à l'utilisation de plusieurs points de vue. La segmentation multi-vues est l'identification de l'objet observé simultanément dans plusieurs caméras et sa séparation de l'arrière-plan. Les approches monoculaires classiques raisonnent sur chaque image de manière indépendante et ne bénéficient pas de la présence de plusieurs points de vue. Une question clé de la segmentation multi-vues réside dans la propagation d'information sur la segmentation entres les images tout en minimisant la complexité et le coût en calcul. Dans ce travail, nous investiguons en premier lieu l'utilisation d'un ensemble épars d'échantillons de points 3D. L'algorithme proposé classe chaque point comme "vide" s'il se projette sur une région du fond et "occupé" s'il se projette sur une région avant-plan dans toutes les vues. Un modèle probabiliste est proposé pour estimer les modèles de couleur de l'avant-plan et de l'arrière-plan, que nous testons sur plusieurs jeux de données de l'état de l'art. Deux extensions du modèle sont proposées. Dans la première, nous montrons la flexibilité de la méthode proposée en intégrant les mélanges de Gaussiennes comme modèles d'apparence. Cette intégration est possible grâce à l'utilisation de l'inférence variationelle. Dans la seconde, nous montrons que le modèle bayésien basé sur les échantillons 3D peut aussi être utilisé si des mesures de profondeur sont présentes. Les résultats de l'évaluation montrent que les problèmes de robustesse, typiquement causés par les ambigüités couleurs entre fond et forme, peuvent être au moins partiellement résolus en utilisant cette information de profondeur. A noter aussi qu'une approche multi-vues reste meilleure qu'une méthode monoculaire utilisant l'information de profondeur. Les différents tests montrent aussi les limitations de la méthode basée sur un échantillonnage éparse. Cela a montré la nécessité de proposer un modèle reposant sur une description plus riche de l'apparence dans les images, en particulier en utilisant les superpixels. L'une des contributions de ce travail est une meilleure modélisation des contraintes grâce à un schéma par coupure de graphes liant les régions d'images aux échantillons 3D. Dans le cas statique, les résultats obtenus rivalisent avec ceux de l'état de l'art mais sont obtenus avec beaucoup moins de points de vue. Les résultats dans le cas dynamique montrent l'intérêt de la propagation de l'information de segmentation à travers la géométrie et le mouvement. Enfin, la dernière partie de cette thèse explore la possibilité d'améliorer le suivi dans les systèmes multi-caméras non calibrés. Un état de l'art sur le suivi monoculaire et multi-caméras est présenté et nous explorons l'utilisation des matrices d'autosimilarité comme moyen de décrire le mouvement et de le comparer entre plusieurs caméras. / There has been a growing interest for multi-camera systems and many interesting works have tried to tackle computer vision problems in this particular configuration. The general objective is to propose new multi-view oriented methods instead of applying limited monocular approaches independently for each viewpoint. The work in this thesis is an attempt to have a better understanding of the multi-view object segmentation problem and to propose an alternative approach making maximum use of the available information from different viewpoints. Multiple view segmentation consists in segmenting objects simultaneously in several views. Classic monocular segmentation approaches reason on a single image and do not benefit from the presence of several viewpoints. A key issue in that respect is to ensure propagation of segmentation information between views while minimizing complexity and computational cost. In this work, we first investigate the idea that examining measurements at the projections of a sparse set of 3D points is sufficient to achieve this goal. The proposed algorithm softly assigns each of these 3D samples to the scene background if it projects on the background region in at least one view, or to the foreground if it projects on foreground region in all views. A complete probabilistic framework is proposed to estimate foreground/background color models and the method is tested on various datasets from state of the art. Two different extensions of the sparse 3D sampling segmentation framework are proposed in two scenarios. In the first, we show the flexibility of the sparse sampling framework, by using variational inference to integrate Gaussian mixture models as appearance models. In the second scenario, we propose a study of how to incorporate depth measurements in multi-view segmentation. We present a quantitative evaluation, showing that typical color-based segmentation robustness issues due to color-space ambiguity between foreground and background, can be at least partially mitigated by using depth, and that multi-view color depth segmentation also improves over monocular color depth segmentation strategies. The various tests also showed the limitations of the proposed 3D sparse sampling approach which was the motivation to propose a new method based on a richer description of image regions using superpixels. This model, that expresses more subtle relationships of the problem trough a graph construction linking superpixels and 3D samples, is one of the contributions of this work. In this new framework, time related information is also integrated. With static views, results compete with state of the art methods but they are achieved with significantly fewer viewpoints. Results on videos demonstrate the benefit of segmentation propagation through geometric and temporal cues. Finally, the last part of the thesis explores the possibilities of tracking in uncalibrated multi-view scenarios. A summary of existing methods in this field is presented, in both mono-camera and multi-camera scenarios. We investigate the potential of using self-similarity matrices to describe and compare motion in the context of multi-view tracking.

Je traite le théâtre d'Alexandre Dumas, et relation avec son public, ainsi que la connexion qu'il établi avec son lecteur à travers ses romans. / I study the alexandre Dumas's theater, the relationship beetween author and his public

Les opéras de Benjamin Britten témoignent de l’engagement de leur auteur pour le renouveau de la scène et de la dramaturgie au XXe siècle. Par son travail avec l’avant-garde théâtrale (musique de scène, drame radiophonique, musique pour films documentaires), Britten a su se nourrir des innovations marquantes du début du siècle, se révélant alors un formidable passeur des théories et esthétiques dramatiques de cette période. Si ses oeuvres lyriques sont le lieu où cet apprentissage est mis en pratique, elles proposent et expérimentent également de nouvelles dramaturgies scéniques. La dramaturgie brittenienne n’a pas laissé le public indifférent : vivement appréciée des grands metteurs en scène européens, elle bouscula les Français dans leurs habitudes et leurs a priori face à la musique anglaise. / Benjamin Britten’s operas are witness to their author's commitment to a renewal of the stage and dramaturgy in the 20th century. Through working with the theatrical avant-garde (stage music, radio dramas, music for documentary films), Britten knew how to take advantage of the outstanding innovations of the beginning of the century, becoming a wonderful conduit of the theories and dramatic aesthetics of that period. While he put this apprenticeship into practice in his lyric works, these works also suggest and experiment with new scenic dramatic arts. Britten's dramaturgy did not leave the public indifferent; keenly appreciated by the great European theatre directors, it jostled the French out of their habits and their prejudices against English music.

Cette thèse propose d’étudier l’oeuvre tant cinématographique que télévisuelle d’un cinéaste singulier, Jacques Rozier, au regard des différents dialogues qu’elle engage entre l’art et la vie afin de questionner ce couple conceptuel. Auteur d’une oeuvre prolifique et figure emblématique de la Nouvelle vague avec Adieu Philippine (1963), Rozier constitue un modèle de cinéaste atypique tant par ses méthodes de création par la forme que prend son parcours du milieu des années 1950 à aujourd’hui. Son rapport à l’écriture cinématographique se caractérise notamment par une conception de la création comme aventure justifiant l’invention de conditions de tournage susceptibles de faire advenir l’imprévisible. Ces méthodes engagent ainsi un type de relation au réel, à la technique, aux acteurs, au tournage, soit plus généralement à la mise en scène, qu’il s’agira de qualifier. Naviguant au gré du vent, il ne cesse d’effectuer des va-etvient entre long et court métrage, fiction et documentaire, cinéma et télévision, culture savante et culture populaire. En s’intéressant à l’ensemble de ces objets autant du point de vue de l’étude esthétique que de l’analyse génétique en passant par la compréhension des modalités de fabrication ou de réception par le spectateur, il s’agit de définir une stylistique et d’interroger le fonctionnement des différents mécanismes d’interactions, de circulations et de débordements en jeu dans ce travail. / This doctoral dissertation aims to investigate the cinematographic as well as televisual work of a singular filmmaker, Jacques Rozier, in the light of the different dialogues it engages between art and life in order to interrogate this conceptual couple. Author of a prolific work and emblematic figure of the French New wave with Adieu Philippine (1963), Rozier represents an atypical template of filmmaker, both because of the ways he used to create and of the shape taken by its career from the mid-1950s until today. His relationship with cinematographic writing is notably characterised by the conception of creation as an adventure, justifying the invention of a shooting environment allowing the unpredictable to happen. Such methods thus engage a kind of association with reality, with technique, with performers, with shooting, infact more generally with mise-en-scène, which is going to be characterised here. Sailing with the wind, he is continually going back and forth between long and short films, between fiction and documentary, between cinema and television, between intellectual and popular culture. By focusing on all these items in terms of aesthetic study as well as genetic analysis, and through an understanding of the terms of creation or reception by the viewer, it is about defining stylistics and interrogating the operations of the different mechanisms of interactions, of motions and of overflows involved in this work.

Notre thèse part de l’intelligibilité habituelle de la société haïtienne pensée dans un rapport de déterminité avec la colonie.Le sujet postcolonial est un sujet auto-enchaîné, autodestructeur et non émancipé par le fait que sa subjectivité serait produite par la colonialité. Par-delà ce schéma, nous émettons l’hypothèse que la Révolution haïtienne de 1804 peut être pensée comme une scène décoloniale dont la répétition peut être vérifiée dans l’Histoire et la radicalité susceptible de fonder une citoyenneté émancipatrice. Sa vérité se déploie dans une rencontre polémique avec la modernité. Elle devient le site d’un contre-imaginaire qui produit le détachement de l’imaginaire de la domination et une expérience de fondation et de commencement qui doit être étudiée en lien avec les conflictualités.L’oubli du citoyen vient de l’impossible croisement de la stásis et du dêmos contre l’ordre social de domination pour rendre effectifs de nouveaux droits face aux potentats au nom de l’égalité et de l’émancipation.La thèse est divisée en trois parties et neuf chapitres. La première partie traite du procès d’altérisation du sujet colonial en lien avec la subjectivité occidentale, les formes ambivalentes de ses revendications et de son auto-institution sans pouvoir s’auto-abolir. La deuxième aborde la question de l’interprétation de la Révolution et les formes de domination post-coloniale. La dernière partie retrouve la mémoire d’une exigence de fondation et de commencement au regard de l’idée de scène décoloniale porteuse d’une brèche-anarchique. Elle appréhende ensuite les rapports entre violence, pouvoir et conflictualités au regard d’une reconfiguration décoloniale du monde. / My doctoral thesis is a critical reading of the traditional intelligibility of the Haitian society which includes it in the relationship where its being is determined by the slave colony. The postcolonial subject is a self-chained subject, self-destructive and not emancipated one, because his subjectivity is produced by the coloniality. Beyond this interpretation, we hypothesize that the Haitian Revolution can be interpreted as a decolonial scene whose repetition can be verified in History and whose radicality can be found in an exigency of emancipating citizenship. Its truth manifests itself in the polemical encounter with the colonial modernity. It becomes the site of an against-imaginary which would bring the detachment of the imaginary of domination and a difficult experience of foundation/beginning which must be analyzed by taking into account the conflictualities. The forgetting of the citizen results of the impossible cross-road between stásis and dêmos against the social order of domination to make actual new rights in the name of equality and emancipation.The doctoral thesis is divided into three parts and nine chapters. The first part studies the othering process of the colonial subject in connection with Western subjectivity, the ambivalent forms of its claims and its self-institution not being able to self-abolition. The second part analyzes the interpretation of the Revolution and the post-colonial forms of domination. The last part finds the memory of a demand of foundation and beginning. It apprehends the relationships between violence, power and conflictualities with the aim of reconfiguration of the post colonial-world.

Quel rapport y-a-t-il entre lire et penser? En empruntant à l'Éthique de Spinoza et au Plaisir du texte de Roland Barthes, nous postulons que pour penser, le lecteur a besoin d'être affecté par ce qu'il lit. En empruntant aux principes d'émancipation intellectuelle de Joseph Jacotot, nous considérons que tout le monde peut penser à la lecture du texte philosophique quand il est touché par celui-ci, à contre-courant d'un imaginaire hiérarchique très ancien et toujours ambiant. À partir de là, qu'est-ce qui fait que le lecteur pense par ses propres moyens, qu'il s'interroge à la lumière de ce qu’il a lu? Diverses théories de la lecture (Iser, Jauss, Eco, Picard, Thérien) ont intégré à leurs propos l'affection du lecteur, y voyant un élément important de la composition du sens. Cependant, ces théories tendent à associer la constitution du sens à l'harmonisation des tensions ressenties. Mais alors, si un retour au calme se produit en rendant le texte « sensé », c’est-à-dire cohérent, comment faire pour continuer à penser, avec ce que la lecture nous a fait ressentir? Notre apport repose sur une étude thématique montrant le lien intrinsèque entre les sensations et le phénomène scénique, ainsi que le rôle moteur de la scène dans les théories de la connaissance développées en Occident (chez Platon, Kant, Wittgenstein, Nietzsche). La scène permet ainsi de concevoir la pensée du lecteur au-delà de la composition du sens. En faisant comme si le texte philosophique qu’il lit était une scène – ce qui relève de la métaphore –, le lecteur élabore une cohérence d'ensemble. L’objectif de notre méthode est que, une fois la lecture achevée, sur la scène développée par le lecteur se déploient des sensations en tension. Ces tensions irrésolues donnent à penser, poussent à réfléchir, stimulent la capacité réflexive de chacun. L'approche élaborée est mise en pratique à la lecture du Banquet de Platon, du Maître ignorant de Rancière, de l’Ecce homo de Nietzsche et du Discours de la méthode de Descartes. Les « scènes de pensée » que nous construisons laissent des tensions insupportables. Elles donnent la matière et l'élan d'un questionnement sans réponse immédiate.

Este trabalho explora a construção da mise en scène dentro do processo de realização de \"Eu te Levo\", primeiro longa-metragem de ficção dirigido pelo pesquisador. Ao deslocar a observação da obra terminada para o seu processo, a noção de mise en scène, que já foi intensamente discutida pela crítica cinematográfica, toma novas fronteiras. Nesta perspectiva, a mise en scène envolve uma série de ações dispersas no tempo da realização, que vão desde as indicações contidas no roteiro até a reconstrução das cenas na montagem, que não são consideradas quando se observa apenas o filme na tela. Assim, pretendemos oferecer caminhos para o desenvolvimento de uma noção de mise en scène em sintonia com as necessidades de análise e reflexão sobre o a prática da criação por parte de diretores e estudantes de cinema. / This work explores the construction of the mise en scène inside the realization process of the movie \"I\'ll Give You a Ride\", first fiction feature film directed by the own researcher. By displacing the observation of the finished work to its process, the notion of mise em scène, sorely discussed by the film criticism already, takes new frontiers. In this perspective, the mise en scène involves a series of actions scattered in time, ranging from notes in the script to the reconstruction of the scenes in film editing, that are not considered when you only watch the movie on the screen. So, we intend to offer paths to the development of a notion of the mise en scène in line with the needs of analysis and thinking about the practice of creation by director and film students.

Le XVIIe siècle a connu l’épanouissement de la création des tragédies. Notre thèse propose une étude sur un composant moins étudié de ce théâtre, l’espace. Le premier chapitre de notre étude essaie d’abord de dessiner la géographie de la tragédie de l’âge classique et établir des liens éventuels entre les lieux et les thèmes, ensuite nous étudions les différents espaces représentés par la scène et leurs caractéristiques. Le deuxième chapitre quitte la scène pour s’intéresser à la topographie des espaces hors scène. Nous verrons les fonctions de ces espaces hors scène et leurs échanges avec la scène et les dynamismes qui s’en dégagent. Conformément à une esthétique épurée, la tragédie classique relègue de nombreux événements hors scène. Nous cherchons, dans la deuxième partie de ce chapitre, à classer ces événements et nous nous interrogeons sur les diverses raisons pour lesquelles ils ont lieu hors scène. Le troisième chapitre se penche sur l’espace en parole, l’espace tel qu’il est vécu par les personnages. Nous analysons comment les personnages associent des espaces (en scène ou hors scène) à différentes expériences humaines et aux différents destins. Dans certaines pièces, l’espace peut même être au centre d’un enjeu. Nous analysons les enjeux qui se jouent autour de l’espace. Le quatrième chapitre est consacré à l’étude des mouvements des personnages et des objets en scène. Les mouvements des personnages et les objets théâtraux contribuent aussi à la construction de l’espace théâtral. La scène tragique est globalement un espace dépouillé où les héros sont primordialement des « êtres-parlant ». Les gestes et les objets, quand ils existent, sont autrement signifiants sur la scène tragique. Nous concluons que l’espace est loin d’être un décor inerte dans la tragédie française du XVIIe siècle. C’est un élément actif qui entretient diverses dynamiques avec les personnages. / The 17th century has witnessed the full bloom of the creation of the tragedies in France. My thesis proposes a research on a less studied component in this theatre—space. The first chapter of my study tries to draw the geography of the classical age tragedy and establish the possible links between places and themes, then I address myself to the different spaces represented by the stage and their characteristics. The second chapter quits the stage to discover the offstage topography. We shall see the function of these offstage spaces, their exchanges with the stage and the dynamisms that come from these exchanges. Conforming to a purified aesthetics, the classical tragedy relegates numerous events behind the scene. In the second part of this chapter, I try to classify these events and question why they happen offstage. The third chapter approaches the space in speech, the space as it is experienced by the characters. I analyze how the characters associate the spaces (on stage or offstage) with different human experiences and destinies. In certain plays, space itself can be at stake. The stakes implicated in space will be analyzed. The fourth chapter focuses on the characters’ body and objects on stage. Characters’ movements and theatrical objects contribute to the creation of theatrical space. The tragic scene is overall a stripped space where the heroes are primordially ‘speaking beings’. Gestures and objects, when they exist, are highly significant on the tragic scene. Lastly I conclude that space is far from being an inert set in the 17th century French tragedy. It is an element that maintains different dynamics with characters.

Cette thèse a pour but de comprendre la situation communicationnelle des valeurs et connaissances délivrées par un musée d’art en République de Corée. Pour ce faire, nous avons choisi de mener une analyse approfondie d’un type de dispositif expographique de vulgarisation : la restitution d’un sarangbang, proposée par le National Museum of Korea (musée des beaux-arts) et le National Folk Museum (musée ethnographique) de Séoul. Nous abordons ce dispositif comme constituant un archétype paradigmatique des productions architecturales coréennes et comme un condensé de plusieurs problématiques relatives aux arts et aux musées de la péninsule.Que ce dispositif soit conçu comme un intermède visuel et matériel visant une contextualisation des objets exposés dans une salle d’exposition, ou qu’il soit envisagé en tant qu’objet exposé créé récemment pour l’exposition muséale, la conception et la perception de ce sarangbang au sein d’un musée fait appel à des connaissances scientifiques relatives au sarangbang ainsi qu’à la société et à la culture dont il relève. Il communique également diverses perspectives ayant trait aux arts, aux objets destinés à être exposés, aux supports expographiques et aux visiteurs des musées.L’étude de concepts tels que ceux de musée national, d’art, de patrimoine confucéen, et l’analyse sémio-pragmatique de la restitution d’un sarangbang par ces deux musées nationaux nous permettent de comprendre la situation communicationnelle produite autour de leur mise en exposition : avec ces dispositifs de sarangbang, les musées transmettent une information qui ne dévoile qu’une partie des faits historiques sans suggérer l’existence de bien d’autres choses. La stratégie de vulgarisation scientifique est uniformisée par des critères subjectifs édictés par l’État dont l’intention politique est de promouvoir les valeurs confucianistes dans la société coréenne et au monde entier. En outre, d’autres stratégies de vulgarisation scientifique portées par des signes iconiques font circuler de faux savoirs visuels sélectivement forgés actuellement par certains muséographes œuvrant dans les musées d’art. / The aim of this dissertation is to explore the communicational situation of knowledge and values delivered by an art museum in the Republic of Korea. To this end, it approaches a specified type of exhibition device: the restitution of a sarangbang, proposed by the National Museum of Korea and the National Folk Museum of Seoul. The device is here considered as a paradigmatic archetype of Korean artistic productions, and as a condensation of several problems related to the arts and museums of the peninsula.Whether conceived as a visual and material interlude aiming at a contextualization of the exhibited objects in an exhibition gallery, or apprehended as an exhibit only recently created for the museum exhibition, design and perception of this sarangbang within a museum makes use, not only of scientific knowledge relating to the sarangbang as well as to the society and the culture to which it belongs, but also various perspectives relating to the arts, the objects displayed, and to museum visitors.The study of concepts such as the national museum, art, Confucian heritage, and the semio-pragmatic analysis of the restitution of a sarangbang by these two national museums allows us to understand the communicational situation produced around their mise en exposition. With the device of sarangbang, the museums transmit information that selectively reveals the historical facts without acknowledging the existence of many more and possibly different ones. The strategy of popularizing science is framed by subjective criteria, enacted by the state with the political intention of promoting Confucian values within Korean society and the world. In addition, other strategies of popularizing scientific knowledge via iconic signs circulate false visual knowledge, selectively forged at present by curators in art museums.